東京で若者から圧倒的に支持されるヒップホップ集団・CreativeDrugStoreの一員、あるいはダンスミュージックに主眼を置くクルーであるRave Racersの発起人、あるいは奈良のAge Factoryと共に結成したバンド・AFJBのフロントマンのひとりとして、さらにはソロのラッパーとして……様々なフィールドを縦横無尽に駆け抜けるアーティスト、JUBEE。

とりわけ2022年はソロでアルバム『Explode』を、AFJBでもアルバム『AFJB』をリリースし、彼にとって重要な一年になったのは間違いないだろう。音楽においてもファッションにおいても横断的な表現を生み出すことで、今ひときわ輝きを放つ彼に、それらの関係性から直近の活動の詳細まで話を聞くと、たしかな1本の線が浮かび上がってきた。

──今日着てもらったような雰囲気の服を着る機会は少ないですか？

そうですね、最近は少ないですけど、たまにこういう感じの服も着ますね。

──ランチコートはグランジを象徴するアイテムのひとつです。着心地はいかがでしょうか？

グランジ・ファッションは、なんでかわからないんですけど特に通っていないんですよね、でも好きです、単純に。羊の皮のムートンコートは持っていて、めっちゃあったかいんですけどちょっと重くて、これは軽くてさらっと着れますね。

──どういうシチュエーションで着たいですか？

やっぱり大人っぽくいきたいときですかね。ライブとも普段着とも違う、デートとか、少しカチッとしたいときに良いと思います。

──このランチコートにマストで合わせたいものはありますか？

それこそ今日履いてきたジョージ・コックスとか厚底のブーツがいいかな、あとはシルバーのアクセサリーは必須ですね。

──JUBEEさんは普段からシルバーアクセをうまくコーディネートに取り入れているイメージもあります。シルバーのアクセサリーはロック寄りのアイテムでしょうか？

それはもう完全にそうで、シルバーはロック寄りのアイテムですね。僕の場合は“ちょこっとお洒落”っていうより、がっつり1点でドンと存在感のあるものが好きなので、そういうのを選んでいる傾向にあるかもしれないです。

──その点で影響を受けた人物はいらっしゃいますか？

清春さんですかね。自分はクロムハーツをつけてないですけど、清春さんはクロムハーツのイメージがあります。Kjさんの影響もありますね。あと西海岸のクレイジー・タウン（Crazy Town）っていうミクスチャーバンドのヴォーカル、シフティ（Seth “Shifty” Binzer/Shifty Shellshock）の雰囲気が好きですね。タトゥーだらけで、タンクトップ着てて、シルバーが似合う男で。シルバーが好きなのはずっと変わらない気がします、なんならもっと増やしたいくらい。ゴールドはつけないんで、シルバーをずっとつけていきたいなって。

──ファッションと音楽のつながりはどのように捉えていますか？

やっぱりそこはめちゃくちゃ密接だと思いますね。僕もいろんなファッションをやっていたんです。最近はいろんなものを混ぜている若い子が増えた気がしますね、女の子でも男の子でも。クラブとかに行っていると、漫画のキャラみたいな見た目の子が増えたなって感じますね。音楽もそうだし、漫画の影響もあるのかな。ちなみに僕の今の髪型は『NANA』のノブって登場人物がいるんですけど、その髪型にしたいと思ったのがきっかけなんです。髪色を青にしていた時期もあるんですけど、そのとき青にしていた理由はNOFXのボーカルのファット・マイクが青だったからで。だからそのときの髪型はノブ×ファット・マイクでしたね。

──現在進行形でファッションの参考にしている方はいらっしゃるんですか？

最近の人のファッションは全くと言っていいほど見ないですね。一応インスタとかでフワッとトレンドを確認したりはするけど、そこに憧れとかは無くて。でも、憧れている人ではなくて、年代があって。今45、46歳くらいの人たちが20歳くらいのときにしていたファッションというか。チーマーとか渋カジとかの感じ。シルバーつけてて、ロン毛で、ネルシャツを着たり。その世代の人たちってヒップホップもバンドも両方聴いていた世代だと思うんですけど……。わかりやすいものでいうと『JUNK FOOD/ジャンクフード』（1998年）っていう実在したチーマーの「鬼丸」も出演している日本の映画があって、そこに映っている人たちの雰囲気がすごく好きです。アメリカにめっちゃ憧れている感じというか。

──なるほど。ファッションやデザインに関して自分の好みに気がついた最初のタイミングはいつですか？

最初は小学生ですね。そのときすごく仲が良くて同じマンションに住んでいた友達に6個上くらいのお兄ちゃんがいて、たくさん遊んでくれていたんです。そのお兄ちゃんがお洒落で、ハイカットのダンクとか履いていて「かっけー！」みたいな。あとスリップノット（Slipknot）のバンドTシャツを着ていて、スリップノットは知らないけど家に帰ってパソコンで調べて知ったり、そのとき流行っていたアヴリル・ラヴィーン（Avril Lavigne）のTシャツとかも着ていて。だから一番最初にファッションに興味を持ったきっかけはその近所のお兄ちゃんですね。

──じゃあ同時に音楽にも触れていたんですね。

小5くらいかな、リンプ・ビズキット（Limp Bizkit）のアルバムとアウトキャストの“B.O.B.”っていうドラムンベースっぽい曲も教えてもらったりもして、めっちゃ刺さりましたね。

──今につながっているお話かもしれませんね。

総じて言えるのはTHE MAD CAPSULE MARKETS（以下、MAD）とかもそうなんですけど、ファッションも含めて年上の人から全部教えてもらって形成されているってことですね。年上のイケてるお兄ちゃんがいつも近くにいて、その世代の人じゃないとわからない、雑誌にも載っていないようなことを「こういうの流行ってたよ」って直接教えてもらえたんです。

──そうなんですね。

MADを教えてくれた人は、地元にある自営業のステーキ屋さんでバイトしていたときの店長さんです。僕が20歳くらいのときに40歳くらいで、元々ヴィジュアル系のバンドを90年代にやっていて、バンドを辞めてステーキ屋さんを営んでるぶっ飛んだ人で、ロン毛で今も日サロ行ってますみたいな感じ（笑）。他にもザ・プロディジー（The Prodigy）、Hed PE、ホワイト・ゾンビ（White Zombie）とかはその人から教わりましたね。

その人が言うにはスケボーしながらバンドを聴いてたりした世代らしくて。ファッションでいうとBRONZE AGEとかCHRISTIAN FLETCHERとか、そういう雑誌を読んでも辿り着けなかった領域のことを教えてくれました。その人の友達もみんなカッコよくて、ぶっといシルバーをつけて、ロン毛でメッシュキャップを逆に被っていたりして、かっこいいおじさんばっかりだったんで、その世代への憧れは大きかったです。

──かっこいい大人との出会いが重要だったんですね。先ほどいろいろなファッションを通ってきたと言っていましたが、現在のスタイルに落ち着くまで試行錯誤してきたんですか？

しましたね。中学2年くらいから裏原に行くようになって。この頃の『Ollie』の付録だったかな、原宿・裏原のマップがついていたんです。小さい冊子なんですけど地図に1～40くらいまでの番号のピンが打ってあって、次のページにその番号のお店が載ってるみたいな。当時は中学生だったんでAPEとかStüssyとか、そういうデザイン的にも派手でわかりやすいものが好きで、NUMBER (N)INEとかも流行っていたんですけどその良さとか、NEIGHBORHOODやSupremeの良さがあんまりわからなくて。

高校生にくらいになってからSWAGGERとかを好きになって、そのときKjさんがバイカー寄りの格好をしていたんで、COOTIE PRODUCTIONS、RADIALL、CRIMIEとか、ああいうハットとレッドウイングのブーツに合わせるような高級感のあるアメカジ系のファッションもやっていて。大学生のときはサファリ系というか、ベッカム系というか、短パンで、無地Tシャツみたいな時期もあり……それが終わって大学3、4年生ではTOMMY HILFIGERのシャカシャカだったりNIKEのスポーツウェアを着たりしていたんで、いろんな変遷がありましたね。

──聴いていた音楽はそういった変遷とリンクしていましたか？

いや、聴いている音楽とファッションはあんまり重なってないかもしれないです。高校生のときはISSUGIさん、BESさん、仙人掌さんだったりがすごく好きで日本語ラップばっかり聴いていました。そのときはオーバーサイズとかではなく、SWAGGERを着て聴いていましたね。大学の時はソウルやファンクを聴きつつ、MADとか90sヒップホップとかをめっちゃ聴いていたんで。

──それが結果的にアメカジやサーフ系など様々なスタイルをミックスした現在のファッションに繋がっているのかもしれませんね。

めちゃくちゃいろんなカルチャーをかじっていたのかもしれないです。いろいろ自分で実験してましたね。

──自分を実験台にしていたんですね。様々な活動の中でマーチャンダイズも精力的に発表している印象です。例えばCreativeDrugStoreではここに意見を出しているなどこだわりのポイントはありますか？

CreativeDrugStoreから出している服について僕はノータッチなんです、何が次に出るかもわからないくらいで。Rave Racersに関してはロゴの感じとか、イメージとしては女の子でもかわいく着やすいものっていうのは意識していますね。Rave Racersは完全にサーフ的なカルチャーを落とし込めたらと思っていて。デザインしているのはGUCCIMAZEさんなんですけど、GUCCIMAZEさんはサーフィンやってるし、サーフィン好きで、僕はサーフィンしないけどサーフ系のブランドのロゴ感とかがめっちゃ好きで、GUCCIMAZEさんとそういった部分で最初に仲良くなったのもあってRave Racersはサーフですね。

──ここからは最近の活動についても伺っていきたいと思います。ソロでもバンドでもアルバムをリリースしたりと2022年は大活躍の1年でした。直近でリリースされたAFJBのセルフタイトル・アルバム『AFJB』のリアクションはいかがですか？

なかなかすごいことになっていて。今取材してもらっている時点だとまだアルバムを出してから1ヶ月経っていないですけど、その間に3箇所ツアーを回りました。で、今回のアルバムの最初のライブがツアーじゃなくて＜SATANIC PARTY 2022＞っていうPIZZA OF DEATHが主催しているイベントだったんですけど、渋谷のSpotify O-EASTで、しかも良い時間帯にやらせてもらったんです。まだ始めて1ヶ月のバンドなのにみんなから期待してもらっているなと。あと実際ツアーを回ってみて、お客さんがAFJBのアルバムを聴き込んでくれているのも感じたし、言えないくらい大暴れしてくれて（笑）。

──最初からかなり大きいステージですよね。緊張などはなかったですか？

CreativeDrugStoreのときの自分も、AFJBのときの自分も、ソロのときの自分も、ステージが大きかろうが小さかろうがそこまで変わらずにやれていますね。(sic)boyのフィーチャリングでもそうですし、嬉しいことにいろんなステージに出させてもらったりたくさん場数を踏んでこれたので、もう緊張はあまりなく、今年は特に普段通りできるようになってきました。

──それこそつい先日、兼ねてより影響を公言してきたDragon AshとLIVE AZUMAのステージで 共演を果たしました。どのような経緯で実現したんですか？

その日はステージが二つあって、Dragon Ashは大きいスタジアムのステージでやっていて、僕とか(sic)boyやVaVaは割とヒップホップがメインの別のステージでやっていたんです。僕が昼の12時くらいから一番手でライブしていたんですけど、ライブしててパッと右を見たらKjさんが袖から観てくれていて「おおっ」って感じで。自分のライブが終わって、楽屋で飯食ってたら急にフラッとKjさんが現れて「出てよ」って。一応前から面識はあって、その日が3度目だったんで、はじめて会うからド緊張とかではないんですけど、「出てよ」って言われたのはびっくりでしたね。

もうDragon Ashのライブの1時間半前とかだったんで、リハとかも全くなく、「“Fantasista”のセカンド・ヴァースで出てきて」とだけ言われていて。もちろんリリックは身体に入っていたけど、飛んだらやばいなと思って裏で練習しました。Dragon Ashのステージに立たせてもらったことはもちろん自分の中でかなりすごいことなんですけど、それ以外で言うと、あんなデカいステージに立ったことがなくて。お客さんがたしか1万人以上いたんですよ、マジで見たことない景色でした。サマソニやフジロックも出させてもらったんですけど全然それよりデカいステージで、お客さんがバーっと奥までいて。衝撃でしたね。

──そこでJUBEEさんのことを知ったDragon Ashのファンの方もいらっしゃるでしょうね。

それがきっかけでSNSをフォローしてくれた方とかもいらっしゃって。ステージに上がった自分にブーイングのようなこともなく、歓迎してくれて、優しいお客さんでしたね。

──Dragon AshもAFJBはバンドという部分で重なりますよね。改めてAFJBでのアルバム制作に至った流れを教えてください。

Age Factoryにフューチャリングで参加して、そのあと僕のアルバムの方にもボーカルの英介を呼んでいて。その中でやっていて波長が合うので「もっと曲作ろうよ」って感じで話はしていて、だから「アルバムを作ろう」という名目で作っていたワケではなかったんです。kZmをフューチャリングしてる“DENGEKI”って曲が一番最初に出来てすごく良い感じだったんで、「それだったらまとまった形にしない？」っていう流れで。Age Factoryは奈良に住んで活動しているバンドなんで、オンラインでやるよりオフラインで、やっぱり会って制作したかったんで。奈良に3泊くらいの合宿のようなことを3回くらいやって、そこで集中してスタジオとかベースの西口の家とかにみんな集まって曲を作って10曲のアルバムができたような感じですね。

──ソロでの制作との違いは感じましたか？

それはやっぱり全然違っていて。めっちゃじっくり考えたとかではなく、直感的に「こうしよう」「こういう曲を作りたい」にメンバーがパッと反応してくれて、ポンポン進んでいったんで、割と悩まず、10曲行き詰まらずにスッとできちゃったという感じで。ソロだと「これでいいのかな？」って悩んじゃったりもしますし、歌い手も一人だから。

AFJBでは二人ボーカルがいるんで、向こうのパートと僕のパートが分担のような感じにもなる。それにすぐに周りからその場で意見も貰える。やってみて気づいたんですけど、ヒップホップのビートより、バンドのビートの方がメロディが乗せやすい感覚が僕にはあるんですよね。自分のアルバムを作るのも結構時間が掛かったりしていて、こんなすぐにパッとできることは今まで無かったです。AFJBに関しては本当に今までにないスピードでしたね。

──じゃあストレスなく？

全く無いです。これで飯食えるんだったらずっとこれをやりたいくらい（笑）。

──『AFJB』を作る上で何か明確なヴィジョンはあったんですか？

いやそこまで明確なヴィジョンはちゃんと見えていなくて。ただ自分が聴いてきた音楽とAge Factoryが聴いてきた音楽は違うは違うけど、「これかっこいいね」ってなるポイントはいっしょだったんです。「この曲を参考にしたらどう？」って送った曲にもめっちゃ反応してくれるし、好きなポイントが似ているから、明確なヴィジョンをそこまで考えていなくても自然と形になっていきました。最初に“DENGEKI”も含めて3曲くらい骨になる曲が出来て、バラエティに富んだアルバムにしたかったのでそれに「こういうのがあったら面白いよね？」「激しい曲だけじゃくて楽しい曲、チルい曲を入れよう」と面白さを加えていった感じですね。

──たしかにバラエティに富んだアルバムですよね。全体的なバランスは意識しました？

バランスはしっかり考えましたね。でもボツになったのは1曲くらい、11曲作って10曲採用という感じで。お互いのヴァイブスが合うのかわからないけど、できちゃいましたね。

──じゃあAFJBでのライブのリハーサルなどもしっかりできていたんですか？

一応、奈良に2回くらい行って、Age Factoryのホームでもある奈良のNEVERLANDっていうライブハウスを1日借りて、PAさんとかも東京から呼んで調整してからツアーに臨みましたね。

──初ライブからしっかりプレイできましたか？

いや（笑）。最初のO-Eastのときはボロボロでしたね、やっぱり。でもそこが面白くって。ヒップホップだとDJがボタンを押せば100が出るじゃないですか、あとはそこにラップが乗って加点していくイメージなんですけど、バンドって最初はガンとみんなで音を出したとき、たぶん20とか30くらいなんですよ。そこからライブをやっていくうちに演奏が洗練されていって100以上、200、300、400にできると思うんです。だから最初のステージは個人的にはダメダメだったんですけど、逆にここからだなと思えましたね。その違いも楽しいです。

── 一聴した音の分離感がバンド・サウンドとソロでのサウンドでは異なってきますよね。

一気に楽器が鳴っている迫力がバンドにはあって、それが気持ちいいですね。TR-808の気持ち良さとは全く違っていて。同じセットでも何回でも観たくなる感じがバンドの音にはありますね。全然TR-808の低音も良いんですけどね、もしかしたら聴き慣れすぎたというのもあるかもしれないけど、バンドの持っている迫力との違いは大きいですね。

──ミクスチャーというジャンルをやる上でサウンドにおける引き算には特に意識的なのかなと聴いていて感じました。

音楽ってすごく引き算が大事だと思っていて。僕の場合はラップを乗せるので、ラップが入る余地があるかどうかも気になるし。フックとかドロップの部分はガチャガチャ鳴っていてもいいと思うんですけど、ラップのヴァースでは引き算していきますね。あと曲の全体をみて、僕がソロの方でよくやっているのはフックがあってヴァースで落として、またフックで盛り上げて、ヴァースで落として、そのあとさらにグッと落として、最後盛り上げるという構成はよくやってますね。全体のダイナミクスを意識して、ずっとうるさいだけでは聴けないと思うので。

──AFJBのヴォーカルとして試したことなどはありましたか？

例えば“GOD”の最後で僕はラップしているんですけど、そのラップはロック的なアプローチの乗せ方、言葉を崩してビートと混じるような作り方を意識していて、例えば“A.F.J.B.”の方は言いたいことがしっかりあったので、あえて何を言っているかをわかりやすくしたヒップホップ的な乗せ方をしていて。音としてのラップと言葉としてのラップというか、同じアルバムの中で振れ幅を持たせていますね。

──“A.F.J.B.”はたしかに言いたいことが詰まっている気がしました。

そういうことを言えるのはヒップホップから来た人だからこそだと思いますね。バンドのシーンにはカルチャー的にあまりないと思うんです。ディスとかの文化もないし、英語詞も多いし、Age Factoryもそうなんですけど抽象的な歌詞も多いので、そこにヒップホップのヒリヒリする感じを持ち込みたかったんです。バンドにこれまでなかった曲だとも思います。

──気が早いかもしれませんが次にやりたい音楽的なアプローチはありますか？

自分の中で今はバンドのモードが高まってきていますね。AFJBで今回出したアルバムは、わかりやすく言えばアニメの曲になりそうな爽やかなイメージの曲が多かったと思うんですけど、次にもしバンドでやるならもっと渋い感じというか、ダブっぽいサウンドを取り入れたりして、玄人めな曲もやってみたいと思ってますね。

──今回着ていただいたアイテムに紐づけると、例えばカート・コバーンはフェミニズムを支持していたりもします。CreativeDrugStore、Rave Racers、AFJB、そしてソロとたくさんのフィールドで活動している中で、フロアでいろんな人が分け隔てなく踊っている状態は目指しているものですか？

まさにそうで。Rave Racersもそうなんですけど、AFJBのことで話すと、僕がAge Factoryのライブに客演とかで出させてもらっていたときはライブハウスとかでバンドでライブしたことがほとんど無かったし、ライブハウスのお客さんのノリや熱気とか含めて、自分が今まで活動してきたクラブとは全然違って、それがすごく面白かった。だからAFJBでは僕のお客さんをライブハウスに連れて行きたいし、逆にAge Factoryのお客さんをクラブに連れて行きたいっていう気持ちがあって、みんなの新しい遊び場を作りたいと思っています。

AFJBのツアーは半分はライブハウスでデイでやって、半分はクラブでオールナイトでやるようにしているので、そういう新しい発見がお客さんにもあったら嬉しいですね。クラブのお客さんにはガチのモッシュを体験したことがある人も少ないだろうし、そういうことも含めてしっかりシーンとして面白くなればいいな。そこにRave Racersをブッキングしたりもしているので、いろんな音楽に触れてもらいたいですね。

──シーンごとに壁があって分かれているようなムードにフラストレーションを感じていたんですね。

昔はめっちゃあって、それこそRave Racersを始めた理由にもなっています。当時、まだ代官山UnitとかでBIMがリリパをやっていたとき、たぶん4年くらい前とかかな、UnitでBIMがライブしてUniceで＜Creative Room＞っていうイベントをCreativeDrugStoreでやっていて、メンバー全員DJできるんで、みんなでやっていたんですけど、僕はAFJBのような音楽がずっと好きだったから、普通のヒップホップのDJよりもバンドの音や四つ打ちを流したりしていたんです。そのとき前の方にいたお客さんは割とポカーンとしていて、後ろで見ていた40代くらいの人から終わった後に「めっちゃ良かったよ」って言われたことがあって、それが嫌だったんですよね。こんなに踊れる音なのに若いお客さんに響かないんだなって。

だから自分で自分が好きな曲を流せるイベントをやりたくて、それにCreativeDrugStoreのお客さんが遊びに来てくれたら新しい遊び場になるんじゃないかなと思って。最初は＜Rave Racers＞っていうイベント名で自分の周りの先輩とかを呼んで中目黒Solfaで2回くらいやって、そこから出てくれた先輩の何人かをお誘いしてクルーを始めたので、フラストレーションから全ては始まっていますね。

──Dragon AshにとってのTMC（Total Music Communication）ではないですが、そういったものを大きい場所でやりたい気持ちはありますか？

やりたいですね、多くはないけど俺がかっこいいと思える人は周りのアーティストにたくさんいるし、そういう人たちをジャンル関係なく一つのイベントで、大きいところでやって、AFJBの第1章終わり！　という感じにしたいなと。来年にはやりたいと思っています。

──楽しみです。最後に直近のライブの予定について教えてください。

11月19日にAFJBのツアーファイナル、25日にソロのツアーファイナルを予定しています。あと12月12日に横浜のF.A.DでAFJBのワンマンライブをやります。ツアーの東京公演がオールナイトなので、年齢が理由で来れないという子が多かったんです。自分が思っている以上に未成年の子が聴いてくれていて、16歳の子が声をかけてくれたりもして。AFJBは普段からたくさんライブをしているバンドではないので、関東で未成年の子も来れるライブがやりたくて。オープニングのDJはBAKU（KAIKOO）さんにお願いしています。全部気合い入ってるんで、ぜひ来てほしいですね。

──まずは、みなさんが音楽に目覚めたきっかけから教えてもらえますか？

髙橋紘一 （Tp.／以下、髙橋）　僕は中学生くらいの頃にヒップホップを好きになったのが大きかった気がします。エミネム（Eminem）とかが学校でも流行り出して、周りの友人たちが聴き始めたので、自分も聴いたらどんどんハマっていった感じですね。

高岩遼 （Vo.／以下、高岩）　小学校一年の頃から楽器に親しんでいたけど、カミナリが落ちたのは小学校三年生の頃にスティーヴィー・ワンダー（Stevie Wonder）の“Signed, Sealed And Delivered”を聴いたとき。英語は分からないので、歌詞を聴きながら全部カタカナに書き起こして、それを夜な夜な歌っていましたね。

澤村一平 （Drs.／澤村）　え、カミナリが落ちて家は大丈夫だったの？

高岩　そういう意味じゃねえよ！

大林亮三 （Ba.／大林）　（笑）。僕は歳の離れた兄の影響が大きいです。彼がギターを習い始めて、続かず放りっぱなしになっていたのを触ったのが楽器に触れた最初のきっかけでした。中学生くらいになると、CATVで『MTV』を観たり、近所のスケートボードショップでパンクとか教えてもらったりして。色々雑食的に聞いていくうちに、ブラックミュージックにハマっていきました。最初はUKロックやハードコアが好きでギターを弾いていたんですけど、当時はライナーノーツとか読んで「ソウルとはなんぞや？」みたいなことに興味を持ってハマっていって。「ブラックミュージックをやるならやっぱりベースだろう」ということでベースを弾くようになりましたね。

磯貝一樹 （Gt.／以下、磯貝）　僕は野球をやっていたんですけど、中三の夏が終わって部活もなくなり……。やることがなかったから友人にギターを借りて弾いていました。

──最初に弾いた曲はなんだったか覚えていますか？

磯貝　なんだったっけ……Aマイナーペンタトニックだったかな。

大樋祐大 （Key.／以下、大樋）　曲じゃないでしょ（笑）。

磯貝　（笑）。当時『ROCKERS』（2003年）という映画があって、その中で玉木宏さん演じる谷信之が、ずっとAマイナーペンタトニックのスケールでギターを弾いているシーンに憧れたんですよ。その後にレッド・ツェッペリン（Led Zeppelin）の“Stairway to Heaven”で初めてギターソロを覚えましたね。

澤村　僕は中学生の時に友達とバンドを始めて、その時からずっとドラムです。当時は椎名林檎や東京事変がめちゃめちゃ好きで、刄田綴色さんのドラムパターンとかをコピーしようと思ったんですけど、普通のロックドラムでは出てこないようなフレージングやアプローチが多かったので、独学ではなく習い始めました。そこで、習った先生がたまたまジャズドラムの人で、その先生からジャズの魅力を教えてもらっているうちに、気づいたらそっちに興味が移っていきましたね。

大樋　僕は、歩けるようになった頃からアース（Earth, Wind & Fire）が流れると踊っているような子だったらしく、その頃から音楽に目覚めていたみたいですね。楽器は幼稚園児の頃からクラシックピアノをずっとやっていたのですが、中学生でジャズとかR&Bとか好きになって、そこから鍵盤も弾くようになっていきました。

──みなさんが「アーティスト」として目覚めたターニングポイントというと？

高橋　僕は「アーティスト」みたいな自覚ってあんまりないんですけど、SANABAGUN.をやり始めてからは「戦うべきところ」がデカくなるたびに意識を変えたいと思っていますし、変わってきていると思います。

高岩　そもそもキャリアのスタートがジャズボーカリストなんですよ。大学に入学するために上京してきて、「俺はいっぱしの歌手だ」と思って銀座で歌い出した19歳とか20歳くらいの頃 。今となっては単なる「青二才」だなと痛感させられる日々ですけどね。やっぱりボーカリストは「声」が楽器であり、自分の歩んできた人生や人となりが「声」に反映されていくと思うんです。だとすれば、たかが31歳じゃ「まだまだでしょ」って思います。そのくらい奥深い「楽器」だと思うし、クソジジイになっても歌い続けていたいですね。

大林　僕はこういう質問をいただくのが初めてで、ちょっと重い話になっちゃうんですけど……。さっき話した兄の他にもう一人兄がいたのですが、僕が23歳の時に亡くなってしまったんです。それまで自分は曲作りとかそんなに興味がなかったんですけど、兄が亡くなったことでショックを受けてしまって。そこから急に曲を作り出すようになったんですよね。それで持ち歩いていたデモをフックアップしてくれた人がいて、それが縁でサナバのメンバーと出会って一員になったわけだから、すごく悲しい出来事だったけど自分にとっては大きなターニングポイントだったんだなと思っています。

磯貝　僕は20代の頃に「プロのミュージシャンになりたい」と思って上京してきて、ちょっとずつ食べられるようになった時に、「人よりも、もう一つ飛び抜けたい」と考えたんですね。そこから自分のソロ活動を始めて、いろんな人からその作品を評価してもらえるようになった時に意識が変わった気がします。「もっと売れたい」というよりは「もっといいものが作りたい」という気持ちで今もやっています。

澤村　僕は昔から「自由人」というか、常に自分らしくいたいという気持ちがありました。この質問を聞いて思い出したのが、初めて行った現場で初めて会ったミュージシャンとご挨拶して。その後何度かその人と別の現場で会った時に、お互いの第一印象はどんな感じだったかを言い合ったんですよ。その時にその方は、「イッペイ君はサナバとかずっとやっていて、ずっとシーンの第一線でやっているアーティストという雰囲気があるなと思いました」と言われて「マジか」って（笑）。自分ではそんなこと何も意識せずに、のほほんと過ごしていたんですけど（笑）。言ってもサナバは結成して10年近く経つし、自然とそういう雰囲気って身についていくものなのかなと。

大樋　「アーティストとしての自覚」というか、「音楽をずっとやっていこう」と決心した18歳くらいの頃。親は普通に四大に行ってほしがっていたのですが、それを押し切って音楽大に進学したからには、ちゃんと覚悟を持ってやっていかなければという気持ちが強くなったように思います。

──では、「グループとしてのターニングポイント」はいかがでしょう。原点である渋谷の路上パフォーマンスから始まり、メンバーチェンジやコロナ禍での活動など紆余曲折もあったかと思うのですが、振り返ってみて「あの時がターニングポイントだったな」と感じるのはいつの時代ですか？

澤村　どうなんだろう。俺たちサナバって、ちょっとずつ順風満帆で大きくなっていったというよりは、膨らんでは萎んで……を繰り返しながらここまできた気がするからさ。

高岩　間違いないね。

澤村　そして、その度にサナバとしての「旨味」はどんどん濃くなっているというか。

大樋　となると、磯貝くんが新メンバーになってレコーディングしたという直近の出来事が一番のターニングポイントのような気もするし。「これでまたサナバはひとまわり大きくなるぞ」って確信しましたね。

高橋　メンバーが入れ替わるのは、バンドの歴史の中でも特に大きなターニングポイントかもしれない。結成時のメンバーはすでに5人しかいないわけで、 振り返ってみると今とはまるっきり違うバンドだなと思うし。ある意味、毎回アップデートしてきたとも言えるから面白いなと思います。

──今年2月に新メンバーの磯貝さんが入ったことで、バンドはどんなふうに変化しましたか？

高岩　いい感じっすよ。普通にプレイヤーとして素晴らしいし、パブリックなイメージよりも相当「クソ野郎」なところも（笑）、「ならず者（Son of a gun）」集団である俺たちサナバにふさわしいメンバーだと思いますね。なんだか、もっと前からこのバンドにいたような気さえします。

──加入前から交流は深かったのですか？

磯貝　メンバーの中では亮三と一番付き合いが長いですね。2015年頃、一緒にアフリカやヨーロッパツアーを回ったりしたし、その後に一平や裕大と知り合って。世代も、最年少の祐大以外は全員タメで……。

高岩　祐大以外はな。

澤村　今の「祐大以外」のところ、太字でお願いします（笑）。

大樋　みんながおっさんすぎるから（笑）。

磯貝　（笑）。30歳になったタイミングでサナバに誘われたというのも、何かの縁だったのかなと思っていますね。最近は、みんなで力を合わせてチームワークを発揮していくことが楽しくて仕方ないです。「こんなに仲のいいバンドが世の中にあるんだ」と思いましたし（笑）。

──そんな新体制で制作した“Deep Himawari”ですが、裏テーマは「世間一般的にいう『落ち着く』ことを意識し始めたおじさんたちへの応援歌」だそうですね。実際はどのように作っていきましたか？

大林　これは僕がネタを持ってきました。「夏っぽいから夏の曲にしてよ」と言って投げたら、割とメンバーの反応も良くて。春にメンバー何人かで俊樹くんの住む静岡の伊東に行ったんですよ。その時に（岩間）俊樹くんが歌詞を書いてくれました。

磯貝　目の前に海が広がっていて、ほんと「夏休み」って感じだったよね。俺はずっと寝ていたんですけど、気づいたら歌詞ができてて（笑）。すげえいい歌詞だと思ったよ。冒頭の“予定なしで集まるほど 若くはなくなった今日この頃”とか、いいところ突いてくるなと。トラックは大人な感じなんだけど、歌詞はちょっとあがいているというか。「青春」を取り戻そうとしている感じがまたいい。

大林　いい意味でカッコつけてなくて等身大だよね。

──皆さん、「夏」といって真っ先に思い出すことは？

澤村　やっぱり、夏を感じるのってフェスとかじゃない？

磯貝　確かにそうだね。夏の暑い日差しを浴びながら、青空の下で演奏するのはライブハウスとは違う開放感がある。

澤村　終わった後に飲むビールも格別だしね。コロナ禍ではなかなかそうもいかなかったけど。夏フェスがあるから、そのあとの曲作りやレコーディングも頑張れるところあるし。

大林　そういうムードも“Deep Himawari”のリリックには反映されている気がします。

──夏に挑戦してみたいことはありますか？

高岩　俺、モトクロスやりたいんですよ。レースにも出たくて、ネットとかでいいのないか探しながらニヤニヤしてます（笑）。

澤村　夏ドンピシャかわからないんですけど、今、家で育てている「ユーフォルビア・バリダオベサ」という植物があるんですけど、それが受粉して種ができ始めていて。もう少ししたら蕾がパン！　と弾けて種が出てくるので、それを蒔いて夏までにどのくらい成長するかが楽しみで仕方ないんですよね。

──では最後に、夏に“Deep Himawari”と一緒に聴きたいサナバのオススメ曲を教えてください。

大樋　“P・A・N・T・I・E”ですかね。あれは絶好のサマーチューンでしょ。

澤村　祐大、絶対それ言うと思った。俺は“SFT”とか熱帯夜っぽさ感じるんだけど。

大林　やべえ、それ考えるとサナバって夏の曲を作るプロなのかもしれない。

高岩　いいねえ。夏、稼いでいきましょ（笑）。

──お二人は、出会ったときのことを覚えていますか？

Shingo Suzuki（以下、Suzuki）　覚えてますよ。確か2015年だったかな、渋谷のPLUGという地下のライブハウスで、マイキー（Michael Kaneko）がライブをするというのでみんなで観に行ったんです。その時はもう〈origami PRODUCTIONS〉（以下、origami）の仲間になることも決まっていて、ボスの対馬（芳昭）が「ヤバイ奴が出る！」というので観に行きました。

その頃からすでに「声がかっこいいな」と思いましたね。ちょっと真似たくなるというか。「友達になりたいな」って純粋に思いましたね。〈JAZZY SPORT〉のMARTERさんも出演していて、イベント全体の雰囲気も良かったですね。

Michael Kaneko（以下、Michael）　懐かしい（笑）。渋谷のPLUGは〈origami〉にとってすごく大事な場所ですよね。僕が入る前の〈origami〉のメンバーは、全員そこで出会ったようなものだと聞いていたんですよ。そんな特別な場所でシンゴッチ（Shingo Suzuki）さんと初めて会えたのはすごく感慨深いです。

Suzuki　確かに、僕もPLUGだからこそ行く気になったところもあったからな（笑）。

Michael　〈origami〉の中でも特にシンゴッチさんとは、吉祥寺とかでご飯をよくご一緒させてもらっているんですよ。一番仲良くさせてもらっているのかなって。

Suzuki　そうだね。普段はこういう取材などの企画やレコーディング、ライブがないと会う機会も少ないし、だからこそ会った時は「この後、飯でも食べたいな」みたいな気持ちはある。まあ、大抵は他愛のない話をしてるけど（笑）。

──お二人が音楽に目覚めたきっかけは？

Suzuki　小さい頃から、気づけば家にあったカセットテープを聴いていました。中島みゆきや来生たかお、井上陽水のようなニューミュージック……今でいう「シティポップ」が最初の入り口でしたね。小学校4年生の時に東芝のダブルラジカセを買ってもらって、それでいつも安全地帯を聴いていました。特定のアーティストを好きになったのはそれが初めてでしたね。

──楽器を演奏するようになったのはどんなきっかけでした？

Suzuki　当時の家庭教師がビートルズ好きで、なぜかアコギを譲ってくれて、勉強ほったらかしでコードの押さえ方とかいろいろ教えてくれたんです（笑）。そのあとお年玉で、Charvel（ギターブランド）のエレキギターを札幌の楽器屋で購入しました。ビートルズはもちろん、X JAPANの『BLUE BLOOD』に夢中になって、そこからBOØWY、岡村靖幸さんなどを聴くようになって、コードを拾いながらコピーしていましたね。

──その頃は邦楽が中心だったのですね。

Suzuki　岡村さんや久保田利伸さんを聴くようになり、少しずつソウルミュージックやR＆Bに興味が出てきたんですよ。大学生になってからは、ジャズのサークルに入ってウッドベースを購入し、そこからベースを本格的にやり始めました。

ギターは速弾きがうまく出来なくて、しかもジャズギターはもっと難しそうなイメージがあったので、弦の少ないベースを選んだんです。その頃はレッド・ミッチェル（Red Mitchell）やレイ・ブラウン（Ray Brown）、ロン・カーター（Ron Carter）、ザ・チック・コリア・エレクトリック・バンド（The Chick Corea Elektric Band）に参加したジョン・パティトゥッチ（John Patitucci）などのベースをコピーしたり、ジャコ・パストリアス（Jaco Pastorius）に衝撃を受けたり、ジョー・ザヴィヌル（Joe Zawinul）のバンドに傾倒したりしていく中でジャズの基礎を並んでいきましたし、それが今の基礎になっている気がしますね。

──マイキーさんはいかがですか？

Michael Kaneko　子どもの頃はカリフォルニア州に住んでいて、常に音楽が身近というか生活の一部になっていました。カリフォルニアは車文化なので、ラジオを車の中で常に聴いていて。例えば当時のトップ40……バックストリート・ボーイズ（Backstreet Boys）やブリトニー・スピアーズ（Britney Spears）、インシンク（`NSYNC）などメインストリームのヒット曲をずっと流している番組もあれば、〈MOTOWN〉だけ流す番組や、クラシックロックやオルタナティブロック専門チャンネルみたいな番組もあって、そういうのを親がよく聴いていたんです。その影響はめちゃくちゃ大きいと思いますね。

──その頃はまだ音楽活動はしていなかったのですね。

Michael　はい。でもテンプテーションズ（The Temptations）とかすごく好きで、学校でもよく歌っていました。ギターをやり始めたのは、3つ上の兄貴が高校一年生の頃にアコギを購入したのがきっかけです。最初は小学生の頃で、兄貴のギターを触るくらいだったので、オープンコードやGやC、Dが押さえられる程度でした。

──その頃は、音楽よりもサッカーに夢中だったそうですね。

Michael　そうですね、アメリカではずっとサッカーをやっていました。もう人生をサッカーに捧げるくらいの勢いで（笑）。練習も毎日行ってたんですけど、日本に引っ越してきて地元のサッカークラブに入ったら、当時は今のように日本語が話せないし、日本特有の上下関係とかになかなか慣れなくて。朝早く起きてみんなで待ち合わせして、移動して練習試合をして。待ち時間もずっと一緒にいるのとかがものすごくしんどかったんですよね。それでサッカーそのものが嫌になってしまったんです（笑）。

──そうだったんですね。

Michael　その時に母が、「辞めるのはいいけど、何か他にやることを見つけた方がいい」と。何も夢中になるものがないまま高校生活を送って欲しくなかったみたいで、それでギターのことを思い出したんです。当時の僕は、アコギで弾き語りでもできればいいかな、くらいの考えでしたが、そのギター教室の先生から「習うんだったらエレキやった方がいいよ」と言われたんです。

そこからフュージョンやブルーズ……エリック・クラプトン（Eric Clapton）やB.B.キング（B.B. King）、クリーム（Cream）、ジミヘン（ジミ・ヘンドリックス／Jimi Hendrix）とか聴くようになって。高校でスリーピースのバンドを組んで、その時に促されるままジミヘンやクリーム、レッチリ（Red Hot Chili Peppers）を歌うようになりました。

──お話を聞いていると、Shingoさんは家庭教師、マイキーさんはギター教室の先生など、人との出会いも大きかったのでしょうね。

Michael　そう思います。その先生じゃなかったら、今の音楽性にはなっていなかったかもしれない。

──マイキーさんが2月23日にリリースした、Shingoさんとのコラボ曲“Breakdown feat. Daichi Yamamoto (Shingo Suzuki Remix)”は、どのような流れで実現したのですか？

Michael　シンゴッチさんには、2017年にも僕のEP『Westbound EP』の1曲“Cracks in The Ceiling”をプロデュースしてもらったのですが、その仕上がりがすごく好きだったし、ミックスもしてくれて。それからずっと一緒にやりたいなと思っていたので、今回リミックスを出そうという話になった時に、真っ先にシンゴッチさんの名前を挙げさせてもらったんです。

Suzuki　声をかけてもらってすごく嬉しかった。同じレーベルメイトだけど、こうやって関われる機会ってありそうでなかったりするんですよね。だからめっちゃモチベーション上がりました。

Michael　それに、Ovallと一緒に2020年にツーマンでツアーを回ったんですよ。その時僕のバンドは鍵盤とドラムと僕のトリオ編成だったので、ベースがいなくて。最後だけシンゴッチさんにゲストで参加してもらって、その時に“Breakdown”を一緒にやったんです。なので曲も知ってくださっているゴッチさんにリミックスをやっていただくのがベストだなという気持ちもありました。

──ところでお二人は、曲作りの「ひらめき」はどんな時に訪れるのですか？

Suzuki　僕はいつも「ゼロイチ」のゼロではなく、「イチ」を探すところから始めますね。ゼロからイチを生み出せる人って、例えばチャーリーパーカー（Charlie Parker）やボブ・マーリー（Bob Marley）のような革命を起こす一部の天才だけで、僕らはいかに「イチ」を100に出来るかだと思うし、そのためにはとにかく引き出しを増やすことが大事だと思っています。

──オリジナルは「組み合わせ」だとよく言われますよね。

Suzuki　本当にそうだと思います。例えば今回のリミックスだったら、マイキーの多様な音楽性の中からソウルフルなテイストを引き出したいとすごく思ったんですよ。まず、そこが「イチ」。それに対してどうしようかなと思った時、たまたまですが最近シルク・ソニック（Silk Sonic）やアンダーソン・パーク（Anderson .Paak）のアルバムを聴いていて、あのテイストを掛け合わせたら面白いかもしれないと。

まずはコード進行のリハモナイズをして、定番の「Sunny」コード進行から、もう少しモダンな分数コードを使うなどして印象を変えて行きました。リズムは生ベースを入れて、今話したアンダーソン・パークっぽさも足しつつ、さらに自分のテイストをまぶしていって。

──なるほど。

Suzuki　さらにDaichiさんのラップが来るから、そこで一気にシンセの音が増えて、コンテンポラリーなR&Bにガラッと変えたら面白いんじゃないか？　と。そうやってイチにどんどん足してオリジナリティを出すためには、今言ったように引き出しをいかに増やすかが重要なんですよね。

「ここのコード進行を、このボイシングだと面白い」と思ったらそれを記憶しておくし、「このスネアのサウンド、いいな」と思ったらそれも覚えておいて、いざというときに掛け合わせていって自分のオリジナリティを出していく。それってファッションでも料理でも、全てのクリエイティブな表現についても同じことが言えると思うんですよ。カレーも、その人のスパイスの配合によって味もかなり変わってきますしね。

──ある意味では編集にも似ていますよね。

Suzuki　そう。作曲、アレンジ、ミックスダウンと順番に進めていくのではなく、全て同時進行で進めていくのも特徴かもしれない。その代わり、作業に取り掛かるまでが遅いんですよ（笑）。

もう締め切りギリギリまで手をつけず、頭の中でずっとモヤモヤ考えている。夏休みの宿題を最後の最後にやるみたいな感じかな（笑）。頭の中に、何もない状態で楽器に向かってもあまり成果がなくて。

──何もしていない時でも頭の中でイメージを膨らませているわけですね。マイキーさんは、いつもどんな時にひらめきが訪れるのですか？

Michael　「散歩しているときやシャワーを浴びている時に、ふとメロディーが思いつく」なんて話をよく聞きますが、僕にはそれは全くなくて。「さあ、作るぞ！」と気合を入れて楽器やコンピューターに向かわないと、なかなか曲ができないんですよね。ギターを爪弾きしながらメロディを探すときも、やっぱり「作る」という目的があるからこそ「ひらめき」が訪れるんだと思います。

まずはテンポ感とか曲全体の漠然とした雰囲気とか、そういうことをイメージするところから始めます。とっかかりとしては、ラジオやSpotifyなどで音楽を聴いていて、「あ、こういう曲いいな」みたいにインスパイアされてからのケースが多いですね。

──そういう曲の作り方は、初期の頃からやっているうちに変わってきていますか？

Michael　〈origami〉に入る前は弾き語り中心で活動をしていたし、ほとんど全ての楽曲はギターやベースから作り始めていたのですが、〈origami〉に入ってからはアレンジやプロデュースの仕事をするようになったこともあり、曲の作り方も変わってきて。ここ4、5年は、楽器を触らずにトラックを打ち込むところからスタートすることの方が多いです。

──普段から「ひらめきの灯火」を絶やさないようにするため、心がけていることはありますか？

Michael　お酒を飲むことですかね（笑）。僕はアメリカのスタンドアップコメディが大好きなんですけど、その動画を漁っては、お酒を飲みながら一人で見てゲラゲラ笑っているんですよ。もちろん、友人と普通に飲みにいくこともありますが、このご時世なのでなかなか難しい。とにかく、お酒を飲んで楽しい気分に浸ることでモチベーションを上げているというか。

ずっと音楽にだけ向き合っていたらおかしくなっちゃいます。そうではなくて、楽しむ時は目一杯楽しんで、作る時には集中して作る。そのバランス、メリハリが大事だと思っています。あと、普段からよくランニングをしているんですけど、それも頭や体をリフレッシュする大事なルーティンになっていますね。

Suzuki　僕は、自分の中の「焦燥感」みたいなものが曲作りのモチベーションになっているので、1日の時間の中で午前中と夜はあえて作業をしない「チルアウトタイム」と決めています。行きつけの喫茶店へ行ってコーヒーを飲みながら、イヤホンで好きな音楽を聴いたり本や新聞を読んだり、出来るだけ怠惰な時間を過ごすんです（笑）。そうするとだんだん焦ってくるんですよ。

「あ、やばいやばい、夕方は子供の世話をしなきゃいけないし、これ以上怠けてられない」というふうに自分を追い込んで、日中の限られた時間、例えば6時間とか7時間にグワっと集中する。作業に入る前は、熱いシャワーを浴びて気持ちをブーストさせることも多いですね。いわゆるゾーンに入るためにも、そういうメリハリが大事だったりしますね。

──とても興味深いお話ばかりです。シーンの最前線で活躍中のお二人ですが、迷っていた時期もありましたか？

Suzuki　僕は、音楽を始めてからは迷ったり落ち込んだりした時期ってそんなにないかもしれないです。そもそも音楽を本気でやろうと思ったのは30歳の頃だったんですよ。それまでは趣味の延長というか、会社に勤めながら音楽作りを楽しんでいた人なので、デビューした時にはもう後がないというか、落ち込んだり悩んだりしている時間さえもったいないというか（笑）。さっき言ったような焦燥感の方が凄かったんですよね。

もちろん夜中に気持ちが落ち込んだり、何もする気がなくなったり、誰もが経験するようなことはあるけど、そういう時は無理に何かをやろうとせず、エネルギーがたまるまで家でだらだらする（笑）。そうすると時間が解決してくれるというか、再びやる気がみなぎってくる瞬間が必ず訪れるんです。なので、ちょっと気分が下がってきたら「ああ、いつものやつだ」と思ってやり過ごすようにしていますね。そういうのは経験を重ねることでうまく対処できるようになっていく気がする。それに、落ち込んだ時にはOvallのメンバーや家族、レーベルの人たち、信頼で繋がっている今の絆のことを思うようにしていますね。

Michael　僕は〈origami〉に入る前は、保育園で英会話の先生をやりながら音楽活動をしていて、いろんなところにデモを送っていたんです。いくつかレーベルから声がかかることもあったのですが「日本語の歌詞にして、もっとJ-POPっぽい曲を歌ってみるのはどう？」みたいなことを言われることも多くて。カフェで歌ったり、オープンマイクに参加したりしても、全然振り向いてもらえない時期がありました。

──そうだったんですね。

Michael　そんな時に〈origami〉の対馬さんと出会い、色々とサポートしてくれたことが本当に大きな自信につながりました。そこから本当にいろんな人と出会えたので、〈origami〉との出会いは僕の人生を変えたと思っています。もちろん、今でも悩みまくっているし、年に3回くらいは落ち込んでいるんですよ（笑）。そういう時に言い聞かせているのは、今自分が立っている場所がどれだけ恵まれているか？　ということ。

もともと音楽で食べていくことが夢でずっとやってきて、今はそれが叶ってるわけじゃないですか。しかも、数年前では考えられないような人とのコラボが実現できたり、こうやってインタビューで僕の話を聞いてもらう機会まで作ってもらったりしている。その状態を「当たり前」と思ってしまってはダメだなと常に言い聞かせていますね。もちろん向上心は大切ですけど、今ある幸せをちゃんと噛みしめる事も必要だと思っています。

Suzuki　音楽が特別なことじゃないし、レストランのシェフも、学校の先生も公務員でもみんな同じでそれぞれのプロフェッショナルだと思うんです。たまたま僕たちが選んだのが音楽で。逆に音楽には力があるし、芸術的なものだということにプライドと自信を持ってやっています。幸せというか、ギフトだなって自覚しながら、それは経験になって仕事になって返ってくる。

それと、誰しもそうだと思うけど、ちょっとずつでもお金が入ってくるとそれが自信につながるんだよね。〈origami〉も立ち上げたばかりの頃は本当にお金がなくて（笑）。数千円の仕事がたまにきただけで大喜びしていました。そういう状態からスタートして辛酸を舐め尽くしてきたから、その時代のことを思い出すと低空飛行ながら徐々に高度は上がってきているし、とにかく目の前にあることを一生懸命やるしかないなと思い知らされます。

━━maco maretsさんは福岡出身なんですよね？ そうですね。地元が福岡の山のほうで、ログハウスみたいな木の家に住んでました。子供の頃はストーブ用に薪割りもしてましたよ（笑）。でも関東に来てからはこういうアウトドアっぽいことはほとんどしてないかも。車も持ってないし。 ━━今回は焚き火を囲みながらmaco maretsさんのクリエイティブについてお伺いしたいと思っています。まずヒップホップとの出会いを教えてください。 高校の時です。僕は中高一貫の男子校に通っていて、ずっと吹奏楽部でサックスを吹いていたんですよ。あと当時、すごく流行っていたELLEGARDENなど、ロックミュージックを中心に聴いていました。そしたらある日、友達が信狂楽団というクルーの音源を聴かせてくれて。ご存知の通り福岡はヒップホップが盛んな土地で、その友達のお兄ちゃんもラッパーだったんです。だから入口はいわゆる有名な人たちじゃなくて、フッドの最前線で活躍するドープなクルーでした。 ━━クラシックとロックを聴いていたmaco maretsさんにとって、ヒップホップはどんな音楽だと感じましたか？ ドラムの音の大きさにびっくりしましたね。あとグルーヴ感。これまで聴いてきた音楽にはないもので、とてもかっこいいと思いました。そこから日本語ラップのクラシックもいろいろ掘りはじめて、OLIVE OILさん（福岡を代表するヒップホッププロデューサー）に辿り着きました。OLIVE OILさんのOILWORKSが福岡でやってるDon’t Findというお店にもよく通いましたね。僕のルーツと言える場所だと思います。 ━━ラップをやり始めたのは？ やはり友達や友達のお兄ちゃんの存在が大きくて。身近にラップする人がいたから、僕も自然と友達とサイファーをするようになりました。今思えばとても恥ずかしいんですが（笑）、YouTubeで見つけた有名な曲のインストを教室で流してラップしたりして。録音をしたのも早かったです。 当時の段階ではトラックの作り方がわからなかったから、流行っていたSki Beatzの“24 Bars To Kill” （ANARCHY、RINO LATINA II、漢、MACCHOが参加した楽曲）のオケに乗せてリミックス的なヴァースを録ったりしてました。 ━━そこから1stアルバム『Orang.Pendek』のリリースまでかなり時間が空きましたね。 大学に通うために福岡を離れて関東で一人暮らしをするようになって、高校で一緒に音楽をやってた友達とは離れてしまったけどラップは続けていました。福岡ではヒップホップのパワフルさに乗っかって自分をボースティングするラップをしていましたが、徐々にそれは自分らしくないなと思うようになったんです。bua名義でいろんなタイプのトラックメイカーの方とご一緒しながら、３〜４年くらい自分のラップを模索してましたね。そんな中で〈Rallye Label〉と繋がって『Orang.Pendek』をリリースすることになりました。 ━━改名したのはなぜですか？ buaはあまりにも素っ気なさすぎるとレーベルの方に言われたので。僕としては「toeと同じ小文字3文字でカッコいいじゃん」みたいな（笑）。でも心機一転、フレッシュな気持ちでデビューを飾る意味では改名もありかなと思い今の名前をひねりだしました。自分的にも「maco marets（笑）」みたいな感覚でしたよ。でも今思うと、自分自身が馴染めない名前を名乗っていることがまさに当時の僕を表していた気もしますね。 ━━というと？ 『Orang.Pendek』の段階では、まだスタイルもブレブレなんですよね。自分はどんなラッパーなのだろうか、と模索している感じで。明確なポジションを見出せていなかった。でもアルバムを作り終えて、そのブレてる感じ、どこにも馴染めない感じこそが自分なのかもしれないと気づいて。2ndアルバム『KINŌ』で確立したような、「曖昧な自己」を進んで歌っていくスタイルに繋がっていった。デビュー当時は「こういうのがやりたい」（というビジョン）を目指して作っていくというより、1曲1曲を試行錯誤しながらとにかく作って、あとからハマるスタンスに自分で気づくような感じでした。 ━━なるほど。その意味では、Small Circle of Friendsの東里起さんがトータルプロデュースした最後の作品『Circles』は初期maco maretsの総決算感があります。 そうですね。コロナで実現できませんでしたが、実は2019年に区切りとなるワンマンライブを企画してたんですよ。ぜひ実現したかった。東さんと一対一でつくりあげた3作品があるからこそ、「maco marets」のスタイルも確立できたのだと思うので。僕はいわゆる「日本語ラップ」の文脈とはすこし離れたSmall Circle Of Friendsの音楽性も大好きだったので、東さんからはかなり大きな影響を受けてますね。

━━4作目『Waterslide III』からはTaisuke MiyataやTOSHIKI HAYASHI（%C）など、同世代のプロデューサーと共演するようになりました。 Miyataくんは大学の同級生なんです。メロウ・イエロー・バナナムーンやSouth Penguinというバンドでもギターを弾いてます。実は『KINŌ』から参加してもらってるmaco maretsを語る上では欠かせない人なんですよ。4作目からはトラックプロデューサーとして力を貸してくれています。ちなみに去年の11月から“Nagi”、“Yesterday”、“Surf”とシングルを連続リリースしてるんですが、次に出るのはMiyataくんと作った曲になります。 ━━おお、それは楽しみ。“Yesterday”、“Surf”はTOSHIKI HAYASHI（%C）さんプロデュースでしたね。 %Cさんと初めてご挨拶したのは、代々木にあったshirokumaというバーや、中目黒のsolfaとかで僕が主催してたビートミュージックのパーティーに出てもらった時ですね。その後%Cさんの『TIME IS OVER EP』というEPに呼んでいただいて。そしたらすごくテンション感が合ったんですよ。制作って成果物も大事なんですが、同時に過程もすごく大事で。 特にラッパーとトラックメイカーという関係では、お互いにお互いが必要というか。片方だけでは成立しない。だから細かいところまで妥協なくちゃんとコミュニケーションを取る必要がある。だから何回も一緒にやれるのは、自然と人間的に相性の良い人になってきちゃいますね。%Cさんには僕のアルバムにも参加してもらってるし、「HOTEL DONUTS」というプロジェクトでもご一緒したり、いろいろやってますね。 ━━ちなみに制作時はどんなコミュニケーションをとりますか？ 曲によって全然違うんですが、僕の場合はまずビートのストックを送っていただいて、選んで、書いて、細部を詰めていくことが多いですね。先に「こういう感じがいいです」とリファレンスを出す場合もありますけど、そもそも僕も一緒に作りたいと思ってオファーしてるので、送っていただくストックに関してはトラックメイカーの方を信頼してお任せしています。ちなみに最近%Cさんと作った“Yesterday”はすぐできちゃいました。でもやっぱり曲によりけりですね。 ━━1月に発表した“Surf”ではオートチューンを使ったり、ポエトリーリーディングのようなパートがあったりと、maco maretsのスタイルが更新されたように感じました。 今回の連続リリースではすべての曲で何かしら新しいことをやろうと思っていたんです。“Surf”はmaco maretsの中ではかなりトレンド感あるトラックだと思います。ドラムの鳴り方とか。%Cさん的にも普段の作風と微妙に違う。 じゃあ歌い方も変えてみようと。1曲の中に歌うパートが4つあるので、それぞれ歌い方や声の加工を変えて、自己の定まらなさや多面性を客演を入れず自分だけで表現してみました。でもサビはシンプルなんですよね。頭空っぽで聴ける感じ。 ━━ヴァースが複雑な分。 そうですね。あと最近、自分の音楽を海外に展開できるかを試したくて、知り合いを通じてアメリカのディストリビューター的な人といろいろ話をしたんですよ。その時に「曲の中に何かひとつ明確な特徴を持たせなさい」というアドバイスをいただいて。海外の人からすると、散漫な印象だったのかもしれない。なので“Surf”は気持ち良さを自分なりに追求してみました。

━━海外の人にはわかりづらいかもしれませんが、その散漫さがある種の日本のリアリティのような気がするんですよね。あとmaco maretsさんは歌詞でも当たり前すぎて逆に気づけない日常の違和感――正体はわからないけど確実に存在する抑圧を可視化していると思うんです。 それは僕自身がコンプレックスの塊だから、というのもあると思います（笑）。けどそう言っていただけるのは嬉しいですね。何が言いたいかよくわらないと言われることが多いので。でもやっぱりラップミュージックは生活に根ざしたトピックや言葉選びで、自分の実感を歌うものになると思う。言葉を発する人間として嘘のない歌を歌いたい。でも同時に僕は言葉を持たない状態で活動してる。 ━━言葉を持たない状態、とは？ つまり自分が制度的に抑圧されている立場であったり、なんらかの不均衡を打開するために言葉を発しなくていけない状況に立たされた人間ではないということです。 ━━日本は諸外国と比べて、経済的、人種的な格差や対立軸が見えづらいですし、性別的にもmaco maretsさんは無意識の特権を享受しているマジョリティ、男性です。 おっしゃる通りです。恵まれてるんですよ。もちろん、不均衡を生み出す社会のありようとか、もっと言えば人間存在そのもののあり方に対する違和感みたいなものは抱えていて、でもそれをはっきりとした言葉ではあらわせない。僕はその「ない」を言葉で表現してるんです。 ━━maco maretsさんのリリックには一人称が少ないですよね。 曲によりけりですが、僕個人のパーソナリティを前面に押し出したような曲はかなり少ないと思います。まず人前に出るのがそんなに好きじゃないんです。作るのは好きなんですけど。だからMVにも出ない。実はライブもあまり得意じゃない（笑）。さらにエモーションからも距離を置きたい。平熱が低いというか、そういう性格じゃないんです。 僕なりのリアルを突き詰めるとそうなっていく。僕にとっての表現とは、言葉のない自分の中にある空白の状態を埋める行為。何かを伝えたい、ではなく、言葉を紡ぐことそのものに必然性を見出している。 ━━大学では文学系の学部に所属していたとのことですが、それがご自身のリリックに何か影響を与えたと思いますか？ ラップとして発音した時かっこよく聴こえる言葉と、散文の言葉は別だと思うんです。もちろん語彙やテーマ選びという面では影響を受けている部分もあると思いますけど……。でも、やっぱり別かな。例えば、どんな文章にもストーリーや流れ、文脈がありますよね。でもラップにはライミングというルールがあって、それを優先して言葉を選ぶタイミングが出てくる。 そうするとリリック以外で文章を書いている時には絶対に出てこないワードが引き出されるんです。それが意外にしっくりきたり、逆に予想外の流れになったり。それがラップの面白いところかもしれません。一見、繋がらそうなふたつの要素が（ライミングを通じて）繋がってしまう事故が起きる。俳句で言う「二物衝撃」のような感覚です。 ━━noteのVoice log話されていた「関東で壁の薄い狭い部屋に住むようになって、どんどんラップの声が小さくなっていった」というエピソードも非常に印象に残りました。 精神や身体――つまり暮らしの状態がそのまま曲に出ちゃうんですよね。箱のサイズ感に合わせた言葉を選んだり、歌い方になるっていうのは絶対にあると思う。曲を作ってるうちに気づいたんですが、僕どんどん声が小さくなってるんですよ。それはコロナの自粛期間が関係していて。ライブが開催できなくなって、人前で歌うことを意識せず自宅で制作していたら、自然と声が小さくなってしまった。春くらいから状況を見つつライブを再開しようと思ってるんですけど、最近の曲は全然ライブで通る感じじゃなくてちょっと困ってるんですよね（笑）。

━━いろいろとお話しを伺ってきましたが、maco maretsさんにとって表現者として最初の灯火が発火した瞬間はどんなものだったんですか？ ぱっと思いつくタイミングはふたつほどあります。。先ほど高校時代の話をしましたが、中高一貫の男子校ってもうむき出しの“男性性”の巣のような場所で。ヒエラルキーの上位は運動部が独占してるんですね。そうなると吹奏楽部の僕は……（笑）。まあ、かなり抑圧された学生生活を送っていたわけです。そんな僕が友達と一緒に文化祭でラップを披露したんですね。大勢の前でちゃんとやるのはそれが初めてだったんです。 そしたら、みんなから「かっこいいじゃん！」と言ってもらえたんですよ。そのとき「ラップなら周りが認めてくれるかもしれない」と思って。あの経験がなければ今の僕はいません。 ━━まさに発火した瞬間ですね（笑）。 はい（笑）。もうひとつは18歳の時。通いつめてたOILWORKSのお店・Don’t FindでOLIVE OILさんと顔見知りになったんです。そしたら「ここでライブやっていいよ」と言ってくれて。僕が知る限りですが、それまでDon’t Findでライブしたアーティストっていないんですよ。だからものすごく嬉しかった。 当時、友達と3人でクルーをやってたんですが、僕らのためにいろんな方が集まってくれたんです。しかも、めちゃくちゃ尊敬してる5lackさんもたまたまそこに来て、ライブを見ててくれて。リスペクトしている方々にここまでしていただいたら、中途半端なことはできないと思ったんです。あの日から、ラッパーとしてやれるだけやってみようと。 ━━ヒップホップ的なフッド感あふれる、めちゃくちゃ熱いエピソードです！ そこから自分のスタイルを見つけるまで、ものすごく時間かかっちゃいましたけど（笑）。遅れを取り戻すってわけじゃないけど、『Orang.Pendek』以降は年に1枚アルバムを出すようにしています。表現って際限のない作業だからこそ、僕はあえて年1枚というルールのなかで断ち切って制作していくようにしていますね。今は6作目のアルバムを準備しているところです。 これまでは全体像を固めてから作っていたんですが、昨今はサブスクで曲単体で聴かれることが多くなってきたし、もっと言えばアルバムを曲順通りに聴かれないことも多い。だから今回は、あえて最終形を定めない状態でどんどんシングルを作って、ある程度まとまった数になったらアルバムにしようと思っています。着地点を決めずに作るとどうなるかわからないけど、それはそれでいいやって。 ━━マンネリ化を防ぐためにも、クリエイティブをフォーマット化しないのは重要ですよね。 はい。次のアルバムを作ったら、ちょっと時間をかけて作るのもありかなって思ってるんです。きっとこれまでとは全然違うものができるから。僕自身も常に新しい刺激をインプットして、表現の火を絶やさないようにしていきたいです。