2022年12月3日、東京、この日で活動を休止する幾何学模様が、オープニング・アクトに起用したバンドがmaya ongakuだった。ほぼ無名な存在でありながらわずかな時間ではっきりと足跡を残した彼らが、ついにファースト・アルバム『Approach to Anima』をこの5月にリリースした。幾何学模様が主宰するレーベル〈GURUGURU BRAIN〉と、never young beach、Yogee New Waves、D.A.N.らを擁するレーベル〈BAYON PRODUCTION〉が手を組み、海外と日本の両面でのリリースとツアー活動をサポートする。これは異例の待遇でもあり、他に類を見ない展開だと言っていいだろう。 maya ongakuを構成するのは、湘南の街に生まれ育った3人のメンバー、園田努（Gt. ／Vo.）、高野諒大（Ba.）、池田抄英（Key.／Sax）。バンドを結成する以前からすでに幼なじみだったという彼らが育んできた自分たちの音楽を彼らがどうとらえているのか、そしてそこにどれほどの可能性が宿っているのか。〈GURUGURU BRAIN〉のGo（幾何学模様）とmaya ongaku3人の鼎談で何が解き明かされるのだろう？　進行を務める僕自身ドキドキしながら取材に臨んだ。

──maya ongakuの3人は10代からの幼なじみなんですよね？ 園田努（以下、園田）　音楽をやる以前からずっと一緒に遊んでる友だちだったんです。だんだん一緒に音楽を作るのが楽しくなってきてバンドを始めたんですけど、最初は地元の仲間6、7人くらいでジャムをしていただけなんです。たまにイベントに出て、長いジャムをやる。それくらいの活動でした。だんだん音楽に対する熱量があるやつが4人残って。最初はドラマーがいたんですが、彼が病気になっちゃって抜けて3人に。ちょうどその時期に〈GURUGURU BRAIN〉から「音源を出さないか」と連絡をいただいて、じゃあ作ってみようかという感じでちゃんと始まったんです。その連絡があったのは、コロナが始まってすぐだから、2020年かな。 ──Goさんはどうやってmaya ongakuを知ったんですか？ Go　たぶん、見つけたのはInstagramです。音源はSoundCloudに上げてたよね。 園田　そうですね。iPhoneのマイクで録ったジャムをSoundCloudにあげて誰かに聴いてもらえたらいい、くらいの感覚でした。 Go　上がっていたのは曲というよりジャムしてる録音みたいな4、5曲だけだったんです。でも、ジャムの音源だけを上げてるバンドって珍しいし、演奏にも光るものがあった。なので連絡をして「アルバムとか出す予定あるんですか？」と聞いたんです。彼らはその時点でもう幾何学模様や〈GURUGURU BRAIN〉のことも知っててくれていた。その流れで「アルバム作ったら、うちで出せるかもよ」という話をしました。

──それが結果的にファースト・アルバム『Approach to Anima』に結実するわけですが、その話が来るまではmaya ongakuとして、アルバムや正式な曲を作ろうという話はしてなかったんですか？ 園田　一応ありました。 池田抄英（以下、池田）　自主でやってみよう、みたいな。 園田　「アルバムを作る理由を探してる」みたいなところはあったかもしれないですね。でも、音楽的にもそこまで成熟してないし、1曲を形にして録音するところまで達してなかったんです。僕らは付き合いは長いけど音楽を始めたのは大学に入ってからで、まだ数年しか経ってないし、やってるのもジャムだから練習もあんまりしてないんですよ。感覚の擦り合わせだけは常にやっていたんですけど、曲をちゃんとレコーディングする過程とかは全然分かってなかった。 池田　あのときGoくんに声をかけてもらえなかったら、どこまでもジャムでやっていた1曲を追求し続けていたと思います。 園田　それが「maya」ってタイトルの曲だったんです。僕がアコギで作ったインプロの音源をみんなに送って「バンドでやってみない？」って誘ったのがバンドの始まりでもあったんです。 池田　ライブでも毎回違う曲とかじゃなく、いつもその1曲をやってました。ずっと完成しない1曲をきわめようとしていた。 Go　でも、「アルバム作ってみたら？」と持ち掛けたとき、バンドにはすでにアイデアがある感じだったよね？ 園田　「歌があるものを作ってみたいね」と話してましたね。ちょうどコロナ禍でみんな時間もあったし、わりと集まって新しく曲を作りたい意識があったんです。そういう意味では、話が来る前からアルバムを作るつもりはあったかもしれない。 池田　そうだね。今までの実験的なジャム曲はSoundCloudに乗せてるから、ギャップじゃないけど、ちゃんと作品として残したいなという意識はあったよね。 園田　うん。

──そこで歌が初めて登場するんですね。 園田　そうです。ジャムでは歌のない曲をやっていたので。 Go　だから、だいぶ印象が変わったよね（笑）。最初に聴いたジャム音源と、このアルバムとではだいぶ違う。でも歌が入ってもmaya ongakuっぽい音の感じはあるし、この3人のメンバーの近さみたいなところは変わらない。そもそもジャムをそのままネットにあげたり、自分たちだけでやろうとしてる感じは、僕らが幾何学模様を始めた頃の感じと近いものがあったし、自分と同じ匂いを感じたので、「どうなろうと大丈夫だな」という信頼を感じていたというのはあります。 ──でも、びっくりしますよね。Goさんが何か助言したわけでもなく、勝手に自分たちで進化していってたわけだから。 Go　そうそう。毎回デモを送ってくれてたんですけど、曲が増えていくたびにどんどん進化してる感じで、そのプロセスを見るのがすごい楽しかったです。 ──レコーディングのやり方も含めて、自分たちで試行錯誤して解決していった感じですか？ 園田　そうですね。作品は〈GURUGURU BRAIN〉がリリースしてくれるとして、完成までは自分たちでやらなくちゃいけなかった。イチから学びながら自分たちでRECしていきました。最初のうちは、「まずデモは自分たちで録って（あとでちゃんと録り直す）」くらいの感覚だったんですけど、やってるうちに「これ（デモ）でもういい」と思うようになった。レコーディングという作業も自分たちで面白くなってきたし、これから誰かに手伝ってもらう必要はないよねという感じになりました。 （制作を通じて）レコーディング自体がほぼ作曲の一部という感覚がめちゃくちゃ強くなったんです。「作曲」って、コード進行やリズムやメロディみたいな骨組みを作ることだけじゃない。音ひとつひとつに関心を持って記録することもすべて包括して「作曲」という感覚。フィールドレコーディングも作曲の一部だし、歌とコード進行と全部が同列にあるという感覚なのかもしれないです。 ──高野さんが、クレジットでは“All Field Recording By”となっています。 高野諒大（以下、高野）　そうですね。前に録っていたものもあったし、曲によって「この曲でこういう水の音が鳴ってるといいな」と思って新たに録ったものもありました。「この曲は森のイメージなので、鳥の鳴き声や自然の音が入ってるといい」とか。

──ジャム主体の演奏集団だった出発点から、レコーディングという体験を通じてmaya ongakuの音楽世界の内面も作られていくのは面白いプロセスですね。幾何学模様も、ある種同じ道をたどってきたという意識がGoさんにはあると思いますが、側から見ていてmaya ongakuにはまた違う部分も感じたりしますか？ Go　そうですね。レコーディングを作曲と見て、そこで作ったものを出してゆくのはすごい理に適ってるし、自分たちのバンドのアイデンティティを曲と一緒に創造して、どういうことがやりたいかをちょっとずつ解明してゆくみたいなところは、幾何学模様と似てると思います。曲に対する認識が柔軟なところも似てるかな。 ──3人が普段聴いたり接したりしてるものなど、バックグラウンドが近いということも大きく関係してそうですね。 園田　みんなが今どういう音楽を聴いてるかは、あんまり把握してないんです。レコーディングするときも別にリファレンス的な音源も用意しないし。でも、「こういうのやりたいよね」みたいな感覚の共通点はあったのかな。 池田　みなさんからもよく言われるんですけど、この湘南という土地柄のバイブスが結構そうさせてるのかなと思いますね。なんとなくみんなマイペースだし、出してる波の感じも似てる。家から海も近いし。細かく見ればそれぞれの違いはあるでしょうけど、生まれた街が一緒だからバックボーンがあえて言わずとも共有できてる部分は、音楽のみならず結構あると思いますね。 高野　僕はすごい都会っぽい音楽も好きだけど、そのなかでも自分に合わないものがある。好きなジャンルとか、どういうときにどういう曲を聴きたいかは違うと思うんですけど、わりと選ぶ感覚が近いのはあると思います。 ──越境的で不思議な音色や楽器のチョイスも印象的なんです。霧のなかにいるようにも感じる。その霧感は池田さんの管楽器が出しているようにも感じました。 池田　ありがとうございます。結構抽象的な音階が好きで、ジャズにある情緒的なフレーズよりは、メジャーやマイナーじゃない世界の音階をいろんなキーで試してみてます。エモーショナルな部分が排除されて、より抽象的な感じが出るところが霧みたいなイメージにつながるのかも。音階を聴いて細かい描写のイメージがしづらいけど、インナーワールドには入りやすい。そういうことをmaya ongakuでは挑戦してる気がします。 園田　みんなで森のなかに行って瞑想的な体験をしたこともあるし。「気持ちいい」はみんな共通してるかな。 Go　自然のエネルギーというか、出ている波の感じは共通してるし、（高野）諒大くんが言った「都会っぽさ」、たまに都会に出ることを楽しむ感じも音楽に入ってますよね。幾何学模様と比べると、やわらかさ、やさしさの感じがもっと全体にある。僕らは東京のど真ん中から出てきたから、もうちょっとえげつない感じがあった（笑）。自分たちのなかに毒味があって、それを発散するような音楽性があったんです。 maya ongakuのファーストを聴くと、そういう毒素はもう抜けていて、聴く人の毒素を取ってくれるヒーリング的な要素もあるじゃないですか。その感じは、自然が自分たちの近くにあって、それが体にすんなり入ってるから、音楽に出したときダイレクトに出てくるんだなと思います。ひとりだけ海のそばで育った人がそういうインフルエンスを持ち込むんじゃなく、みんながそういうところで育って、最初から確認しなくてもベースにある。 池田　僕ら、ジャムでも、2、30分くらい一定のペースをキープし続けることが多かったんです。起伏もそんなにない。普通ならもっとアゲにいこうとすると思うんですけど、僕らはそうしないし、アゲないことが苦じゃなかった。変化を起こそうとしなくてもずっとやれて、いつの間にか4、50分経ってしまってるみたいなことは不思議とあったね。 園田　確かに。 池田　流れを変に作ろうとせずに、ゆーっくり上がって、ゆーっくり下がっていくようなことが多かった。 園田　確かに、俺らのバンドに誰かが入ったり、誰かのバンドにぼくが入ったりすると、「大変だな」と思ったり、ストレスを感じたりすることがある。僕らだけでジャムってるときはスタジオを借りた時間全部を一個のジャムで使ってしまうくらいやれるんです。その長いジャムでは、曲がいつの間にか変わってく。それを自然と愛してたし、ずっとやってました。

──もちろんファースト・アルバムは曲ごとに分かれていて、3分とか5分とか曲ごとの時間はあるんですけど、なぜかそれ以上の時間を体験してるような気分になるんですよ。今言ってくれたようなことにヒントがあるのかもしれない。そのジャムも30分で終わるかもしれないけど、本当の終わりは明日とか1年後とかでもおかしくないような感じ？　そういう感覚のグルーヴから生まれるタイム感なのかも。 池田　ここ最近、フェスにもいろいろ呼んでもらうんですが、30分くらいの尺を守らないといけないのが結構難しいんです。僕らはやろうと思えばいくらでもできちゃうし、本来は自然とくるクライマックスを待つところを、フェスではぎゅっと凝縮しなくちゃいけない。 園田　フェスで40分の持ち時間だと3曲くらいしかできないんで。でも1曲1曲を短く切り詰めるよりは、曲数を切り詰めて、1曲を長くしていくほうがいい。だから。2曲くらいやったところで「最後の曲です」って言う。でもそこから15分くらいやるんですけどね（笑）。たくさんのお客さんの前での演奏はめちゃめちゃ楽しかったです。深夜のライブだと寝てる人もいれば踊ってる人もいる。コール＆レスポンスみたいなのがゼロだから「みんな楽しんでくれてないのかな」と思ったら、物販はめちゃ売れたりした。そんな体験を通じて、僕らができることへの気づきはありました。そこを追求していくことが、今後にある海外ツアーでも大事なんだろうなと思ってます。僕らが周りに合わせて変わっていく必要はなくて、今の感覚のままもっと深いところへ追求していくほうがやるべきことなんだろうなと。 Go　アメリカのメディアやエージェントからも結構いい反応があるので、これからが本当に楽しみです。レーベルとして幾何学模様のエネルギーをどうやって埋めるか、どうやって次のバンド、次の世代に僕らの知識や経験を伝えられるかを考えてたときに、自分たちと同じ匂いのするmaya ongakuがちょうど出てきた。それはすごいタイミング的によかった。彼らは日本語歌詞ですけど、音楽を聴いたときには彼らの気持ちよさは世界共通で伝わると思ってます。この音楽は世界に通じるし、もっといろんな人に聴いてもらいたい。 日本やアジアのバンドが海外に出る場合、普通は、ドメスティックなところを一生懸命やってから海外という流れになると思うんですけど、maya ongakuではもうちょっとそこのスピードを上げたい。日本では〈BAYON PRODUCTION〉、海外では僕ら〈GURGURU BRAIN〉という両立で一緒にやっていく初めてのチャレンジなんです。 池田　国内と海外の両立は3人とも考えているところなので。誰も同時には成し遂げられてないところを頑張ってやってみようと思ってるので。 Go　前例がない分、フォローできる成功の方程式がないので、僕もバンドもみんな試行錯誤しながらやってます。今まで他の誰かがやったことないことをチャレンジするのはいつでもエキサイティングなので楽しみです。 ──海外ではバンド名も不思議に響くと思うんです。エキゾチシズムに触れながら、和的なものもあるし、アルファベットにしても見栄えが良い。 園田　バンド名には全然こだわりがなくて。さっきも言った「maya」という曲をずっとやっていたんですよ。ライブでも「mayaでした」とはよく言っていて。 ──曲名が、ですよね。 園田　そしたら、友達のお客さんとかが「maya、次はいつライブあるの？」って聞いてくるようになったんで、「じゃあバンド名もmayaでいっか」と最初はなったんです。でも、ちゃんと活動していくならいろんなオーディエンスに聴いてもらいたいし、と思ったとき、Apple Musicとかで検索するとmayaって名前のアーティストが他にもたくさんいて（笑）。これじゃあかんと思って「ongaku」をくっつけたんです。でも、1950年代の終わりに「グループ・音楽」というバンド（小杉武久，刀根康尚，塩見千枝子らが提唱した集団即興グループ）が日本にいたんですけど、その名前がめちゃめちゃかっこいいなと思ってたことも理由です。 ──マヤ文明には関係ないそうですね。 園田　そうなんです。曲としての「maya」を作ったときに言葉も自分で作ったんです。自分に見えてる「視野」という言葉の「シヤ」の裏ってなんだろうと考えたときに「マヤ」を思いついて。視野で見えてない景色は自分で作ってるなと思ったんです。その部分のクリエーションって、意識的に芸術を作るみたいなのとは逆の無意識の創作で、勝手に自分たちが何も考えずに作っている。無作為や偶然で生まれる感覚を「マヤ」と名付けて、そういう曲を作りたいと思ったんです。 ──決まった情景に代弁させず、偶然の感覚を大事にする感覚は、このバンドの全体像とも共通してしますよね。新人バンドだし、アルバムはまだ1枚だけだから、ライブも40分しかできません、というのが普通なんですけど、maya ongakuの場合はそこからいくらでも世界が拡張しうる。 園田　アルバムは40分くらいの尺に収めることを想定して作ったので、今後ワンマンとかある程度時間に余裕があるときは5分の曲が10分になったり、10分の曲が20分になったり。そのときの僕らの気持ちよさやお客さんの空気とかいろんな要因で変動してゆく。曲が進化してる感じが自分たちでもしていて、すごく面白いですね。 でも、5月に2日で3本というスケジュールでフェスに出たんですが、実は、この3人になってからそのときまで５回くらいしか人前でちゃんとライブしてこなかったんです。EUツアーでは15回くらいやる。どんな感じになるんだろう？ Go　実は、僕も幾何学模様が最後に日本でやったライブ（2022年12月3日、めぐろパーシモンホール）で、彼らの演奏を初めて見たんですよ。一番最後のライブのオープニングアクトが、一度も見たことないバンドで、しかも音源もないし、ライブも３、４回くらいしかやってない、「超謎！」みたいな（笑）。でも、そういうサプライズをあの日はやってみたかった。 袖で見てても彼らは完全に3人の世界と空気を作ってました。これから出てくるバンドに僕らと同じエネルギーをどうやってパスしようか考えていたから、あの光景を見れたのは自分にとって幸せでした。これからこの3人のフレンドシップと音楽がどう成長するか、それを近くで見れるのは光栄なことです。5年後、10年後にどうなってるんだろう？　彼らからも聞いてみたいです。 池田　お客さんをぶち上げられるバンドになってたいですね。「maya ongakuはそっちでもいける」みたいな（笑）。 ──最初の頃はみんなシーンとして見てたのに、みたいな。 Go　「maya！　maya！」みたいなコールが起きてたり（笑） 園田　僕は、この3人でバンドを続けることを最近すごく意識してます。以前はソロでもやってみたい感覚もあったんですけど、最近はバンドのほうを大切に感じてます。おじさんとかになっても、音楽性がガラッと変わってても、この3人で続けられたら幸せだなと思ってますね。ニール・ヤングの『unplugged』（1993年）の映像を最近見て感動したんですよ。おじさんなんだけど、エネルギーがすごいあって、バンドとしてもコミュニケーションがある。僕らもああなれたらいいなと強く思いました。 高野　同じですね。10年後もバンドを楽しく変化し続けながら続けられたら最高です。 園田　諒大と僕は中学から一緒なんで、もう12年くらいですね。抄英とは高校からですけど、実はもうこの3人の関係はすでに10年くらいになってるんです。音楽なんかやってない遊び仲間だったのに、いつの間にかアートや生活の面でもみんなが同じ感覚を共有していた。面白いなと思います。10年後にGoくんも一緒にまた検証できたらいいと思います。 Go　楽しみですね。EUツアーでも彼らはいい意味で化学反応しそう。日本のフェスだとみんな静かに聴いてるけど、ヨーロッパは反応がダイレクトなので。僕たちも海外に出るまでは日本で10回くらいライブをやってなかったけど、そこから自分たちの音楽がだんだん変わっていくような体験をした。自分たちのよさを30分くらいで出さなきゃいけない経験をたくさん積んで、武器が増えていくんです。僕らもそこから短くてキラーな曲ができたり、ジャムでどんどん伸ばせる曲ができた。どういうふうに彼らがこれから変わるのか、ファンとしても聴いていきたいですね。

アジア随一のサイケデリックバンド、幾何学模様にとって活動休止前のライブとなる＜KIKAGAKU MOYO PRE-FINAL SHOW＞が行なわれた2022年11月28日、アジア発の新しいサイケデリック音楽ユニットが日本に上陸した。

この日、サポートアクトとして出演した「Mong Tong」は、2017年結成、台湾のホンユー（洪御）、ジゥンチー（郡崎）の兄弟による音楽ユニット。

2020年にGURUGURU BRAINから『秘神 Mystery』をリリースした後も精力的に作品制作を続け、2022年には幾何学模様のSPRING TOURに帯同。1か月で海外15か所を巡演した。中華圏の電子琴音楽と欧米のサイケデリックミュージックに影響を受け、台湾の80年代オカルト文化、ビデオゲームの要素を取り入れた彼らのステージは、ヨーロッパ各地に爪痕を残した。

初の日本ライブでは、満員の恵比寿ガーデンホールで演奏を披露。集まった人々は、幾何学模様の活動休止を惜しむ雰囲気の中でも、新たなサイケバンドを歓迎した。11月30日には幡ヶ谷Forestlimitで開催された＜K/A/T/O MASSACRE vol.401＞にSpecial guestとして出演。平日にもかかわらず、会場キャパを超えたオーディエンスが集まったという。

ミステリアスな2人に、来日を記念して話を聞いた。

──GURUGURU BRAINからリリースすることになったきっかけを教えてください。

ホンユー　先にGURUGURU BRAINから音源をリリースした、台湾のドローン・アンビエントユニットScattered Purgatory（破地獄）のベーシスト、リーヤンがつなげてくれたのがきっかけです。このタイミングで、台湾からはMong TongとPrairie WWWWのリリースが決まりました。

ジゥンチー　それ以前は台湾のインディーズ音楽の中でも限られた、ごく狭い範囲でしか聞かれていなかったんです。GURUGURU BRAINではプロモーション面でもかなりサポートをしてもらえて、音源の流通や現場を重視したやり方で、海外のリスナーに音楽が届いていることを実感できるようになりました。SNSでのコミュニティ作りやイメージ先行のプロモーションになりがちな台湾のインディーズシーンとの違いを感じました。

──2022年、幾何学模様の春ツアー帯同は、いつごろから準備していましたか。

ホンユー　ヨーロッパのツアーは2020年に計画していましたが、コロナで延期になって、2021年末くらいから計画が始まりました。待ちに待った2年でした。1か月で15回ライブがあって、幾何学模様のサポートアクトで13ヵ所と、対バン・1マンが一か所ずつ。限られた時間の中で自分たちのアイデンティティを知ってもらいたくて、『Mystery 秘神』収録曲や『Tiang Shi』などキャッチーなセットリストを中心に演奏し、逆にアンビエントは意識的に排除しました。

ジゥンチー　日本発の幾何学模様がUK／EUでツアーをして、サポートアクトが僕たち台湾のバンドで、GURUGURU BRAINのスタッフさんは全世界の人で。恵比寿ガーデンホールでも感じましたが、言葉は全然違うけど音楽でつながっている感じがあり、良い場だったなと思いました。お客さんの反応を見ていても、ヨーロッパでは音を受け止めて体が動いてる人が多かったですね。幾何学模様のライブで、サークルが起きたり、バク転したりしていて、すごく意外でした。

──改めて2人の思う「サイケデリックミュージック」を教えてください。

ホンユー　サイケデリックミュージックは外国から来た言葉と文化で、現在はシューゲイザーも「サイケ」と呼ぶ人がいますよね。中華民族のあいまいさを好む文化が今回の議論を引き起こしたのかもしれないですよね（笑）。

ジゥンチー　サイケには、基になった西洋発の文化が産んだルーツミュージック、そして聴いた時の手触りがあります。その手触りを僕らの言葉で言うと「聞いているとだんだん心が解放されていく感じ」があると思います。心が解放される、と感じる音楽は当然、アジアと西洋、人によって違います。ルーツミュージックは不変のものですが、国境を超えて時代が変わっている以上、定義を論じること自体に意味はなくなってきているのかなと。

──2人にとって「心が解放される感じ」を象徴する事象はありますか。

ホンユー　子供の頃、田舎の祖父母の家に帰ることがあって、父親が運転する車では70〜80年代の「電子琴音楽」と呼ばれるジャンルの音楽が流れていました。そして祖父母の家に着くと、台湾の伝統的な文化があって…僕らにとってはその一連の流れが、サイケデリックな空間ですよね。

ジゥンチー　一方で、Sun Arawのライブスタイルにも大いに影響を受けていたり、僕はTHE DARKSIDEが好きですし。だから「サイケ」と言われるのは否定しない。けど、西洋と東洋の定義は違っていていいのかなって。それこそ日本の「シティポップ」みたいに、僕たちのような東洋発の音楽が新しいジャンルとして名付けられたらいいのにな、とは思います。

──改めて、Mong Tongを結成したときのことを教えてください。

ホンユー　それぞれ別のバンドを10年やってきたのですが、ふと「新しい音楽を作ろう」と思ったんです。それで台湾の文化や、伝統的な音楽性を取り入れたいと思っていたんだけど、より多くの人に聞いてもらえる可能性を秘めた、キャッチーで、Popな形に進化させたくて。

ジゥンチー　ちょうど2017年、2018年にかけて起きた世界中で独立運動に注目していて、その周辺で音楽をやっている人たちが、伝統、民族性をアピールするだけではなく現代的なサウンドにブラッシュアップしていると感じました。台湾の文化やアイデンティティを皆に知ってほしいのであれば、「現代の耳」に受けられる音楽としてアップデートしていくべきだと確信したんです。

──ライブでのトレードマークとなる、赤い目隠し布。物販でも売っていましたが、どんな意味がありますか。

ホンユー　中国語で「觀落陰」と呼ばれる道教の秘術で、簡単に言うと「目を赤い布で結んで儀式を始めると自分の魂が霊界に赴いて、亡くなった方を訪ねるなどの体験ができる」というものがあって、それをモチーフにしています。台湾発で世界でもヒットした映画『返校』でも道教の世界がたくさん描かれるので、ヨーロッパのごく一部では「返校とMong Tongが関係あるのでは！？」という説も出ました（笑）。

ジゥンチー　一緒につけたのは台湾でよく見るお守りを模したもので、ネックレスのように身につけている人もいます。1台湾ドルと『Tiang Shi』のダウンロードコードが入ってます。

──素朴な疑問なんですが、目隠しをするとライブ中、楽器もお客さんも見えないのでは？

ホンユー　僕たちは普段は一般人なのですが、この布を身に着けると別人格になって、第三の目が額に表れるんですよ。

──なるほど（笑）最後に、今後のリリース予定を教えてください。

ジゥンチー　これまでは台湾の文化を現代的なアプローチで発信していましたが、次回は更に視点を広げて、東南アジアの音楽や楽器も取り入れる予定です。

ホンユー　今年中にリリースするつもりで準備を進めていたんですがツアーが忙しくて、殆ど出来上がってはいるんですが、来年のリリースを目指しています。

──楽しみにしてます。ありがとうございました。

──＜フジロック＞は久しぶりの来日ライブでしたよね。FIELD OF HEAVENはいかがでしたか？ Go　とにかく暑くて（笑）。景色がすごくよかったです。山の中でやることはあまりなかったので、すごく気持ちよかったですね。 ──幾何学模様はあらゆるフェスに出演されますが、山に囲まれるようなフェスは数少なかったと。 Go　スイスにアルプスの上でやるフェスがあるんですよ。規模は小さくて、1日2バンドぐらいしか出ないんです。一週間くらい開催されて、その期間はみんなそこに滞在する。標高は全然違うんですけどね。気温は＜フジロック＞より全然涼しかったです。 ──なるほど。幾何学模様はいろんなフェスに出演されてきたかと存じますが、 とくに印象に残っているエピソードなど教えていただけますか？ Go　大変なことはよくありましたよ。今回も飛行機の遅延で機材が届いてなかったんです。それで急遽機材を手配しました。今回は僕のスネアとドラムのいくつかがなくて。 ──大変なことも多いなかで、各地を回る楽しみもあると思うのですが、幾何学模様なりの楽しみ方ってありますか？ Go　まあ、仲が良いんですよ。もともと一緒に住んでいたり、シェアハウスしてたりとか、近いところから始まってることもあって、それがそのまま移動しているイメージです。ツアーしてまた家に戻ってくる。でも、5人それぞれが違う景色をずっと観てる。ステージでも横を見ると同じ顔なんだけど、それぞれが見てる景色が全然違う。そういうことですね。

──素敵です。つぎに、GoさんとTomoさんが主催されているレーベル〈Guruguru Brain〉について、教えていただきたいです。南ドイツ（Minami Deutsch）というバンドがリリースしていたり、シンガポールのアンダーグランドなアーティストのコンピレーション（『Sounds of Lecak Vol. 1』）を発表されたりしていますよね。 Go　アジアの音楽というコンセプトでやってます。再発とかじゃなくて、現行のアジアのバンド、音楽を外に出していく。 ──その辺の、アンテナの効かせ具合っていうか、どの国がどういう音だとか、なんとなく個性がわかってきたりするんですか？ Tomo　国ごとにいろいろな音楽がありますけど、ずっとコンスタントにディグってるので、そこでいいなと思った音楽を出す。自分の直感を信じてます。 ──おふたりにとって、アジアの音楽の魅力はなんですか？ Go　ロックや西洋の音楽が入ってきた歴史や文脈は国によって違うし、もちろん文化も違って。それが音楽に個性に出てるバンドもいれば、そうでないバンドもいたりして。 Tomo　そのなかで自分たちが思う、オルタナティブな音楽を出しています。〈Guruguru Brain〉でレコードを出すだけじゃなくて、音楽で世界を回る方法を伝えたい。自分たちが繋がったブッキングエージェントだったり、実際ツアーでヨーロッパやアメリカを回るにはどうしたらいいのか。アジアとヨーロッパ、アメリカの音楽業界は違うんですよ。アメリカの業界から見ればヨーロッパやアジアの回り方はわかるけど、アジアからしてみれば分からない。どうやってツアーに行けばいいって、そもそも誰がやっていて、どのくらいのお金かかるのか。自分たちは自分たちでやって、その情報が分かっているので、知恵をシェアしたい。自分たちの知識や経験から、彼らをサポートしたい思いがあるんです。 ──実際、幾何学模様さんがアジアに行って、現地のバンドと共演したりもしているんですよね？ Go　この間のヨーロッパツアーではMong Tongっていう台湾の兄弟デュオ（落差草原 WWWW（Prairie WWWW）のメンバーでもあるHom YuとJiun Chi兄弟による2人組。11月28日のライブにも登場）をオープニングアクトとして呼んで、1ヶ月回ったりもしました。 Tomo　そうすると、今後自分たちでツアーをやったりする、最初のステップが作れるので。 ──これまでの活動で得てきた知見を、プッシュしていきたいバンドやアーティストたちに共有してきたということですね。バンドとレーベルの活動は表裏一体で、これからバンド活動はストップするかもしれないけど、シーンへの貢献はこれまでとは少し違う形で行っていくと。とても楽しみにしています。バンドとしては9月からアメリカを回るツアーを控えていて、12月の東京公演がラストショーになると。 Go　自分たちが始めた場所で終わるっていうね。 Tomo　バンドは最後まで5人のメンバーで変わらずやってきました。だから1曲1曲「あ、これが最後なんだ」って思いながらライブをする経験をしたことがない。だから、自分たちも実際、どうなるのかわからない。けど、その感情をうまく音にして、良いライブができたらすごい楽しいし、日本でそのライブができるということも特別ですよね。 ──ありがとうございます。今後の活動も楽しみにしています。最後に時間が許す限り、この箱に入ってる質問に答えていただけますでしょうか？

──Goさんへの質問は「子供の頃の夢は？」ですね。 Tomo　わはは〜！ Go　一昨日、日本に帰ってきて、実家帰ったときに親に「これ、捨てる？　どうするの？」って物のがいくつかあって。そのなかで、中2の頃の文集みたいなのが出てきて、そこに将来の夢が書いてあったんですよ。そこに「海外で生活したい」って書いてあって。「それが夢が現実で終わるかは努力次第」って、自分で書いてたんですよ（笑）。あ、叶ったなと思って。

──日本初インタビューから6年経ちました。まずついに＜フジロック＞初出演ですが、心境はいかがでしょうか？

Go　心境はやっと来たなって感じで、嬉しいです。地元の国で一番大きなフェスに出れることは光栄だし、思い出にもなるし。バンドとして最後に母国でやる上ではこれ以上ないフェスだし。

──幾何学模様って、日本のフェスに出ようとしたら台風になったりして全然出れてないよね。2019年の＜朝霧JAM＞も中止で、＜全感覚祭＞がフェスとしては中止になって、ライブになり。2020年は＜GREENROOM FESTIVAL＞に出演が決まっていたけど、延期と。

Tomo　地震とか台風とか、自然現象に巻き込まれて吹き飛んじゃったね。フェスの会場で、お客さんのほとんどが日本人って場所であんまりやったことなくて。個人的にはライブが終わった後のお客さんの雰囲気が結構楽しみ。＜フジロック＞がすごく好きな人っていっぱいいるから、自分は行ったことない分、特別なものがあるのかなと感じてる。

──みんな＜フジロック＞行ったことない？

Go　Daoud（Gt.）だけモヒートバーみたいなところで働いたことあるよ。ボランティアとして働けるのあるでしょ？　うちらが初めて会った時ぐらいの話だけど。

──バンドとしてメンバーで見に行ったみたいなことはなくて、＜フジロック＞のイメージはあまり湧いていない感じ？

Tomo　全然わかんない。写真でしか見たことない。

Go　俺は映像。タワレコで＜フジロック＞に出るアーティストの特集コーナーがあって、それをチェックしたり。

──最初出会った頃、なんか日本のフェス出たいねって2人と話してて。やっぱり＜フジロック＞じゃない？　みたいな話をしてた。ルーキー枠（ROOKIE A GO-GO）があるって話をしたら、2人は何か違うかもっていう反応で。海外メインで活動し始めてた時だから、＜フジロック＞に出るんだったら、ルーキーじゃない枠で呼ばれたいなって。

Tomo　ルーキー出たくないとかじゃなくて、オファーを受けたかった。自分らの活動を見てくれて、オファーが来て出演できたら一番いい形だと思ったから。せっかく＜フジロック＞出られるならって思ってたし。

──それが今回実現して。もちろん作品やライブがいいからオファーがあったわけだろうけど、呼ばれるきっかけになったひとつの要因が、世界中のフェスに出演してきたという実績があるからだとも思う。世界中のフェスに出演してきて、どういう経験があった？

Tomo　2016年当時はまだうちら日本にいたんだよ。＜DESERT DAZE＞とか＜Levitation＞が＜Austin Psych Fest＞って名前でやってた時で。あの時は各地でサイケフェスが出てきて、サイケの流れからきてるバンドはそういうフェスに出れたの。うちらずっとそのジャンルのフェスにいたからさ。サイケロックだったり、メタルのサブジャンルごとのフェスにしか出てなかった。あと＜OZORA＞とか。とにかくサイケデリックで繋がるフェス。

Go　ヘビー系だったんだよ。サイケトランスとか（笑）。

Tomo　うちらがオランダに行こうとしていた2017年くらいから、＜Green Man Festival＞とかもうちょっと大きいインディーのフェスにも出るようになった。あとは＜Best Kept Secret Festival＞や＜Roskilde Festival＞。＜グラストンベリー（Glastonbury Festival）＞ほどデカくないけど、その中間くらいのフェスに出るようになってから、金銭面でももっとツアーもできるようになって。2016年からは年間100本以上ライブをやってる状態がずっと続いてた。

Go　1年間でアメリカ公演3回とか、ライブやりまくって。2017年から2019年までは、本当にがむしゃらに。ライブが決まってなくてオファーが来たら「ここに予定入ってる人？」ってメンバーに聞いて。次の年の夏の予定なんて決まってるやついないじゃん、普通（笑）。

Tomo　『House in the Tall Grass』を作る時ぐらいから少しずつそうなったんだけど、アルバムが出る前にもうライブがブックされてたの。しかも新しいアルバムが出るツアーみたいなさ。だからその前にアルバムを作んなきゃいけないってルーティンに変わっていくんだけど、それがすごく大変だった。日本だったら珍しいけど、うちらの界隈だったら年間アメリカ2回、ヨーロッパ3回とか回っているようなバンドはみんなそれを普通にやってるもんね。

──具体的にバンドでいうと、同じようなタイミングで同じようなフェスで一緒にいたのって、キング・ギザード＆ザ・リザード・ウィザード（King Gizzard and the Lizard Wizard）とか？

Go　キング・ギザードもそうだけど、頭文字Kのバンドが多いの。幾何学模様、クルアンビン（Khruangbin）とか。フェスとか出ると、アルファベット順に上とか下とかに必ずいる（笑）。だからうちらもKを探すのよ、初めに。

Tomo　クルアンビンも（当時は）年間4〜5回フェス出てるって言ってた。幾何学、クルアンビン、キング・ギザードとかめっちゃライブするバンドは、みんなから「Hardest working band」って言われてたよね。でもそのおかげもあって、みんなすごく有名になっていったけど。

Go　アメリカのバンドだよね、基本的に。だからアドバンテージがある。

Tomo　ヨーロッパや海外のバンドがアメリカでライブする時はUSビザが必要だから。アメリカのバンドは取らなくていいし、国内でめっちゃライブできるからね。逆にアメリカのバンドは海外でビザ必要ないから、ヨーロッパもどこでも行けるやん？　その分、アメリカのバンドがそれくらいやると、大きくなるスピードがすごく速い。

──それでいうとクルアンビンはアメリカだけど、キング・ギザードはオーストラリアで幾何学模様は日本拠点。それなのに、2バンドはクルアンビンと同じように回ってたってことだよね？

Go　キング・ギザードとうちらは、「やるぞー！」って感じだったと思うよ（笑）。

Tomo　しかも拠点がオーストラリアと日本よ。もう世界で見たら辺境の島国なのに。オーストラリアなんて、ヨーロッパ行くのにどんだけかかんねんって。毎回15時間とか。それでうちらと同じ3〜4回やる。オーストラリアでもやるから、年間100本くらいやってると思うと、３日に1回くらい。でもそんな感じで、うちらもあんまり覚えてないくらいツアーの日々だったよね？

Go　そうそう、本当2017年にこっち引っ越してからパンデミックまでは、そんなに記憶にない（笑）。もちろん1個ずつ思い返せばちゃんと出てくるし、1年1年ツアースケジュールを見ていけばわかるけど、感覚的には本当駆け抜けていった。2020年に目覚めたらパンデミックになってた。

Tomo　うちらが最近出したミュージックビデオ（“Cardboard Pile”）の感じ。年間100ショーって、90〜100都市くらいで、わけわかんなくなってくるから。夢見てもさ、3日前に会った人と1ヶ月前に会った人が同じ空間にいたり、国も違うわけ。そういうのを車の中でずっと経験してると、もうサイケデリックな感じになるやん。

──そういう中でメンタルは大丈夫だったの？

Tomo　楽しかったからね、単純に。

Go　俺とTomoは大丈夫だけど、他の3人やバンド全体でストレスを回避できてたかはわかんない。やっぱり全員初めての経験だからさ、訳わかってなかった。俺とTomoの盲目さが逆に自信になって、ついてきてくれてた感じだから。逆に「ちょっと疲れたな」「休もう」ってなると、みんながついてこないんじゃないかなって少し思ってたかも。そんな余裕なかったね。

──俺も横から見てて、よくみんな仲良くて元気だなってずっと思ってた。

Go　それは本当に恵まれてたし、仲悪くならないように気にしてたかな。誰かの調子が悪い時、その人だけが負い目を感じないように。なるべくみんなで歩調を合わせるために、俺とTomoで引っ張ってるけど、みんなでやってる意識をずっと作ってた。

──そこがすごい。自分たちでちゃんとマネジメントできている。普通そういうのって事務所なり、マネージャーがやったりもすることが多いと思うんだけど、そういう意味でも、幾何学模様は会社みたいな感じがする。

Tomo　まさにそうだと思う。現に「幾何学模様＝会社」みたいにビジネスでやって税金も払っているし。例えば大きいレーベルに入ったりして、毎月給料をもらう安定したミュージシャンっていうより、マネジメントごとうちらのやり方で起業したような感じ。

Go　1人だけで引っ張っていくんじゃなくて、俺とTomoの2人でやってることも大きいと思う。1人が何か作業してる時に、もう1人がメンバーと話したり。そうやってみんなが固まっていく。会社っぽさも、うちらからすると、これを続けるためにはどうするかっていうマインドだった。金銭面においても、ツアーやっていくには家賃払ってちゃんと生活しなきゃいけないし、それを払っていくにはどうするか、俺とTomoで考えながらやってた。

──幾何学模様の活動を見てると、既存のバンドとかアーティストのビジネスモデルに対してチャレンジしているように見える。それがバンドの根底にあるような気がしてて。既存のものを疑って自分たちで仕組みを作ってちゃんと回せるようにする、みたいな。

Tomo　俺とGoちゃんの作る遊び場が欲しかったから。レーベルだったり、自分たちの好きなミュージシャンが集まる場所。うちらがフェスやったらそれで繋がったり、ミュージシャン以外の人とも集まれるような。レーベルに入ると、そのオーナーの遊びになる気がして。

Go　やっぱりうちらの遊ぶ場所がないのよ。いきなり「イベントやろうぜ！」って無料で渋谷で好きな友達集めてできないじゃん。何十万もかかるし、お金もみんなで集めなきゃだし。そういう時にハードルを低くして、もうちょっと気軽に遊びやすい環境をね。「こういう作品を出したい！」「ツアーしたい！」って時にそれができたり。遊びの延長が仕事になるような「ずっと遊べる遊び場」を作る意味で、自然に俺とTomoが遊びながらできたのがバンドとレーベルだったって感じだよね？

Tomo　本当そう。＜TOKYO PSYCH FEST＞（幾何学模様主催のフェス）やるのだって、サイケ聴いてる人と東京で会いたいっていう俺とGoちゃんの想いからだもんね。〈Guruguru Brain〉（幾何学模様のGoとTomoが2014年に設立したレーベル）にいる人も、アーティストとレーベルオーナーの関係じゃなくて、みんな仲良い友達の延長線だしね。そこでようやくレーベルのアイデアとか、自分のバンドもそこから出せるねって繋がってきたから。

──そんな中で遊び場を作って全力で走る3年間があってから、コロナ禍で初めてバンドは立ち止まったと思うんだけど、どんな状況だった？

Tomo　すごくこれは幸運なことだけど、パンデミック前から2020年1月のオーストラリアツアーが終わったら、うちらは休もうと思ってたから。もう4年間走り続けてきたし、アルバムもツアースケジュールの中で、もう本当に頑張って作ったし。時間かけてアルバム作りたいって気持ちもあったから。＜GREENROOM FESTIVAL＞とかのフェスは出ても、その先大きいツアーはしないって決めてた。だから偶然だったけど、思ったより長かったって感じ。

──それで言うと、2018年の4枚目『Masana Temples』とその前のEP『Stone Garden』（2017）とかは走りながら作ってた？

Go　走りながらだね。

Tomo　『Masana Temples』とかやばかったよね？

Go　あれはインドネシアとか中国でツアーがあって、アメリカで1ヶ月、そのままポルトガルに１週間くらい行って。その後録ったから、本当ツアーの合間に作った。

──じっくり時間をかけて作った作品ではない、と。その前の『House in the Tall Grass』（2016）のリリース直前もそんな感じ？

Tomo　あれぐらいから忙しくなった。

Go　そのときは作り込むアイデアも、技術もないし。出来ることだったり、やりたいなって思える知識もないから。「もっとできたな」「こういうことできたな」って感覚よりは、とにかく毎回、その時あるものを全部出してた。消化不良ではないんだけど、アルバムを録る前にリリースが決まってる精神状態をなくして作りたい、って2019〜2020年の時に話してたのよ。

今回のアルバムは1年間ゆっくり曲作って、アイデアが出るのも楽しめたのね。みんなでオランダでやったり、日本の山の中で録音したり。あとはこういうプロデューサー入れてみようとか。今まではツアーのことしか考えてなかったから、音楽を作る楽しみをもうちょっと取り戻そうとしてたって感じかな。

──『クモヨ島』の話に移るんだけど、アルバムのコンセプトとかアイデアがどこから出てきたかを聞かせてもらえたら。

Go　当時はゆっくり作るつもりだったけど、2020年に入ってコロナが広がって。でも「パンデミックも夏までには終わるでしょ」って感じだったじゃん。＜GREENROOM FESTIVAL＞も出る予定だったし。そういうのもありつつ、集まる時に曲書いたりしようとしてたけど、それがいきなり遮断されちゃってさ。みんな（Go、Tomo以外のメンバー3名は日本に在住）もこっち来れるかわかんないし、うちらも簡単に日本行けないし。ライブどころの騒ぎじゃないってなった時に「ゆっくり作ろう」って思ってたのが、「別に作んなくても大丈夫じゃん」って。「来週までにやらなきゃ」とかそういうのもなくなって、余裕ができて。余裕ができるとスペースが生まれるから、みんな色んなこと考えたりして、一生懸命曲作ってた。

今まではツアーしながら3〜４割の出来の曲をライブで試してたんだけど、ツアーがなくなったからそれができなくなっちゃって。その作り方が自然に変わってきて、スタジオで合わせずにリモートで完成させるようになったのが違いだと思うよ。

Tomo　3作目と4作目を出して海外ツアーに行ってた時は旅行先の景色だったり、その時に聴いてる音楽だったり、ツアー中に得た経験がインプットになってたの。でも今回はそれがない状態でのインプットだから、自分の家の中のものや自分の好きなものがインプットになってた。それに全部想像で作ってた感じもあるから、アルバムのコンセプトもソファだったり、家で休める空間があったりするのかな。でも家なんだけど、ツアーしてた時の記憶を辿った自分たちの軌跡も落とし込んでたから、記憶と想像の世界と現実の行き来がアルバム全体を通してあるのかもしれない。リモートだったり想像であったとしても、あれだけツアーを回ってた分、うちらがツアーでやってきたグルーヴが共有できたと思う。

──今回のアルバムを聴いてて、日本語をもじったり言葉遊びが多いなと思ったんだけど、その辺はどんな意図があったの？“Monaka（もなかの中）”とか。

Go　 “Monaka”のリリックに関しては別に書かれてないし、Tomoのインプロだからさ。

Tomo　みんなで音楽作ってた時に、自分の家でどの発音が気持ちいいかとか、「この音気持ちいいな」って出てきた。そこで割と言葉遊びをするみたいな。

Go　あれは〈LIGHT IN THE ATTIC〉っていうレーベルの企画でカバー曲を作ることになって。エラスモをやろうってなって全曲聴いたんだけど、ギターとか難しいからできる曲がアレくらいしかないのよ。あの曲だって宅録だからさ、みんなが離れた時にやったよね。

Tomo　そう。ほとんどGoちゃんがやったんじゃないかな。ウワモノは後から乗せたけど。

Go　歌詞はまずポルトガル語を日本語にすると意味わかんなくなるから英語にして。そしたら意味がわかるから、なんとなく日本語で通じるように俺が解釈して、Tomoにその場で教えて録ってもらった。

──それはバンドとしては初の試みだよね？　聴いてて新鮮だった。勢いの中で作ってたら絶対出てこないような感じだし、ライブで試すような曲でもない。そういう幾何学模様のクリエイティブな面が聴けた気がして、普段とは違う過程を経てきたからできたんだなって今思った。

Go　そうだね、録音も全部俺が弾くことは普段ないからね。みんなに弾いてもらう感じだから。

Tomo　あの曲は締め切りもあったしね。

Go　本当は4分くらいなのよ、カットされてシングル用になる予定で。あれって6分くらいあるんだけど、後ろの方に伸びてるわけ。俺は後ろの方は使わないと思って録ってるからさ。デモの勢いで適当にやってるのをTomoが「最後のところいいじゃん」って。「笛入れたらいいんじゃない？」とか意見くれて、ぐちゃぐちゃな感じがもっとカオスになったかな。尺によって曲の印象って変わるから、新鮮さはそういうところからきてるかもね。

Tomo　あとブラジル音楽って日本語で歌ってる感じが結構あるから、ちょっと歌謡曲ぽかったりもする。あとブラジルの歌は世界中の言葉でカバーされてるし。それもあったよ、日本語でやってみる案が出たのは。

Tomo　今練習してる！　しかもツアーも5月からあるから、現地行って各自練習してそのままリハでやってライブする。

Go　そもそも想像ってコンセプトの中で作った曲たちだから、ライブの演奏に関しても想像をしながらメイクセンスしてるかな。日本でやる頃には仕上がってるはず。最初の1〜２週間、アメリカで4、5回やってできるようになって、そこから「この部分ジャムしようぜ」ってみんな個人でアレンジし始めて、それからヨーロッパでやって、結構固まった状態で日本に来るから。

──じゃあ、＜フジロック＞ではさらにいい答えが見つかるってことね。

Tomo　全然できんかもしれんけどね。「あれ？　下手じゃね！？」って（笑）。うちらもライブでやってみて違うなって思うこともあるから。やってみてどうなるかは、うちらも楽しみなところ。

──アルバムタイトルの「クモヨ島」はどこから来たの？

Go　クモヨはうちらのマーチを作ってくれたよしつぐ君（YOSHITSUGU OYA／オオヤヨシツグ）って人がいて、アートワークをデザインしてもらった時に、デザインを見たら幾何学模様を「KIKAGA・KUMOYOU」ってアルファベットで分けてたのね。その分け方いいなって思って。うちらの発想じゃ絶対出てこないなって思ったし。

あとCloudsとかTemplesとかForestとかこれまでのアルバムでもそうだけど、いろんな場所をリスナーに対して想起させたいんだよね。聴きながらいろんなところにトリップするみたいな。うちら島国の出身だし、アイランド（日本）から出てきてアイランドに戻ってくるっていう自分たちの境遇にも重なったのよ。それに「クモヨ」は“幾何学模様“ってバンド名のお尻の部分でもあるから。今作が一番最後のアルバムになるし、その意味で「クモヨ」を使った。サークルがちゃんと閉じて綺麗に収まるように。

Tomo　アートワークも今までずっとイラストレーションだったけど、最終的に現実のものが入った写真になることによって、今まで記憶の中で作っていたものが「家」という現実に帰ってきたみたいな。でもやっぱり想像すれば、昔の記憶も蘇って来るし。だからそういう気持ちで聞いてくれると嬉しいです。

──最後のアルバムって話が出たから、そのあたりの話を聞かせてほしい。コロナ禍に入って、パンデミックになったけど、バンドとしては良い状態の中で作品づくりしていた最中なのに、突然の休止発表には本当に驚いた。

Go　去年パンデミック中にヨーロッパとアメリカでツアーしたんだけど、「本当にこれできんの？」っていう状態でツアーしてたのよ。毎回みんなPCR検査とワクチン受けなきゃいけないし、不安もいっぱいあったし。実際会場に来てみてライブやるってなっても、野外で椅子に座って鑑賞するみたいな。俺が風邪引いた時も「コロナじゃね？」って。すぐ薬局行ってセルフテストして、とかそういうストレスも大変だった。次のアルバムを考えた時に、これを続けていくってことは同じサイクルになっちゃうと思ったのね。今5枚目だけどアルバム作ってツアーしてっていうサイクルを今後10枚目までやるのか？　とか考える時間もできたし。

Tomo　Goちゃんと俺がバンド始めた時には世界中で出会えると思ってなかった素晴らしい人たちにも出会えて、いろんなことを共有できたし、勉強もできた。いろんなファンに愛されて、独立してもサポートしてくれて。やってきたなかで、全部自分たちの目標にしてたことを達成できたのが、活動休止の理由としては一番大きいかな。

Go　今まではこういうとこ出たいとか、キャパ大きくして、とかだったのよ。そこに100％向き合ってきたけど、それを今度は50、60％の向き合い方で生活できるのか、とか。そういうアジャストメントをした時、ロケットの状態であとどれだけ出来るんだろうと思った。アメリカだともう5、6回目だから新鮮味もなくなって、ルーティンに入ってくようになってるわけ。ルーティンになって、生活のため、仕事のためとかってやってると、どんどん遊び場がなくなってきて。ふざけながらトリッピーな感じで制作することが楽しかったのに、だんだん「何のためにやってるんだろう」……とまでは言わないけど、それに近いことも考えたし。自分たちのキャパを考えた時に、どれくらいのキャパが自分たちに合うのかもだんだんわかってきたんだと思う。

──これ以上大きくなったら自分たちが作ろうとしてた場所や遊び場より、そうじゃないことに向き合うことが増えてきたってこと？

Tomo　それが悪いわけではないし、なろうと思ってもなれるかどうかはわからないけど、そこの魅力より、自分たちがいいなと思う場所を見つけられたことが素晴らしいことだと思うから。自分たちが一番最高の状態で終われると、うちらはすごく嬉しいし。バンド始めた当初から全員友達で、多少喧嘩しても仲直りできる関係のまま、これだけツアーやってきても続けられている状態で、ドラッグやアルコール中毒にもならずに健康でいれて幸せですよ。

Go　逆にいうと、このままずっと続けてたらその関係性が変わるかもって感じたこともある。大きくなっていって何千人っていう規模でやるってなると、変わらなくちゃいけない。やりたいことが一番最初のエネルギーと変わってるから。パンデミックの状況下だと、これだけ離れてて普段一緒に遊べてなかったり、１週間に1回電話したりするだけだし、バンドのこと以外話す暇ってなくて仕事っぽくなるから。その感じで進めていっても、また次の壁があるしさ。

2人（Go、Tomo）がこっちにいて、あと3人が他の場所にいる環境で、次の成長につなげていくためにもう一度メンバーみんなと合わせてやることになった時、続けていくのは相当なエネルギーが必要だと感じたのよ。そのエネルギーが俺とTomoの中から溢れて、もう1回出来るかってなると、気持ちだけだとどうしようもない部分があって。そんな時にちょっと立ち止まって気づいたらもう10周年じゃね？　って。

Tomo　10年やれれば区切りとして気持ちいいし。ロックバンドとして10年やって次のステップに挑戦できるのもすごく楽しかったし、だからといってステイしたくないからね。うちら若い頃、上の世代に「早く交代しろよ」って思ってたから、自分たちがそこにステイするよりかはうちらの場所を空けて、うちらの音楽を好きな若い人たちがそれを原動力にして、空いた穴に入ってくるスペースを作りたい。それをここまで経験できたバンドとしてやるべきかなって俺は思う。若いバンドが出てくるのもすごく楽しみだし、応援したい。そうやって音楽はどんどん興味深くなっていくものだし、世代を通して化学反応が見られるのはすごく楽しいことだと思う。

Go うちらもそんなバンドが上にいて、教えて欲しかったよね。そういうバンドが当初いたら、もっと早く行けてたっていうのもあるし。

──初めは納得してなかったんだけど、こうやって改めて2人の話を聞いたら腑に落ちた。今後の2人の展望は？

Tomo　今って昔よりかは世界中の色んな地域の音楽がピックアップされるようになってるし、日本の音楽も昔と比べたらもっと浸透するようになってると思うのね。アジアの音楽もインターネットが普及してより世界に浸透してきて、海外に出るようなバンドも多くなってきているし。今後もっとそういう世界が広がるように、音楽とアートを通して何か新しいことをやっていければいいなって思ってる。いろんな文化が混ざり合って、いろんな音楽を見たり聴いたりできるような。でも具体的にはまだ分かんないかな。

バンドやめても5人でジャムしてるかもしれないし。幾何学模様っていうプロジェクトは終わって、また違う形でスタートしてるかもしれない。しかも、コロナも終わって時代も変わってくるから、新しい音楽もでてくると思うし、そういうのをこれから見たいと思ってる。それ以前に今年が楽しみかな。

Go　 バンドが終わるって言っても今年は一番ロケット乗らなきゃいけないから。実はガチガチでツアーがあるから、それが全部終わった時にスペースがみんなに生まれると思う。その時にもう1回この話をしたらまた違うビジョンがあるかもしれない。今はなんとなくやりたいことはあるけど、具体的なビジョンを考える余裕は今ないかな。

──＜フジロック＞でもしかしたら初めて聴く人もいるかもしれないし、今まで聴いてきてくれてる人も来てくれると思うから、そういう人たちに向けて何かメッセージを。

Tomo　楽しんでくれたら嬉しいよね。

Go　“Don't take it seriously.（重く捉えないで）”っていうのはある（笑）。バンドなんていくらでもいるし、10年以上やってるバンドもいくらでもいるし。いろんなバンドがあるから、バンドが終わるなんて日常茶飯事だし、そこまでシリアスなことじゃない。友達じゃなくなって喧嘩して終わるとか、誰かが病気になってとかじゃないからさ。最後だけど、こういうバンドがいたんだな、いるんだな、ぐらいでうちらはいいかな。この5人、友達でやってていいな、おれも友達とやりたいな、とか。素人で始めたんだ、素人でもこういう風にできるんだって思ってくれたらいいけど。それって始めた当初から変わってないからさ。最後だから、特別にこういう風に聴いてほしいっていうよりも、やっぱり楽しんで聴いてほしい。

2年ぶりとなる日本ツアーで来日した幾何学模様（Kikagaku Moyo）の東京公演が、渋谷・WWW Xで10月5日に開催された。ゲストアクトには、新作『新しい人』をリリースしたばかりのOGRE YOU ASSHOLEが迎えられ、同ヴェニューWWW9周年・WWW X3周年のアニバーサリーを彩った。 世界各国で人気を博す幾何学模様は2018年に4作目のアルバムとなる最新作『Masana Temples（マサナ寺院群）』をリリース。本作ではマルチ・インストゥルメンタリストでジャズを起点としたフィールドで活躍するブルーノ・ペルナーダス（Bruno Pernadas）をプロデューサーとして招き、世界各地での経験を独自に吸収しオーディエンスの反応を楽しむ様子を想像させる、多様性に溢れた作品となっている。刺激的なインスピレーションを側に、異なった状況／場所／時間を逆手に取りながらサイケデリックミュージックを探求してきた幾何学模様は、生粋のロックファンだけでなく、ダンスミュージック界で一番の耳利きであるジャイルス・ピーターソン（Gilles Peterson）からも注目を集めている。そんな世界を旅するバンドの2年ぶりとなる来日公演だ。 当日、鋭い陽光が差し込む残暑にうってかわり、夕方からは秋めいた空気が心地良く、開演時間の18時にはほどよいコンディションに。チケットはソールドアウトしており、会場は満員。BGMとしてかかるアンビエントに耳を傾け各々が思索にふけるなか、サイケデリアの轟音が方向感覚を狂わせはじめる。 最初に登場したのはOGRE YOU ASSHOLE。バンドは8枚目のアルバム『新しい人』を9月にリリースしたばかりだ。

ライブ用にアレンジされた“黒い窓”からライブがはじまると、煌びやかなギターの音色に惹きつけられ、パーカッションでテンポをキープしたまま新作よりダンサブルな“朝”へ。徐々にヒートアップしていき、反復するアンサンブルにノイズが覆い被さる。そして続く“さわれないのに”では『新しい人』の艶っぽい世界観を拡張し、夢を見るかのようなまどろみが身体を支配していく。 代表曲のひとつ“フラッグ”では、唸るベースラインと民族的なドラムからうねるような展開へ。日本屈指のライブバンドと呼ばれる所以が一瞬でわかるダイナミズムある楽曲から、たたみ込むようにOGRE的ファンク“見えないルール”でフロアを沸かせる。最後は定番曲“ロープ”で50分強のステージを終えた。 OGRE YOU ASSHOLEは11月4日（月）、六本木・EXシアターでリリースツアーファイナルを迎える。『新しい人』の世界観は音源のみならず、ライブでの伸張も含めて味わっていただきたい。

続いて登場したのは、幾何学模様。リーダーのGo Kurosawaがステージ中央のドラムセットの前に着席すると、メンバーはお互いを確認しあうように彼を取り囲んでいく。バンドがなだらかにインプロヴィゼーションをはじめ、次第にベースラインが曲の骨格を強調する。糸を通すような繊細なギターでじんわりとフロアを温めていくと次の瞬間、幾何学模様印の変拍子と轟音がオーディエンスを驚かせた。OGRE YOU ASSHOLE同様、幾何学模様の音は視覚的で、頭の中であるイメージを描いていくよう。その精神世界は静謐。ここですでに始まりから15分ほど経過していたことに、自分の感覚を疑ってしまった。それほどに没頭してしまっていたのだ。 パーカッションとドラムが一定のダンサブルを保ちながら"Kogarashi”へ。ミニマリズムと哀愁を感じるギターリフ、メンバーのステージングが異様な世界へと感覚を引っ張っていく。ワウの効いた陶酔するようなシタールとダイナミックな展開が特徴的な“Tree Smoke”ではアリゾナ州のような荒野を彷彿させた。

Kurosawaがアコギを手に“Old Snow, White Sun”を披露すると、MCでは、2年ぶりの日本公演でホームに帰ってきたような気持ちだと語る。アコースティックセットで続くのは“Cardigan Song”。ファルセット・ボイスと浮遊感溢れるサウンドをしっとり聴かせると、最新作より“Entrance”で再びバンド編成に。ファズの効いたギターが空気を包み込んでゆくと、同作より“Dripping Sun”ではバンドならではの変拍子で、オーディエンスから大きな歓声が上がる。さらにその勢いを加速させる、締めくくりにふさわしい“Gatherings”で本編は終了した。 バンドはアンコールにも応え、柔らく表情豊かな“Nazo Nazo”、インド音楽とサイケデリック・ロックを見事に融合させた名曲“Street Of Calcutta”のカバーで終演となった。次はぜひ野外で観てみたい。