コンスタントに作品をリリースしながら、映画音楽やリミックス（昨年にはD.A.N.を手掛ける）など、幅広い活動の中で確固たる評価を得ているポスト・ロック・バンド、モグワイ（MOGWAI）が英チャート6位を記録した前作『Every Country’s Sun』から3年半ぶり、10作目となる新作『AS THE LOVE CONTINUES』を2月19日（金）に全世界同時リリースする。 モグワイやザ・フレーミング・リップス（The Flaming Lips）らの作品などで知られるプロデューサー、デイヴ・フリッドマン（Dave Fridmann）と共に、2020年初頭からレコーディングはスタート。元々アメリカでレコーディングされる予定だったが、パンデミックの為、そのロケーションはイングランドのウスターシャーへと変更となった。 収録曲“Midnight Flit”“Pat Stains”では、ナイン・インチ・ネイルズ（Nine Inch Nails）のトレント・レズナー（Trent Reznor）と名作曲家コンビとして、多くの映画音楽を担当するアッティカス・ロス（Atticus Ross）をコントリビューターに迎えるなど、多彩な音色を奏でながらも、バンドの源流を継承するハードコアなモグワイサウンドを堪能できる一作が完成した。 COVID-19の影響や映画音楽との関わり、またモグワイというバンドの姿勢についてを訊いた、フロントマンのスチュアート・ブレイスウェイト（Stuart Braithwaite）へのインタビューが到着した。この記事が『AS THE LOVE CONTINUES』の先行シングルから想像を広げ、また作品の理解を深める助けになれば幸いだ。また、2月13日（土）には、アルバムの先行視聴会がウルトラ・ヴァイヴによる新レコード店「ULTRA SHIBUYA」で開催される。詳細は記事の最後にあるので、こちらもチェックしていただきたい。

──今作は当初アメリカでレコーディングする予定だったのが、COVID-19の感染拡大による影響でロケーションがウスターシャーに変更されたと聞きました。前作『エヴリ・カントリーズ・サン』ではメンバー間でMP3を交換しながら曲のアイデアを練り上げていったと聞きましたが、今回の曲作りは具体的にどのようなかたちで作業は進められたのでしょうか？　また、レコーディング地の変更によって他に当初のアイデアや計画の変更や中止を余儀なくされたことはありましたか？ そうなんだよ。最初はニューヨークのアップステイトでレコーディングする予定だったんだけど、海外渡航ができなくなってしまって、国内でレコーディングしないといけなくなった。それで、ウスターシャーのVadaスタジオでレコーディングすることになったんだ。プロデュースはそのままデイブが担当してくれたけど、作業は全てzoomを通してだった。まあそれでも結果全て無事に作業を進めることができたからよかったんだけどね。予定よりも2、3ヶ月作業が遅れる羽目にもなったけど、完成してよかったよ。 ──ソングライティングのプロセスに関してはどうですか？　コロナの影響はありましたか？ いや、そこまで影響はなかった。僕たちは普段から個々で曲を書いているから、プロセスは同じだったんだ。バリーがベルリンにいたから、彼がグラスゴーにスムーズには帰ってこれなくて、それでちょっと手こずったりはしたけどね。最終的には帰ってこれた。まあ障害はいくつか出てきたけど、全てどうにかなったから大きな影響はなかったと思う。 ──コロナがなかったから、アルバムの出来は違っていたと思いますか？ 正直、コロナがあったことで、作品はベターになったと思う。何より集中が出来たし、時間も出来たから色々な作業が出来た。あと、コロナのせいで何もすることがない、何も出来ないという人たちも多かったと思うけど、僕たちの場合、アルバム制作というプロジェクトがあった。その作業が出来ること、何か取り組むべきプロジェクトがあるということに感謝を感じて作業することができたのも良かったと思うね。 ──前作では、その前のアルバム『レイヴ・テープス』がシンセを作曲段階や演奏に大きく取り入れたこともあって、“よりギターを重視したラウドなサウンド”が求められたと話されていました。対して、今回のレコーディングで重視したこと、新たな試みはどんなことでしたか？ 意識していたのは、できるだけ良いサウンドを作ることだけ。ギター重視にするというよりは、電子音と楽器音のバランスがとれたサウンドにしたかったから、シンセとギターのバランスを取るという意味で前回よりもギターが増えたんだよ。そのバランスが今回でのレコードでは一番重要だったと思う。

──そのバランスは始めから定めていたゴールだったのですか？ いや、作業していくうちにそうなったんだ。作業を始めた時、ゴールは全く定まっていなかったからね。自然にバランスが重視されるサウンドになっていったんだ。 ──今回試した新たな試みは何かありましたか？ 色々あるよ。でもその中でも難しかったのは“Ceiling Granny”。あの曲はめちゃくちゃ早かったから、作っていくうちにどんどんスピードが上がっていって、自分たちが演奏できくなるまでスピードアップしたんだ（笑）。 ──今作では前作に引き続きデイヴ・フリッドマンがプロデューサーに起用されています。フリッドマンとは旧知の間柄ですが、今回の制作に際してはどんな話し合いが持たれましたか？　バンドとフリッドマンとの間で共有していたプランやアイデア、また前作からの変化や違いという部分で意識されてたことはなんしょう？ デイヴは、今回のレコードをこれまでのどのレコードとも違う作品にするために、僕たちに曲ごとに違うこと、新しいことに挑戦させたんだ。さっき話した“Ceiling Granny”のスピードも、その試みの中の一つ。挑戦したことの中には、成功したものもあれば、失敗したものもある。それを採用するしないにかかわらず、とりあえず他の曲ではやっていないことを各曲で挑戦してみたんだよ。 ──今作にはアッティカ・ロスやコリン・ステットソンをゲストに迎えています。彼らは映画音楽を数多く手がけてきた作家として知られています。モグワイもこの10年、同じく数々の映画音楽を手がけてこられましたが、そうした映画音楽の作家として二人の活動や作品をチェックしたり、また刺激やインスピレーションを受けたりしてきた部分もありますか？ そうだね。モグワイも映画音楽を手がけてきたから、映画音楽にもっと興味を持つようになったし、学ぶ姿勢が強くなっていった。その過程で、彼らはもともと素晴らしいミュージシャンたちだけど、彼らの音楽の素晴らしさに更に気づくようになったというのはあるかもしれない。 ──モグワイとしては、今作と前作の間にサウンドトラックを2作品、『Kin』と『ZEROZEROZERO』をリリースされています。そうした映画音楽の制作が今回のアルバムに与えた影響、フィードバックされた部分についてはいかがでしょうか？　また、今のモグワイの活動において、スタジオ・アルバムの制作と映画音楽の制作はどんな関係性にあるのか、教えていただけますか？ 影響しているとは思う。どんな作業でも、自分たちが何かを気に入れば、それを次の作品で使ったりすることはあるから。でも、サウンドドラックを作るのと自分たちの音楽を作るのとではプロセスが全く違うから、そこまで意識した影響はないかもしれない。モグワイの音楽を作る時は、もっとパーソナルだからね。それに、アルバム制作でもデイヴやエンジニアと作業したけど、テレビや映画のために音楽を作るときは、それとは比にならないくらい沢山の人たちが制作に関わるんだ。この2つの作業は、本当に異なるんだ。

──逆に何か一つでも共通するものは思いつきますか？ レコーディングを初めてしまえば、流れは似ているかなとは思う。でもインスピレーションやプロセスはやっぱり全然違うね。正直、自分たちがより楽しめるのは自分たちのレコードを作る方かな。ダメ出しをされることがないから。ジャーナリストからはされるけど（笑）。でも、映像音楽の場合は、大変なぶん達成感はかなり大きい。 ──以上の話を踏まえた上で、自分たちのアイデアやプランが思い通りにはまったと思える楽曲、あるいはあなたの個人的なベスト・ナンバーでもいいので、できれば理由も合わせて教えてもらえますか？ “Ritchie Sacramento”にはかなり満足している。実際曲として形にできるかわからなかったアイディアの数々を、ちゃんと合わせて曲にすることが出来たから。アルバムを代表する一曲として選ぶのは、“Dry Fantasy”かな。あの曲には本当に沢山の音楽的要素が含まれていて、昔のモグワイの曲とは全然違うだんだけれど、どこかこれまでのモグワイにも聴こえる。その両方を含んだサウンドを達成できたのが“Dry Fantasy”だと思う。昔のサウンドと今のサウンドを組み合わせてバランスをとるのが難しいわけではないかもしれない。でも長い時間をかけて曲を作っている中で自然にそれが起こると、すごく達成感を感じるんだ。リスナーには新しいサウンドも提供したいし、これまでのモグワイサウンドを聴きたいという期待にも答えたい。その両方が出来る曲が出来上がるのは嬉しいことだね。

──どのようなサウンドがバンドを特徴づける定番の“モグワイ・サウンド”だと思いますか？ なんだろうな。僕たちが頻繁に使うサウンドがそのサウンドになるとすれば、ドローン・サウンドはその一つ。あと、何か特定の音というよりは、エモーショナルになるという部分はモグワイのサウンドの特徴の一つだと思う。 ──「As the Love Continues」というタイトルはどうやってつけたのか、込められた意味と合わせて教えてください。 ドラマーのマーティンの娘が言った言葉なんだ。まだ5歳で、彼女が何を言おうとしてたのかはわからないんだけどね（笑）。本人自身もわかってなかったかも（笑）。でもメンバー全員がそれを気に入って、レコードのタイトルにすることにしたんだ。 ──このタイトルとアルバムの内容、もしくはサウンドに繋がりは？ あまりないと思う。このアルバムは暖かい雰囲気を持ったレコードだと思うから、そことは繋がっているかもな。でもアルバムにはダークな面もあるから、やっぱり違うかも（笑）。 ──今作はスタジオ・アルバムとしては10作目になります。いわば節目を飾る作品と言えるわけですが、その辺りの感慨がありましたら教えてください。 そうだね。やはりスペシャルに感じる。バンドを結成して25周年の記念アルバムでもあるから、それも合わさって特に意義深く感じるよ。10作目になっても、自分たちが納得のいく“グッド・サウンド”を作るのは未だに難しいものだね。音楽の可能性は無限。だから、これからも挑戦したい新しいことが、間違いなくまだまだ沢山でてくるはず。自分自身でもそれが何かはわからないけど。 ──COVID-19以降の音楽活動については、どんな考えや展望をお持ちですか？　特にライヴやツアーが行えないことは、ビジネス面においてもそうですが、クリエイティヴの部分においても大きな影響をもたらすことが想像できます。その辺りの率直な思いを教えていただきたいです。 今はライブ・フィルムを完成させようとしているところ。あとは、ドキュメンタリーも製作中。それ以外は、とにかくワクチンが普及してライブができるようになることを祈るのみ。それがやはり、僕たちが一番楽しみにしていることだからね。自分たちのクリエイティヴィティにコロナが影響しているとはあまり思わないんだ。逆に、よりクリエイティヴになる機会を与えられているような気がする。だって、音楽を作る以外他に何もすることがないからさ（笑）。今のこの状況が、バンドの状態を左右しているとはあまり感じていないね。

MOGWAI 1995年にグラスゴーで結成されたロック・バンド。現在のメンバーはStuart Braithwaite（G／Vo）、Barry Burns（G／Piano／Syn／Vo）、Dominic Aitchison（Bass）、Martin Bulloch（Dr）の4人。1997年にデビュー・アルバム『Mogwai Young Team』をリリースし、続く1999年のセカンド・アルバム『Come On Die Young』はUKトップ30ヒットを記録した。2011年の7枚目のアルバム『Hardcore Will Never Die, But You Will』より、バンドはグラスゴーをベースとする自身のインディペンデント・レーベル、Rock Action Recordsより自らのアルバムもリリース。2014年の8枚目のアルバム『Rave Tapes』はUKチャートの10位/スコットランド・チャートの2位を記録。2017年の9枚目のアルバム『Every Country's Sun』はUKチャートの6位／スコットランド・チャートの2位を記録した。 Twitter｜Instagram