━━本日は結成の経緯からお聞きしたいです。現在のメンバーである5人は、どのようにして集まったのでしょうか？

中塩博斗（以下、中塩）　早稲田大学の軽音サークルの中に、オリジナル曲をやるサークルがあったんです。そこでオリジナルバンドをやろうとしてたんですけど、入りたての時とかはとりあえず人を集めたくて。最初は僕がヴェルヴェット・アンダーグラウンド（The Velvet Underground）のコピバンをやって、平川くんと橋本くんがスーパーカーのコピバンをライブでやったりしました。

━━このインタビューするにあたって、Khakiのライブを見た友人と「この人たちは何を聞いてきてこうなったんだろうね」って話をしていたんです。そういうロックを聞いてたんですね。

中塩　それとは別にコピバンだけをやるサークルもやってて、そっちではandymoriとかもやってたし、ゆらゆら帝国とかbloodthirsty butchersとか日本の音楽もやりつつ、アメリカとかイギリスのバンドもやってました。

━━他のメンバーも趣味は近いんですか？

平川直人（以下、平川）　スーパーカーのコピバンをやってはいたんですけど、その時僕は聞いたことがなくて。友達から「スーパーカーってバンドやるから歌ってね」って言われたから「オッケー」って言って、多分橋本もそうだと思うんだけど、それから聞いたんですよね。

橋本拓己（以下、橋本）　僕もスーパーカーをやる前は“YUMEGIWA LAST BOY”しか聞いたことなくて、「聞かなきゃ」みたいな。

平川　趣味というよりも、僕が「オリジナルバンドを組みたい！」って思ってて。音楽の趣味とかではなく、気の合う人を探してたのかもしれないです。

━━同じような趣味の人が集まるのって軽音サークルならではじゃないですか。でも、そうではなかったんですね。

平川　そうですね。音楽の話が合う友達とか知り合いを探すような気持ちではなかったのかもしれないです。「カッコいい人とバンド組めたらいいな」と思ってて。

黒羽広樹（以下、黒羽）　それで、中塩くんを誘ったきっかけがあったじゃないですか。

平川　あぁ、中塩を誘ったきっかけとしては、そのヴェルヴェッツでキーボードボーカルをやってたのを見たんですよ。全然面識なくて、いることすら知らなかったんですけど、僕らの出番の次の次に出てて。「カッコいい人がいるな」と思って、それで2,3ヶ月後くらいにLINEしたんです。橋本くんとはウマがあって、会った初日に連絡したんですけど。

━━「カッコいい人がいるな」って思ったんですね。

平川　「カッコよくて細い子がいるな」って（笑）。

中塩　時期はズレてたりするんですけど、そこで知り合って、平川中塩橋本ともう1人のベーシストでバンドを組んだんです。それでベースが抜けちゃった時に、“Undercurrent”とかを作ったLongっていうバンドで一緒にやってた黒羽さんを「一緒にやらないか」って誘ってみて。それで入った後に黒羽さんがキーボードに転向して「ベースをどうしようか」って時に、同じサークルの下河辺さんを呼んで、今に至るっていう。

━━下河辺さんはそれまでのKhakiの活動をご存知でしたか？

下河辺太一（以下、下河辺）　そうですね、見てはいました。

━━なるほど。結成はいつなんですか？

中塩　一応、2018年の終わりくらいに結成してはいます。長いわりにあんま活動してはないというか……2021年から本格始動ですかね。

━━そうして結成して、ライブをやっていく中で、スタジオ練習の時などにパフォーマンスについて話すことはありますか？

中塩　昔ライブハウスに出た時にめっちゃ棒立ちでやってたら「見てても面白くないし、音源聴いてた方がいい」みたいに言われて。それから動いてみようかなと。

━━そんなこと言われたんですか。

黒羽　その人とは悪い関係にはなってないですよ（笑）。

平川　「演奏下手くそなくせに、そういう努力をしないのは良くないよね」って話だったと思うんで。

橋本　いや、そんな感じじゃなかったよ？　「曲が良いのに見た目が面白くないし、楽しそうじゃないから」って言われて。

中塩　「自信なさそう」ってね。

橋本　そうそう。それでライブハウスの近くの公園で「どうしようねー」って話して笑。僕と中塩くんは割と「そうだね、ちゃんとやらなきゃね」って感じだったんだけど、2人（平川と黒羽）がね……。

平川　僕はそんな……。

黒羽　うん、まぁ結果的にね（笑）。

━━そこからは意識も変えて、という具合ですかね？

中塩　場数もありつつ、ですかね。

━━シングルがリリースされる前に、僕がKhakiを早くから追っていた友人と話してたら「Khakiにはまだ“Undercurrent”があるから」って言われたんですよ。それくらい“Undercurrent”は話題の一曲で。そうしてリリースされた時に、曲が3つに分かれたじゃないですか。その形態はどのように決まったんですか？

中塩　山梨に2泊3日で合宿行ってて、そこでスタジオに入ってアレンジを練り直してたんですけど、その合間の休憩時間にリリースの話もしつつ……なんか3つになったんだよね？

橋本　一番と二番がうまく繋がらなくて。それで「一番の終わりをブチっと切ってすぐ次の曲行ったらカッコよくない？」って話してたら、それがどんどん広がっていって、最終的に「3つに分割して入れ替えられるようにしたら面白くね？」みたいになって。

平川　そもそも、Long時代の曲からアレンジする時に「中間部を変えたい」って中塩くんが話しててね。

中塩　マイルス・デイヴィス（Miles Davis）の『Bitches Brew』みたいにしたいって話をして。ちょっとジャズ的にして、それでどう繋げるかを悩んで、それを切ってみようって発想になったのかもしれないです。

━━そうしてデジタルリリースした際には「イマーシブ・アートロックバンド」という文言を掲げていましたよね。

平川　僕の知り合いでPR会社に行った人が「“Undercurrent”のプレスリリースを書かせてよ」って言ってきたんですよ。その時に「イマーシブ」っていう単語を挙げてたんです、そういうジャンルってないですよね？

​​━━「イマーシブってなんだろう」って思いました。

黒羽　僕らもあんまりわかってないんですよ、「繊細な」みたいな意味？

下河辺　「没入できる」みたいな。

平川　その単語に着目してるというよりは「変だから使っちゃえば良いんじゃない？」ってのがあったんです。

黒羽　アートロックかどうかも怪しいしね。

平川　アートロックって最初に言ったのは〈NEWFOLK〉の須藤さんで、バンドのライブの紹介の時にKhakiのことを「アートロックバンド」って書いてくれたんです。ただ、最終的にはリリースごとに固定せずに、変な名前で出していったら面白いなって思ってます。

━━ここから文言が足されていくんですか？

平川　足していくというか、毎回変えていくのもいいんじゃないかなって。例えば「シューゲイザーバンドです！」って書いてあっても「何？」って個人的には思うんです。あんまりそういうことにこだわる必要はないというか。それでどうせだったら面白いことができたら良いなって思ったんです。

黒羽　名前をつける時って大体後追いじゃないですか。僕らが1stアルバムの『Janome』を出した前後くらいにフォークロックって言われたんです。それで「フォークが嫌だ」って話してた時に平川くんが「フォークじゃないならスライダー、湿度高めのスライダーロック」って言ってて。

━━湿度高め……わかります。

黒羽　ただ、それも後追いで言っただけで。名前がついているというよりは、曲作って音楽を出した後に、周りなり自分たちなりが名前をつけていくことが多いですね。どういうジャンルをやりたいとかはないです。

━━先ほどの「イマーシブ・アートロックバンド」という言葉に表れているように、Khakiにはある種の抽象性であったり、言い切らないことによる美しさを感じます。作詞をメインで手がけるギターボーカルのおふたりにもそれは共通しているなと思っていて。作詞のテーマやモチーフが気になります。

中塩　どうなんだろう……。一貫したテーマで書くのが苦手というか難しいというか、良いのを思いついた時に、メモ帳に2、3行書いて溜めて、繋がるやつを繋げることはあります。2つ（詩が）あった時に真ん中のやつを足してみることもあったりします。切り貼りして書いていくのが、やり方としては多いかもしれないです。

━━明確に一つのことについて歌ったりはしないんですか？

中塩　僕は主張を残すよりも自分を残したいというか、真剣に何かを書けばその人の人間性が出るんじゃないかと思っていて。ただ真剣に、適当に書いてみようっていう意識があるのかもしれないです。

━━なるほど。平川さんはどのように作詞をしていますか？

平川　自分も作り方は中塩くんとほとんど一緒で。なんか良さそうだったらメモ帳に書いてます。それで「作んなきゃ、作詞しなきゃ」ってなったら全部集めてきて、ちょうど良く繋がりそうなものがあったら繋げるんです。中塩くんは主張がないけど自分がある人だと思うんだけど、僕は自分はないけど主張が結構あるんで。切り貼りしたやつに対して「気持ちよくなれば良いな」と思って書き足すやり方ですね。一部だけ決まってて、レコーディングしなきゃいけない時におりゃーって。

━━歌詞には一貫したものがありつつ、時間軸は入り乱れているような気がします。

平川　（メンバーを見ながら）逆のこと言ってる時あるよね？　繋げていったら全然逆のこと言っててヤバい、みたいな（笑）。そういう時に好きな方を選んで繋げたりはします。

━━作詞担当以外のメンバーが歌詞について触れることはあるんですか？

黒羽　全くノータッチですね。

橋本　あんまり意味とかわかってなくて、Twitterとかで「この曲ってこの意味なんじゃないかな？」ってやつを見て「あーそういうふうに考えてたんだ」みたいな（笑）。

平川　“The Girl”（『Janome』収録）の歌詞を考察している人がいて、橋本がそれを見て「これってこういうことなの！？　すごいね！」って。

橋本　「いつもやってるけど、こんな意味だったんだ」ってね。

黒羽　下河辺とかはどう思ってるの？

下河辺　さっき言ってたみたいに、言い切らない感じがいいかな。

黒羽　というか、あんまりリリース前は歌詞を見ないからね。ギリギリに書いてから見る余裕がなかったりするんだけど、しばらく経ってから歌詞見たりすると「面白いな」って思ったりしますし。目線はリスナーと似てるかもしれないですね、そのくらいノータッチ。

平川　歌録りが一日しかないのに“うってつけ”（EP『頭痛』収録）とか完成しないで持ってきて、ギター弾いてる時に考えたりしてたしね。

下河辺　“違う月を見ていた”（EP『頭痛』収録）も、メロディが乗っかってる状態で何も聞かないまま、歌詞は当日に発表されて。演奏してからメロディが乗って、そこから完成して。

橋本　先にスタジオで合わせるんですけど「歌うから」って言われるだけで、歌はないから「何歌うんだろう」って（笑）。

━━作詞はノータッチですけど、曲のアレンジは分担するんですか？

中塩　アレンジは弾き語りしたのを持っていって、バンドで肉付けじゃないですけど、その段階で変わったりもあるし、っていうのでやってます。アレンジは結構頑張ってるのかなって思ってますね。

━━“Hazuki”（『Janome』収録）みたいに、キメを使う曲もありますよね。

中塩　あれはデモで僕が固めていったんです。

橋本　全国流通版の『Janome』のボーナストラックにそのデモがあって。

黒羽　中塩くんが本当に最初投げてきたやつです。最初はLongでやろうとしたんですけどね。

━━制作に関連して、橋本さんはKhakiのアートワークや映像も手がけていますよね。それはどのようなプロセスで作っていくんですか？

橋本　最初の方はバーって作って「これでいきます」って（メンバーに）投げてたんですけど、良くないなってなって。「絶対これがいい」ってとこまでやってから出してたんですけど「これどうなの？」みたいなのを言われて、すげぇムカついてたんですよ。

黒羽　それ僕です（笑）。

橋本　最近は「こんな感じなんだけど、どう思う？」っていうのを投げて、良かったらそれで作っていくみたいな。

━━『Janome』のジャケットも橋本さんの作品ですし、EP『頭痛』もそうですよね。明確なモチーフがなくて色だけがあるというか、そういう抽象性を感じます。

橋本　ウチのバンドに型が無いというか、そういう感じが出たらいいなっていう。これっていう形を作って出すんじゃなくて、よくわかんない形なのがいいのかなって思ってます。

━━“Undercurrent”は今時珍しい8cmシングルでのリリースです。どうやって決めたんですか？

橋本　僕がなんとなく「8cmシングルで出したい」ってのがずっとあったんです。周りのバンドもやってないし、面白いかもねって。

平川　他の人はどうかわかんないけど、CDってグッズ的な側面が強くて、もう聞かないんで。それだったら、よりグッズみたいな売り出し方として、普通のCDを買ってもらうというよりは発想的には凝ってる8cmシングルのほうがいいかなって思ったんです。

━━8cmシングルと同様に、リリースライブの共演者である令和ロマンとSuiseiNoboAzにも反応が集まりました。どのようにして共演者を決めたんですか？

中塩　リリースライブやるならお客さんに来てもらいたいし、面白いライブやりたいなってのがあって。平川くんが前から「お笑い芸人呼んでライブしたいね」って言ってて、じゃあ今回やろうか、って。

平川　バンバン新曲作ってるわけじゃないし、毎回来てくれる人に毎回同じものを見せるのも面白くないんでね。お笑いが好きで、音楽も好きだけどYouTubeでしか聞かない人も、その逆の人も来てくれる。そういうのがあれば良いと思ってます。

━━リリースライブは6月1日（木）ですけど、その先の夏の予定はもう決まっているんですか？

中塩　もっと自分達でライブをできたらな、とは思います。

平川　今のところ、リリースライブと＜Triple Bind＞っていう、くぐりとか中華戦争とやってたイベントがあって。もう一個くらいできたらなと思うんですけども。

━━もう一個欲しいんですね。

平川　そうですね。僕は同じくらいの年齢の人とやれたらなって思ってます。年齢をすごく気にしてるわけじゃないですけど、色んなジャンルでKhaki主導のムーブメントみたいなのができれば最高だなって思うんです。

━━音楽は関係なくてもいいんですか？

平川　んーどうなんだろ、カルチャー的なことを背負いたいわけでもないからなぁ。ただ、お笑い第7世代じゃないですけど、一個の要因となってくるのは年齢かなと思ってるんで。

黒羽　そもそも自分達よりも有名な人を呼んで、その人たちと企画をすることが多くて。同世代でトントンというか、そういう人たちを選ぶのは難しいなっていうのがありますよね。（メンバーを見ながら）上の世代はいるけど、同世代は結構スカってしてない？

橋本　自分達の企画の時に、同世代で一緒にやりたいバンドがあんまりいなくて。

平川　くぐりと中華戦争とのイベントは「ウチら最強っしょ！」って感じなんですけど。自分達は「音楽」という縛りがあって今までバンドをやってたと思ってて、そこを取り除いた場合に「年齢」でしか縛れない、という。今後はどうなるかはわかんないですけどね、そもそも友達少ないんで、みんなが何してるかもわかんないし。

それで言うとこの4人で最初はやってて、（新しく加入した）下河辺はイベントもリリースライブしか一緒にやってないから、今後は下河辺によって変わっていくのかなって思います。世界の最新の音楽を聞いてるし、めちゃくちゃ賢いんで。

一同　（笑）

平川　音楽だけじゃなくて、下河辺のことをもっと知りたいというか…もっと仲良くなりたい、一緒に寝たりしたい……。

下河辺　大丈夫？　寝相悪いよ？

平川　まぁまぁ、とりあえず5人で知恵を出して、もう一本くらいやりたいと思ってます。

中塩　個人的には曲を作ってナンボというか、曲を作ってバンドで形にして、それをどんどん出せたらなって思ってます。決まってるわけじゃないんですけど、アルバムとか出したいですね。

Sisters In The Velvetがニューシングル“Bottles”をリリースした。前2枚のシングル“Blanc Sun Song”、“In 10 pages”も併せて、それまでの90年代初頭にブレイクしたオルタナティブロック/グランジ直系のストレートな荒々しさや轟音ギターはない。むしろかつて時代がひっくり返るほどのムーブメントとなったことで形骸化し、初期衝動とは別の激しさを帯びていったそれへの抵抗とも受け取れる、スロウコアの静けさやミニマリズムと共鳴するようなサウンドに、モダンな要素や彼らならでは遊び心を加えた、表面温度の低いサウンドに大きく方向転換。

それがある程度のキャリアを経たわけではなく、2019年にバンドを結成し、2020年の4月にファーストシングル“Into It”をリリースして以降、オルタナティブロック/グランジリバイバルの旗手的な立ち位置で注目を浴び始めた初期段階での短い間に起こった変化となるとなおさら興味深い。彼らは早々にレッテルを嫌い捨てたのか。もしくはほかに何か理由があったのか。その真意に迫った。

──まず、なぜこの3人でSisters In The Velvetを組むことになったのですか？

青山　僕と大久保は小学生の頃からの知り合いで、高校生になってからは一緒にコピバンもやっていました。小西との出会いは大学に入ってから。彼もバンド経験があったので、特に目的もなく3人で放課後に遊ぶような感覚でスタジオに入るようになりました。それからしばらくして、僕がオリジナルのデモを作って持って行ったら、2人がけっこう気に入ってくれたんです。それがSisters In The Velvetの始まりですね。

──デモ音源は2020年4月にリリースされたファーストシングル“Into It”に近い感じですか？

青山　そうですね。それよりももっと90年代のザ・オルタナ、ザ・グランジ、言ってしまえばニルヴァーナ（Nirvana）みたいな曲を作っていました。

──もともと3人とも90年代のオルタナティブロックやグランジが好きで意気投合したのでしょうか。

青山　いえ。そのあたりの音楽を好きになったのは3人でスタジオに入るようになった少し前くらいです。

──では、それまでのリスナー遍歴を聞かせてもらえますか？

青山　小学生の頃、8つ上の兄にレディー・ガガ（Lady Gaga）やケイティ・ペリー（Katy Perry）といった00年代のポップを聴かせてもらったことがきっかけで、海外の音楽に興味を持つようになりました。ロックを好きになったのは中学に入ってから。洋楽じゃないんですけどONE OK ROCKに出会ったことが大きかったです。高校時代に大久保とやっていたコピバンもONE OK ROCKや彼らがルーツとして挙げていたザ・ユーズド（The Used）といった、エモ系のバンドの曲ばかりやっていました。

大久保　僕は青山にいろんな音楽を教えてもらっていました。なかでもザ・ユーズドのような、がっつりタトゥーが入っている人の荒くれている感じは、怖いところに足を踏み入れているような感じがして刺激的でしたね。

──小西さんはいかがですか？

小西　中学生の頃に「太鼓の達人」というゲームの影響で、X JAPANの“紅”をみんなで大声で歌う遊びが流行っていて、そこからhideのことを好きになってギターを始めました。高校では軽音楽部に入ったんですけど、まず初めに課題曲としてグリーン・デイ（Green Day）の“American Idiot”を演奏させられたことが洋楽を好きになったきっかけです。あとその軽音楽部は、代々ジミ・ヘンドリックス（Jimi Hendrix）やスティーヴィー・レイ・ヴォーン（Stevie Ray Vaughan）といったブルースギタリストの文脈を受け継いだギタリストがいたり、いろんな海外のロックに触れられる環境だったことが、自分のルーツになっています。

──そんな3人がなぜ90年代のオルタナティブロック/グランジを嗜好するようになったのですか？

青山　ニルヴァーナやソニック・ユース（Sonic Youth）といったUSのオルタナティブロック、UKですけどその文脈とも重なる初期のレディオヘッド（Radiohead）などに出会って掘り下げるに連れて、それこそが正解だと感じるようになったんです。気が付けばそれまでに触れてきた日本のロックに対して「どうなんだろう？」って思うようになってしまって、オルタナに染まった曲を作り続けていました。

──例えばONE OK ROCKやX JAPANようにショーアップされたロックと、そういった完成度とは距離を置いたうえで音楽性やライブの在り方を突き詰めるオルタナティブロックやインディーロックは、やる側の姿勢もファンベースもはっきりわかれている部分が少なからずありますが、そういう感覚ですか？

青山　結論はある意味それに近いのかもしれませんが、きっかけは完全にファッションですね。僕ら3人、実は音楽よりファッションでの繋がりのほうが強くて、よく一緒にブランドショップや古着屋を回っていたんです。でもその頃は、ファッションと音楽の関連性についてあまり考えたことがなく、そこに若干の気持ち悪さはあったような気がします。そんななか、ふとしたきっかけで僕らの好きなJOHN LAWRENCE SULLIVANというブランドのルーツを調べていくと、60年代のモッズ、80年代のニューウェーブやポストパンクといったワードが出てくる。そこでひとつのシンボルとして知ったジョイ・ディヴィジョン（Joy Division）などは、僕が今まで聴いてきたロックと全然違いました。それが凄く新鮮で。

──簡単に言えば陰鬱としていますよね。

青山　その流れでカート・コバーン（Kurt Cobain）、ニルヴァーナの存在に当たって、服と音楽が合致したことでオルタナ、グランジにいっちゃった感じですね。

──ニルヴァーナのセカンドアルバム『Nevermind』が世界的にヒットしたのが1991年。みなさんが生まれる前後の話ですが、90年代のオルタナティブロックはどのように映ったのですか？

小西　いろんな音楽に触れてきたとは言いつつも、基本的には明快な展開の曲を好んできたので、そういう意味ではポップ脳だったんです。だからニルヴァーナの『Nevermind』はわりとすんなり入ってきましたけど、ソニック・ユースの『Goo』とか最初はよくわからなかったし、レディオヘッドも理解するのに時間はかかりました。擦り込むように聴いているうちに、気が付けばどっぷりハマっていたみたいな。

青山　なんだかよくわからないけどカッコいいから理解したいっていう。

──わかります。その時点での感覚的に良いと思ったものに触れているより、何だか得体が知れないけれど気になるものに少し頑張って手を伸ばすことで解像度が上がっていく過程、感性や価値観がアップデートされていくような流れのほうが楽しい。

青山　あと周りはみんな流行のJ-POPやJ-ROCKを聴いていて、自分はそうじゃないと自覚している人たちも、それはそれで判で押したようにヒップホップを聴いてストリートファッションに身を包んでいるみたいな大きな流れに対して、「本当の意味で俺らは違うぞ」って孤立していく感じも悪くなかったんです。そこでオルタナ、特にグランジは音楽的にもファッション的にもピッタリで。そしてどんどん尖っていった。見方を変えれば性格悪いだけなんですけど（笑）。

──オンタイムのオルタナティブロックやインディーロックはあまり聴かなかったのですか？

青山　90年代を掘り下げるところから始まったので、オンタイムのバンドのことを知るのはもう少しあとですね。ダイヴ（DIIV）を聴いて「お、今もこんなバンドいるんだ」みたいな。

大久保　ザ・エックス・エックス（The xx）とか好きでしたけど、90年代こそ最高だって、ちょっと懐古主義的なところはあったかもしれません。

──ではあらためて2020年4月、最初にリリースしたシングル“Into It”は完全に90年代のオルタナティブロックをやろうとしたと言っていいのでしょうか。

青山　そうですね。というかあまり何も考えてなくて、スタジオで楽しく遊んでいるなかで、オリジナルのデモを持って行った時からの延長線上でできた曲です。

──もろに90年代のオルタナティブロックを思わせつつ、静と動で揺さぶりをかけるサウンドと、それに対して決してヒートしきらない甘いメロディの温度のマッチングが印象的で、この段階でSisters In The Velvetらしさの片鱗は見えていたような気がするのですが。

青山　たまにそういう評価をもらえるんですけど意図したものではないですね。Aメロは静かでサビは爆音みたいなイメージがありつつ、僕がカート・コバーンみたいに、それと呼応するように声を張り上げて歌ってハマるタイプではないので、叫びはしないけどサウンドには合う声とメロディを合わせてみた結果だと思います。

──続いて同じ年の10月にEP『Five Foot Daydream』をリリースされました。4曲入りになったぶん、曲調や音楽性の幅が広がっています。

青山　マインド的には“Into It”とあまり変わらなくて、オルタナ好きがオルタナやろうぜって感じで、オリジナリティを追求するとか、そういうことは考えていなかったですね。ただこのあたりから音の質感を追求するようになりました。ギターでいうと“Into It”はほぼオーバードライブとファズだけなんですけど、このEPではリバーブにこだわったり。

小西　ニルヴァーナとかスマッシング・パンプキンズ（Smashing Pumpkins）とか、そういういわゆるオルタナ～グランジのど真ん中ではないスワーリーズ（Swirlies）のようなUSインディー、あとはマイ・ブラッディ・ヴァレンタイン（My Bloody Valentine）などのシューゲイザーをめちゃくちゃ聴いていました。

青山　音像やメロディの溶け込ませ方において、シューゲイザーやドリームポップはけっこう意識しました。

大久保　今聴くとかなりリバーブが強くて、夢の中というかヒプノティックというか、そういうのすごく意識していたんだろうなって、思います。

──次は2021年の7月に『Capy / Love, Massacre』をリリースされます。サウンドがすごく洗練されてきて、“Love, Massacre”は90年代のオルナタディブロック/グランジというイメージから一歩進んだ感があります。

小西　音に関しては今までライブハウスを借りてほぼ一発録り、PAさんに音を整えてもらって一晩で仕上げていたところから、レコーディングスタジオでエンジニアさんについてもらって制作したことがもっとも大きいと思います。

青山　駆け出しのバンドはそういうものだと思っていたから、初めてちゃんとレコーディングできて楽しかったですね。音楽的には“Capy”は今までの延長線上で、“Love Masasacre”もそこから大きく外れるものではないんですけど、ちょうどスロウコアにハマり出した時期に作った曲なんです。そして、この後に出したシングル“Blanc Sun Dong”、“In 10 Pages”、“Bottles”も音像やグルーヴにおいてスロウコアの影響を受けているので、そういう意味では今のモードの前兆のような曲ですね。

──スロウコアとは、スリント（Slint）、ロウ（Low）、コデイン（Codeine）あたりですか？

青山　僕のなかで大きな転機になったのはダスター（Duster）の『stratosphere』というアルバムです。僕らが聴いてきたオルタナやシューゲイザーっぽいところもありつつ、ミニマリスティックで淡々としたテンション感に「ああ、こういうバンドもいるんだ」って、どんどんハマっていきました。最近の作品だとホース・ジャンパー・オブ・ラブ（Horse Jumper Of Love）が2017年に出したセルフタイトルアルバムとかもよく聴いていました。暗すぎず上がりすぎず、そういう塩梅はすごく大切にしています。2人もわりとそういう感じだったよね？

小西　静かな音楽を好むようになったよね。僕は僕でアンビエント、ブライアン・イーノ（Brian Eno）とか聴いていましたし。

大久保　歪んでない音に向かっていたよね。みんなの周期が合っていた感じはありました。

──なるほど。それで“Blanc Sun Song”、“In 10 Pages”、“Bottles”ではSisters In The Velvetのトレードマークと言ってもいい轟音ギターを削いだわけですね。私は90年代オルタナティブロック/グランジというイメージがつきすぎたことへの抵抗もあったんじゃないかと思っていました。

青山　そういうわけではないんですけど、ここ1年くらいで自分の心情に変化があって、それにともなって音楽の在り方も180度と言っていいくらい変わったんですよね。

──と言いますと？

青山　その頃は21歳～22歳の大学生。周りの人たちの多くは就職活動をし出すわけです。自分は就職する気はないので、そことは関係ないんですけど、これから社会に出ていくこと、バンドをやっていくことや家族や友達との関係性など、あらゆることに対して大きな不安が襲ってきました。そして轟音に対して「そんなにうるさくしないで」って、今までのように満たされなくなってきたんです。轟音ありきの静と動やカオス、感情を揺さぶられたうえで感じるカタルシスというよりは、アンビエントやミニマルなものに感じる没入感や安らぎ、そこに内包されているエネルギーを欲するようになっていきました。

──なるほど。

青山　だから、そういうベクトルでとにかく自分が安心できる、自分を肯定できる曲を作りたいと思いました。そこにもともと好きだったピアノもバンドとしては初めて重ねてみて、展開をつけすぎずにひたすら自分を慰めるみたいな、それが“Blanc Sun Song”です。“In 10 Pages”もマインドの方向性としては同じですね。

──では、最新曲“Bottles”について。リフが印象的でリズムが面白い。このすごく不思議な感覚になるリズムの部分はどうやっているんですか？

小西　青山がほぼ完成形のデモを持ってきた曲。彼はSisters In The Velvetではギターボーカルとキーボードなんですけど、もともとはドラムだったんですよ。そのドラマーとしての側面が出ています。

青山　ここまでに話してきたSisters In The Velvetの自分として聴いてきた音楽とは別軸で、ドラマーとして変拍子やポリリズムを用いたインストの曲などをよく聴いてコピーしていました。そんな側面を“Blanc Sun Song”からバンドに採り入れてみて、さらに突き詰めていった曲ですね。構造としては2小節を6と2にわけて６はループしているんですけど、2の部分を入れたり抜いたりして、ベースにも変化を付けたりしています。ふつうに聴いているぶんにはそんなに違和感はないんですけど、気付いたら「合ってなくね？」みたいな、ちょっと変な感覚になる曲にしたかったんです。

小西　さらにストリングスのあとの後半部分は、ドラムとベースと僕のリードギターでは拍の取り方違うっていう。やっているほうはすごく複雑で難しい。でも青山の言うようにあからさまに難しいことをしている印象はあまりなくて、ちょうどいい感じの違和感。身内の作ったことながら凄いと思います。

──“Blanc Sun Song”も“In 10 Pages”も含めて、方向性が変わった動機はパーソナルで、サウンドもリズムもエクスペリメンタルな方向に舵を切っている。しかしそれでいて、ポップな強さは担保されていることは、今のSisters In The Velvetの特徴だと思います。

青山　そうですね。実験的ではあるんですけど、そこをどうポップに響かせるか。単なる自己満足で終わらない曲にすることは意識しています。

──なぜ自己満足ではいけないのですか？

青山　音楽じゃなくなっちゃう気がするんですよね。

──どういうことですか？

青山　最近いろんなことを考えるんです。なぜ人間が生きているのか、ホモサピエンスの生まれた時代から生命を繋いできているのかとか。まだ考えはぜんぜんまとまっていないんですけど、僕らは生まれたいと思って生まれてくるわけではなく、生まれさせられるわけです。もしみんなが自分の意志で生まれて自分のことだけを考えていたら、誰も生きてはいけない。

──はい。

青山　すなわち複数人が存在する社会で生きてくことが前提で僕らは生を受けていて、人は人に奉仕することで存在価値が生まれるし、生命は維持されて繋がっていく。そう考えると、誰かに奉仕することこそが本能的に生存の意味を感じられる要素のような気がするんです。しかしその反面、奉仕という言葉には押し付けがましさや強制力もあるじゃないですか。

──“Bottles”に《the fairies have been chasing snitchers call 'em snitches》という歌詞があります。訳すると「妖精たちは密告者が密告者と呼ぶものを追いかけている」。それは今仰ったことと少しリンクしているような気がしますし、私自身の生活におけるリアルも感じましたし、時代が常に持っている感覚なのかなとも思いました。どこまでが本当なのか、どこまでが本能的なものでどこまでが外的な要因かわからない、ある種の気持ち悪さから脱出しようとしているとしているゾーンの音楽って、すごくポップだと思うんです。

青山　それらの合点のいくポイントが見つからないから、そこに向かって自分たちなりの解釈を見つけに行くように、音楽を作っている感覚が強いですね。ようするに奉仕じゃないですけど、他人に向かって曲を作ることは必然的なことでもある。

──売れたい、届いてほしいという願望はありますか？

青山　そうですね。答えが多少重複するかもしれませんが、自分たちの価値を自分たちで見つけたい。「こういうことをやった」と言えるような作品を作りたいですね。売れるということはその結果の一つだと思います。

──これから先はどのようなことをしていきたいですか？

青山　シングルとEPしか出していないので、これまでの自分たちとこれからの自分たちをいい具合にハイブリッドした長編の作品、アルバムを出したいです。

大久保　今はシングルごとに変わっていくバンドになっちゃっているので、もう少し大きな単位での名刺代わりとなるような作品にしたいです。

──あえて訊きますけど、これまでの自分たちを踏まえて作るということは、またあの轟音が戻ってくる可能性もありますか？

小西　そういうギターを弾きたいという気持ちがなくなったわけではありません。それが曲に必要であれば喜んで弾きます。

青山　轟音が今この瞬間の気分ではないだけで、鳴らすことを止めたわけではないんです。あと『Capy / Love Massacre』までにやってきた轟音は、コード進行やリズム、曲の展開も含め、オーセンティックなオルタナティブロック、いわば使い古されたもので、それを繰り返すことはもうしたくないんですよね。それが歴史的に新しいかどうかはわかりませんが、自分たちのなかで新しいことをやっていきたい。そのうえで、過去にやった要素をどう活かしていくかを考えることが楽しいんです。だからそこに轟音があればガンガン弾くと思います。

──最後に、今みなさんが拠点としている下北沢ひいては東京で、大きく言えばオルタナティブロック/インディーロック系のバンドがジワジワと盛り上がってきている印象があります。それについてはどう思いますか？

青山　僕らが下北沢のBASEMENTBARを中心にライブをするようになった頃は、PsychoheadsやWaater、NEHANNといったバンド、SPEEDというコレクティブなどに大きな刺激を受けました。今もPsychoheadsやWaaterは活動していますし、去年はBROTHER SUN SISTER MOONが、今年はNo Busesがすごくかっこいいアルバムを出しました。また今年に入ってbedが出てきて、仰ったような音楽が面白いという流れが加速した印象もあります。

僕らもそういった流れのなかで名前が挙がったとすれば嬉しいですけど、“あの界隈のバンド”みたいな見られ方、括られ方で取捨選択されることになるとちょっと違うと思う。だからこっちとしても、“シーンを作る”みたいな旗を立てて仲良く円陣を組んで何かをするというノリではなく、それぞれが独立した実力を発揮したうえで、人がそれをシーンとかムーブメントだと捉えるようなシナジーが生まれたとしたら、それはいいことだと思います。

──まず今回で3度目となるillmatic senseの企画で、ゲストに選ばれたのがYONA YONA WEEKENDERSとBEAMSの加藤さんという組み合わせ。意外に感じられた方も多かったと思うのですが、実は相思相愛だったそうですね。

加藤　きっかけで言えば、まずBE AT TOKYOの企画チームから「加藤さん、illmatic senseの企画やりませんか？」って声をかけられたのが始まりで。最初はあまり乗り気じゃなかったんですが、コラボレーションがテーマにもなっているイベントであると聞き、それなら今一番気になるバンドのYONA YONA WEEKENDERSと一緒に何かやれるなら！ と条件付きで了承したんです。まさか一緒にやれるなんて思わずに依頼したので、実現した時は嬉しさと驚きが半々でしたね（笑）。

磯野　最初に加藤さんとお会いした時は、illmatic senseの顔合わせの時だったんですけど、物凄く腰の低い方だなという第一印象でした。出会い頭に「めちゃくちゃファンです」って言っていただけて、僕らも憧れの存在でもあったので、めちゃくちゃ恐縮しちゃって。

その後、いろいろとお話していくなかで、共通点があったことで、結構盛り上がったのを覚えています。互いにお酒が好きだったり、加藤さんはBEAMSでスケートボードやサーフィンというカルチャーを発信している方でもあると思うんですけど、僕らもそういったカルチャーが好きだったり。

小原　スケートボードが好きな自分にとっては、もちろん加藤さんと一緒にお仕事ができる喜びもあるんですけど、それ以上にスケーターとしての加藤さんが所持しているアーカイブのスケートビデオとかがすごく気になっちゃって（笑）。

加藤　おお、それはそれで嬉しいですね。

──＜illmatic sense＞では実際に皆さん、古着の買い付けをされたんですよね。

キイチ　卸業をしているような倉庫のような場所で選定の作業をしたんですけど、その作業自体が新鮮でしたし、日本製の古着も沢山あって純粋に面白かったですね。

加藤　古着って聞くと自分を含めUSをイメージする人がほとんどだと思うんですけど、日本の古着をメインで扱っているのは珍しいんですよね。だからデザインの元ネタが身近なものも多くて、結構みんな楽しそうに選んでいたのが印象的でしたね。

磯野　他にも松浦亜弥のフォトTとか、飲食店のユニフォームとか、懐かしさもあって盛り上がっちゃいましたね。宝探しみたいな感覚に近かったです。

加藤　僕らだとバイイングを生業にしていることもあって、普段は売れるか売れないかという視点も指標として重要になってくるんですけど、純粋に好きなものだけを選ぶっていう感覚は改めて大切だなと感じました。

磯野　確かに初めは売れそうなものを意識して選んでいましたけど、最後の方はふざけているグラフィックとか面白いデザインのものを選ぶようになっていましたね。小原が選んだファッション玄人向けのケンタッキーのTシャツを、実はファンの人が買っていたなんて後日談もあって。意外と意識していないものが売れたりすることもあるんだなって、そんな発見もありました（笑）。

キイチ　例え売れなかったとしても、俺らのそういうノリが伝わってくれていたのなら嬉しいですよね。自分の好きなものを肯定されたような感覚というか。

加藤　イベントの最終日に僕は会場で野菜を売っていたんですけど、その近くのブースで古着を販売していて、チラチラと横目にチェックしていたら、意外と彼らのバイイングのアイテムも売れていて、嬉しかったですね。

──今回古着をセレクトして販売するというYONA YONA WEEKENDERSのみなさんにとっては新たなチャレンジでしたが、音楽の中でも古着のようにレコードやCDといったアーカイブとして残っていくモノの良さもあると思います。活動の中でそうしたモノの大切さを実感することはありますか？

磯野　僕らはCD世代なので、学生時代はバイトしたお金でCDを買ったりしてましたけど、お金がなかったので中古のCDをブックオフとかディスクユニオンで見つけたりしていたんですよ。そんな中でもジャケがかっこいいから買うっていうアートワークそのものの良さも大切だなと感じていました。だから僕らもリリースしたEPはちゃんと紙ジャケで出すようにしたり、フルアルバムだと歌詞カードを広げるとポスターのようになるように仕掛けを作ったり。そういうアイデアをみんなで出し合いながらリリースするようにしていますね。

キイチ　モノとして残ることの良さって、そのモノを通して会話が広がることだとも思います。古着をピックしている中で、ASPARAGUSのベースを担当されている原直央さんが率いていたSHORT CIRCUITっていうバンドのTシャツもあったりして。そういうつながりってやっぱりモノの力としてあるんだなと今回実感しました。

加藤　自分もモノが好きだから手にしたいという気持ちが強い方なんですけど、なかなか手に入らなかったりする。でも手に入ると、すごくハッピーじゃないですか。手放したくない、って思えるし。そういうモノが身近にあると、「これを作った人はこんなことまでやってのけたんだ」って思いを巡らせる機会もよくあるんです。そう考えると、作る身としても「変なモノ作れないな、俺もこれを超えるモノを作らなきゃ」とやる気になれますね。

──買い付けた古着の販売に加えて、今回はコラボのアイテムも制作されたんですね。

加藤　そうなんです。コラボでなにか洋服を作ろうとなり、せっかく作るならみんなが好きなものをギュッと詰めたものがいいよねって話していて。そこで“ツマミになるグッドミュージック”という彼らのキャッチコピーがあるんですけど、僕も彼らもお酒が好きなわけだし、好きなオツマミのイラストを総柄にした柄シャツを作ろうと。それとプラスしてみんなの好きなお酒もイラストにして、シャツのボディに散りばめました。シャツは僕が昔から好きなブラックウォッチ柄のチェックシャツ。

磯野　僕もブラックウォッチ柄は好きで、SSZのオリジナルのシャツを買ったりもしていました。

加藤　元々の背景がミリタリーから着想を得ているブラックウォッチ柄のチェックシャツは、プレッピーなスタイルにも頻用されていたり、上品で端正な印象を持つ人が多いと思いますが、実は男らしい無骨なアイテムなんですよね。昔からストリートでも愛されているアイテムですし、ビール缶がすっぽりと収まる胸ポケットなどのディテールも加えていて、どこか抜け感のあるYONA YONA WEEKENDERSにもぴったりなシャツになりました。

シンゴ　あとはTシャツも作らせてもらいましたよね。

加藤　Tシャツは僕からのアイデアでもあります。彼らの音楽性がシティポップと形容されることも多いんですけど、実は彼らの背景にはハードコアやパンクの精神が根付いている。同時に古着好きということもあったので、その掛け算で出てきたキーワードが、僕も敬愛するヘンリー・ロリンズ（Henry Rollins）とイアン・マッケイ（Ian MacKaye）がアルバイトとして働いていたアイスクリームメーカーの「Häagen-Dazs」だったんですよね。

磯野　アイデアを出し合うなかで、僕たちと加藤さんが好きなバンドを沢山挙げていったりして、ブラック・フラッグ（Black Flag）とマイナー・スレット（MINOR THREAT）というレジェンダリーなバンドに辿り着いたんですけど、そのサンプリングの仕方が「さすが加藤さんだな」というアレンジで。

加藤　根っこがスケーターとかサーファー的なマインドでもあるので、どうしてもパロディものは凝っちゃうんですよね（笑）。

──さらにスペシャルなオリジナルの音源とリリックビデオも作られたみたいですね。

磯野　音源に関しては、今回の企画に僕らが便乗するような形で作らせてもらいました。というのも、加藤さんが先ほど仰っていたような「好きなものを詰め込む」という感覚が、サラリーマンとしても普段働いている僕らが好きという気持ちだけでバンドをできている現状ともリンクして、すごくシンパシーを感じたんですよね。なので、自然とそういった曲を作りたいなと思えて、自ら提案させていただきました。リリックでも好きなスニーカーとか色についても言及していたり、僕らの“好き”が詰まった作品になっているので、そういった聴き方をしても楽しめる作品になりましたね。

キイチ　曲のタイトルにもしているように僕らはみんな同じ1989年生まれなんですけど、その年代の人なら共感できるTV番組も歌詞に含めていて。ファンの皆さんから今までの楽曲にない共感が得られたのは新たな発見でしたね。

磯野　エゴサーチしたら、歌詞の意味を深読みしている人がいたりね（笑）。今までは僕らの職場の愚痴とか働く人を応援する曲が多かったので、また違った景色を見られた作品になったなという実感がありました。

加藤　まさか自分が参加する企画で、大好きなアーティストが曲を作ってくれるなんて。僕が社内でディレクションしているSSZというレーベルがあるんですけど、昔上司にそのレーベルのテーマソングを作りたいって相談したことがあって。その時は「アーティストに失礼だ！」って怒られたんですけど、月日を経てこうした形でアーティストさんの音源作品とも関われて夢みたいです。

──分野や世代を超えてのコラボレーションは、まさに＜illmatic sense＞の根幹にあるテーマでもありますよね。改めて今回協業を通して感じたことなどありますか？

加藤　改めて世代ってあんまり関係ないんだなって感じましたね。やっぱり昔から好きなスケートボードのカルチャーを見ても世代間のボーダーってほぼ皆無だし、好きなコトだったり、モノだったり、ヒトだったりで人ってすぐに繋がっていけるんですよね。彼らとは音楽、ファッション、お酒という“好き”の共通点があり。しかも僕もBEAMSに所属しながら兼業で実家の農家を手伝っていたりするので、彼らがサラリーマンをしながらバンドをしている姿にも勝手に共感しています。

キイチ　バンドのなかでも結局そこが大事なんですよね。バンドが違ったり、普段聴く音楽のジャンルが違ったりしても、結局音の鳴る現場にいたらみんな仲良くなれたりするし。だからコラボレーションって音楽やファッションに限らず、その延長線上にあるものなんだなって再確認できましたね。

磯野　特に加藤さんとこうした機会を通してコラボレーションできたのはとても意味があるなと思っていて。決してそんなスタイリッシュなバンドではないと自分たちでは思っていますが、そんな僕らが加藤さんのような人とご一緒できて、色々と通じ合えるものもあって、幸せなことですよね。

加藤　むしろ僕も勝手に価値観が近いのかなって感じている部分もあるので。だから僕の作る洋服もYONA YONA WEEKENDERSや彼らのファンたちが着てくれたりしたら嬉しいですし、そういった部分でもリンクしあえる関係になっていけたらいいですよね。

━━まず、結成の経緯を訊かせてください。

鮫島竜輔（Vo/Gt）　もともと高校の軽音楽部を通じて結成したんです。ベースの袋本とギターの和田とドラムの高清水が同じ高校で、僕だけ違う高校で。今、軽音楽部って甲子園みたいな感じで大きい大会とかやってるんで、それを通じて知り合って。で、結成して。僕と袋本は幼馴染でもあるんですけど……で、キーボードの狩野は大学を通じてですね。

━━高校時代は共通して好きなバンドはあったんですか？

高清水完太（Dr）　当時は邦ロックバンドばっかりでもないんですが、でも共通点はありましたね。

━━ちなみに最初はコピーですか？

高清水　僕らの高校の軽音部がオリジナル曲をひたすら作ってやるっていうのが方針のひとつだったんで、あまりバンドとしてコピーを何曲もやったって感じではなかったです。

━━面白いですね。

鮫島　僕の高校も夏に最初の合宿があるんですけど、その合宿で１曲、最初にオリジナル作らせるので、そこからずっとオリジナル作ってやっていくみたいな感じでしたね。

━━専門学校の作曲科みたいな。

鮫島　（笑）。確かに良くも悪くもロックじゃないかもしれない。

━━鮫島さんは最初から打ち込みとかしてたんですか？

鮫島　いや、作曲し始めたのは高校からなんですけど、昔ちょっとジャズピアノとかやってて。で、小中がちょっと合唱に力を入れてるような学校だったんで、音楽的な感性みたいなものをそこでちょっと培いつつ、高校で初めて作った感じですかね。

━━どんな感じの曲でしたか？

鮫島　どうだろう。僕、よく言うのはNUMBER GIRLとフー・ファイターズ（Foo Fighters）を足して２で割ったみたいな（笑）。

━━ゴリゴリのオルタナじゃないですか。

鮫島　そうですね（笑）。よく学校の人に言われたのは、僕、結構静かだったんですけど、文化祭とかですごい煽ったりして「ギター持つと人格変わる人」みたいな。

一同　（笑）。

━━高清水さん、和田さん、袋本さんがいた４ピースバンドはどんな感じだったんですか？

高清水　オルタナって言っちゃえばオルタナ（笑）。何系なんだろう？　まあでもNUMBER GIRL系かも（笑）。

袋本和寛（Ba）　NUMBER GIRLとお祭りを足して２で割ったみたいな。

和田 燎（Gt）　あと、お祭りとNothing's Carved In Stoneみたいな（笑）。それと頭悪い感じを出して。

━━当時の高校生の青春的な感じではあったんですね。

鮫島　そこに力を入れて、みんなで「本当に楽しかったね」っていう青春時代だったなって感じですね、思い返すと。

━━もう終わったみたいな感じですね（笑）。

一同　ははは！

━━NOMAD POPって名前がついたのはいつ頃ですか？

鮫島　これが本当に2019年に始めるタイミングで。

━━NOMAD POPを始める際には狩野さんももう加入していた？

狩野龍太郎（Key）　そうですね。最初になんかNOMAD POPって名前じゃない、お試しライブに。

鮫島　公的にNOMAD POPとしてライブをする前に一回、公に何も言わずにライブやろうっていうので、そこでサポートやってもらって。

高清水　最初からいたかのようなぐらいの雰囲気ですごい溶けてこんでくれたんです（笑）。

狩野　その年の5月ぐらいに声かけてもらって一回ライブやって、その日に入って（笑）。

鮫島　二つ返事でオッケー（笑）。

━━その時にはもうすでにその最初のリリースの『move／ジャックとブナの木」みたいな音楽性になっていた？

鮫島　リリースした曲はもうそのライブの時からやってたので、特に毛色は変わってないかなっていう。

━━でも高校時代からは全然違うわけですよね。

鮫島　そうですね。やっぱ各々の音楽的な趣向の変化とかも大いにあったのかな。

━━それって高校生から大学で聴くものがガラッと変わった自覚はありますか？

鮫島　でも、たぶんみんな共通してるのはセッション系が強かったもんね。

和田　R&Bとかに興味を持ち始めました。

鮫島　ロバート・グラスパー（Robert Glasper）とか大学で始まったね？

━━『Black RadioⅡ』リリース時ですかね？　ロックの中で違うジャンルを見つけたっていうよりは全然違うものを見つけた感じですか？

鮫島　個人的には延長にあったなって気がして。結局NOMAD POPっていうバンド名をつけたのも理由なんですけど、2016年ぐらいにアメリカでヒップホップがポップスの中で一番売れた頃で、自分たちも自然とそれを聴くようになって。いわゆるその精神性的に果たしてどっちがロックなのか？　みたいな話もあるじゃないですか。というところで、音だったりメッセージっていうところで、自然と他のジャンルにもロック的な要素を見つけて広がっていったっていうのが大きいのかなっていう気がします。

━━例えばフランク・オーシャン（Frank Ocean）の『Orange』とか。

鮫島　そうですね。僕の中でフランク・オーシャン以前・以降で本当に音楽の捉え方が変わっちゃったなと思ってます。

━━あの頃バンドやってる人は多かれ少なかれ出会ったのかも。

鮫島 多分、2016年が他のアーティストもエポックメイキング的な作品が多くて。ビヨンセ（Beyonce）も『Lemonade』以降、オリジナルアルバムを出してない。で、チャンス・ザ・ラッパー（Chance The Rapper）もそのタイミングで。やっぱ同時多発的なもので僕らみたいなものでも自然と触れざるを得ないというか（笑）。触れることができるぐらいの波になってたのかなっていうのは思いますよね。

和田　その前にディアンジェロ＆ザ・ヴァンガード（D'Angelo And The Vanguard）の『BLACK MESSIAH』も出たし。あれもロックだった。

━━ところで狩野さんは割とルーツにジャズがあったりするんですか？

狩野　僕はもともと中学生の時にローリング・ストーンズ（Rolling Stones）から海外の音楽を聴き始めて。最初、ギターをずっとやっていたので、そこからジミ・ヘンドリックス（Jimi Hendrix）とか聴いて、そのバックミュージシャンに結構興味持ち始めて。ジャズ界隈の人もジミヘンの後ろで演奏したりしてて、そこから結構広がりました。大学時代もソウル・ファンク系のセッションサークルに入って行って、ジャズにもちょっと触れてます。

━━鮫島さんのルーツはどんな？

鮫島　バンドは最初やりたいって思ったのは聴いた音楽で言うとやっぱりBUMP OF CHICKENとかASIAN KUNG-FU GENERATIONが最初の記憶として強いんですけど、僕、６個上の兄貴がいて。兄ちゃんが中学校の文化祭でバンドをやっていてて。それにすごい憧れて始めた要素が強いかもしれないですね。で、そこからレッド・ホット・チリペッパーズ（Red Hot Chili Peppers）とかジャミロクワイ（Jamiroquai）とか聴くようになってっていう経緯があるんですけど、今の自分のメンター的な部分にあるのはビートルズ（The Beatles）とカニエ・ウエスト（Kanye West）が強くて。

━━すごい、神＆神（笑）。

鮫島　やっぱそこだなっていうふうになんか自分の中ではなったって感じですかね。自分が何を作りたいのかと思ったときに、一番思い返すっていうのはやっぱりその2組になるんですね、今は。で、ビートルズはどっちかっていうといわゆるオルタナティヴな色が強くなった中・後期以降が好きですかね。ミックスの感じとかも影響を受けた部分が強いのかなっていう。

━━カニエ・ウエストはどういう部分ですか？

鮫島　「それとそれ一緒にしていいんだ」みたいな（笑）っていうところが聴いててすごいあって。全然違う曲が急に始まったり。あと、やっぱり僕は昔ちょっと合唱に力入れた学校にいたっていうのもあって、声が全部楽器になっちゃうんだなみたいな、フィーチャリングする人も自分の楽器の一種みたいな感じで使っちゃうじゃないですか、カニエって。そこはすごい憧れますね。

━━高清水さんは？

高清水　ドラム始めた理由が単純にゲームの「太鼓の達人」がすごい好きで、当時ひたすらやってて。親に「そんなに叩くの好きなら、知り合いにドラムやってる人いるからそこの教室紹介してもらいなよ」って言われたのが中学生ぐらいで、ドラム始めて。そこから軽音楽部が強い高校を紹介してもらって、そのままバンド始めたって感じだったんです。それで高校卒業してから当時同期で軽音楽部界隈のレジェンドだった鮫島にNOMAD POPの前身バンドに誘われたって事がバンドを続けるにあたっての一番大きなきっかけではあります。

━━なるほど。

高清水　聴いてた音楽とかは割としまちゃん（鮫島）と近くて。 入りはBUMP OF CHICKENをPSPに入れて聴いてたんですけど（笑）。そっからあとは 自分のドラムのプレイスタイルとかにつながってくるんですけど、ロック系のインストとかを聴くようになったり、高校時代に友達にEDMオタクみたいなのがいて、プレイリスト作ってもらって全部貰って聴いてたり、あとはハードコア系とかですかね。共通してるのはドラムという楽器はリズム系の楽器なんですけど、支えるっていうよりかはメロディーラインを表現するようなジャンルが多かったんですね。それが今のプレイスタイルにつながっているなっていうのを感じます。

和田　バンドを始めたきっかけはアニメの『けいおん』なんですけど。バンドを始めてスティーヴィー・レイボーン（Stevie Ray Vaughan）ってブルースギタリストを知って、そっからギターにすごいのめり込んでいっていう感じですね。一番どっぷり浸かったところとしては。

袋本　僕は中学校で鮫島と同じサッカー部だったんで、結構一緒に遊んでいて。鮫島のお兄ちゃんの影響とかもあったのか、レッチリとかジャミロクワイとか自分が聴いたことないバンドっていう音楽を割と結構流してくれて。それがきっかけで、俺もギターやってみたいなと思って。で「バンドやろうよ」って、中学校の催しで一緒にやったんですけど、僕は当時から眼鏡かけてたんで、「いや、眼鏡はベーシストだろ」と言われて。

一同　（笑）。

袋本　じゃあまあいいかってベースやって。でもレッチリのベースとかめっちゃカッコいいじゃないですか。そういうのでどっぷり浸かってったって感じですね。

━━皆さん一応00年代の邦楽ロックは通ってきてるんですね。

鮫島　共通してあるかもしれないです。

━━そういう背景を持ってるバンドがすでにもう2019年の段階で“move”みたいな曲を出してるっていうことに驚きます。グルーヴするSF的民謡世界みたいな曲なので。

鮫島　なんかあんのかな？　変になった理由はあんのかな。

袋本　一番好きなものはそれぞれ違うから、混ざっちゃってる。

━━NOMAD POPの曲作りはどんな手法なんですか？

鮫島　基本は誰かが作曲の元となる楽曲をDTMでバンド音楽として、ワンコーラス作っちゃって。で、だいたいそこにその他の楽器の音も入ってるんで、「こういう曲にしたいんだよね」っていうコンセプトを最初にその作ってくれた人が提示して。で、それに合わせてメンバーがちょっとずつ自分の色を追加してアレンジして行くみたいなのが多いですね、今は。

━━これまでにリリースされている曲はどれも特徴的なんですけど、動画が多く見られた曲でいうと“45のセカイ”とか。この曲の種は誰ですか？

鮫島　僕が持ってって。G-ファンクが好きなんで、その感じを……見ても分かる通り、僕らはイケイケの陽キャラとかではないんで（笑）、ちょっとナードな日本人のバンド解釈みたいなことができたらどうなるかな？　みたいなことを考えて作りました。

━━サウンドはファンクなんだけど、鮫島さんの歌詞は描き方がフォーキーでもありますね。

鮫島　そうですね。あと、先輩から「パンキッシュな側面はあるよね」みたいなことを言ってもらえたりしますね。オタクっぽい中にも棘があるのかもしれないですけど（笑）。

━━いや、棘だらけでしょう（笑）。2020年のミニアルバム『PRISMATIC NOMAD LOVE』にはなかなか濃い曲が集まってました。

鮫島　ラーメン二郎みたいなモリモリな曲が五曲も入ってる（笑）。今思うのはやっぱコロナで自粛期間になっちゃって、で、ちょうどその時期にマネージャーのTOKIOさんと会って。で、一緒にやっていこうって話になったんで、「自分らでやってやるぞ」って意気込みと、コロナ禍の鬱憤みたいなので、元気過ぎちゃったんだろうなっていう。

━━（笑）。その頃、集まれる状況はあったんですか？

鮫島 その時はコロナだったんで、データをオンラインでやり取りして作ってました。

袋本　ほぼオンラインでアレンジ完成させて、後スタジオでちょっとレコーディングみたいな。それも二郎系になった原因かもしれない（笑）。

鮫島　実際にスタジオでやり取りしてたら「こういうフレーズ弾くんだな、弾けるんだな」ってことが分かると思うんですけど、オンライン上なんで「これぐらい行けるっしょ」みたいな過激な物をガンガン入れてくんですよ（笑）。

━━あのミニアルバムが完成したことで、二郎系になってしまう第一章が終わったのかもしれない。

鮫島　まあ明確にちょっと二郎と別れを告げたかもしれない（笑）。 周りには面白いって言ってくれる人も多いんですけど、僕ら的にはちょっとクールダウンしようと。

━━NOMAD POPの音楽は海外とのリンクより、時代を変えてきた日本のバンドを思い出させるんですよ。その辺はどうですか？

鮫島　他のメンバーはちょっとわかんないんですけど、僕は今のとこ世界的にどうのとかはそんなに思ってなくて、自分たちが一番最初に触れたいわゆるJ-POPと言われるようなものを作りたいなっていう気持ちがありますね。あと根底のところで思うのはやっぱり今って日本そのものがすごく辛い場所になってる気がするんで、それを差し置いて、じゃあ海の向こうへっていう風に個人的に思えてないっていうのが大きいですかね。まず身近な人に明るい気持ちになってもらえるものを作りたいなっていうのはすごく大きいですね。

━━それすごい感じます。今現在、同世代ぐらいのバンドでシンパシーを感じる人たちはいますか？

鮫島　まあでもあれだよねさっきのLINEで出たけど、単純にビアリ（Bialystocks）とか。

袋本　あとGhost like girlfriendとか。

━━先人っていう意味ではサカナクションとか、Base Ball Bearとかそういう人たちの名前も浮かぶんですよね。

鮫島　今出たバンドは全部結構自分たちの憧れのところにあるので（笑）、すごく嬉しいですね。

━━ボカロは皆さんの世代だとどうなんですか？

高清水　黄金期って言われてる時に小学生だったんで。中でも僕は一番聴いてるかもしれないですね、当時。

━━ハチさんとか。

鮫島　そうですね。僕も作曲では結構、初音ミクを使うんですけど、ボーカロイドは高清水ほど聴いてなくて、自分の好きな女の子がハチさんのこと好きだったりして、嫉妬したみたいな（笑）、そういう記憶。

一同　ははは。

━━曲作りをする人には遠くもない世界なのかなと。

鮫島　そうですね。でもその要素で言うと僕は結構ニコニコ動画そのものが大きくて。 当時の歌い手さんを勝手にたくさん集めて合唱曲にしちゃうみたいなのが結構流行ってて。今、実際に僕らもごちゃ混ぜの合唱みたいなのを曲として作ったりしてるのはそういう違和感とか面白さみたいなのが強いのかなって気はしますね。

━━今回、６月１日から３ヶ月連続で配信シングルをリリースするいうことで、今回からは曲作りからフィニッシュまで考え方は変わりましたか？

鮫島　結構変わった気がしますね。なんか生身のバンド感みたいなものを追求したいなって思ったですかね。肉体的な部分をもうちょっと音楽として落とし込たいなってのがあって、１年前に出した曲とかに比べると、スタジオでみんなでセッションして考えて作っていくっていうのが多くなったし、多分これからもそういう作り方をしていくんじゃないかなって気がします。

━━今回はデモを必要以上にごちゃごちゃさせずに？

鮫島　そうですね。そういう意味だと今までより多分デモは簡素にしてあって、それをこうおのおのでどうバンドナイズして行くかみたいな側面は強かったかもしれないです。僕らもこの辺がバンドの土台になっていくんじゃないかなと、今回の三部作に関しては思っているところです。

━━だけどやっぱりなんか相変わらず歌詞はすごく聴いてしまいます。

鮫島　ありがとうございます。

━━ちょっと絵本みたいな世界観を持ちつつも毒があるみたいな感じなのかなと思って。鮫島さん的に詞のインスピレーション的なところって例えば詩を読んだりとかあるんですか？

鮫島　たとえば僕が山口一郎さんぐらいめちゃくちゃ詩集を読み込んでいるかというとそうではないと思うんですけど（笑）、たださっきの合唱っていう話もあったんですけど、詩集を読むぐらいに好きなのは谷川俊太郎さんで。簡単な表現を使ったりもするし、ものすごく遠回しな言い方をしたりもするんですけど、その中に人の根源的な部分だったりとか、はっとさせられるようなことを、時に笑っちゃうように、時にちょっと残酷なような書き方をしたりするっていうところで言うと憧れではありますね。

━━読書家ですか？

鮫島　本の虫かって言われたら全然自信ない（笑）、まあ上には上でひたすら上ががいるんで。これとは歌詞とは違いますけど、村上春樹さんもめちゃくちゃ好きですね。世界の書き方、なぜ異界とか異形のものを出すのかっていうところとかに、人間の根源的な悩みだったり、あとはすごく孤独というものを優しく書くっていう印象があって、そこはすごく好きですし、詞に反映されているか分かんないですけど人生観として影響はされてると思います。

━━なるほど。新曲の「いろはにほへト」はまさに合唱的なところも特徴的で。

鮫島　今回は今までで一番その側面を前に出してて。コーラスライン、男性のテノール、バスと女声もあって、混声四部の合唱で、おのおのがどういうメロディーをたどってどうハモっていくかっていうところを今までより一番楽しんで作っているのが、まあ今回の三部作の特徴かなって感じはします。

━━今回の曲に関してのそれぞれのアプローチとしては？

狩野　今までと考え方は結構変わったなっていう印象で、スタジオで多分一番ジャムって作ったところが大きいかもしれないですね。だから『PRISMATIC NOMAD LOVE』みたいに自分らの力量の上を行くってよりは、もっとグルーヴとかを大事にして、自分らの範囲内で、よりちょっと新しくやるっていうところは意識したというか。

袋本　例えばドラムがなんかフィルしたら、じゃあそこ行こうとか、そういう話し合いでアレンジを組み立てて行ってるんで、バンド力はより強くなってるなっていうところはあると思います。

狩野　今までのアレンジは５人じゃ絶対できない音数を入れてて、ライブでも同期の音に頼って演奏してたんですけど、今回シンセみたいな音を例えばギターで出すとか、そういうものを人力で全部やっちゃうみたいな。昔クイーン（Queen）のレコードに「これはシンセ入ってません」って書いてたあの感じには結構憧れて作りましたね。

和田　結構ベタなソロを入れたりとかね（笑）。

━━アレンジのせいか、「言葉は教えられたけどちゃんと使えてんのかな」みたいな歌詞がすごく入ってますよね。

鮫島　確かに一番人として根源的な部分っていうか、嬉しいのか悲しいのかみたいなところに結局生きてるってことも全部あるのかなっていう気がするんで。そういうかなり根っ子の部分のことを訴えているのも、納得もあるし楽しさもありっていうような感じですかね。

━━今回は、いわばインディーズやメジャーレーベルの枠組みとも違う形でやっていらっしゃるわけですが、この時代の活動形態について考えていることはありますか？

鮫島　それこそそのHYPE、TOKIOさんとの出会いもそうですけど、自分たちが何を作りたくて、どういう人にシンパシーを感じるのかとか、どういう人と一緒にいたいのか、そういう人といたらどういうものが作れるのかっていうところだと思うんで。単純にインディーなのかメジャーなのか、小規模なのか大規模なのかっていうところじゃなくて、結局は人対人で共感できるか、人対人で自分たちの理想に近づけるのかっていうところなのかなとは思ってますね。で、結局自分たちが面白いなと思う人たちもメジャー、インディー問わずに動いているような気はしてます、僕は。

━━今後バンド総体で目指していきたい方向ってありますか？

鮫島 でっかいことを言うべきところだと思うんですけど（笑）、やっぱ一番根底の部分が大事だと思ってて。さっき言ったように本当に目の前の人に、何か明るい気持ちになってもらえるものを届けたいっていう、本当にちょっとほかのメンバーかどうかわかんないですけど僕はそこに尽きるってところがあって。明日がくるのが嫌だなって思う人って今たくさんいると思うし、実際に自分もそういう期間が長かったから、自分たちの音楽でそれが変えられるとまでは思ってないですけど、一人でもそういう気持ちに対して明るいものを見出せる音楽でありたいなあっていうのが、僕個人的には全部ですね。ないですね、それ以上。どうです？（笑）

高清水　鮫島くんが言った通り一人でも多くこういう言葉や歌を聴いて、こういう考えでもいいんだみたいに肯定してあげられる、一人でも多く増やすためには自分らがある程度大きくなっていく必要はあるなというのがあって。そのためにやっぱり大きい存在にはなりたい……（笑）、ちょっと言葉にはしにくいんですけど、そういうざっくりとしたものは常にありますね。

NOMAD POP ロック、R&B、HIPHOP、エレクトロを基調に、大和情緒を感じさせる詩とメロディー、極彩色のバンドアンサンブルによってジャンルに囚われないポップスをアップデートしている。

6月にリリースした『move』は、Spotify公式プレイリスト『キラキラポップ:ジャパン』に3週連続で選出される。 12月、1st EP『355』のリリース2マンライブ『POP INVADER』@下北沢DaisyBarがソールドアウト。 2020年1月、いきものがかり水野良樹氏がナビゲーターを務めるJ-WAVE『SPARK』にてリード曲『45のセカイ』がオンエア。 活動開始から1年、コンセプチュアルなミュージックビデオが話題を呼び、「文学的でSFチックな世界観がクセになるバンド」としてライブハウス、キュレーター、耳の早いリスナーの間で注目を集めている。

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