2021年にNFTに参入して以来、国内外のNFTランキング上位にランキングするほか、これまでに300点以上のNFTが完売するなど、この分野で目覚ましい活躍を見せているカズシ氏だが、元々はグラフィックデザイナー／コラージュアーティストとして活動。これまでにアドビ主催の国内外のコンテストにて多数の賞を受賞するなど、数々の実績をあげている。

以前から自分の仕事の宣伝も兼ねてコラージュアートのポートフォリオをオンラインで公開していたというカズシ氏は、NFTの存在を知り、自身のコラージュアート自体にも価値が出ることを前向きに捉え、世界最大級のNFTプラットフォーム「OpenSea」でMint（ミント）し、NFT化したという。クリエイターがNFTで自分の作品を販売するメリットについてカズシ氏は、こう語る。

「フィジカルのアート作品を商品として販売する場合は、そもそも作品のクオリティやそれを作るための技術自体の高さが求められます。またその条件をクリアして、販売するにしても、作品を販売してくれる業界の方と繋がったり、販売を委託できるイベントやギャラリーを探したりと、新規参入の敷居が高い。でも、NFTアートの場合はNFTプラットフォームに自分の作品を出品さえすれば販売できます。この点を考えるとNFTアートには、これからアートを販売したい人にとって、これまでの実績を問わず、誰でもどこからでも参入しやすいというメリットがあるといえます」

とはいえ、NFTアートの販売はフィジカルのアートのように誰かが販売してくれるわけではない。そのため、カズシ氏はフィジカル以上に自分で情報発信していく姿勢が求められるという。

「NFTアートは、SNSが得意なクリエイターの作品が売れる傾向にあり、購入してもらうためにはSNSを活用しながら自分のファンコミュニティを作っていく必要があります。僕の場合は、NFTアートを始めた当初からSNSのコミュニティに積極的に参加して、そこで情報収集したり、交流しながら自分のファンコミュニティを広げていきました」

現在、自分のNFTアートの購入者との交流を目的としたコミュニティを運営しているカズシ氏だが、そこでの交流は、従来のフィジカルのアートシーンには見られないユニークなものになっている。

例えば、NFTアートの購入者にカズシ氏のNFTアートを印刷して販売する許可を与えたり、またカズシ氏のNFTを購入した方がそのNFTにアレンジを加え、自身の作品にしたものをカズシ氏の個展に出展できるようにするといった取り組みも行っている。さらに購入者と一緒にNFTアートの企画を考えることもあるというが、最近では新たにファンコミュニティとの交流の一環として、これまでのNFT購入者にカズシ氏による5,000点の本格的なジェネラティブアート作品のホワイトリストを獲得できる権利を特典として付与するといった試みも実践している。

このような取り組みは、カズシ氏が自分のNFTアートを購入してもらうには、交流を通じてファンコミュニティに購入するメリットを示すことが重要だと考えているからだ。カズシ氏によると、そのような姿勢が今後の自身の活動へのさらなる支援に繋がっていくという。またこういったファンコミュニティとの交流は、フィジカルのアート作品よりもNFTアートの方が適しているとカズシ氏は考えている。

「NFTアートはDiscordなどのオンラインコミュニティを通じて盛り上がることが多く、離れたところに住んでいるメンバー同士でも気軽にオンラインで交流できるというメリットがあります。物理的な距離に縛られることなく、好きなクリエイターとの交流を通じて、支援できるところにもNFTアートの魅力があります」

しかし、NFTアートに対しては、クリエイターからの否定的な意見もある。NFTアートを純粋なアートコレクションのためでなく、投機目的で購入する者も一定数いるからだ。そのようなNFTアートのある種のマネーゲーム性は、これまでにもNFTアートの課題として議論されてきたが、カズシ氏自身はそのことについては、柔軟に捉えている。

「投機目的のみでNFTアートを購入する人だらけになってしまうのは確かに問題です。ただ、投機目的でNFTアートを購入する人の中にも、コレクションとしてどうしても手に入れたいという純粋な動機で購入するという人は実は多い。僕個人としては、その場その場でNFTアートを購入する目的が違ってもいいと思っています」

そういった課題はあるものの、NFTアートには、アートシーン全体の拡大に貢献している面もあるとカズシ氏。

「去年まではNFTに参入するアーティストの数自体が少なかったこともあって、これまでの実績よりも、NFTアートそのものに対する期待が評価され、その結果購入に繋がるケースがよく見られました。そういった動きがあったことで、これまでアート市場に参入する機会が与えられなかったクリエイターたちにも活躍の場が広がり、結果的にNFTアートはアートシーン全体の拡大に貢献することになったと考えています」

またカズシ氏は、NFTにはアーティストに限らず、社会全体にポジティブな影響を及ぼす力があると語る。その理由は、障がいを持つ方々とコラボレーションしたNFTアートコレクション『Kawaii Girl Collage Eureka』を通じて、これまであったアートの障壁が取り払われたと感じたからだ。

「自分とのコラボを通じて、障がいを持つ方のアート作品を販売できる環境を作れたこともNFTだからこそ実現できたことだと思っています。また最近では地方創生とNFTをリンクさせる取り組みも見られるようになりましたが、NFTは使う人の工夫次第でリアルの世界にもポジティブな影響を与えることができると考えています」

カズシ氏は、自身のNFTアートを制作する上で「実績のあるコラージュアートでNFTアートを作ること」と「NFTはオンラインを通じて世界中で取引されるからこそ、自分のルーツである日本文化を感じる要素を取り入れること」を強く意識しているという。特に日本文化を感じる要素は、カズシ氏のNFTアートのウリになっており、そこが世界中にいるNFTコレクターをそそるポイントになっている。こういった他にはないオリジナリティを打ち出していくことが、世界を相手に販売できるNFTアートで成功を収める秘訣のようだ。

カズシ氏の作風であるコラージュアートは、アドビのグラフィックデザインソフト「Adobe Illustrator」と画像編集ソフト「Adobe Photoshop」を駆使して制作されているが、アドビが運営する、世界最大級のクリエイターのSNS「Behance」もカズシ氏の活動を支える上で欠かせない。

Behanceは、世界中のクリエイターが自身の作品を公開しているSNSで、クリエイターはそこで公開されている作品から刺激を受けたり、ヒントを得たりするだけでなく、自分の作品を公開して評価やコメントをもらうことも可能だ。

カズシ氏は、クリエイターに特化したSNSであるBehanceを利用するメリットについて、他のSNSよりもクリエイターが発見されやすく、そこでの発信を通じて、クリエイターを探しているクライアントと直接つながることができる点を挙げる。

またBehanceには、NFTアートのポートフォリオを公開する機能も実装されているが、この機能についてカズシ氏は「Behanceで公開しているNFTアートは、外部のNFTマーケットプレイスとも連動しているので、そこで興味を持ってもらえれば、NFTアートの販売にも繋がりやすい」とNFTクリエイター視点で利用するメリットを語る。

アドビの吉原氏によるとこの機能は、コロナ禍で経済的な打撃を受けたフリーランスのクリエイターの経済的自立を支援していくことを目的に実装されたというが、Behanceには他にもクリエイター支援を目的にしたさまざまな機能が存在する。そのひとつが、Behanceに属するクリエイターを対象にサブスクリプション機能を導入したことだ。それによりクリエイターは自分のフォロワーから直接サブスク費用を受け取ることができるようになった。

さらに、デジタルアート作品が容易に盗用され、作品の真正性について社会問題になっている状況を受け、アドビはデジタル作品にクリエイターが自ら編集内容や権利関係の情報などを埋め込むことができるクレデンシャル機能を昨年Adobe Photoshopにベータ版として実装した。

この機能では、アーティスト名やデジタルコンテンツの制作来歴、データの編集内容を明示することができるため、NFTクリエイターは自分が作ったNFTアートが本物であることを証明可能になる。また購入希望者も、NFTマーケットプレイスで販売されるNFTアートの真贋の判定がしやすくなるなど、カズシ氏のようなNFTクリエイターにとっては、購入者との信頼関係を築く上で大いに役立つ機能になっている。

このようなクリエイター支援ツールもNFTアートの発展においては大きな役割を果たすようになるなか、カズシ氏は今後これまでよりも規模が大きいNFTアートのプロジェクトに自分発信で取り組みたいと語る。また、自身のNFTアートを通じて、これまで以上にクリエイター支援にも取り組んでいく構えだ。

「現在は、たくさんのクリエイターがNFTアートに取り組んでいます。しかし、その中にはSNSでの発信が得意ではなく、上手く自分の作品を広げることができないなど、伸び悩んでいる人もいます。今後は、『Kawaii Girl Collage Eureka』のようなコラボプロジェクトを通じて、そういった人の支援にも取り組んでいくつもりです」

さらに現在のNFTアートシーンについては、盛り上がりを見せてはいるものの、まだ参入しているのは一部のクリエイターに限られていると実感することもあるという。そのことを踏まえてカズシ氏は「今後はこのムーブメントがより広がりを見せ、長くクリエイターが活動していける業界になることに期待しています」と締めくくってくれた。NFTアートを通じて、より多くのクリエイターが持続可能な活動を行えるようになることに期待したい。

夏の海というのは とても独特なものだなと思っています。 照りつける太陽は じんわりと僕らを汗ばませたかと思えば、 海から上がった人たちの水気を吸い取りもします。 海沿いを流れる風は 心地よく僕らの間を通りすぎたかと思えば、 ジメジメと湿気を伴って僕らにまとわりついてきたりもします。 そういう”相反するものごと”が、 夏の海を情緒的に際立たせている思っています。 奈衣瑠さんにはMizu no katachiというMVに 出演してもらったことがあります。 鎌倉の海の周辺でフィルムの連続写真を撮影し、 パラパラ漫画のような技法でその写真を映像にしたMVです。 その撮影では、 真っ直ぐとした表情を見せたかと思えば、 しなやかでのびのびとした動きを見せてくれました。 さらっとした心地よい性格の裏には みずみずしい感覚がありました。 現場にいた皆がある種の夏の海的な思い出を その撮影に持っているかと思います。 ちなみに、 僕自身の相反することもついでに考えてみると “顔の割に大酒飲み”とか、 “優しい口調で頑固”とかであるようで、 奈衣瑠さんのそれには到底及ばないものであったということを 筆が進むにつれて鮮明に自覚するのでした。

江戸時代後期、浮世絵師たちは鳥瞰図と呼ばれる図法を用い、空からの視点で江戸の名所を描いた。そのことをヒントにしながら、東京湾の海底に広がる世界を描写したのが大石啓明+ ながしまみのりの『sealed aspect』だ。デジタルアートを専門とする大石啓明は、鳥瞰図をヒントとした理由をこのように話す。 In the late Edo period, Ukiyo-e (Japanese woodblock print) artists used the bird’s-eye-view drawing technique to depict well-known places in Edo from an aerial perspective. Using this as a hint, “sealed aspect” by OISHI Hiroaki and NAGASHIMA Minori envisions a world that unfolds across the seabed of Tokyo Bay. Mr. OISHI, who specializes in digital art, spoke of the reasons for being inspired by the bird’s-eye-view technique. 「航空機やカメラがなかった時代、上空から見た視点は想像上の世界だったわけですよね。見えないものを描こうと思うと現代でも想像力が必要で、そこは変わらないと思うんですよ。東京国際クルーズターミナルにやってくる船も進んでいるうちは海面しか見えないわけで、その下にどんな世界が広がっているのか船の上からは分からない。海の下をクルーズするような作品を作ることができないかなというのが発想の原点ですね」（大石） “In an era when airplanes and cameras didn’t exist, the perspective drawn from the air was an imagined world. Even today, drawing something that you can’t see requires imaginative skills and I think that remains unchanged. The ships that arrive at Tokyo International Cruise Terminal can only see the surface of the sea as they sail and from that perspective are unaware of what kind of world stretches out below. The idea originated when I wondered if I could create artwork that emulates underwater cruising.” (OISHI)

作品の出発点となったのは、国土地理院と日本海洋データセンターが公開している海底地形のデジタルデータだ。CG制作ソフトウェアであるHoudiniを使って標高（水深）データの読み込みと地形データの生成を行い、コンポジットにはAdobe After Effectsを使用。カメラのアングルは相模湾から相模トラフ、さらには伊豆・小笠原海溝へと突き進み、やがて東京近海を見渡す鳥の視点へと移動していく。 The starting point for the art piece was the digital data of submarine topography made public by the Geospatial Information Authority of Japan and Japan Oceanographic Data Center. The computer graphics software Houdini was used to read the elevation (water depth) data and generate topographic data, and Adobe After Effects was used for compositing. The camera angle pushes forward from Sagami Bay to the Sagami Trough and on to the Izu-Ogasawara Trench, then finally switches to a bird’s-eye view overlooking the waters near Tokyo. 「まず東京湾って思ったより浅いんだなと思いました。確か最大水深が70mとかなり浅いんですよ。ただ、相模トラフをつたって伊豆・小笠原海溝を進んでいくと、水深9500mの深海が広がっている。富士山のおよそ2.6倍の深さがあるわけで、思ったよりも広大な空間が海底に広がっているんだなと驚かされました」（大石） “First of all, I realized Tokyo Bay is shallower than I’d thought. I believe it’s 70 meters at its deepest, so it’s pretty shallow. But, as you follow along the Sagami Trough and move to the Izu-Ogasawara Trench, the deep sea broadens out at a depth of 9,500 meters. It’s about 2.6 times deeper than the height of Mt. Fuji. I was surprised that such an expansive space extends further across the seabed than I’d imagined.” (OISHI)

音楽を手がけたのは、作編曲家として舞台やファッションショー、映像作品の音楽制作に携わるほか、キーボーディストとして女王蜂やポルカドットスティングレイなどのグループにも参加するながしまみのりだ。 NAGASHIMA Minori created the music. As a composer and arranger, she has been involved in stage, fashion shows, and music for video productions, as well as having participated in groups such as QUEEN BEE and Polkadot Stingray as a keyboardist. 「最初はジェネレーティブに映像と音を作ろうと考えていたんですよ。海底のデータを数値化し、その数値をベースに音と映像が変化していくという作り方ですね。でも、今回の展示場所がクルーズターミナルの客船発着場のモニターであり、なおかつ3分という作品の長さが決まっていたので、だったら3分でしっかり起承転結があるものを作ろうと。海底×自分なりの起承転結、物語、ストーリーを考えて音楽を作りました」（ながしま） “At first, I’d thought about creating the video and music through a generative process. It’s a way of creating that expresses data on the seabed in numerical form, and the music and video change based on those numerals. However, since the exhibit site is a monitor at the Cruise Terminal passenger arrival and departure station, and the length of the piece was set at three minutes, I decided to create something that has a complete introduction, development, climax, and conclusion. I composed the music thinking of the seabed and my own ideas for the story and introduction, development, climax, and conclusion.” (NAGASHIMA) ながしまは海底の世界を再現するのではなく、そこに新たなイメージを加えることで新たな創作への可能性を切り開いた。 Rather than recreate the world at the bottom of the sea, she opened up the possibility of new creations through the addition of new images. 「今回データから映像を作ってもらっているので、下手をするとただ地形を表現した記録映像になりかねないなと思っていたんですよ。音楽と映像のアート作品としてデータを消化するなかで、自分たちの主観や海に対するイメージを入れていってもいいんじゃないかなと考えるようになりました」（ながしま） “Mr. OISHI made the video based on data, so I was afraid that if I didn’t do a good job the artwork would be nothing more than a video recording conveying topography. While digesting the data as a piece of art combining music and video, I started to think that it would be good to include our own subjectivity and images of the sea.” (NAGASHIMA) 太鼓やバチの音を加工して使用するなど、音楽には日本的なニュアンスがさりげなく散りばめられている。また、カメラの視点が探索する海底の世界には、身体的なイメージも重ね合わされている。ミクロとマクロのイメージが東京湾という舞台で交差し、新たなるイメージが生み出されていく。 Japanese nuances are occasionally scattered in the music, including the processed sounds of drums and drumsticks. In addition, the undersea world explored from the camera’s perspective is overlaid with physical images. Micro and macro images intersect on the stage that is Tokyo Bay to produce new images.

大石とながしまは『sealed aspect』というこの作品を通して、100年後の世界に生きる人々にどんなことを伝えたいのだろうか。 What do Mr. OISHI and Ms. NAGASHIMA want to communicate to people living in this world a hundred years from now through this artwork, “sealed aspect”? 「海底の世界だって不変なものではなくて、常に流動しているんですよね。100年後ではわかりづらいかもしれないけれど、1万年後、1億年後ではこの作品のなかの海底とはだいぶ変わっていると思うんですよ。そういう比較の面白さもあるかもしれないですね」（大石） “Even the undersea world isn’t static. It’s always in flux. A hundred years from now changes may be difficult to see, but ten thousand or a hundred million years from now I think the seabed in this artwork will have changed quite a lot. Maybe there’s something interesting in that comparison.” (OISHI) 「私たちは現代のソフトウェアを使い、海底地形のデジタルデータを解釈して自分たちなりに作品を作ったわけですけど、100年後の人たちからしてみると『こんな機材使って、こんな表現しかできなかったんだ』と言われるような未来がくると思うんですよ。その意味でもこの作品は通過点のひとつだと思うし、そういう作品を作る機会が得られてよかったなと思います」（ながしま） “We used modern software to interpret digital data on submarine topography and create artwork of our own design, but I think a future is coming where in a hundred years people will say, ‘They used these tools and this is all they could express?’” In that sense, I think this artwork is a waypoint and am glad to have been given the opportunity to create such a piece.” (NAGASHIMA)

湘南エリアを代表する景勝地、江の島に残る伝説をもとに『Hope』と題した作品を作り上げたのが、「記憶の中の原風景」をテーマにデジタルアートの分野で作品を発表してきた江原彩子だ。 EHARA Saeko has created her work in the field of digital art under the theme, “the unspoiled landscape in my memory”, and for this project has produced the artwork, “Hope” based on the legend of Enoshima, a scenic spot that exemplifies the Shonan area. 湘南に伝わる伝説によれば、江の島にもほど近い鎌倉の地にはかつて五つの頭を持つ龍がいて悪行を重ねていたという。そこへ天女が舞い降り、五頭龍を諭して悪行をやめさせた。天女の天下りとともに出現した島が現在の江の島である――。江原の作品は、そうした江の島の由来に基づいている。 According to the legend passed down in Shonan, a five-headed dragon that once lived in Kamakura near Enoshima committed many wicked deeds. A heavenly maiden came down, admonished the five-headed dragon, and brought an end to the wicked acts. The island that appeared together with the heavenly maiden’s descent from above is Enoshima. The artwork by Ms. EHARA is based on this Enoshima origin story. 「地域に伝わる歴史と映像作品を組み合わせるのであれば、民話をモチーフとするのがいいんじゃないかと直感的に思ったんですね。いろいろと調べた結果、江の島の五頭竜と弁天さまの物語をテーマにしようと決めました。江の島は子供のころから足を運んでいた馴染みのある場所でもあったので」 “I intuitively felt that a motif based on folklore would be fitting for artwork combining video art and history handed down in the region. After doing some research, I decided to make the theme the story of Enoshima’s five-headed dragon and the goddess, Benzaiten. Enoshima is also a familiar place for me that I’ve visited since I was a child.” 民話や伝説とは、過去の歴史を未来に伝えるだけでなく、ときには先人たちの知恵や教訓を後世の人々に伝える役割も持つ。江原はそこにコロナ禍ならではのリアリティーを感じ取ったようだ。 Folklore and legends are not only history passed on into the future, but also sometimes play the role of communicating wisdom and lessons to later generations, and it seems the artist sensed a reality that reflects these elements and is meaningful because of the COVID-19 pandemic. 「コロナが流行り始めてから私たちは生活の中でさまざまなものを失い、新しい発見をしてきたと思うんですね。人間の力ではコントロールできない状況というのは、江の島の伝説に描かれた時代と重なる部分があるんじゃないかと。先祖が培ってきた考え方や前を向く力というのは現代にも通じるんじゃないかと思い、この作品を作りました」 “Since COVID-19 began spreading, I think we’ve lost many things in our day-to-day lives but also made new discoveries. I think the circumstances of humans being unable to have control has overlapping elements with the era depicted in the legend of Enoshima. I created the artwork thinking that ideas cultivated by our ancestors and the ability to look ahead can probably be understood even today.”

また、この作品は江島神社所蔵の縁起絵巻「江嶋縁起」がベースとなっており、作品中では絵巻に描かれた図版も登場する。 In addition, the picture scroll, “Enoshima Engi (the story of Enoshima’s origins)” at Enoshima-jinja Shrine became the basis for the artwork, and illustrations drawn on the scroll appear in the art piece. 「今回は江島神社が所蔵する『江嶋縁起』のデジタルデータを特別にお借りできたんですが、元の絵画のデータは崩さないように心がけました。本物が持っている色味を映像で忠実に伝えられたらとも考えていましたね。お借りする意義や承諾してくださった意味があると思うので、どうしたら映像で物語をきちんと伝えられるか意識していました」 “For this piece, I gained special permission to borrow the digital data of Enoshima-jinja Shrine’s “Enoshima Engi” and was careful not to alter the original illustration. I wanted to faithfully convey the colors of the actual illustrations in the video. I think borrowing it was significant and gaining consent was meaningful, so I was mindful of how I could accurately convey the story through video.” 作品は混乱に満ちた前半から「江嶋縁起」の絵巻がインサートされる中盤を経て、光に満ち溢れた後半へとドラマチックに展開していく。本作の制作環境について江原はこう解説する。 The artwork unfolds dramatically from the first half as it plunges into chaos, through the middle where “Enoshima Engi” is inserted, and then to the last half that is brimming with light Ms. EHARA explained about the production process of this artwork. 「龍が出てくる一番最初のシーンはHoudiniというソフトウエアで作っていまして、ノードというエフェクトを組み合わせてひとつのシーンを作り上げています。そこから書き出したものをAdobe After Effectsで加工し、最終的にはPremiere Proで音楽と合わせて編集しました」 “I created the very first scene where the dragon appears using Houdini software and incorporated an effect called “nodes” to produce a single scene. What I produced from that point was processed using Adobe After Effects, and at the end used Premiere Pro to add music and edit.”

音楽を手がけたのは、海外レーベルからのリリースもあるアンビエント作家、安河内秀太。水と火、光の眩いイメージが交差する映像とともに、彼の音楽が物語を盛り立てている。 YASUKOCHI Shuta created the music. He is an ambient music producer who has released music on overseas labels. His music enhances the story in combination with the video of intersecting images of water, fire, and dazzling light. 今回の展示会場となった東京国際クルーズターミナルの客船発着所という場所については、江原はどのように意識していたのだろうか？ What was Ms. EHARA’s perception of the exhibit site, which is the arrival and departure station at Tokyo International Cruise Terminal? 「知らない世界への旅立ちってすごくワクワクしますけど、不安もやっぱりありますよね。映像にしても音楽にしても感覚的に入ってくるものなので、旅立ちの前に心地良くなってもらえたらと考えていました。旅立つ人の背中を押すものになったら嬉しいですね」 “Setting off into an unknown world is very exciting, but there is also a feeling of anxiousness. Whether it is the video or music, the artwork is approached with the senses, so I hope people will be put at ease before their departure. I’ll be happy if it gives travelers some encouragement.”

「江嶋縁起」のデジタルデータをもとに作品制作を行うことができたのは、江原にとっても貴重な体験となった。デジタルアートのモチーフとして文化財を扱う意義について彼女はこう話す。 Being able to create the artwork based on the digital data of “Enoshima Engi” became a valued experience for the artist. She spoke of the significance of handling cultural property as a motif for digital art. 「今後も今回のように価値のある文化財とコラボレーションする機会があったら嬉しいですね。映像って基本的に劣化しないので、元の作品も傷つけないですし、インターネットがあるかぎり多くの方に観てもらえると思うんですね。こうやっていわれのある物語を映像作品として残すことで、ストーリーそのものを後世に伝えることにもなると思うんですよ」 “I’d be happy if in the future I could have another chance to collaborate on projects incorporating valuable cultural properties as I did in this exhibit. Fundamentally, video doesn’t deteriorate, so the original work won’t be harmed, and I think it can be viewed by many people as long as there is the internet. I think leaving behind video artwork like this of an enduring story means the story itself will be passed on to later generations.” 江の島は全国的にも知られる観光地だが、島の縁起についてはあまり知られていない。今回のような作品表現を通じ、江の島の古層に眠るものに初めて触れる方もいることだろう。 Enoshima is a nationally known tourist spot, but the island’s origins are not well known. Perhaps this artwork will introduce some people for the first time to what lies within Enoshima’s layers of history.

ファインアートやデザイン、ゲーム、映像など多方面での経験を持つディレクター／デザイナーの滝戸ドリタ。彼女が今回テーマとして掲げたのが、江戸時代から人々の胃袋を支えてきた江戸前のウナギである。『冬の虹蜺』という印象的なタイトルは江戸時代末期の浮世絵師、歌川国芳の美人画「春の虹蜺」になぞらえたもので、こちらの作品ではウナギの串を掴む女性の姿が描かれている。国芳がその作品を描いてから180年以上。江戸前のウナギを取り巻く状況は大きく変わった。2014年には国際自然保護連合（IUCN）によって東アジアに生息するニホンウナギが「絶滅する危険性が高い絶滅危惧種」に指定され、生存が危ぶまれているのだ。 TAKIDO Dorita is a director and designer with a multifaceted career that includes fine arts, design, games and video. For the theme of her artwork, she chose the Edo eel, which has been a part of Japan’s diet since the Edo period. The striking title, “The Sigh of Eels” (Japanese title: “Fuyu no Kougei” (Winter Rainbow)) is inspired by “Haru no Kougei” (Spring Rainbow) by UTAGAWA Kuniyoshi, an Ukiyo-e (Japanese woodblock print) artist from the late Edo period, who depicted a beautiful woman holding a skewered eel. Over 180 years have passed since he drew that picture and the circumstances surrounding the Edo eel have drastically changed, as its very existence is under threat. In 2014, the International Union for Conservation of Nature (IUCN) designated the Japanese eel that live in East Asia as “an endangered species at high risk of extinction.” 「そうした状況に対して向き合い、考える機会になったらと思いこの作品を作りました。調べていくなかで分かったのは、絶滅の一番の要因となっているのがウナギの乱獲ということ。そのほかにも河川の環境であるとか水質汚染の問題もありますし、シラスウナギの密猟や密売の問題もある。ただ、こうした問題は法整備をすればなんとかできるんですね。また、バイオテクノロジーを使って解決できるんじゃないかという研究者もいらっしゃって。今回の作品ではそういうところに目を向けながら、ウナギのロボットを作ってみようということになりました」 “I created this artwork hoping it would provide an opportunity for people to confront and think about this situation. As I researched the topic, I came to understand that the number one cause of extinction is the overfishing of eel. Other causes include the environment of rivers and the problem of water pollution, as well as the poaching and illicit trade of glass eels. However, these problems could be resolved with the development of legislation. There are also researchers who believe a resolution is possible through biotechnology. With these things in my mind, I decided to create a robotic eel for this artwork.”

滝戸がまず取り組んだのが、ウナギの幼生であるレプトケファルスのロボットのデザイン・設計・開発だ。 Ms. TAKIDO first tackled designing, planning, and developing a robotic leptocephalus, which is an eel’s larva. 「3Dプリンターでイチから作りました。水中ロボットは作ったことがなかったので、水圧と防水の問題を考えるのに結構な時間を使ってしまって。そのうえでどうやってヒレを動かして前に推進させるか、なかなか大変でした」 “I started from scratch using a 3D printer. I’d never made an underwater robot, so it took me a lot of time to consider the issues of water pressure and waterproofing. Plus, it was quite difficult to figure out how to move the fins to propel it forward.” 滝戸が制作したレプトケファルスのロボットのなかには、魚の識別に使われるウナギの耳石が入っている。ウナギの生態はいまだに謎が多いが、耳石はウナギの生態や繁殖状況を知るうえでも重要な存在といわれている。 Inside the robotic leptocephalus she created there are eel otoliths. Otoliths, or ‘ear stones,’ are used to identify fish. A lot is still unknown about the ecology of eels, but it is said that otoliths are important for understanding the eel ecology and reproductive state. 「耳石を調べることによって『これは乱獲されてないウナギ』『これは乱獲されたウナギ』と分かるそうなんです。バイオテクノロジーの活用として、こういう識別方法があるということを示すためにロボットにも耳石を入れました」 “Apparently, you can understand if eel has been overfished or not by looking at the otoliths. I also inserted otoliths into the robot to show that this method of identification exists as a utilization of biotechnology.”