昨年2022年に20周年を迎えたSAはパンクバンドという枠に収まりきらない、さまざまな音楽をかき鳴らしてきた。その飽くなき探求心こそ、底抜けにハッピーで常に前を向いて突き進んできたバンドの生き様そのものであり、それは新ドラマー・ANNYの加入によりますます加速している。10月に全国リリースされた最新作『hopes』を聴けば、これまで以上の音楽性の振り幅とバンドの懐のデカさがしっかりとパッケージされていることがわかるはずだ。 しかしながら、その背景には大きな困難があったという。 自らのファンを“コムレイズ”と呼び、戦友として共鳴しあってきた彼らにとって、新型コロナウイルスによるパンデミックという未曾有の事態、制約のあるライブ状況は大きな壁として立ちはだかった。そうした苦境の中で作り上げられた『hopes』。 「最後の作品になるんじゃないか──」 そこまで追い詰められた心境だったと明かすTAISEI（Vo）が、その胸中を余すことなく語ってくれた。どのようにして苦境の壁を乗り越えたのか、新しい扉を開く11月のワンマンへの想い、その熱き闘志を感じ取ってほしい。

──オフィシャルYouTubeの、最新作『hopes』についてメンバー4人が語る＜Message from 『hopes』＞の中で、「コムレイズのための音楽を作ったら終わると思った」というTAISEIさんの発言がすごく印象的でした。 この3年間のコロナ禍で、虚勢を張っていた部分があってね。例えば、もうコロナが終わったような曲を作ろうとか、もっと言えば「こんな中でも俺はやれてるんだぜ！」といった、コムレイズに対して強くいなければいけないという強迫観念みたいなものがあって。それを作品にしてたんだけど、もういよいよそんなことも言っていられないところまで追い込まれていたんですよ。それに、ここ何年かのメジャーでの作品ではいろんなタイプの曲を作ってきたんだけど、どこか奇を衒っているというか、変化球みたいものをあえて作ってたような気がするんですね。 ──メジャーというのは意識しないと言いつつもそうなっていた。 「これはちょっとノーザン・ソウルみたいにやろうよ」とか、そういう楽曲ありきみたいなところがあったんだけど、今回『hopes』は言葉が先に出たっていうのが大きかった。この言葉だったらこういうサウンドがいいんじゃないかとかね。その言葉も昔だったら「俺たちが一番だ！」みたいなことだったけど、さすがにこの3年間の中で僕は折れてたと思うんですよね。だから、これが最後の作品になるんじゃないかくらいの気持ちだった。SAとしての作品はこれが最後……そう思ったときに、コムレイズのことよりも自分のことだろうっていうところに行き着いた気がしましたね。それが「コムレイズのために作品を作ったら終わる」っていうことに繋がるのかもしれない。 ──SAはライブをはじめ、バンドとコムレイズの熱のぶつかり合いみたいなところでずっとやってきたバンドだと思うんです。だからこそコロナ禍の声が出せない状況において、TAISEIさん自身がSAの在り方について深く考えてしまったわけですか。 それが大きかったですね。この3年間での活動はやっぱり疑問符が共にありましたよ。声を出せない、コムレイズの熱量が感じられないライブを自分の中で正当化するわけです。「これもSAのライブなんだ」って。SAはダイブやモッシュがなくても成立する曲があるし、自画自賛するわけじゃないけども、僕らは演奏も歌も上手いと自負してるんでね。だから、いわゆる“ギグ”ではなくて“コンサート”っていう形が取れるのもわかってるんですけど、どこかで疑問があった。そんな3年間を過ごしてきたわけだから、普通だったらめちゃくちゃパンクのアルバムを作ると思うんですよね。でもそこじゃなかった。悪しき3年間から扉が開いた今、完成したアルバムがシンガロングやモッシュやダイブが起こるようなパンクロックではなかったということに、自分の中で「あー、なるほどな」っていう納得があるんですよね。

──アルバムが完成してみての気づきであり、疑問に対する答えがそれだった。 「もうすぐコロナ明けるぞ、客が大暴れするような曲を作らなきゃ」だったらコムレイズ側に立ってるんだけど、僕が作りたかった、歌いたかったものは今回の『hopes』みたいな曲だったということです。だから狙ったわけではないし。6曲というのもよかったかもしれない。 ──厳選に厳選を重ねられた曲、という精鋭感があります。 デモは12〜3曲あったので、フルアルバムっていう形にもできたんですけど。でもここは今言われたように、厳選したかったっていうのはありますね。 ──コムレイズのための音楽じゃないものを、という意識は、NAOKI（Gt）さんをはじめ、バンドとして共有していたところでもあったんですか。 いや、正直な話、今回は僕1人の暴走であることは確かだと思いますね。プライベート含め、非常にいろんなことがありましてね。その中で自分は音楽家として何を統括するべきかということを昨年くらいからすごく考えて。乱暴な言い方をすれば、メンバーのこともコムレイズのことも考える余裕がなかったというか。自分で作らなきゃっていう使命感みたいなところだけだった気がします。なので、メンバーに渡すデモはギターもベースもドラムもコーラスも、構成から何から何まで完璧な状態で渡しました。だからメンバーはもう少し自分たちの入る余地も欲しかったと思ってるかもしれない。そこまで来ちゃってたのかもしれないですね、僕は。 ──かなり追い詰められている心境であったと。 うん。でも今、この曲たちをライブで演奏してるわけですけど、共有できてるんですよね。メンバーともコムレイズとも。だから間違ってなかったなと思いますよ。

──TAISEIさんの出した答えがSAとしての答えでもあって、それがコムレイズにもちゃんと伝わって、手応えを感じられている。 感じられてますね。SAはいろんな音楽をやるパンクバンドとして活動してきたんですよね。ジャパニーズパンクの型にハマった、古典芸能みたいなことをやることに対して僕はすごく否定的だから。もっといろんないいものを吸収するパンクバンドでありたくて。だから肩肘張って突っ走ってきたところもあるんです。でも今はすごく肩の力を抜いてそれができてるんですよ。 ──本当の意味で、自分が純粋にバンドと音楽を楽しめている。 楽しめているし、続けるにあたって自分に対する決着をつけなきゃいけないところに立ったと思うんですよね。後になってどういう形になろうが、自分でケツを拭けるものを作らないとな、という意識は強くあります。速いビートでみんなが歌えて、ハッピーでアツくて男臭くて強いっていう、それがSAっぽい曲なのかなとも思うんですけど、どこかに弱い自分だっているわけです。ひとりの人間としてね。そういうところを包み隠さず書きたいなっていうのは今回ありましたね。コムレイズには「TAISEIはいつも強くて、いつも俺たちを引っ張ってくれて、背中を押してくれる」と思われてるのかも知れないけど、僕だって押して欲しいよっていうときもありますから。 ──TAISEIさんの歌詞は、過去を振り返らず常に前を向いてるし、他者に強制はしないですよね。問い掛けや励ましはしても、ああしろこうしろとは言わない。 ああ、そうですね。男性も女性も歌詞に共感してくれることは多いんだけど。でも共感してもらうために書いてるわけじゃなくて、自分に言ってるんですよ。自分に対して「お前、どうするんだよ！」って。それを歌にすると、コムレイズに訴えかけるように聴こえるのかもしれない。そこがいい塩梅なのかなって思いますね。 ──己を鼓舞することが他者にも力を与えることになっているのは、表現者として嬉しいですよね。本作の“明日さえあれば”はタイトルからしてストレートで前を向いているところでもあって、聴こえ方は柔らかいけど《やさしい戦いの歌》と歌っている。強い曲ですね。 強いけど弱さも同居してる、いわゆるラブソングですよね。SAは今までいろんな曲を作ってきましたが、正真正銘のラブソングはこれを含めて数曲しかない。あえて避けてきたんですけど、今年56歳になりまして、そういうことも歌いたいなって、楽に考えるようになってきたんだと思うんですよ。 ──そういった心の変化や弱さでいうと、リード曲の“敗れざる者”。強いイメージのあるSAが敗者を掲げたタイトルというのがすごくいいなと思いまして。「負け犬の美学」は極端ですけど、強がりというか、弱いからこそ強くありたい、強く見せたいところだと思うんです。 うん、そこですよね。僕はずっとそういう人間だったと思いますよ。周りからは、すごく強くて、イケイケでオラオラで、というイメージなのかもしれないけど。でも、ずっとビビって生きてきたと思います。だから虚勢を張ってきたような気がするんですよ。それでみんなを騙せてるのかもしれない。本当は弱いっすよ。 ──だからこそ、バンドをやっているというのもありますよね。 かもしれないですね、うん。

──昨年12月に吉田豪さんの配信番組＜猫舌SHOWROOM『豪の部屋』＞に出演されて。ああいうTAISEIさんの人間的な部分は、ステージでの“SAのTAISEI”しか知らない人にとっては新鮮だったのではないかと。 素でよかったって、友達からもすごく評判良かったんですよ。カリスマとか、ロックスター、パンクヒーロー像みたいなものがあるのかも知れないけど、そんなことはない。中身は「普通です」っていう。ただ、ステージに出たら「勝ちたい」っていう気になるんですよね。それがスイッチなんでしょうけど。前に、いわゆる裏社会の怖い人がSAのステージを観てくれて、「TAISEIさん、“かかってこいや！”って言ってるけど、もし僕みたいなのがかかっていったらどうするんですか？」って訊かれたんですよ。で、僕は「ステージ下だったら謝るけど、ステージに立ってたら戦う」と答えたわけです。そのくらいステージでは勝ちたいと思ってるんでしょうね。

──自分の居場所を守る、というところですね。 自分の存在意義というかね。 ──そういう意味でも、バンドのフロントマンとしての意識もコロナ禍で変わったところはあります？ ありますね。バンド4人で運命共同体みたいなところはあるんですけど、ボーカリストはみんなの目と表情を見て、感情を読み取って歌で伝えるわけです。NAOKIもKEN（Ba）もANNY（Dr）も、コロナ禍でそれぞれ傷ついて凹むわけですよ。でも彼らは音を鳴らすっていう、ある種の逃げ道があるけど、僕の場合は断絶された中で歌を届けることができない現実に叩きのめされた。そういう意味でボーカリストっていうのは孤独だなって。よくほかのバンドのボーカリストと話をすると、「独りぼっちになるときがある」みたいな話になるんですよ。それをこのコロナ禍でまざまざと感じましたね。 ──本当の意味で“自分の声”で勝負しなきゃいけない、身を削っていくしかないところはありますよね。 歌を30年やってきてね、本当に自分の存在意義に気づいた、歌を歌うことの意味がわかったのはここ3年、4年ぐらいですよ。コロナ禍で鍛えられましたね。これは変な話ですけど、歌がヘタなやつはやっぱダメですもん。パンクは吠える、シャウトだっていうのはあるかもしれないけど、ヘタはダメよっていう。そこはコロナで露呈したんじゃないでしょうか。売れてる連中も売れてない連中も横並びになった。そこから逃げてライブをやらないやつもいたけど、僕らはやりましたから。そういう意味でも、そこら辺の連中より絶対上手いよっていう自信はありますね。 ──いろんなものがバレちゃったコロナ禍でもありましたよね。オーディエンスのパワーに頼れないところもあって、誤魔化しが効かなくなったし。 パンクバンドは露骨ですよ。ヒット曲でダーッと客がダイブしてモッシュしてみんなで大合唱するんだけども。大合唱もできないモッシュもできない、そこでどうやって勝負するの？　って。やっぱ、歌と演奏で勝負するしかないですから。 ──SAとしてのの大きな変化でいえば、今年2月にドラマーのANNYさんが正式加入しました。 ANNYの前のドラマーが入ったとき、「これで4人一致団結、大花火だ！」なんて言っていた矢先のコロナ禍だったわけです。それでメンバーの仲もガタガタになっちゃったし。疑心暗鬼というか、精神衛生上よくないことになっちゃって。それで案の定、ドラムが辞めた。ANNYはサポートとして1年やったんですけど、それでいいかなと思ったんですよ。「4人のメンバーで」はもういいかなって。ただ、ジャパニーズパンクだけではないグローバルでいろんな音楽性を取り入れたいと思ったときに、ANNYというドラマーが入ってアコースティックライブをやったら、彼の中の引き出しがすごく多いことに感動したんですよ。それによって僕の歌も曲も、もっと良い色が出せるようになった。彼は曲のイメージからすぐにドラミングを考えられるんですよね。サポートミュージシャンとしてもいろいろなところでやってる人なので、すごく勉強になりますね。

──SAの音楽的な振り幅をさらに広げるにあたって、大きく貢献しているんですね。 それに彼は言葉をすごく理解したがるタイプでね。「どういう気持ちでこの歌詞になったんですか？」って訊いてくるんですよ。それを説明するとドラミングに反映されるんです。今まではこれはスティッフ・リトル・フィンガーズだ、これはランシドだ、っていうサウンドで感じ合っても言葉は違ったりしたんです。だからそこを汲み取ってくれるのは、ANNYのドラマーとしてのいいところだなと思いますね。 ──ドラマーとしては珍しいタイプですね。アコースティックライブの話も出ましたが、SAにとってのアコースティックライブはどのような位置付けなのでしょうか？ アコースティックは初代のドラムの時代もレコードショップのイベントスペースでやることもあった。でもそれはエレキが鳴らせないからっていう“なんちゃって”なんですよ。カホンとアコースティックギターとアコースティクベースでやって、それでもみんなで「オイ！オイ！オイ！」と叫んだりする。でもANNYが入ったことによってそうじゃないものができるようになった。ちゃんとお金が取れる、なんちゃってじゃないもの。うちはバラードもありますし、フォーキーな曲もあるんで、アレンジをガラッと変えてね。NAOKIは最初嫌がったんすよ、ガラッと変えることを。でも僕の中にはもうアイディアがあったから。結果、すごく素晴らしいアコースティックスタイルができた。今後はアコースティックも力入れていきたいなって。それがいろんなことができるSAっていうところかなっていう。僕はそっちで歌うのもすごく楽しいんですよ。まぁ、年齢もあるんでしょうけどね（笑）。

──ここに来て、バンドの新たな可能性を見い出せたというのは素晴らしいことですね。 本当ですよ。SAは今年で21年目なんですけど、普通は失速してますよね。SAは落ちそうになると、ご褒美があるんすよ。アメリカツアーや台湾ツアーが成功したり、日比谷野音だったりとかね。だから、もう1回ご褒美が欲しいなぁ（笑）。 ──バンドとして上向きになっていると。そういう幅の広がりがバンドの余裕でもあって、それが今回“敗れざる者”をリードにしようと思ったところに現れているような気がします。 これはデカいですよね。いつもだったら“BRING BACK HOME”か“NO RAIN,NO RAINBOW”になるはずなんですよ。“敗れざる者”は6分くらいあるし、普通だったらリードにしないです。でも僕はもう曲ができたときから「これをリードで！」ってメンバーを説得して。自分がグッとくるもの、歌っていて泣ける歌でないと嫌なんですよね。もうパンクバンドだろうがロックバンドだろうが、何でもいいから自分を感動させたいっていう。今回、レコーディングは1月にやったんですけど、昨年の8月くらいからもうデモを作ってましたから。レコーディング自体も早かったですよ。6曲を2日で歌いましたし。だから、ノってたんですよね。ノってるとガーッと、イケるんすよね。 ──その熱量は作品から充分に感じます。 僕は今までずっとキャッチーなものであるべきだと思って曲を作ってたんです。でもポップで明るいものだけがキャッチーなわけじゃないなっていうところ至った。僕みたいなMTVや歌謡曲で育った人間は、どこかで“ポップ＝キャッチー”と思っていて。でも“破れざる者”は、後半はすごくキャッチーになるけどAメロとBメロはすごく平坦でね。昔だったらもっとメロディをつけちゃう。メロディがあるものがいいっていう時代に生まれたから。だけど、この曲は洋楽的に平坦なメロディをギリギリまで持ってきて、サビでキャッチーを活かしながら大サビでもっと、みたいな。挑戦だったけど、いい感じに落とし込めたと思いますね。 ──確かに洋楽と邦楽のいいとこ取りみたいな雰囲気があります。そういう楽曲の幅やアコースティックも然りなんですけど、何をやってもSAになるという自信をこれまで以上に感じます。 やっぱ、僕が作ってるからSAになるよね（笑）。だからこそギターソロはNAOKIちゃんに任せようっていう信頼もあるし。それが僕らの21年なんじゃないですかね。

──あと、演奏は実際抜群に上手いですけど、“上手く見せない上手さ”っていうのもものすごくあるなと思ってるんですよ。 ああ、上手く見せないね、確かに。そこってすげえ大事。それも裏を返せば、上手くないのに上手く見せようとしてるのかもしれない（笑）。ロックバンドっぽいっすよね、そういうの。あとは「いなたさ」じゃないかな。NAOKIの弾くギターソロみたいなのって、今の若い子は弾けないですよね、ああいうフレーズ出てこないでしょ。僕から言わせれば古臭いんだけど（笑）。そこが良さだったりする。 ──ライブに関してですが、コロナも明けつつ状況が戻ってきた感覚とまた新しいライブの形が生まれる予感、その両方があるんじゃないのかと思います。 みんなでシンガロングすることはSAの武器でもあったから。「そうそう、この感覚」ってのはあるんですけど、そのエナジーの種類が違うというか。昔はもっと食ってかかる、狂気乱舞するところがあって。それこそモッシュやダイブであったりとかね。でもコロナ禍で、どっかでクールダウンしたのかなっていうのはありますね。熱量があって暴れるけど、どっかでやっぱちゃんと聴きたいなっていう感じ。「あ、ええ曲やな」っていう気づきを得たというね。 ──ちゃんとライブを観る、歌を聴く、演奏を聴くことでの新たな発見はリスナー側に大きくあったと思います。 3年ぶり、4年ぶりにライブに来ましたっていう連中も多いんですよ。その中でやっぱり、音楽で心を動かす、背中を押すことができるんだなっていうことを改めて感じますね。「仕事でいろいろ悩んでるんですけど、3年ぶりにライブ来てよかったです、決心がつきました」なんて言われたら、やっててよかったなと思いますよ。たった1人でも人生の背中を押せれたっていうのがあるだけで、歌う意味があるんだなって。「まだやるぞ！」っていう気になれます。

──演者側も観客側も、ある意味でリセットされたところがあるのかもしれないですよね、ライブに対する想いや求めるものが。 ここからパンクのライブが戻ってきた、またダイブしよう、モッシュしようってなるのかもしれないけど、「音楽の本質って何なんだろう？」と気づくやつもいるでしょうね。だから今また新たな一歩を踏み出せている気がします。そういう意味では、コロナの3年間はいい勉強になったと思いますよ。 ──そして、＜『hopes』 Release Special Night＞と題したワンマンライブが、11月12日に大阪・Live House ANIMA、16日に東京・渋谷CLUB QUATTROで開催されます。どんなライブになりそうですか？ 『hopes』を出して、ちゃんとした全国ツアーができてなくて。何せ後先考えずにアルバム作ったところがあるから。でもやっぱりリリースパーティーはやりたいなっていうのがあってね。今年の2月16日に20周年の区切りのQUATTROワンマンをやって。QUATTROは僕らにとって非常に大事なハコであって。そこでコムレイズやコロナで離れてた連中が、もう一回新しいSAのライブの見方を模索してもらえるものもいいし、踊りたいやつは踊ればいいし。2月はまだコロナがギリギリのときだったから。今回はもう自由にやってくれっていうライブができると思うんでね。そういう場所をSAと一緒に楽しみながら、まだ言うか！？っていうくらい「もう1回、上へ行こうぜ！」っていうのを共有したいな。 ──改めてお互いを確かめ合う場であり、コロナ禍3年間の気づきを証明する場でもある。 それはデカいよね、コロナで見つけたことを見せたいし。スカしたりはもういらない。現在のSAの120パーセントを全部見せるよっていう感じでやろうと思ってます。面白いのが、今リハーサルやってますけど、結成当時の曲中心のセトリかといえばそうでもないんですよ。昔だったら初期の曲をみんなで歌う、そういうことがメインだったところがあるんですけど。大人になったのかな（笑）。 ──バンドが常に前に進んでいるということでもありますよね。長く続けていると演者もファンもどうしても懐メロを求め合いがちですから。 本当、それなんですよね。そこにいつもにジャパニーズパンクへの疑問があって。懐メロ合戦、古典芸能のライブね。こないだパンクイベントがあったんですけど、みんな30分メニューの最後は盛り上がるヒット曲で終わる中で、僕らは“敗れざる者”で終わるっていうね。それで周りは「SAは挑戦してる」なんて言うんですけど、いや、それは当たり前でしょっていうね。 ──やっぱり常に新曲が一番カッコいいと自信を持って活動したいですよね。 だから僕らのレーベルは〈NEXT-ONE RECORDS〉っていうんですよ。これはチャップリンの言葉で、「あなたの最高傑作は何ですか？」って訊いたら「The Next One（次の作品）」と答えたという。そこから取ってるんです。だから僕らの最高傑作は『hopes』の次の作品です。

現在進行形、今のSAが持つ魅力を最大限に表現したい！　共に歌い拳を挙げようぜ！　帰り道は希望が見えます様に！

ANNY

煩わしかった時が過ぎ、あの頃の我々のライブが戻ってきた！ その中で約3年振りとなるニューアルバム『Hopes』、それを引っ提げてのスペシャルライブだ、そりゃもう楽しみ！ 鼻息荒いよ！（笑） 大阪アニマ＆渋谷クアトロ、アツく激しくブチ上げようぜ！

NAOKI

俺たちとみんなの歌！ 大阪アニマと渋谷クアトロで大声出して一緒に歌おう！！！！ 笑顔のみんなに会えることをすご〜く楽しみにしてます^^

KEN

──お互いに初めて顔を合わせたのは、いつ頃でしょうか？

FKD　2019年の12月です。ちょうどサーバー（NAGAN SERVER）さんが東京に来てWWWで自身のイベントを開催するという時期でしたね。僕がサーバーさんと曲を作っていたタイミングで、そのイベントに遊びに行こうと思ったらZINくんのクレジットが載っていて。

ZIN　僕もそのイベントに出演していたんですよ。

──お互い初対面の際はどんな印象だったんですか？

FKD　ライブを見て衝撃を受けました。あの日に“The Longer”を聴いて結構食らったんですよね。で、会ってみたらめちゃくちゃ気さくで。

ZIN　ビートメーカーの人ってSNSで顔を出している人が少ないし、見えても顔を伏せていることが多いんですよね。だから顔もあんまりわかってなかったんですけど、FKDの場合は声をかけてくれた瞬間に打ち解けましたね。僕も社交的だけど人見知りなので、相手もちゃんと興味を持ってくれて心を開いてくれていないと、なかなかとっつきにくい印象があると思うんです。でもFKDは本当に話しやすかったし、すんなり仲良くなりました。

──どういうところで波長が合うなと思ったんですか？

ZIN　会う前からお互いの音楽がかっこいいと思っていたから音楽の波長は言わずもがな、それ以外の興味関心がすごく合っているなと思いましたね。2人ともお酒が好きだし、食の趣味や好きなブランド、好きな映画についても自然と話せました。

FKD　あとお互いにやりたいことを話し合うことも多いですね。音楽だけじゃなく、カルチャー全般で共通言語が多かったので幅広く話せて。今もそうですけど、当時は特に僕も音楽を軸に色々と活動を広げたいと思っていた時期だったので。

──音源制作やライブの演出など、FKDさんはZINさんのアーティスト活動にさまざま関わられていますが、それもその流れで始まっていったんですか？

ZIN　はい、特にライブの演出についてはよく相談しますね。彼はVIBEPAKというクルーを主宰していたり、舞台やミュージカルも見たりしているし、割と客観的に全体を見られる人という印象があり。

FKD　もともとミュージカルだったり、演劇だったり、舞台を見に行くことが多いという話も共通していたんです。僕が貢献できそうな部分に関してはサラッと相談をしてくれるので、実現できそうなことをお互いにキャッチボールしているうちに、気づいたら「もうやっちゃおう！」みたいな（笑）。だから最初から依頼されたというよりも、「こないだ話してたあの感じやりたくない？」って話しながら進める方が多いかもしれないです。

ZIN　僕は現実的なことをそれほど考えずに、とりあえずやりたいことをやってみるというタイプで、対照的にFKDは割と現実的な意見をくれるのですごく助かっていますね。

──最初に「やってみよう！」と話していたことが実現したのは？

ZIN　彼自身ビートのストックをたくさん抱えているから、最初にビートを3〜40個送ってくれて。全然形になってないけど、「あれも書きたい、これも書きたい！」みたいな（笑）。

FKD　ストックももちろんありましたけど、ZINくんをイメージして作った曲が何曲かあって、その中の一つが“Busy”だったと思います。

ZIN　会って2〜3日後には送ってくれたから、テンポのよさにすごくテンションが上がりましたね。

──前回のワンマンライブ＜RUN＞でFKDさんは開場してから開演するまでのBGM演出も担当されていましたね。どのような経緯でFKDさんに相談されたんでしょうか？

ZIN　確かシルク・ドゥ・ソレイユの話をしてたんだよね？

FKD　そう。僕がラスベガスでシルク・ドゥ・ソレイユのショーを見に行った時に、＜カー（KÀ）＞という火を操る演目を見た時の話をZINくんに伝えていたんです。かなり昔の記憶なので、その頃から演目もバージョンアップされているかもしれないですが、会場に入ると、その瞬間からスタッフさんや客誘導の方も全員演者、みたいな世界観で。まだ開演していないのに壁中に人が這っていたり、座席に座ってみたら耳元のスピーカーから音楽流れていたり、とにかく没入感がすごかったんです。その印象が僕の中で鮮烈に残っていて、ZINくんのライブでもそういう没入感を演出したいなと。

＜RUN＞に関してはビジュアル撮影に同行していたのもあり、僕自身ある程度世界観をイメージできていたので、ZINくんにそうした演出の方向性を伝えたところ、すぐ共鳴してくれました。入った瞬間から感じられる没入感をちゃんと作り込んだ上で、お客さんに見てもらえたらと思ったんです。

ZIN　開場から開演までの時間って普通DJが入っていたり、ただBGMが流れていたりしますよね。その時間が、お客さんが持て余す時間になってしまっているなと個人的に思うことも多かったんです。水族館のように、会場が開いて足を踏み込んだ瞬間から感動があると面白いよねとFKDとも話していました。開場の時間から異空間に入り込んだような没入感をみんなに感じてほしいと思っていたので、会場の照明もかなり落として暗めにして。終演後にSNSで検索したら、ちゃんとお客さんに世界観が届いているなと思える声も多かったですね。

──どんな投稿だったんですか？

ZIN　「開演前からライブが始まっているような空間だった」とか、「映画館に来たような気分だった」とか。僕のライブだけじゃなくて、会場に入った瞬間からその世界観を楽しんでくれた方が多かったみたいです。

──今までのお話で、お二人とも舞台演出がすごくお好きなんだなと思ったんですが、そうした話をされる機会も多いんですか？

ZIN　話しますね。一時期「サカナクションのステージ演出がすごい」と二人で盛り上がってました。

FKD　コロナ禍でサカナクションに改めてハマったタイミングがあり。彼らがミュージックビデオの世界観でライブ配信する、というコロナ禍だからこそできる企画を実践していたんですね。一曲一曲MVのディレクターがちゃんとコンセプトを作って、ライティングからプロップ、VJ的なものまでそれぞれ違う演出をしていて。リアルのライブ会場では体感できないであろう配信ライブならではの工夫や、当時配信で懸念されていたサウンド面でのアプローチまで、とても満足度が高いライブでした。

FKD　そういう手数のある演出を見て色々話したり、他のアーティストの気になるMVを見ながら、視覚的な演出についてポジティブな面もネガティブな面も共有し合ったりしていたんです。ライブを見た時も「あの人たちのあの感じが良かった」だったり、逆に「こうしちゃダメだよね」だったり、意見を交換し合っていました。

ZIN　彼も色々な演出を見ているし、細部まで説明しきらなくてもすぐに理解してくれるから、視覚的な演出については舞台演出に限らず二人で色々話しますね。お互い細かいところまで全部見ちゃうんです。

──＜RUN＞でのライブを拝見して、演出ももちろん素晴らしいなと思ったんですが、何よりアレンジが多彩だなと感じました。ZINさんの中でも、ライブアレンジは意識的に取り組まれていることの一つなのでしょうか？

ZIN　そうですね。でも原曲を聴きたいという人もいると思うので、やりすぎないようにしています。R&Bシンガーってライブの時に歌い崩しがちですけど、そうすることで原曲の良い部分を失ってしまうこともあるので、何度もライブで披露している曲や過去の曲をアレンジするようにして、新しい曲はある程度原曲のままでやるように意識しています。

FKD　ZINくんと一緒にライブをしたり、見たりしていると、ライブでの表現に対する考え方もしっかりあるんだなと気づくことが多いです。それこそZINくんとのライブで、僕とベースのKeityの三人セットで何度かライブしたことがあり。その三人でやるという行為自体もライブでしか見られないサプライズの部分ではあるんですが、それに伴って曲をアレンジしてみたり、リミックスしてみたりしてライブをするということにトライしたんですね。それ以来僕がバックDJで入ったセットの際に、三人で作ったリミックスの音源でライブするようになり。それもZINくんとのDJセットじゃないと体感できない出来事ですし、バンドセットのライブでも毎回違うエッセンスを入れていて、アレンジの中に別の曲を少しだけ混ぜるようなサプライズを仕掛けているんですね。そういうのを見ると、その瞬間、その時に見に来てくれた方に対して、どういうことを伝えられるのかをすごく考えているなと感じます。

ZIN　もちろん僕が飽き性なのも関係していると思います（笑）。あとバンドでライブをする時に、流している音源に同期しながら生バンドの音を足すアーティストもいると思うんですが、僕はその手法があまり好きじゃなくて。もちろんポジティブな面があるのもわかっているんですが、バンドセットの時はなるべくバンドの生音だけでやりたい。そうするとどうしても足りない音や、本来の音源には入っていない楽器が必要になることもあります。だから必然的にアレンジしなきゃいけない。FKDが今言ってくれたように、ライブってその瞬間だけだし、配信がない限りアーカイブもないじゃないですか。その瞬間を体験してもらいたいという意味でもアレンジはいつも考えています。

──今回リリースされたアルバムにも収録されている“綻び”についてお伺いします。この曲の制作はZINさんからFKDさんに依頼された形でスタートしたんでしょうか？

FKD　確か最初は別のデモを渡してましたよね？

ZIN　そう。

FKD　最近のZINくんのイメージとして、こういうビートがハマるんじゃないかと思うデモがいくつかあって、たまに作って送っていたんです。その中の一つで「これめっちゃ良さそう」と話し合っていたビートがあったんですが、なかなか歌がハマらなかったというか（笑）。

ZIN　ビートメーカーあるあるだと思うんですけど、FKDのビートって本当に歌がなくても聴けるんですよ。歌がハマる時ももちろんあるんですが、個人的にビートだけで聴きたいと思う時が結構あって。とはいえ最初に送ってくれたビートもすごく好きだったので、雰囲気はそのままに別のアプローチで作りたいという相談をしました。

FKD　その後にZINくんがアカペラで書いた歌をボイスメモで送ってくれたんですよね。

ZIN　うん。初めての経験でしたね。

──トラックよりも歌が先にあるという制作プロセス自体も初めて？

ZIN　はい。R&Bやソウルのマナーとして、グルーヴや言葉のフローを大事にしたいという思いもあり、もらったトラックにメロディをつけて、最後に歌詞をつけるというプロセスを採用することが多いんですね。ただ“綻び”に関しては、自分の中で歌いたいトピックが明確にあったので、歌詞から先に書いてみようと。なので、ジャンルにとらわれずにリリックを書き上げて歌ったものをFKDに送りました。FKDもそれを嫌がらずに、逆に面白がって作ってくれて。

──FKDさんは色々なアーティストのプロデュースを担当される機会も多いと思いますが、歌が先にあるという制作スタイルは新鮮だった？

FKD　新鮮でしたし、挑戦したいとも思えました。僕自身、元々サンプリングを軸にビートを作り続けてきたこともあり、音楽の理論は全く知らなかったんです。コロナ禍に色々と学び直そうと思い、音楽的な構造を勉強して、ここ最近やっとそれを理解しながら作れるようになったので、学んできたことをここで開放してみようと。ZINくんが送ってくれたボイスメモはちゃんと展開がある音楽だったので、それに対してアプローチするのがすごく面白そうだなと思いました。

僕は自分のライブの中で曲をリミックスして演奏したりもしていますし、他のミュージシャンのリミックス作品を作ったりもしているので、そういう意味では歌が先にあって、リミックスするような作業は経験がないわけではありませんでした。ただ今回のようにしっかりメロディラインがあり、かつ原曲がない状態の歌をアレンジするというのは初めての試みだったので、すごく勉強になりましたね。すぐにトラックのイメージが湧いたのを覚えています。

──その「挑戦した」部分というのは？

FKD　元々はHIPHOP、R&B、ブラックミュージックを軸にしていた自負があったんですが、コロナ禍を機にダンスミュージックだったり、映画音響だったり、色々聴く機会が増えて音楽の振り幅が広がったんですね。サウンドデザインの領域でも活躍されているHimuro Yoshiteruさんや、音楽クリエイターの若狭真司さんといったアーティストの方々が制作されているサウンドデザインやサウンドスケープ的な表現に対してすごく興味が湧いた時期で。そうした直感的に情景が浮かぶような立体感のある感覚を楽曲に落とし込むのが最近のテーマにもなっていて、今自分が制作しているソロアルバムにも盛り込んでいるんです。そんな新しい要素を歌と絡めて表現するきっかけという意味で、今回ZINくんと制作できた“綻び”は大きな挑戦でした。

──音数としてはすごくシンプルでミニマルですが、情景が浮かんでくるビートだなと思っていました。そこにZINさんの歌が入ってくることで、よりストーリー性を持って聴けたので、今のお話を聞いてすごく腑に落ちました。

ZIN　“Busy”の時も思いましたが、音数を少なくしてシンプルにするのはとても勇気がいることだと思うんです。なのにFKDのビートは存在感がある。だから本当にすごいなといつも思わされます。

FKD　最初は曲の盛り上げたい部分にしっかり音を積むんですよ。でも“綻び”の場合、歌のメロディ自体はある種わかりやすいラインなので、コードが表に出てくると「聴いたことあるな」と思うような曲になっちゃう。自分が思い描く楽曲の世界観としても、それは違うなと。歌のメロディがしっかりしていたからこそ、音数を少なくしたり、音を散らばす作業をしたりして、歌がないと成立しないというぐらいまで引き算をしていきました。結果的にすごく情景が浮かぶような空気感のある楽曲になりましたね。

──“綻び”の制作の中で、難しさを感じた場面はありましたか？

ZIN　実は歌のレコーディングをやり直したんですよ。これも初めての出来事で。当初は歌を重ねない方がいいかなと思いコーラスも入れず、歌い方のニュアンスとしてもうまく歌おうとはせずにミュージカルっぽく聞こえるように喋り口調にしていました。最初はFKDも良いと言ってくれていたし、僕もこれでいこうと思っていたんですけど、何度か聴いているうちに、FKDが「これでいいのかな？」って言ってくれて。僕もどこか違和感を感じていたので、結局録り直すことになり。僕が感じている違和感をFKDも感じていたんだなと思ったので、再録の時はFKDにもスタジオに来てもらいました。

FKD　ZINくんのアルバムに入る曲ですし、やっぱりZINくんが伸び伸びできる世界観でやりたいという思いはありました。本人の意向を尊重したいし、そもそも「再録しよう」とは提案しないタイプなんですよ。むしろその歌に自分で音を足して雰囲気を変えようとか、そういうアイデアに振ろうとする方で。でも色々と二人で模索しているうちに、ZINくんから「録り直そうかな」って提案してくれたんですよね。そうなったら僕も話せますし、もっとブラッシュアップできるようなアイデアも伝えられました。

ZIN　それも本当にありがたい。プロデューサーさんがいるレコーディングの現場も多いと思うんですが、僕の場合そういう方がいないのでレコーディングの時はいつも一人で録りに行くんです。今回も当初は自分の判断で録っていたので、人の意見って大事だなと改めて実感しました。

──アルバムの後半に“綻び”で感じられるような新しい要素が多く盛り込まれているなと思いました。そういう意味ではこれまでのEPのようなパッケージ作品とは一味違う作品だと思うのですが、収録する曲の構成を変えようという意識はあったんですか？

ZIN　今まではR&B〜ネオソウルといった自分のルーツにこだわってきましたが、今回はジャンルよりもコンセプトにハマるものを重視していたので作り方は違いますね。とはいえ、一枚目のアルバムなのでルーツ的な部分も外せなかったし、アブストラクトな要素やアンビエントなテイストを入れたり、生バンドだけで演奏した曲も作ったりしました。

アルバムが一つのプレイリストになっているようなニュアンスにもしたいなと思っていたので、前半の曲と後半の曲の印象が違うのはそれを意識していたからだと思います。今はアルバムという聴き方をしなくなってきたじゃないですか。でも僕は好きなアルバムを聞かれた時に挙げられる一枚があるし、今の時代にもアルバムを通しで聴けるような、ジャンルが片寄りすぎない作品にしたかったんです。

FKD　ZINくんは意図していないだろうけど、個人的にDJでかけたいなと思える楽曲もあり、それほど意識せずとも、ZINくんの根っこにある本当のルーツが反映されているんだなと思いました。

あとは一緒に作っているメンバーのみんなもZINくんへの理解度が高いなと。僕もメンバーのみんなを知っているので、綺麗に意思疎通できているチームでやれているんだなというのが客観的に感じられました。

──その点においては「CURVE」というコンセプトを感じられますよね。ZINさんは「誰かに寄り添うようなアルバム」をコンセプトに作りたいと以前話されていましたが、ZINさんが寄り添いたい人たちと一緒に作ったアルバムのような感じもしますし、それがリリックにも反映されていそうだなと感じていました。というのも、関係性を思い描かせるようなリリックが多いなと。

ZIN　僕が曲を書こうと思う時って、必ず人と関わって何かが起こった時なんですよね。自分のことを書いているつもりだけど、聴く人が誰かを思い浮かべているように感じられるのはそのせいかもしれないです。人から言われたことに共感して、自分のことのように考えて書いたり、シンプルに自分の恋愛を題材にしたり。本にある言葉に共感したとしても、それを書いた人がいるわけじゃないですか。一人で考えて曲にすることはほとんどないかも。この作品に関しては、特にここ1年の生活で起きた出来事をもとに書いています。

FKD　側から見ていて、＜RUN＞が起点になっているように思います。アルバムに参加している人たちも含めて、今関わっている人たちとの団結力が高まっていましたよね。みんなのモチベーションの高まりも含め、実現できたら面白そうと考えていたことをそれぞれが共有できた時期に作れたんじゃないですか？

ZIN　確かに。それはミュージシャンたちだけじゃなく、制作に参加してくれたビジュアルチームもそうです。やっぱりこれまで一緒に関係性を築き上げてきた人たちと1枚目を作りたいと思ったし、この作品だけじゃなくて今後もしっかり人間関係を築いてきた人たちと作らないと、自分の作品を愛してあげられないとも思うんです。フィーチャリングに唯一NF Zesshoが入っていますが、何かあるたびにDMでやりとりをしていましたし、人となりもなんとなく感じ取っていたからこそ、彼に依頼しました。彼には去年の＜RUN＞も見てもらって、僕もOll Korrectのイベントを見に行って。彼以外にもちゃんとつながりがある人たちと作ったので、自分だけの作品ではないなと実感しています。

──最後に、約1年間かけて制作した1stフルアルバムが完成してみて、改めてどう感じられているかを伺えますか？

ZIN　このタイミングでできて本当に良かったですね。本当に冗談じゃなく、別に評価されなくてもいいですし、別に遺作になってもいいとも思っています。もう作りたくないとか、もう音楽に興味がないという意味じゃなく、それぐらいの気持ちで作れたかな。それに今の流行りっぽい要素をそこまで入れていないので、長く聴いてもらったら印象も変わるんじゃないかなとも思います。自分がアルバムで聴きたいサウンドや内容が今ちょうど出揃った感覚もあるので。一枚の作品を作るというのはすごく意義深いなと思います。

──自分の想いもそうだし、一緒に作ってきた人たちとの想いも結実した一枚になった？

ZIN　そうですね。想いを共有する人たちとアルバムを作って、それをもってみんなとツアーをしてみたいと心から思います。そういう経験は、一緒に作ってきた人たちと共有したいですね。

Caravanのニューアルバム『1974』が9月13日にストリーミング配信された。昨年は初のインストゥルメンタル・アルバム『Wanderlust』を配信リリースしたCaravanだが、歌もののオリジナル・フルアルバムとしては約3年振り。その3年はパンデミック以降の特殊な時間でもあったわけで、文中で語っているように、Caravanにとっても自分を深く見つめ直す時間、過去の自分を振り返る時間でもあったと言う。

そこから時間をかけて紡がれ、ここに完成した『1974』は、Caravanが話す通り「ちょっと個人的なアルバム」であり、歌詞は内省的とも言えるだろう。が、音と歌は外に開かれており、ここからまた旅を続けて新しい物語を紡いでいこうとする彼の覚悟や希望が強く感じとれる。内を向いたところと外に開かれたところのバランスが実にCaravanらしいとも言えるこのアルバムと、10月9日に行われる14回目の日比谷野外大音楽堂公演について話を聞いた。

──3年振りの新作が完成しましたね。パンデミック発生からの約3年間、事態を静観してしばらく動きを止めていたミュージシャンもいましたし、止まることに抗い、工夫しながら活動を続けたミュージシャンもいました。Caravanさんは後者で。

メジャーのレーベルに属している方に比べたら僕は身軽に動ける部類なので、できることを探してひとつひとつやってみた感じでしたね。無観客で野音のライブをやってみたり、配信ライブをやってみたり。制限が多いなかで、じゃあ何ができるんだろうと探しながら、トライ&エラーを繰り返して進んでいた。

誤解を招きかねない言い方になるけど、それは楽しいことでもあったんです。全てが工夫でしたからね。何も起きずに今まで通り普通に活動していたら経験できなかったようなこともやれたし、それによって多少タフになれたところもあるかもしれない。しんどいなと思うこともありつつ、新しいことを試すことにちょっとワクワクしている部分もありました。

──そういった3年間を経て、内面的に変化したことや気づけたことはありますか?

基本的には、自分の中心にあるものは変わっていないと思っています。ただ再確認できたことはいっぱいあったかな。なんで音楽をやっているんだろうとか、なんでライブをしているんだろうとか。ライブができなくなって最初は、「ああ、困ったな」と思ったわけだけど、じゃあなんで自分は困っているんだろうと考えたら、それは生活のためというよりも、表現ができないことからくる不安だったり、落ち着かなさなんだとわかったんです。表現を続けること自体が、自分にとっていかに大事なのかがわかったというか。

──改めて、自分は表現者なんだ、表現を続けるべきなんだと実感した。

意地みたいなものもあったかな。これで折れてたまるかというような。今まで積み上げてきたものが自分にはあるわけで、それがどういうもので、どう活かせるのかを試されている気がしたんですよ。

お世話になっていたライブハウスやラジオ局がつぶれたりもしたし、地元のミュージシャンと会って話すと、今は何をやってもダメだと投げやりになっている人もいた。知り合いのミュージシャンで亡くなった人も何人かいました。コロナで亡くなった人もいたし、自殺しちゃった人もいた。そのくらいの出来事ではあったわけで、そういったことを背負って、自分は今後どうやって旅を続けていくんだろうということは、ずいぶん考えましたね。

Caravanという名前で全国あちこち旅をするのが生業だったけど、それができなくなったときに、じゃあ今はどういう旅をするのがいいのかとも考えた。それで自分の過去を振り返ってみたり、いろんな音楽を聴いたり、映画を観てみたり。そんなふうに自分を掘り下げる心の旅をして、それが次の表現にも繋がるんじゃないかとイメージした。

──これまでになく自分に向き合い、掘り下げる時間だったわけですね。

結果としてそうなりました。今回のアルバムはコロナ禍から録りためていた曲が入っているんですけど、その間のことというより、もっと昔の自分を振り返って作ったものが少なくないんですよ。今度の野音の日に49歳になるんですが、40代の終わりを前に自分のなかで人生の振り返り期間に入っているところがあって。今まで歩いてきた道を振り返っている曲がけっこう多いんです。

振り返りながら自分を見つめ直すというか、今までの自分を受け入れるというか。受け入れた上で、ここからどこへどう行こうかということをイメージして曲にしている。そういう意味では、ちょっと個人的なアルバムとも言えますね。自分の人生において、今がそういうタイミングなんだなという気がしています。

──コロナ禍だったからというだけでなく、年齢的なこともあって、人生の振り返りモードになった。

うん。

──だからなんでしょうね。新作『1974』は、過去の作品以上にCaravanにとっての旅の意味や大切さが色濃く反映されていて、人生観のようなものもはっきり伝わります。

言葉にすると気恥ずかしいけど、実際、日々を旅の感覚で生きることによって、物事が客観的に見えるところもあるし、他人事というような意識が減ったりもする。生きる上で絶対に必要なアンテナだという気がしていて。だから概念としての旅というものを常に意識していたいし、旅を止めたくないんです。

──それって、いつから芽生えたことなんですか?

思えば子供の頃からそういう感覚があった気がしますね。幼少時代を南米で過ごして、帰国してからも転々として。だから故郷がないし、地元という感覚もずっとわからなかった。引っ越し先では、この人たちとは束の間の付き合いなんだと割り切って過ごしていたところもありましたし。

──それは辛いことでしたか?

いや、そういうものだと思っていたから、辛いという感覚も特になくて。そこまで寂しいとも思わなかった。そういう刹那感みたいなものが子供の頃に根付いてしまったところはあった気がします。

──でも歳を重ねると、安定したいという気持ちになってきたりもするでしょ?

だから、わりと最近ですね。茅ケ崎に住んで20年くらいになりますけど、そんなふうに一か所に長く住んだことがそれまでなかったから。コロナ禍で旅に出られなかったから余計に茅ケ崎にいる時間が多くて、それで2000年の『Bittersweet Days』に“Hometown”という曲を入れたりもした。それまでは常に、「ここからどこかへ」という感覚でいたけど、「今暮らしているこの場所を歌ったことがなかったな」とあのとき初めて思ったわけです。そういう変化はここ数年でありましたね。

──確かにそうした変化もあった上での、旅のアルバムという感じがします。

結局オレが作るのは旅がテーマになったものばかりで、相変わらずのワンパターンさに自分で呆れますけど(笑)。コロナ禍のときに旅を渇望していた気持ちが乗っかったってところもあるかもしれないですね。

──アルバムタイトルは『1974』。

“いちきゅーななよん”とそのまま読んでもらえれば。

──生まれた年ですよね?

そう。今年も日比谷野音でやれることになって、その日が自分の誕生日だったりもするし、今回のアルバムは過去の自分を振り返りながらこの先のことをイメージする、過去と未来の両方を俯瞰で見ているような内容だったりもするので、自分の生まれた年をタイトルにするのもいいかなと。

初めは、これは自分にとってのロードムービーのようなものだなと思い、“Road Movie”というタイトルの曲もあるから、それをアルバムタイトルにしようかと考えていたんです。ですが、誕生日に野音ってことを考えたら、こっちのほうがいいじゃないかと。あと、ライブを観に来てくれるお客さんに自分と同世代の方がわりと多いから、この数字に引っかかってくれる人もいるんじゃないかなって(笑)。

──因みに1974年生まれのミュージシャンというと……。

ハナレグミとか、BRAHMANのTOSHI-LOWとか、ほかにもいろいろ。活動のフィールドはそれぞれ違うけど、今こんなことを考えているんだろうなというのは、世代的な何かがあってなんとなく想像がつく。

──1974年生まれならではの特徴みたいなものもあったりします?

わりと狭間の世代というか。僕らの上の世代になると、気合とか根性で乗り越えろみたいなことを言う人が少なくなくて、僕らより下の世代になるともっとマイペースで、そこまで周りのことを気にしなかったりする。僕らの世代は、気にしないように振る舞いながら、実はけっこう気にしているところもあるというか。先輩の顔色をうかがいながら後輩の顔色も見るという気遣いなところがある気がしますね。縦社会の微妙な歪みのなかに立っているというような(笑)。

──サウンドは非常に風通しがよくて、演奏に加わっている人との息の合った様子も伝わります。レコーディングはいかがでした?

基本的にレコーディングはほぼ全ての楽器を自分ひとりでやっていて、来る日も来る日もひとりでこもって録音するという孤独な作業ではあるんですけど、今回は友達がヴァイオリンを弾いてくれたりコーラスを入れてくれたりして。そういうときには確かにそよ風が吹くような感覚がありましたね。

──有機的な楽器演奏の妙を感じたのと同時に、Caravanさんのヴォーカルのよさを改めて感じたところもありました。スタイルが変わったというわけではないけれど、今回は何かこう歌う喜びみたいなものが滲み出ているというか。

ほんとですか? だとしたら嬉しいですね。

──昨年、初のオール・インストゥルメンタルのアルバム『Wanderlust』を出したでしょ。あれを作ったことで、今回はもう一度歌に向き合う際に新鮮な感覚があったんじゃないかなと。

それもあるのかもしれないですね。『Wanderlust』は突発的に作ったアルバムで、自分にとっては音遊びというか、息抜きみたいな感じで作ったものなんです。歌詞を書かなくていいというのはこんなにラクなことなんだ、これなら無限に曲ができるぞ、って思った。重たい荷物を持たずに旅に行けるというか(笑)。で、そのあとまた歌詞を書いて歌の入ったアルバムを作ろうとなったときに、言葉の重みとか歌うことの意味といったものを見つめ直せたところがあったんですよ。だから間にインストのアルバムを挿んだのは、いろんな意味でよかったんでしょうね。

──歌詞を書くことは、それだけ気を遣うことであり、重みのあることなんですね。

特に今回は、ちゃんと言葉に責任をとろう、なんとなく書いたような言葉がないようにしようと思っていました。

──ヴォーカル入れのときにも、言葉をしっかり伝えようと意識したわけですか?

いや、歌うときに何か意識しようみたいなことは、そこまで明確にはないですね。歌入れに関しての今までとの違いはそんなになかった。ひとつあるとしたら、今回は何度も録らなかったということ。いつもなら5～6本録って、そのいいところを繋ぎ合わせたりもするんですけど、結局自分でテイク選びもするので、考え出すとキリがないんですよ。今回はそれに対してはいい意味で無責任になってみようと。ラフなところはラフなままでいいじゃないかと思いながらやっていました。それが感情の乗り方に影響したのかもしれないし、おっしゃってくれた歌う喜びみたいな感じに繋がったのかもしれないですね。

──まず、オープナーの“惑星”がとてもいい。勢いがあって、ここから新しく何かが始まる予感があり、ライブでも一体感が生まれそうな曲です。

今回はアルバム用に15～16曲作って、そこから12曲に絞ったんですが、“惑星”は最後にできた曲で。これができたことで納得がいったというか、今回の曲作りはこれで終わりにしようと思えた。これでアルバムになるなと思えたんです。ダルマに目が入ったというか。宇宙には無限に星があり、それぞれの軌道で回っているわけですけど、地球上にいろんな人間がいて動いているのもある意味惑星みたいなもので、誰に見つからなくてもそれぞれが希望を持って動いていればいいんじゃないかなと思ったときがあったんです。

──2曲目“Kid”では、《あの日の少年と今夜　話せるとしたら　何を伝えられるだろう》と歌っています。“あの日の少年”とは、子供の頃の自分のことですよね。

そう。あの頃の自分と話せることができたとしたら、今の自分はどんなことを伝えるだろうと思って。意外と変わっていない自分に気づくかもしれないですよね。人はいろんな達観を経て大人になるものなんだと思っていたけど、いざ大人になってみると、相変わらず不安だし、相変わらず悩むし。だからきっと、昔の自分に会えたとしても、「思ったまんまにやりなよ」としか言えないのかもしれないけど。まあそんなことを思って。

──3曲目は“Timeless Dreamer”。それは自分のことでもある?

まあいくつになっても憧れとか夢みたいなものは持っていたいし。人は歳を重ねるとどんどん現実的な見方をするようになってしまうもので、諦めが出てきたりもするものだけど、でも変わらず見続けていたい夢というのもあったりしますから。

──《全て失うとしても、恐れることはない》と歌っています。

恐れるんですけどね。どうしたって恐れてしまうけど、恐れる自分にこう言っておきたいという意味で書きました。

──“新しい星”は2021年12月に配信された曲ですが、今回収録されたアコースティック・バージョンは、それとはまったく印象の異なる仕上がりです。ヴァイオリンの音色が違う景色を見せてくれる。

コロナ禍に配信したものは賑やかなアレンジでしたけど、今回は削ぎ落して、弾き語りプラス何かの楽器という形で入れたいと思っていたんです。ヴァイオリンはどうだろうとNabowaのHiraku Yamamotoくんに電話したら、彼は滋賀に住んでいるんですけど、ちょうど月末に関東にくる予定が入っているということだったので、頼んで来てもらったんです。

──“夜間飛行”も印象的な1曲でした。“どこから来てどこへ行くのか”。過去を振り返り、今いる“ここ”を確認し、その上で未来を見つめている。ある意味でこのアルバムを象徴する曲のひとつと言えるかもしれないですね。

これもわりと最近書いた曲で。夜、飛行機に乗るのが好きなんですよ。地上が発光していて、その光の点ひとつひとつに誰かがいるんだなと思うと、なんだか込み上げるものがあったりする。それは宇宙にいくつもある星のようでもあって、見ていると自分のエゴだったり、ささいなことだったり、誰かがふりかざす正義だったりがどうでもよくなってくる。そうやって俯瞰して見ることができるのが、旅のよさだったりもするじゃないですか。

それも日中じゃなく、ナイトフライトがこう、いい具合に感傷的なほうに誘ってくれるところがあって。旅を好きなのは、そういうひとりの時間が持てるからというのも大きいんです。普段は感じないことを旅先だと感じる。振り返ることができるし、今の自分を客観的に捉えることもできる。根が暗いので、そういう時間がないとダメなんですよ。

──最後に収められた“Cosmic Gypsies”はとりわけ重要に思える曲で、これだけは明確に考え・意見を表明しています。聴く人の想像力によっていろんな受け取り方ができるほかの曲とは違いますね。

そうですね。ウクライナとロシアの戦争が始まったとき、ニュースを見てモヤモヤする気持ちを外に出さないと自分がおかしくなりそうで作った曲です。まずU-zhaanに「こういう感じのフレーズを叩いて」とメールして、彼から音源が送られてきて、それを元に、データのやりとりで曲を作りました。

ウクライナとロシア、どちらにも市民がいて、犠牲になるのは結局市民なわけじゃないですか。しかも2000年を超えたこの時代にミサイルを打ち合って、こんなことして一体誰が得するんだろうとも思ったし。とにかくその現状がどうにも嫌で耐え難いわけだけど、とはいえ自分には何もできない。ニュースを見てああだこうだ言うことしかできない無力さがあった。で、自分にできることと言えば音楽を作ることぐらいなのかなと思って。

──《それぞれの正義の　その境界線を溶かすユーモアをください》というフレーズに深く共感しました。戦争もそうですが、SNSを見ていても日々たくさんの人が自分の正義を相手にぶつけてばかりいる。境界線を溶かすユーモアを持てる人がすっかり少なくなってしまった。

そうなんですよね。自分はユーモアという言葉をここでチョイスしましたけど、ユーモアがなんのためにあるかといったら要するに相手を和ませるためで、言い換えればそれは愛情だったりもするじゃないですか。違いを主張してトゲトゲしく相手を攻めるのではなく、ユーモアにくるむことで境界線が溶けることもあるのになって思う。ユーモアは全世界共通の武器だと思うし、大事だなって。

──曲調と歌はあたたかいし、タブラの音が想像力を広げるし、子供の声が入ってもいるので希望も感じられる。そうしてアルバムが終わるのがいいですね。

あの声はうちのせがれで。妻が働きに出ているときとかはオレがスタジオに連れて行って、こっちでオレが録音して、こっちでせがれが絵を描いたりしているんですけど、こっちの進み具合に関係なく絵を見せにきたり、はしゃぎだしたりするわけですよ。だったらその声も入れちゃおうと思って、そのまま入れました。

──さて、10月9日には恒例の日比谷野音公演があります。今年で14回目ということですが、野音は老朽化のため2024年に使用休止となり、建て替えることが決定していますね。

そうなんですよ。オレらがさんざん通った野音はこれで見納めになるだろうし、Caravanとして今の野音でやるのは、これが最後。なので、自分も記憶に焼き付けたいと思っています。

──過去の野音公演で印象に残っている回はありますか?

それぞれが印象的で、どれというふうには言えないですね。初めて野音でやったときのこともよく覚えているし、土砂降りのときもあったし。あと、オーディエンスのひとりとしての野音の記憶もいろいろあって。

──どんなライブを観ました?

若い頃にRED WARRIORSを観たし、THE STREET SLIDERSも観たし、SIONも観ました。そういう思い出も重なるから、リニューアル前の最後のライブはちょっと特別な感慨がありそうですね。

──どんな公演にしたいですか?

今までやってきた野音のなかでも象徴的に思える曲があったりするので、そういうのを選曲しつつ、今回の新しいアルバムからの曲もやって、今と今までの自分を詰め込んだライブにしたいと思っています。ぜひ観に来てください。

福岡出身、現在は東京を拠点にインディペンデントな活動を続けるラッパー、maco maretsが7作目のアルバム『Unready』を自身のレーベル〈Woodlands Circle〉より配信およびCDでリリース。

今作は2016年のデビュー作『Orang.Pendek』から初期3作品で全楽曲のトラックメイク／エンジニアリングを担当したプロデューサーのアズマリキ（Small Circle of Friends / STUDIO75）と約4年ぶりのタッグを組み制作されている。

コラボレーションをコンセプトに掲げた3部作『Waterslide III』『WSIV: Lost in November』『When you swing the virtual ax』を経て、maco maretsはどのような心境でこの原点回帰的な『Unready』を作り上げたのだろうか。maco maretsとアズマリキの2人に話を訊いた。

──コラボレーションをコンセプトに掲げた3部作も完結し、アズマさんとは約4年ぶりのタッグを組んで制作された『Unready』がリリースされます。今作のきっかけはどのようなものでしたか？

maco marets　完全に僕発信なんです。前作まで軸にしていたコラボを経て、maco maretsのアイデンティティは結局どこにあるのか、ということを改めて考えてみたかった。maco maretsという名前は、アズマさんのプロデュースでアルバムをリリースするときに生まれたんです。それがmaco maretsの始まりという意味で、アズマさんのサウンドもアイデンティティの一部だったのかなと改めて思ったんです。

このタイミングでアズマさんと曲を作ったらどうなるんだろう、自分のルーツのようなものに向き合えるんじゃないか、思い出せるものや新たに掴めるものがあるんじゃないかと勝手に考えていました。

──「原点回帰」へと向かわせるような具体的な出来事があったわけではないんですね。

maco marets　「今かな」という感覚が漠然とありました。アズマさんとご一緒した初期のアルバム3枚である程度確立したサウンド面でのアイデンティティを、あえて自分から切り離すという気持ちで作ったのがその後のコラボ3部作。多くのプロデューサーやラッパー、シンガーとの共作を経て、自分自身のラップそのもののシグネチャーを以前よりもはっきりと意識できるようになってきた気がしていて。

同時に、自分の中のモヤモヤっとした表現の源のような部分をもう少し自由に、シンプルに扱おうと。そういう点でもアズマさんの音の上に戻っていくという選択肢がありました。

──今作のコンセプトの一つである「原点回帰」というキーワードは初めから共有していたんですか？

アズマリキ（以下、アズマ）　共有していましたね。コラボ3部作を含めて他のアーティストへの客演など、彼なりにいろんな人と一緒に様々なことをやってきて。maco maretsが広がっていくために良いことだなと思っていました。

次にやりたいことの一つとして「原点回帰」を挙げていて。「シンプルな作品を作りたいんです」と最初に言われました。あと「完璧な完成品を作るのではなく、もうちょっと楽に表現する。そのときに表現したいことで、完成品未満のようなものを作りたい」というようなことを言っていましたね。

maco marets　ゲストやフィーチャリング、他のトラックメイカーは入れずに1対1でやりたいと最初にお伝えしたかもしれないですね。早い段階から『Unready』というタイトルも決まっていました。よりパーソナルで、かつ一曲の中で閉じないような曲の作り方、完成しないものの在り方を表現したくなったんです。

アズマ　じゃあ1ヴァースだけで終わって「OK、次！」という感じかなと思ったら、意外とコーラスもあって、それもコーラスがあってまた違うコーラスが出てきたり。意外としっかりやるんだなと思いました（笑）。これはこれで完成品なんじゃないかなと。

──イメージしていたより“完成”に近かったんですね。ちなみに完成品未満を作るという方針はもちろん初期の3作品の作り方とは違っていますよね？

アズマ　初期3作品のころは、maco maretsの方から「こんなことやりたい」「あんなことやりたい」というのが溢れ出ていて。それに応えられる部分もあるし、応えきれていない部分もあるというのは感じていたんですよね。

──maco maretsさんのラップについてはいかがですか？

アズマ　maco marets以前の彼も知っていて、それこそ彼が高校生くらいで作ってネットにUPしていた音源から聴いていたし、上京して初めてライヴしているのも観ているんです。

その中でスタイルは変わっているんだけど、僕のイメージはそんなに変わっていなくて。やっているうちに一番良い自分を出せる方法を見つけて、どんどん聴いている人に伝わるようなものを目指して自分のスタイルを作っていったんだと思います。

それは最初に僕がやっていた3作品目（『Circles』）で、それが出来上がったように感じましたね。コラボレーションの3部作はそれをもっと拡張しているというか。

──完成した自分のスタイルをさらに掘り下げていたということですね。

アズマ　だから今回の『Unready』も素晴らしく出来上がっているな、完成しているなという感覚がありましたね。

maco marets　アズマさんは完成していると言ってくださったんですけど、自分の中で全然モノになっていない状態でも一度投げていいという安心感がアズマさんにはあるんです。それが他のプロデューサーさんとはなかなか難しいところで、やっぱり自分自身がある程度クリアなビジョンを持っていないと曲作りを進められないということも多い。相手が外部の方なので当然なんですけど。「これって曲になるかな？」というような迷いを含んだ歌詞と歌でも曲になるというか、そういう感覚で作れるのはある意味で「maco marets」を構成する、成立させている要素の内側にいるアズマさんだからなんです。

──なるほど。コラボレーションを軸にした3部作を経て完成のハードルが自然と高くなっているということはありませんか？　完成品未満という方針でも完成品になってしまうというか。

maco marets　あるかもしれません。それこそ藤原さくらさんのように、メジャーシーンで活躍されているミュージシャンの方とのコラボですとか、音楽のクオリティはもちろん、音楽の射程というか、聴く人の存在をよりひろく捉えるような曲の作り方だったり、あまり自分がやってこなかったような部分をすごく教えてもらったような気がしています。

自分の楽曲をもっと多くの人に届けるために、どういうことができるんだろうと考えるようになった。決してポップスの道を極めるというわけではないんですが、アズマさんのトラックの上に戻ってくるにしても、漫然と自分の快楽だけに基づいて曲を綴るのではなく、聴くひとの存在を意識しながら言葉や音、メロディーを吟味するという時間は以前より増えたかもしれないですね。それがどの程度作品に反映されているかと言われれば、心許ないですが……（笑）。

アズマ　基礎体力のようなものが上がっている気がします。少々力を抜いていてもできてしまうというか。

──前作までの3部作がコラボレーションを軸とした開けたムードがあるのに対して、『Unready』は内省に向かう作品でもあります。世の中の雰囲気の逆へ向かっているのは意識的ですか？

maco marets　コロナ禍という物理的な身体の移動が制限された状況でさらに内省に向かうと自分の中では苦しいというか、だったらむしろいろんな人と繋がっていくような、自分を開いていくような在り方を試行した方がいいというのがなんとなく肌感覚としてあって。

特にコロナ禍1年目は本当にどうなるかわからない状況で、個人的にもちょうど音楽とは別にしていた仕事を辞めたタイミングでもあって、ずっと1人で家にいるような感じだったので、そんな中でいろんな人と関わりあいながら曲を作ってリリースする、そのこと自体が自分をケアするような営みにもなっていたんです。

なので、コロナ禍がある程度落ち着いたときに、特異な状況下での他者との交流を経て「わたしのなかの『わたし』はどんなふうに変化したんだろう？」と内省に向かっていくのはある意味必然的な流れというか、自分の中で何か折り合いをつけるため、確認の手順として必要なことだった気がしています。

──『Unready』を内省的なものにしたいと思い始めたタイミングがあったんですか？

maco marets　去年『When you swing the virtual ax』というアルバムを作り終わったあたりで一旦落ち着きたいというか、自分自身にもう少し向き合いたいという気持ちが芽生えていたのかもしれないです。

それから、去年はmaco maretsとして初めてのワンマンライブを行ったことも大きな出来事で。ほかのイベントと違ってmaco marets「だけ」を見に来てくれているお客さんが大多数という状況のとき、「このお客さんたちはmaco maretsのどんなところが好きで曲を聴き、ライブを観にきてくれているんだろう？」と考えるきっかけになりました。

──お客さんのリアクションはどういった傾向があったりしますか？

maco marets　どうなんだろう、ライトに聴いてくれている方はやっぱり「チルで小洒落たラウンジミュージック」のようなイメージが強いのかしら。最近だとTiKTokでもmaco maretsの曲を使ってくれているひとがたくさん居るんですけど、みんな何が良いと思ってくれているんですかね（笑）。

──言葉、歌詞にも力を入れている分、聞き流されてしまっているような感覚もありますか？

maco marets 自分が力点を置いている部分と実際良いねと言われる部分は必ずしも合致しないことはあるよなとはたまに思ったりしますけど、別に嫌というわけではないんです。どう聴かれるかはこちらがコントロールできるものではなくて、常に受け取る側のものだと思っているし、悪意のある解釈でもされない限りはどう聴かれてもありがたいというのは前提としてあるので。逆に歌詞に自分自身のシグネチャーがあると信じつつもそれが広く伝わる形では実現できていないというか、自分自身のスキル、言葉の練度のようなものがまだ足りていないのかなと考えるきっかけになったかもしれないです。

──課題として受け取っているんですね。

maco marets 本当は両立しうるというか、ポエジーや歌詞の独自性を保ちながら広く聴かれる音楽というのはたくさんあると思うので、雰囲気を言い訳にしてどっちつかずの状態というのがmaco maretsとしてはあったのかなとも思うんです。

──とても厳しい視点ですね。『Unready』は意味と音のバランスがとても良い作品で、サウンド全体に統一感もあるように感じました。どのようにビートを選んだんですか？

maco marets ビートは最終的には200曲とか送ってもらって。

アズマ　なんでもかんでも送ったので。あとBandcampにSTUDIO75でUPしている曲も聴いてもらって、そこからも選んでもらって。でもだいたい「これを選ぶよね」という感じはありました。

maco marets　当てられます。「これを選ぶと思った」と。

アズマ　意外なチョイスはなかったかな。でも「こういうイメージのビートないですか？」と言われたりもしましたね。最後の2曲かな。

maco marets そうですね、サウンド的にあまりにも綺麗に収まりすぎるかなと思って変化をつけたくて。

アズマ　そう言われてからそれまで送ってなかったビートを送って。それこそ10年前くらいに作ったものも。そこから8年前くらいに作ったものを選んで使ったりしています。

──統一感のあるサウンドのイメージは最初からあったんですか？

maco marets　今回は1曲1曲を切り分けたソリッドな状態にせずに閉じきらない『Unready』の状態を12曲通して表現したい気持ちがあったので、基本的なトーンは同じでいいと思っていました。だからBPMも近い曲がすごく多い。12曲で一つの楽曲として聴けてしまうくらいの、一つ一つが溶け合うようなイメージを持っているビートを選ぶようにしましたね。

──改めてアズマさんのビートから感じることはありますか？

maco marets　アズマさんのビートは職人的というか、すごく堅牢な印象があります。初期の3作品でもそうでしたが、一つ二つのフレーズのループが組み合わさっているという基本的な楽曲の構造で、今回も基本のループのトラックにアレンジを入れて構成していく形でした。やりとりする上で、良い意味で2人がやるならこうだよねというのがアズマさんの中にも僕の中にもあるので、そこの迷いがないのもすごく大きいですね。

アズマ　彼はビートを決めてからすぐ歌が入ったデモを送ってくるんですよ。それを元に構成してまた送り返すとまたすぐ本録りしたものを送ってくる。作業自体がすごく早いんです。「これ、いつ書いたの？」って驚くくらい。「こうしてください」「ちょっと違います」というやりとりはミックスの作業ではありますけど、ジャッジも含めて早いです。

──逆にコラボレーション3部作はプロデューサーさんと「こうじゃない」「ああじゃない」というやりとりはたくさんあったんですか？

maco marets　そこに結構時間がかかりましたね。それこそ藤原さくらさんと“Moondancer”という曲を作ったときはトラック選びからプロデューサーのTiMTさんとどういうものにするかいくつも候補を出してもらって相談しましたし、ミックスの段階でもエンジニアさんとのサウンドのイメージのすりあわせに苦労しました。今回の制作はシンプルで迷いがなかったですね。

──共通の認識と信頼があるということですね。歌詞は内省に向かいながらも視点が変わっていくのが特徴的ですよね。

maco marets　曲順は最後の方で決めたんですが、漠然とアングルを変えながらも一つの意識の流れのようなものがあるといいなと思っていましたね。

アズマ　なんかところどころ苛立っている部分を正直に出している感じがあってすごく面白かったです。

maco marets ちょうど曲を作っていたのが、日常的にすこし苛立っている時期だったんですよね（笑）。アルバム冒頭の“Kariyado”ではだいぶ達観しているような顔をしてしまっているんですけど、そんなこともないなと。もうちょっと生の感情に根ざしたリリックがあっていいな、書きたいなと思ったんです。

“F.O.M.O.”という曲のタイトルは“Fear Of Missing Out”の略なんですけど、この曲は自分の知らないうちに周りの人間関係が「あれ？」っていう状態になっていて、「裏切られた、イラッとするな」みたいな感じのことを書いていますね。

──自分は『Unready』の歌詞を聴いていて、うじうじ悩んでみよう、悩んでていいんじゃないかと思えるというか、癒される感覚がありました。

maco marets　それはまさに目指したところです。適当な答えをすぐにその場で出してしまわないというか。自分が分裂したり、傷ついたりしている状態で一旦ステイしてみる、その中に身を置いてみる時間もあっていいんじゃないかという気はしていて。「問題を生きる」というような言い回しもありますが、そういうイメージです。解決不能な問いのなかで、その苦しみを引き受け、見つめながら生きるということがある種の誠実さの表現としてありえるはずだと思う。

──歌詞の面で影響を受けた作品などはあるんですか？

maco marets　そのときどきに読んでいたものに影響を受けていると思うので、「これ！」ということは出来ないんですが、作品を構成する手法という面では明確に影響を受けたものがあります。『アメリカの鱒釣り』や『芝生の復讐』といった短編集で知られているリチャード・ブローティガンというアメリカの作家がいて、ちょうどアルバムを作っているときにある詩集（『ここに素敵なものがある』）がリバイバル的に発売になっていてそれを改めて読んでいたんです。

ブローティガンの作品群は一つ一つがものすごくナンセンスというか、割と意味をなさない短編が多いんですけど、例えば『芝生の復讐』の場合そういう掌編が60本くらい入っていて。一つ一つは「ん？」という感じなんですが、読み進めていくとだんだんイメージが集積して、いつのまにか巨大な影のようなもの、たとえば作者のブローティガンにとってはそれがアメリカという国そのもののイメージかもしれないんですが、なにか圧倒的な印象が自分のなかに刻まれている。ナンセンスだと思って読んでいるけど、その集合が一つの塊となって、ある種の輪郭をしっかり成しているのが面白くて。

自分の作品もそんなことがやれたらいいなと思ったんです。1曲単位では何を言っているかわからなかったとしても12曲聴いたとき一つの『Unready』という像を結ぶような在り方であればそれでいいと思えた。ブローティガンはそれこそ60編の中で共通のディテールや場面が入っていたりするんですけど、それと同じように、意図してというと言い過ぎかもしれないですが、今作には繋がりのある単語やイメージを随所にちりばめているつもりです。去年のアルバムだと共通するイメージは逆に避けていたというか、1曲1曲が独立していることが望ましいというマインドだったので、そこも変化したところだと思います。

──その意識はまさにmaco maretsさんのディスコグラフィーにも言えることのように感じました。

maco marets　まさにそうなんです。自分の中で表現を研ぎ澄ましていく手段というものを掴みきれていないんですけど、作品の集積は裏切らないというか、積み重ねるたびに何か像をつくってくれる期待があって。毎年必ずアルバムを出すというのも、表現に対するスタンスや「今何が歌えるのか」がもし自分の中で定まっていなくても、その状態そのものを作品にして、それがさらに積み上がって重なっていくということ自体が一つの表現、メッセージになることもあるはずだと思ってやっている。かろうじて自分ができるのってそういうことなのかもしれません。

鉛筆にたとえてみるなら、6Bくらいの濃さで一回書くだけで力強い表現ができる人もたくさんいる。だけど自分のなかの表現の鉛筆の芯はたぶんHBくらい（笑）。薄くて折れやすいものなので、何回も同じ字を重ねて書いてやっと同じ濃さに持っていくような感じです。一歩間違うと思考停止、逃避的な態度とも捉えられてしまうかもしれないと思うので難しい部分もありますが、結局は自分がいま持てるもので作り続けるしかないので。そこで嘘をついて「強そうな感じ」にしても仕方がない。

アズマ　毎年出すっていうのがすごいよね。それこそ積み上げる感覚、積み上げることでmaco maretsを表現している。

──それこそご自身のレーベルからリリースしているということは締め切りの設定も自分でしていますよね。それってなかなかできることじゃないと思います。

maco marets　もう意地です（笑）。自分はあまりロジカルに物作りができないタイプだと思っていて。そういう意味でも数というか、とにかく打席に立っていくことでしか自分の表現のしたいことの真髄みたいなものを掴めないような気がしています。すべて自主制作でやっているからこそ、この無茶なペース配分でもリリースを実現できているということもありますしね。

──制作のペースもそうですし、maco maretsさんのキャリアはいわゆる日本語ラップのシーンとは距離があるように感じます。ラッパーとしての自負も強くお持ちだと思うのですが、今いる位置は理想的に感じていますか？

maco marets　立ち位置を探すのってみんな苦労する部分だと思うんですけど、自分の場合は今の立ち位置にすごく納得しています。シーンのメインストリームからするとかなり中途半端なポジションかもしれないですが、ジャンルを越えていろんな方といっしょに制作できたりしているので、そういう意味でも身軽というか。まだポジティブな意味をどのくらい見出せているかわからないですけど活動を通してフレッシュで素敵な経験をたくさんさせてもらっています。

──気が早いですが、次の作品について考えたりしていますか？

maco marets　曲はもういくつか作っていて、でもそれはコラボレーションが軸のものですね。あとはもう少しバンド寄りというか、楽器のプレイヤーをたくさん入れて作るようなものを進めていて、これまであまりやったことのない新しい試みとしてやっています。

ただ、一つの固まった道筋がまだなくて、その留保の意味合いもある『Unready』なんです。「じゃあこれからどうするの？」と自分に問う作品ではあるんですけど、その答えが出たという作品ではなくて、考えている途中ですという意味で。

──それこそ10月27日（金）渋谷WWWでのワンマンライブの開催も決まっていますね。

maco marets　アズマさんと1対1でやらせていただくステージとバンドでやるステージの2部構成で考えています。

アズマ　本当は2020年の3月に3作目までの集大成的なライブをやる予定だったんです。

maco marets コロナでできなくなってしまったんですよね。だからだいぶ温めていた部分もあって。

アズマ　ちょっとドキドキしています。いろいろ話し合わなきゃね。

maco marets これから詰めていきたいですね。

澤部渡（スカート）やVaVa、冨田恵一やOvallをはじめ、あらゆるジャンルで活動するミュージシャンをアレンジャーに迎え完成させた藤原さくらの3rdアルバム『SUPERMARKET』。2020年10月に発売された冒険作から約2年7ヶ月という長い時を経て、4thアルバム『AIRPORT』が、2023年5月にリリースされた。

斉藤和義やVaVa、永野亮（APOGEE）、Yaffleをはじめ、さまざまなアーティストが参加した本作。「誰かと待ち合わせて、そこから出発していく」ように曲が生み出されたことから、『AIRPORT』というタイトルに至ったという。

『AIRPORT』について「3rdアルバムリリース後の2年間が凝縮されたアルバム」と振り返る藤原。『SUPERMARKET』の発表以降、彼女自身の内面にはどういった変化が起きたのだろうか。『AIRPORT』が生まれるまでの制作裏について、話を伺った。

──今回も前作同様、錚々たるアーティストが作曲・編曲者として参加していますよね。制作はいかがでしたか？

まずはどの方も、単に「裏方として参加する」というスタンスではなかったのが、本当にありがたかったです。アレンジャーや作曲家としてサポートいただくとはいえ、いちアーティストとコラボする感覚が強かったですね。

レコーディング中も「ここはこうしてみたら？」とどんどんアイディアを提案いただけるんです。各々の普段のバンドやソロ活動から垣間見える個性を持って、ぶつかっていただけている気がしました。

「どっちのメロディがかっこいいと思いますか？」と、会話のキャッチボールを繰り返しながら作った感覚はあります。たとえば、和義さん（斉藤和義）や永野亮さんのアドバイスから、曲の構成をガラッと変えたこともありました。

──具体的にはどういったやりとりをしたのでしょうか。

“話そうよ”は和義さんのスタジオで構成やコード進行を考えたのですが、デモを聴いていただいたときに「Aメロ/Bメロ/サビのうち、Bメロがサビっぽい」というフィードバックをいただいたんですよね。「ああ、そういう考え方もあったのか！」と目から鱗が落ちました（笑）。

──斉藤さんと組んでいなかったら、全く違う曲がリリースされていたかもしれないですね。その一方、永野さんは2017年に“Someday”、“春の歌”のプロデュースを手がけるなど、以前から交流がありましたよね。“Kirakira”はどのように生まれたのでしょうか。

“君は天然色”のCMアレンジを担当した永野さんに、フル尺のアレンジを改めてお願いしたのと同時期に、“Kirakira”の制作が始まりました。永野さんとはデータのやりとりでしたが、作曲の段階からメロディーのアイディアを頂いたり、永野さん無しでは生まれなかった曲です。

永野さんのソロ活動も、バンド・APOGEEでの活動も、どっちも大好きです。多幸感が溢れる音作りをされるじゃないですか。永野さんの作るサウンドは、まさに“Kirakira”というタイトル通りのイメージ。

──アルバムの中で、作曲が難航したトラックはありますか？

難航とまではいかなかったのですが、時間がかかったのはVaVaさんとご一緒した“いつか見た映画みたいに”です。VaVaさんとはお互いにメロディを出し合いながら制作を進めていたのですが、作っては寝かせ、作っては寝かせを繰り返して生まれた曲でした。

VaVaさんが作るトラックが本当に素敵だったので「もっと自分からも良いものを出せる気がする！」という気になっちゃうんですよね。

──永野さんやVaVaさんのように、過去にもタッグを組んだことがある人との楽曲もある一方、『AIRPORT』で初めてコラボが実現する人もいらっしゃいます。Yaffleさんなどはプライベートでも面識があったのでしょうか。

“わたしのLife”の制作で初めてご挨拶しました。Yaffleさんには私からお声がけをしたのですが、最初は「どういう音楽が好き？」「最近何を聴いた？」という雑談からスタートして、ずっと一緒にYouTubeを観たりしていました。

そこから徐々にどんな曲を作りたいか……という話にシフトし、その場でYaffleさんにトラックを作ってもらいながら、私が声を乗せていって。今まで挑戦したことのない作曲方法だったからこそ「変なメロを歌えないなあ」と緊張しました（笑）。すごく新鮮で楽しかったです。

一方、ミチさん（中西道彦）は普段からサポートメンバーとしてライブに参加いただいているのでお付き合い自体は長いものの、アレンジャーとして入ってもらうのは初めてでした。「ミチさんにお願いしたら楽しくなるんじゃないか」という期待がありました。

というのも、ライブのリハでミチさんが「こうやった方が良いんじゃない？」とご提案いただくことが、実際に本番で映えるんですよ。今までの経験から、今回満を持してお願いした経緯があります。

“Wonderful time”も“迷宮飛行”も制作に追われるあまり、山梨にある会社まで合宿しに行ったんですよ（笑）。夜中に曲を作っては「ミチさん完成しました！」とデータを送り、すぐにフィードバックをもらい……と、とんでもないスピード感で生まれました。2曲とも初期衝動に近いほどの勢いで生まれています。

他にも私の英詞を普段から担当いただいているマイキーさん（Michael Kaneko）や、一緒にライブをしているセッキーさん（関口シンゴ）、デビュー時期からご一緒しているカーリーさん（高桑圭）にも参加いただきました。馴染みのある人から、Yaffleさんのように初めての人までが揃い、バリエーション豊かな音になったと思います。

──レコーディングを通し、藤原さん自身には何か変化がありましたか？

徐々に「曲作りへの考え方」が柔軟になっていく気がしました。ただ、その背景にはアルバム制作以前から、Reiちゃんやmaco marets君、マイキーさんなどと楽曲をコラボした経験があったからなのかな、と。「誰かと共作する」ことの面白さは、改めてこの2年間で実感しました。『SUPERMARKET』以降、より一層頭の使い方が変わっていった期間になったと思います。

──さまざまなテイストの楽曲を作る過程で、藤原さんご自身の作詞の柔軟性も高まったのでは……と感じました。新たに挑戦したことはありますか。

“わたしのLife”は楽曲のテイストから、リリックで韻を踏むことにチャレンジしたくなったんです。考えすぎて、途中から「ダジャレすぎないかな……」と不安にもなったほどでした（笑）。でもトラックはかっこよかったし、私の歌い方もそこまではっちゃけてない。歌詞で攻め込んでも中和できる気がしたので、「振り切って良いのかも」とギリギリのラインまで踏み込みました。

あと先ほども言った通り、ミチさんとの“迷宮飛行”はかなりスピーディに生まれたんですよ。ミチさんのレスポンスがとにかく早くて（笑）。めまぐるしいスピードでラリーを打ち返すなか、今までは恥ずかしくて表現できなかったことも、気づいたら言葉にできるようになりました。そして言葉を紡いでいくなかで「あ、これは喧嘩の曲だったのか」と気づいたり。後々になって全景が見えてくることはよくあって、今回は不思議と「愛」のことを歌った曲が多いんですよね。

──テーマが偏った背景に、心当たりはあるのでしょうか。

「積極的にこういう事を歌おう」というわけではなかったのですが、『SUPERMARKET』の時期からそういうモードにはなっていました。明確なきっかけがあるとすれば、コロナ禍だと思います。コロナ禍って、自分の一存ではどうにもならないことの連続だったじゃないですか。抗えない大いなるものを目の前にして、やるせなくなる瞬間は多々ありました。

それから、おばあちゃんが入院していた時期もあったんです。私、幼い頃からおばあちゃんっ子なんですよね。“まばたき”の歌詞でも表現していますが《まばたきするのも惜しくなるほど、人と一緒にいる時間を大切にしよう》と思えるようになりました。人と人との間に距離があったからこそ、遠く離れている家族に対する気持ちも増していったんですよね。

──“My Love”もまさにタイトル通り「愛」というテーマが如実に表現されていますよね。

存在としてはずっと前からあった曲ですが、アルバムリリースにあたって歌詞も書き直しました。冒頭で《こんな遠い場所から／君がいつもよりよく見えたよ》という歌詞があって。“mother”でも少し重なる歌詞を書いていますが、遠い距離でも繋がっているように感じることこそが愛なんだ、と。そう思える2年間だったと思います。

実際、去年2022年5月から今年にかけて開催した全52本の弾き語りツアーも、「こんなに遠くに住んでいた人が、私の曲を聴いてくれていたんだ」って感動しました。“My Love”といえばポール・マッカートニー。だけど、自分にとっての“My Love”はこう、と提示するような曲になりました。

──アルバムの構想自体はいつ頃からあったんですか？

ずいぶん前からです。本当は昨年2022年11月に“まばたき”をリリースしたときに（アルバムを）出したかったんです。でもどうしても間に合わなくて。急いで出すよりかはじっくりと練って出した方が良いと思い「来年の春頃には出すぞ」と心に決め、今に至ります。

──じゃあシングルカット以外の収録曲は直近でガンガン書き下ろした、というよりも……。

この2年間でじっくり寝かせた曲たちが多かったりします。たとえば“放っとこうぜ”も22年3月にリリースした“わたしのLife”と同時期に制作していたりするんです。それでも最後はバタバタしちゃって、常に4〜5曲の収録が同時並行で進んでいるような状態でした（笑）。

結果的に、昨年急いで出さなくて正解だった。実はリリース日である5月17日って、私の「1万日誕生日」なんですよ。

──その日を狙っていたんですか？

いや、本当に偶然なんです！　ある時ラジオのリスナーから「そろそろ1万日誕生日ですね」ってコメントをいただいて。もう、びっくりしましたね。「導かれていたんだなあ」と。

──そんなミラクルが起きるとは。「5月に出す」ということを決めた時点で、アルバムタイトルも固まっていたんですか？

『SUPERMARKET』と同様、タイトルを決めたのは楽曲がほぼ出揃ったタイミングでした。今回はアルバムの全貌が俯瞰できるようになったとき、無意識的にも「愛」であると同時に「出会いあれば別れあり」な曲でまとまったように感じたんです。しかもそれを切なく感じるのではなく、前向きに捉えている曲が多いな、と。

「みんなが知っていて、かつ出会いと別れを想起させるような言葉を……」と考えるなか、デビューからジャケットデザインを担当してくださっている藤田二郎さんが「エアポート……」と呟いたんです。「それだー！！」って。

──藤原さん自身のこれからの行方についても興味が湧く作品になりました。最後に、『AIRPORT』はご自身にとって、どういった作品になりましたか？

「いろんな音楽を通ってきた」という、デビュー当時から現在に至るまでの軌跡が詰まったアルバムになったと思いました。実は昔の楽曲をライブで歌うと「この曲、今の自分じゃ書けなかっただろうな」と感じることは多々あるんです。歌詞もむき出しの感情をぶつけているし。当時は「こういう曲を歌ってみたい」というモチベーションで作っていたからだと思います。

もちろん『AIRPORT』に入っている曲も、今しか書けない歌詞ばかりではありますが、そのうえで、私自身の芯のようなところに到達した気がする。いつまでも違和感なく歌っていけるような曲が揃ったように感じました。

そして私にとっての2年間は、まさに“わたしのLife”の歌詞にもあるとおり「ほんと　よくやってんなあ」と感じられるほど、たくさんのことに挑戦したんですよ。わたしも自分のこと、もっと褒めていきたいなって思えるようになりました。

『AIRPORT』を持って、これからいろんな人に「よくやってんなあ」と伝えに行きたいですね。ほんと、みんなもよく頑張ってるから。