──お二人の接点というと、2020年の＜Rainbow Disco Club＞で共演されてますね。無観客収録での開催でした。

寺田 創一（以下、寺田）　あの収録では共演者の方たちと言葉を交わすことはなくて。

Yoshinori Hayashi（以下、Hayashi）　同じ場にはいたんですが、感染対策が徹底していたので出演者は各々、出番が終わったら粛々と去るみたいな感じで帰ってました。イベント共演ではないですが、寺田さんが〈GRAVITY GRAFFITI〉からスプリットの12インチを出された次のリリースが僕だったんですよ。

寺田　そうでしたか。〈GRAVITY GRAFFITI〉はイタリアのパレルモのレーベルでしたよね

HAYASHI　そうですそうです。Discogsを見ていたら、寺田さんの次だったんだって（笑）。レーベルメイトだ、って勝手に親近感を感じてました。

──同時期にお二人ともヨーロッパツアーを回られていますよね。現地のリスナーから自分たちはどんな受け入れられ方、見られ方をしていたと思いますか？

HAYASHI　僕のデビュー作はイギリスの〈Going Good Records〉というレーベルからだったんですが、その時はレフトフィールドの再発が流行り出した時期で。そのリバイバルのなかで、欧米のリスナーは日本に対してレフトフィールドとかアンビエントな作品が掘り出される国というイメージを持っていたように思います。そういうタイミングだったので、現行のレフトフィールドを作っている日本人、という見られ方があったこともリリースにつながった一因だったんじゃないかと思っています。

当時、デビューにあたって名義をYOSHINORI HAYASHIからもっとシンプルな名前に変えようかと思っていたんですが、レーベル側からはそのままが良い、とも言われた記憶があります。今になって思い返すと、そういうことだったのかなと。

ツアーで実際に現地を回ってみると、ローカルなエリアに行けば行くほど、お客さんも共演者も僕のことをあらかじめ知ってくれていて、どんなDJをするのかな、という目線で待ってくれている感じがしましたね。

寺田　僕が覚えているのは、2015年に〈RUSH HOUR〉から『SOUNDS FROM THE FAR EAST』を出したときに、90年代の自分の写真やレーベル〈FAR EAST RECORDINGS）のリリースに関する資料を〈RUSH HOUR〉に渡したら、それらが全面的にフィーチャーされるビジュアルが上がってきたときのこと。彼らのなかで90年代の日本像が視覚的なイメージとして明確にあることが伝わってきました。現地のリスナーの方たちも、あのジャケットに使われている僕の写真を見ているので、あのままの雰囲気の僕を期待しているところが少なからずあったと思います。もちろん、ツアーを重ねるうちに、そういうイメージの世界で期待されている部分と実像の部分との乖離は少なくなっていきましたが。

──アーティストとレーベルがどんなやりとりをしているのかもう少し詳しく聞いていきたいんですが、寺田さんの今回の『ASAKUSA LIGHT』はどうやって形になっていったのですか。

寺田　〈RUSH HOUR〉からは、新曲ができたら逐一送ってほしい、と言われていたので、そういうやりとりはかれこれ5年間くらい続けていました。ツアー中はどうしても、ライブセットのなかにこんな曲を挟めたら、というモードで作曲をするのでライブを想定した曲もたくさんあったんですが、今回のアルバムにそれらはあまり選ばれていないんです。

なぜだろうという気持ちにもなるんですが、いざ36曲のなかから彼らがセレクトした11曲を並べて聴いてみると、彼らが自分に求めているイメージが明確に見えてくるというか。すごく納得できるんです。僕自身はそのイメージ像をいまだに掴みきれていないので、ライブはきっとそのイメージとズレたことをしているのかもしれないんだけど……。HAYASHIさんの作品は、曲数が多いものもありますが、レーベルとはどんな話をしているんですか？

HAYASHI　僕が1stアルバムを出したオスロ（ノルウェー）の〈SMALLTOWN SUPERSOUND〉は、基本的には放任でしたが、ひとつ注文としてあったのは尺を1時間に収めたいということでした。最初から最後まで聴いてもらうためには1時間が上限という話で。僕はDJもやっているから長尺の曲を作りがちで、なるべく丸ごと入れたいと思っちゃうんですが、そうなるとやはり曲のストックの中から、彼らにセレクトをしてもらうことになりました。面白かったのは、自分としてはカットでいいかなと思っていた曲が彼ら的には絶対入れたいという意見だったり。なんならそれが表題曲的にリリースのPRにも使われていたり（笑）。意外だなと思いつつ、他人が介在して作品を仕上げていく面白さも気付けました。

寺田　そういう意見をもらえるのって、ありがたいですよね。

HAYASHI　本当にそうですね。僕の20代は曲を作るだけで一切リリースをしていなかったので、プロの目線を入れてもらえるのはありがたかったです。

寺田　〈RUSH HOUR〉のAntalは作品に「A＆R（Artists and Repertoire）」としてクレジットされているんですよ。彼ら自身の仕事として、アーティストの楽曲を戦略的に管理することに重きを置いている。僕にとってそれは登山のガイドのような存在で。僕が遭難しないように案内してくれる重要なポジションです。

──なるほど。HAYASHIさんの場合は、作曲者としての目線とさらにDJとしての目線も自分のなかにあるわけですが、そこにプラスしてレーベルの編集が入ることになるわけですよね。

HAYASHI　僕は、作曲するときのマインドセットがDJ目線だったりリスナー目線だったり、その時々で違うんです。色々な精神状態で作られたものが混在しているので、そういう毛色がちらかっている状態を整えてくれる人がいてくれて初めて、作品としてなんとか成立すると思っていて。曲作りは好き勝手にやりつつ、どこかでちょっと待て、と言ってくれる人がいるくらいがちょうどいいんじゃないかな。

寺田　HAYASHIさんの曲は本当に作風が多彩で、四つ打ちからビートレスなものまでありますが、どんなものを作るかはその時の気分で決めているんですか？

HAYASHI　四つ打ちはスクエアなイメージの中でグリッドに沿ったものを作っている感覚なのですが、そればかりやっていると疲れてくるんですよ。そういう時にジャングルとかブレイクビーツ的なもの、またはビートのないものを作っているんだと思います。ジャングルとかのビートって喋り言葉に近くて、そういう有機的な抑揚のなかで作ったり、または全くビートがない世界で作ると、頭が柔らかくなって良いんです。

寺田さんの曲作りについて僕がお聞きしたかったのは、今回の『ASAKUSA LIGHT』は、繰り返し聞けるループをちゃんと長く聞かせて、短く聞かせるループは早めに切り上げる、というフレーズの選択がすごく卓越している印象で。やはりストックしてあるフレーズはかなりたくさんあるんでしょうか？

寺田　そうですね。曲の断片をストックしては寝かせて、どこかのタイミングで引っ張り出してきて、という作り方がいつからか定着しましたね。昔は一曲を一晩で最後まで仕上げる、みたいなことができたんですが最近は集中力が続かなくて……（笑）。出来上がるものも、当時はやりたいことを全部乗せた、てんこもり状態という感じだったのですが、今は最低限の素材で構築していっているかもしれません。

HAYASHI　引き算がすごくされている印象でした。繰り返し聴きたくなるタイム感がある音楽って、ライブアクトのアーティストには多いんですが、クラブミュージックはどうしても断続的になりがちになる。一喜一憂する先のマッサージ感だったりというか「もう一回聴きたい」というスパイラルが寺田さんの音楽にはあると思ったんですよね。すごく計算されているなと。

寺田　自分としてはそれが達成できているとは思えないんです（笑） でも、作ってから歳月が経っているフレーズに対しては「これはこうしたら？」って自分に言えるところはあるかな。そんなにてんこもりにしても絶対食べられないでしょ？って（笑）。今回もそういう選り分けの工程はありました

──1曲を仕上げる落とし所として、クラブミュージックとしてなのか、リスニングミュージックなのかという方向性の棲み分けは意識されるんですか？

寺田　自分の中ではその境界線は無いような気がしているんですよ。作る上でそれらを分けて考えてこなかったんです。

HAYASHI　ライブアクトの方は自分の内的なものを表現しているので、それだけでフロアに対して必要なものは自然なかたちで還元されているように思うんですよね。ステージで演奏している人のキャラクターがフロアに浸透している状態では、自己表現とフロアが滞りなく繋がる。DJはそこが難しいところで、フロアのために身を切るトラックをプレイする必要がありますね。

寺田　身を切るトラック、ですか？

HAYASHI　DJプレイでは、自分が100%好きな曲をかけるために少しずつアクセルを踏んで行かなくてはいけない。でもそれは打算じゃなくて、濃い味のあとに薄味が感じられないのと同じで、生理的なものだと思うんです。強いインパクトのトラックのあとに繊細な曲をかけても伝わりにくいわけで。そういうなかで、自分が取り組みたいプレイに対して、自分を着替えることなく手持ちのカードのなかでフロアの空気と合わせた流れが作れるか、というせめぎ合いをDJ中の自分は抱えていると思うんです。

寺田　その葛藤は意外とライブでもあって。作った曲がライブだといまいち機能しなかったりして、ミックスバランスを変えたりキックの音色を変えたりすることがあります。

HAYASHI　コーディネートみたいな感覚ですよね。

寺田　そうですね。作品用にレコーディングしたトラックそのままだと、プレイのピークに持っていけないことがあるから、あしらいを調節する。それは楽しい作業なんですけどね。

HAYASHI　そういう葛藤はずっとありますね。僕は90年代の音が好きだから、リズムマシンの音もピュアなものが好きなんですが、そればっかりだと聴感的にはバチバチしすぎてしまうところがある。音楽的なフレーズじゃなく、単なる盛り上げのためのツールみたいになっていないか、とか。自分の好きなものに嘘をつかずにどうやって拡張していくか、伝わるものにしようかということを考えてます。そこでスタイルを着替えてしまったら僕じゃなくていいものになってしまうと思うので。

HAYASHI　寺田さんはハードウェアの機材を多く使用しているイメージがあるんですが、やはりそうなんですか？

寺田　音源としてハードウェアのものを使っていることは多いですね。ドラムマシン本体を鳴らしているわけではないです。90年代当時に作った、マシンの音のサンプルをいれたライブラリーデータがあるのでそれを使っています。またはハードウェアの音で作られたオーディオファイルをDAW上のアレンジウインドウに貼ったり。

HAYASHI　てっきり、アナログのドラムマシンとシーケンサーだけで組み立てているのかと思っていました（笑）。

寺田　アルバムの売り文句に『当時のシンセとドラムサウンドを……』とか書いてありますもんね（笑）。確かにシンセサイザーは当時から変わらないハードウェアのものを使っているんですが、ドラムはサンプラーにいれているし、全体の制作はlogic（DAWソフト）上でしています。ハードウェアサンプラーのデータとしては当時のMOディスクに入っていた音源を使っているので、あの時代のサウンドを再現しているというのは本当です。

HAYASHI　僕も同じく、素材は全部サンプラーに入れて作っていくやりかたです。昔はお金を貯めてハードウェアを買い揃えたりしていたこともあったんですが、全部辞めちゃいました。今はラップトップ一台で完結させています。

──いちリスナーの立場からすると、ハードウェアで作られたものにロマンを抱きがちだったりするのですが、作り手であるお二人はどうなんでしょう。

HAYASHI　ハードウェアでしか出せない音はあると思います。そしてそれが作曲のインスピレーションになる人もいると思います。僕の場合は機材を起点にして曲を作ることがないので。自分はいいかな、って思ってます。思いついた音をすぐにかたちにできる環境のほうを優先的に考えるので。

寺田　僕の場合は、自分の一番好きな音を最短で手軽に出せるのが昔から使っているシンセサイザーだというだけで、ハードウェアであることにこだわっているわけではないですね。当時買い揃えたシンセサイザーも、目当てのものが売っていなかったから代わりに手に取ったものをいまだに使い続けているという感じで、こだわり抜いて選んだわけじゃないんです。

制作環境では昔のDigidesignのインターフェースを使っているので、ソフトウェアもDigidesignと互換性のある最後のバージョンであるlogic 9をいまだに使っていたりと時代遅れなんですが、それも単にラップトップで完結する環境に移行できていないだけなんです。だいたい12年周期くらいで制作環境を新しくするんですが、そろそろ次はラップトップ一台に収めるのもアリかなと思っているところです。最近は、ハウスセットのライブ用の編集作業はAbleton Liveで作っていますね。

──林さんは2022年はいくつかリリースが控えているとか。

HAYASHI　コロナの影響だったり、プレス工場が混んでいたりでいろいろとディレイしているんですが、〈SMALLTOWN〉には曲をたくさん送っていて、予定では4枚リリースがあります。90年代のテクノとかブリープをイメージして作ったものが多いです。あとは地元の友達たちと作ったトリップホップ寄りの作品も控えています。小さいレーベルからのリリースだと、レコードのプレスにすごく時間がかかるので、忘れた頃にリリースされるみたいな時間感覚ですね。

寺田　『ASAKUSA LIGHT』もレコード盤のプレスの遅れに合わせてデジタル配信も延期になったんですよ。デジタルだけ先行させる方法もできたと思うんですが、〈RUSH HOUR〉としてはデジタルとレコードは同時に出したいという意向だったみたいです。

──HAYASHIさんはその時々でご自身の興味関心が向いているサウンドをクイックに作品にしていくスタイルですが、寺田さんはコンセプチュアルなプロジェクト単位のリリースが主軸ですよね。日常で触れる音楽から触発されることはありますか？

寺田　もちろんありますよ。最近は本当にSpotifyの奴隷状態で（笑）。アプリがレコメンドしてくれる曲が本当に良くて、自分では見つけられない曲と出会えるのが良いですね。ながら聴きができなくて、ずっとイヤホンで聴き入ってます。

──お二人の2021年のベストトラックを教えてもらいたいのですが。

寺田　僕が一番繰り返し聴いたのは、Kareem Aliの“Godson of House (feat. Byron The Aquarius)”です。ブレイクの後の展開も不思議で、すごく良い。

──ニューヨーク生まれで今はアリゾナ州フェニックス拠点のアフロ・フューチャリズム系の若手ハウスプロデューサーとのことです。

HAYASHI　ファンキーな音使いだったりジャジーなコード感が寺田さんのプロダクションに近い気がします。アイデアソースになりそうなものを好んで聴いていたりするんですか？

寺田　全然そんなつもりはなくて、コード感のないハウスも好きなんですけど……。でもこれを一番聴いていたということはそういうことなのかなあ。こういう『殴られる』系の強いキックの音が今っぽいというか、最近良いなと思っていて。

──2021年の年末にWOMBで久々に寺田さんのライブを拝見して、数年前のライブセットよりも断然キックの音が強かった印象でした。箱の音が関係しているのかと思っていたのですが、キックを差し替えていたのでしょうか。

寺田　そうですね。特に昔の曲は元のトラックのままだとセットの流れ的に物足りない場合があるので、あの時はキックをハウスっぽくなくて固い『殴られる』系のものに変えていました

──なるほど。林さんのベストトラックも教えてください。

HAYASHI　僕はクラブミュージックじゃないんですけど、ハイエイタス･カイヨーテ（Hiatus Kaiyote）が去年出したアルバム『Mood Valiant』のなかに入っている“All The Words We Don't Say”。これは死ぬほど聴きましたね。

寺田　どこの国のアーティストなんですか？

HAYASHI　オーストラリアです。この曲はアルバムのなかでもちょっと異色なんですが、昔からこういうアプローチはしていて、それをさらに押し進めたかんじ。タイトな部分とそうでない部分のコントラストがすばらしいですし、歌詞の世界観に合った歌い方をしていて、本当に歌が上手い人ってこういう人だなと。

──『Mood Valiant』はボーカルのNai Palmは乳がんを克服してからの復帰作でもありました。

寺田　そうなんだ。最近はジャズやロックのレコードはあまり聴いていなかったけど、元々はチック・コリア（Chick Corea）とかのジャズプレーヤーが大好きでよく聴いていましたね。あと、レッド・ツェッペリン（Led Zeppelin）のサウンドがすごく好みで、サンプラーに通しながら友人が譲ってくれたレッド・ツェッペリンのレコードを聴いたこともありました。

──なるほど。お二人とも2022年はやはり海外を含めてツアーを回りたい、という感じでしょうか。

HAYASHI　そうですね。2022年は予定通りにいけば2か月に一作くらいのペースでリリースができるので、感染状況的に許されるのであれば海外を含めたツアーをしたいですね。DJだけじゃなくライブも増やしていきたいなと思っています。

寺田　1月に早速オーストラリアツアーがあります（オーストラリア現地での感染拡大によって予定されていた7公演中5公演が延期）。『ASAKUSA LIGHT』を出したので、今年はアルバムの曲を含めたライブセットをやっていきたいですね。作品の統一されたトーンに合わせてミックスしてある曲を、ライブでは良い意味で壊して再構築したい。そうすることで、フロアに来てくれるみなさんに楽しんでもらいたいんです

──なるほど。楽しみにしています！ありがとうございました。

トランスコスモスが掲げた新しいオフィスのコンセプトは、「Open & humanity」。リモートワーク中心の業務スタイルを進める中で課題となる、発想・アイデア、信頼関係、共同ワーク、雑談の4つに対する活用が想定されています。オンラインにはまだない臨場感や、垣根のない情報共有や情報発信をテーマにした7Fは、まだ知らないモノゴトとの出会いを促し、仕事に必要なインスピレーションを得ることができるフロアとなっています。 在宅体制にシフトしているため、受付に置いてあるのはiPad1台のみですが、そのスクリーンには「WE ARE OPEN.」の文字が。そこには、開店しているよ、という意味と、このフロアの「Open & Humanity」を体現するために、自分たちはOPEN（な姿勢）だよ、という2つの意味が込められているそう。その言葉通り、エントランスからはガラス越しにフロアの様子が一望できます。オフィスの内部には一切壁や扉がなく、天井までもスケルトンに統一された「オープン」な空間が広がります。

フロアに入って、すぐに目に飛び込んでくるのが、上品ながら遊び心のある家具の数々。「Simple & Flexibility」をテーマにしたこの家具は、椅子を除いてソファや本棚やテーブル全てを岩沢兄弟の手によってオリジナルで製作されました。弧の形で統一されたソファ、本棚、カウンター、パーティションは全て同じアーチ状のデザインとなっていて、自由自在に組み合わせ可能。シーンに合わせて使い方を変えられるようになっています。

フロアの中心には、プロジェクター3台を利用し合成させた大型サイネージを配置。専用のiPadで操作することでPCの画面やTVも流すことができるので、イベント・セミナーやチームミーティングを実施したり、スポーツ大会を流すこともできるそう。

その他にも、フロア内にはいくつか特徴的なエリアが設けられています。セミナーやチームミーティングにピッタリな、スタジアムの観覧席のような座席が設置されたスペース、眺めの良い窓際席、大型のテーブル席、本棚を向かいに設置したバーカウンターのようなスペースなど。いずれの場所もポップかつオシャレでありながら、密を避けるためのゆとりにも配慮された、快適性と機能性が両立するエリアとなっています。

今回、Qeticがトランスコスモスの新オフィス7Fに用意した仕掛けは、ART・BOOK・MUSICの3つ。仕事にインスピレーションや刺激をもたらし、モチベーションを上げてもらうべく、一目見ただけでその全体像から一気に脳に刺激が流れ込む強力なツール『ART』、書いた人の人生や先人の知恵が、読むだけで共有できる優れたツール『BOOK』、人の気持ちに寄り添い、その時の感情をプラスにもマイナスに増幅してくれる不思議なツール『MUSIC』の3点をチョイスすることに。第一線で活躍するアーティスト・クリエイターの方々とコラボレーションして、それぞれの部門で作品提供・選出にご協力をお願いしました。

オリジナルで制作された木製ブースの内側を色彩豊かに飾るのは、気鋭のイラストレーター・デザイナーによるウォールプリント。JUN OSON、GraphersRock、Utomaru、WALNUTがユニークな感性を表現してくれました。

こちらはあえてテーマを指定せず、アーティストのインスピレーションを重視したデザインをお願い。オフィスに彩りを加え、社員のクリエイティブな面を刺激するアート作品群となっています。

GraphersRock / アートディクター・グラフィックデザイナー 岩屋民穂によるデザインプロダクション。インディーズからメジャーレーベルまで様々なCDジャケット、音楽まわりのデザインを中心に、アパレル、広告等、幅広い分野にアートワークを提供。様々な企業、ブランドとのコラボレーションでプロダクトを展開し続けている。

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コメント： グラフィックという表現の根源を辿っていくと、様々な宗教画や記録画などの壁画にたどり着き、ここから私は多くのインスピレーションを得てきました。そんな壁画のマナーを抽出したグラフィックをオフィスにインストールすることで、また別の誰かのインスピーションの源になれば幸いです。

JUN OSON / イラストレーター・アーティスト 鎌倉市在住。広告やアニメを中心に装丁や挿絵、グッズデザインなどジャンルを問わず幅広く活動中。主な仕事にメトロ文化財団が制作する「東京メトロマナーポスター」、NHK Eテレ「あはれ！名作くん」キャラクターデザイン、星野源ツアーグッズデザイン、ZARAとのコラボレーションなどがある。最近では北京でも個展を行うなど、オリジナルアートワークの制作にも力を入れている。

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コメント： 二人が掴もうとしているもの、それは集中力。できる人、できない人の差は集中力のコントロールに左右されると思っています。集中するときはギュッと集中して、休むときはできる限り弛緩させる。ダラダラしてても、あまりのめり込み続けるのもよくありません。こちらがコントロールするのです。掴むのです。

Utomaru（THINKR） / イラストレーター・アートディレクター 日米のポップカルチャーの影響を色濃く受けたキャラクター造形と色彩表現が特徴の作家。CDジャケット、MV、雑誌への作品提供から、キャラクターデザイン、コスチューム原案、漫画制作、プロダクト開発など幅広く活動中。アメコミを彷彿とさせるポップなイラストレーションで、ポップカルチャーシーンで活躍するアーティストへのアートワーク提供も行なう。

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コメント： オフィスは透明な器のようなもので、その中でどんな人たちが働いているのかによって様々なカラーに変化していくものではないでしょうか。時間や場所が変わっても、いつも刺激的でありながらも心地よい、働くあなたのための空間であれば良いなと思っています。

WALNUT / イラストレーター・アーティスト 東京都在住。ノルウェー・南アフリカ・スペインなど世界各国のミュージシャンのグッズデザインを担当するほか、さまざまなファッションブランドのイベントにイラストが起用されるなどジャンルを問わず幅広く活動中。 2018年から世界中を旅しながら制作を続けている。

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コメント： アートウォールが設置されるスペースから、自分とは違った個性を持った人たちとの色々な意見の交換や交流を通してあたらしいものが生まれる、というイメージで今回このイラストを描かせていただきました。この場を通していい流れができたらいいなと思います。 中央にいる男性の洋服に、ワンポイントでトランスコスモスさんのロゴが入っているところもぜひチェックしてほしいです。

フロアのいたるところに配置したのは、様々な業種・業界で活躍する選者にセレクトをお願いした本の数々。選書してくれたのは、池澤あやか（ソフトウェアエンジニア・タレント）、市原えつこ（メディアアーティスト・妄想インベンター）、尾崎世界観（ミュージシャン・小説家）、草野絵美（アーティスト・タレント）、コムアイ（歌手・アーティスト）、佐藤健寿（フォトグラファー）、たなか（アーティスト・俳優・やきいも屋）、ヨシダナギ（フォトグラファー）の8名です。

選書にあたっては、枠外のインスピレーションとなるべく、「Creative」「Vitamin」「Social」という3つのテーマでお願いしました。各選者が影響や刺激を受けた本は、小説、エッセイ、研究書、ビジネス本、漫画、写真集などなど、多岐にわたる並びとなりました。また、それぞれの本について、どのように刺激を受けてどう感じたのか、選者本人からコメントも頂いています。

池澤あやか / ソフトウェアエンジニア・タレント 1991年7月28日 大分県に生まれ、東京都で育つ。慶應義塾大学SFC環境情報学部卒業。2006年、第6回東宝シンデレラで審査員特別賞を受賞し、芸能活動を開始。現在は、情報番組やバラエティ番組への出演やさまざまなメディア媒体への寄稿を行うほか、フリーランスのソフトウェアエンジニアとしてアプリケーションの開発に携わっている。著書に『小学生から楽しむ Rubyプログラミング』（日経BP社）、『アイデアを実現させる最高のツール　プログラミングをはじめよう』（大和書房）がある。 Twitter｜Instagram コメント： 自分の中のものづくりの新しい扉を開いてくれたと感じた書籍を中心に選書してみました。「三万円で日々暮らす家が立つ？！」「手芸に電子工作要素加えると、新しいなあ」「私が大好きなあのビール会社はこんなふうにできたんだ」等々、私自身驚きながら読み進めた本ばかりです。アイディアのイマジネーションを広げる参考にぜひ読んでみてください。

市原えつこ / メディアアーティスト・妄想インベンター Yahoo! JAPANでデザイナーとして勤務後、2016年に独立。日本的な文化・習慣・信仰を独自の観点で読み解き、テクノロジーを用いて新しい切り口を示す作品を制作する。アートの文脈を知らない人も広く楽しめる作品性と、日本文化に対する独特のデザインから、国内外から招聘され世界中の多様なメディアに取り上げられている。主な作品に、家庭用ロボットに死者の痕跡を宿らせ49日間共生できる「デジタルシャーマン・プロジェクト」など。第20回文化庁メディア芸術祭エンターテインメント部門優秀賞、世界的なメディアアート賞であるアルスエレクトロニカで栄誉賞など受賞多数。2025大阪・関西万博の日本館基本構想策定に有識者クリエイターとして参画。

HP｜Twitter コメント： 会社員時代、規律正しい日々や身の周りの常識に息苦しさを覚えた時には「わからなさ」「謎」「世界の不条理」に触れることで安らぎを得ていたことを思い出し、過去や未来など遠い時間軸の文化や、異国の人々の視点を追体験できそうな本を中心にセレクトしてみました。お忙しい日常からひととき抜け出し、世界を新鮮な目で見つめ直すための処方箋になれば嬉しいです。

尾崎世界観 / ミュージシャン・小説家 1984年、東京都生まれ。ロックバンド「クリープハイプ」のボーカル・ギター。2012年、アルバム『死ぬまで一生愛されてると思ってたよ』でメジャーデビュー。2014年、2018年に日本武道館公演を開催し、音楽シーンを牽引する一方、2016年には半自伝的小説「祐介」を刊行するなど、執筆活動でも注目を集める。 Twitter

草野絵美 / アーティスト・タレント 1990年、東京生まれ。慶應義塾大学環境情報学部卒業。東京藝術大学非常勤講師。歌謡エレクトロユニット《Satellite Young》を主宰。歌唱・作詞作曲・コンセプトワーク・MVディレクションを担当しており、2017年には世界最大の音楽フェス「SXSW」に出演。個人の活動としては、テクノロジーと人をテーマにメディアアート作品を手掛ける傍ら、広告代理店勤務の経歴を活かし、コンセプトプランニングやミレニアル向けコンテンツのコンサルティング、執筆、コメンテーターとしても活動。Adobe「Premier Rush CC」のWEB CMに起用されている他、BS日テレ「SENSORS」では、2018年度MCアシスタントを担当。

HP｜Twitter｜Instagram コメント： 古典のSF小説から世の中の事象をキャッチアップするための新書まで、未来を見据えて世界と向きあえる本を選ばさせていただきました。 私自身もこれらの本を通して、変化は避けられないことを胸に刻み、知的好奇心を持ち続けられるそんな大人でいれることを目指したいと思います。

コムアイ / 歌手・アーティスト 1992年生まれ、神奈川育ち。ホームパーティで音楽活動の勧誘を受け歌い始める。「水曜日のカンパネラ」のボーカルとして、国内だけでなく世界中のフェスに出演、ツアーを廻り、その土地や人々と呼応しながらライブパフォーマンスを創り上げている。好きな食べ物は南インド料理。趣味は世界各地に受け継がれる祭祀や儀礼を見学すること、唄や踊りを習うこと。音楽活動の他にも、モデルや役者、ナレーターなど、様々なジャンルで活動している。 2019年4月に屋久島からインスピレーションを汲み上げながらプロデューサーにオオルタイチを迎えて制作したEP「YAKUSHIMA TREASURE」をリリース。同名のプロジェクト「YAKUSHIMA TREASURE」のワンマンライブ映像がYouTubeにて公開中!

HP｜Twitter｜Instagram｜YouTube コメント： 自分の本棚を見返して、新しい世界を開いてくれたとおもう本を選びました。仕事の合間に少し時間があるとき、手に取りやすいのは写真や絵が多いものかなと思い多めにしています。

佐藤健寿 / フォトグラファー 世界各地の“奇妙なもの”を対象に、博物学的・美学的視点から撮影。著書は写真集『奇界遺産』、『世界不思議地図』など多数。

HP｜Instagram コメント： 選書テーマは「視点を広げる」こと。クリエイティヴに行き詰まった時に程よくアイデアを探すための単なる「便利なネタ本」ではなく、思考の射程そのものを広げる上で参考になりそうな書籍を集めました。

たなか / アーティスト・俳優・やきいも屋 98年生まれ。やきいも屋。文筆業なども行なっている。前職はぼくのりりっくのぼうよみ。

HP｜Twitter｜Instagram コメント： すこし気を抜くと、馴染みあるものだけで世界を作ってしまう。見えない壁のようなものを張り巡らせて生きてしまう、僕たちはそういう生き物だと思います。 だから、いまの自分との距離があればあるほど、触れる価値があるはず。 短編を主に、小説、漫画、短歌集、哲学書と様々なジャンルの書籍を選びました。クリエイティブの直接のきっかけにはならずとも、無数の世界がすぐそばにあることを思い出せるように。個人的には、天球儀がとても好きです。絵も物語も独特の手ざわりがある。古いのにずっと新しい。

ヨシダナギ / フォトグラファー 1986 年生まれ。独学で写真を学び、2009年より単身アフリカへ。以来アフリカをはじめとする世界中の少数民族を撮影、発表。唯一無二の色彩と直感的な生き方が評価され、2017年には日経ビジネス誌で「次代を創る100人」、雑誌PEN「Penクリエイター・アワード 2017」へ選出。講談社出版文化賞 写真賞を受賞。2025年大阪・関西万博では公式ロゴの選定委員に就任。近年は阿寒湖イコロシアター「ロストカムイ」キービジュアル撮影。山形県「ものつくり」プロモーションのムービーディレクション、タヒチ航空のプロモーションビジュアル撮影など、国内外での撮影やディレクションなどを多く手がける。

HP｜Twitter｜Instagram コメント： 『視点を変えると、世界のあり方が変わる』 そんな示唆を与えてくれる本たちをセレクトさせていただきました。 知らない間に視点が固定されてしまっていないかという 自己確認も込めつつ、皆さまにもご紹介させていただきます。

フロアに流れるBGMは、水曜日のカンパネラでメンバー兼サウンドプロデューサーとして活躍するKenmochi Hidefumiの特別書き下ろし。「気持ち良さ」「透明感」「さわやかさ」というキーワードをもとに制作された音楽は、さりげなくも瑞々しく洗練されたインストで、仕事のお供にピッタリです。

Kenmochi Hidefumi / サウンドプロデューサー・トラックメイカー・作詞家・作曲家 2000年代より『Kenmochi Hidefumi』名義でインストゥルメンタルの音楽を作り、クラブジャズ系のシーンで活動。Nujabes主催のHydeout Productionsよりアルバムをリリースした。2012年よりポップユニット＜水曜日のカンパネラ＞を始動。それまでのクールなイメージとは一線を画した路線で、作詞作曲を含めサウンドプロデュース兼メンバーとして所属。ベースミュージックを経由した中毒性の高いトラックと独創的なリリックを組み合わせ、新境地を開拓する。現在は新人アーティストxiangyuの全面プロデュースも手掛けながら、2019年5月に自身の9年ぶりのニューアルバム『沸騰 沸く ～FOOTWORK～』をリリースし勢力的に活動を再開。2020年6月26日にデジタルアルバム『たぶん沸く〜TOWN WORK〜』をリリース。

HP｜Twitter コメント： オフィスのBGMを担当させていただきました。 制作を始めるにあたり、まず最初にオフィスのイメージ資料をいただいたのですが、ノビノビとした開放感、自由な空間設計に驚きとワクワクを感じました。こんな場所でこんな音楽が流れていたら、きっと楽しく仕事や打ち合わせができるだろうなぁと想像を巡らせながら作成しました。 ゆったりとしたグルーヴとメロディでリラックスしつつ、時折出てくるちょっと荒削りで遊び心のある音で、ユニークな発想や新しいアイディアを刺激してもらえればうれしいです。

選曲してくれたのは、大比良瑞希、紗羅マリー、オカモトレイジ（OKAMOTO’S）、AAAMYYY、CHAI、chelmico、D.A.N.、Kan Sano、mabanua、tofubeats、U-zhaanの11名。同じシーンでも選曲者によって全くイメージが異なるプレイリストになったのはもちろんのこと、それぞれの選曲に込められた本人からのメッセージも掲載されています。

AAAMYYY SSW/トラックメイカー。2017年からソロとしてAAAMYYY(エイミー)名義で活動を開始。2018年6月に”Tempalay”に正式加入。国内外の様々なアーティストとのコラボレーション、木村カエラ、DAOKO等への楽曲提供、CM歌唱提供等幅広い活動で注目を集める。2017年から2018年にかけてEP3部作「WEEKEND EP」「MABOROSI WEEKEND」「ETCETRA EP」をテープ＆配信でリリース。2019年2月6日(水)に待望の1stフルアルバム「BODY」、2020年5月に配信シングル「HOME」、7月に「Leeloo」9月に「Utopia」をリリースしている。

HP｜Twitter｜Instagram コメント： オフィスでコーヒーを飲んで一息ついたり、会議室でアイデアを絞り出したり、趣味や好きなことを考えているときに閃きに導かれることがある。凝り固まった形式に囚われる前に、いったん陽気な音楽でも聞いて脳を少しリラックスさせれば、自分の中にあるアイデアたちがうずうず外に飛び出したくなるかもしれない。眉間のシワをほぐして肩の力を少し抜くための優しくて陽気な曲たちを集めました。

大比良瑞希 東京出身のシンガーソングライター。2015年、ミニアルバム「LIP NOISE」のリリースでソロ活動をスタート。2016年、1stフルアルバム「TRUE ROMANCE」をリリース。2017年「アロエの花」「Real Love」「見えない糸」 の連続配信が人気を博し数々のプレイリストに選ばれバイラルヒット。 冷静と情熱のあいだとでもいうべき、感情的でもありクールにも響く温度感のある歌声と、エレキギターを爪引きながら歌うという独自のスタイル。それが唯一無二の世界観を描き、聴くものを楽曲の中に逃避させる。 その音楽への評価は高く、「FUJI ROCK FESTIVAL」や「SUMMER SONIC」「GREENROOM FESTIVAL」などの大型フェスへの出演も多数。CMへの楽曲提供や、tofubeats、LUCKY TAPES、Gotch、STUT+ABS、Awesome City Clubなど、様々なアーティストのサポートなど多岐に渡って活躍。 2020年6月3日には待望の2ndアルバム「IN ANY WAY」をリリース。親交の深い七尾旅人とのデュエット・ソング『ムーンライト』や、客演を務めた蔦谷好位置のプロジェクト “KERENMI”の 『からまる』(テレビ東京・木25ドラ「電影少女-VIDEO GIRL MAI 2019-」主題歌)、tofubeatsプロデュースの『無重力』、さらにはフィッシュマンズの大名曲「いかれたBABY」のアダルトなムード漂うレゲエカバーなども収録されるほか、各方面でそれぞれ大活躍のバンドメンバーを率いたオリジナル楽曲に、エレキギターのリフが特徴的な一人弾き語りの曲まで、バライティ豊かなベスト盤のような仕上がり。ソウルフルかつオルタナティヴな新時代のシティ・ポップを紡ぐサブスクリプション・ストリーミング時代を体現するシンガーソングライターとして注目を集めている。 2020年10月21日には、尾崎裕哉の1stフルアルバム『Golden Hour』の中の2曲を、大比良瑞希がゲストボーカル参加も務めた。

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オカモトレイジ（OKAMOTO’S） 1991年生まれ、東京都出身。中学校の同級生で結成された4人組ロックバンドOKAMOTO'Sのドラマー。2010年CDデビュー。デビュー当時は年間平均100本を超えるライブを展開し、海外公演等も積極的に実施。幅広い音楽的素養を生かし、DJとしても活動中。 さらにファッションモデルとしての活動やMVのプロデュース、また、自身でエキシビジョンを手がけるなど、クロスジャンルな活躍で現代のカルチャーシーンを牽引。 2020年には、OKAMOTO'S初のベストアルバム「10'S BEST」をリリースし、フジテレビ“ノイタミナ”ほか各局で放送されたTVアニメ『富豪刑事 Balance:UNLIMITED』のエンディング・テーマ「Welcome My Friend」を含むEPを8月26日にリリースをし、ますます加速を続け精力的に活動している。 Twitter｜Instagram｜YouTube

Kan Sano キーボーディスト／プロデューサー。バークリー音楽大学ピアノ専攻ジャズ作曲科卒業。 リリースした4枚のソロアルバムや、メンバーとして参加している“松浦俊夫 presents HEX”は国内のみならずアジア、ヨーロッパでもリリースされ話題となり、FUJI ROCK FESTIVAL、RISING SUN ROCK FESTIVAL、朝霧JAM、Monterey Jazz Festival、フランス World Wide Festivalなど国内外の大型フェスに出演。 新世代のトラックメイカーとしてビートミュージックシーンを牽引する存在である一方、ピアノ一本での即興演奏ライブも展開。ジャズとクラシックを融合したような独自のスタイルが話題となっている。 プロデューサー、キーボーディスト、リミキサーとしてChara、UA、平井堅、絢香、m-flo、SKY-HI、七尾旅人、Uru、SING LIKE TALKING、土岐麻子、大橋トリオ、藤原さくら、RHYMESTER、KIRINJI、iri、向井太一、Mrs. GREEN APPLE、SANABAGUN、Seiho、佐藤千亜妃 (きのこ帝国)、Shing02、そしてMadlib、Eric Lau、Ruth Kolevaといった海外アーティストまで、国籍もジャンルも越えてライブやレコーディングに参加。 さらにカネボウ、TOYOTA、LION、カルピス、CASIOなどのCM音楽やLINEとのコラボ曲リリース、J-WAVEのジングルなど、様々な企業に楽曲を提供。 2020年11月、ニューアルバム『Susanna』をリリース。 “Kan Sano”の名は、様々なシーンに破竹の勢いで浸透中！

HP｜Twitter｜Instagram コメント： 生活に溶け込みやすい音楽ってありますよね。まず日本語じゃない方がいい。言葉が聴き取れない外国語の方が耳の意識を持っていかれずに仕事に集中できます。歌い方がウィスパーだと更に良いです。インストも良いのですが、今回は敢えてボーカル曲のみでまとめました。ボーカルも含めてすっと身体に入って抜けていくようなサウンドで、程良く乗れるアップテンポの曲を選びました。

紗羅マリー 1986.12.12生まれ 愛知県出身164cm。 2015年まで10年間「ViVi」専属モデルを務めて卒業。多数の雑誌やショーに出演し、同世代から絶大な人気を誇る。 現在は「InRed」「Gina」に出演中で、ハイブランドからのイベント出演オファーが絶えない。女優としてもミュージカル「RENT」（2017年）でデビューし、映画「ニワトリ☆スター」（2018年）で初出演・初ヒロインを見事に演じた。 一方、自身のアパレルブランド「irojikake」のデザイナーとして、バンド「LEARNERS」のシンガーとして、1児のママとして、多岐に渡って精力的に活動中。 Twitter｜Instagram コメント： そこが どれだけ人が居ようと 静かな自分だけの空間に 私が聴いている楽曲をプレイリストにしました。 暖かいココアを飲みながら 結露した窓を眺めて 静かに静かに仕事をする。 私の１年で一番好きな時間 一番静寂な時 集中が切れた時に聴いてみてください。 ゆったりとしたメロディーに 女性たちの揺れた生々しい声 きっと自然に整い仕事に戻れるはずです。

D.A.N. 2014年、櫻木大悟(Gt,Vo,Syn)、市川仁也(Ba)、川上輝(Dr)の3人で活動開始。2016年4月に1sアルバム『D.A.N.』をリリースしCDショップ大賞2017の入賞作品に選出。7月には2年連続でFUJI ROCK FESTIVAL’16に出演。2017年2月にJames Blakeの来日公演でO.Aとして出演。 4月にはミニアルバム『TEMPEST』をリリース。11月に初の海外公演をLONDONで行い、滞在中にはFloating Pointsのスタジオで制作活動を行う。現地のジャイルス・ピーターソンのラジオ番組〈Worldwide FM〉に出演しスタジオライブを敢行。2018年2月、UKのThe xx来日東京公演のO.Aを務める。5月にUK TOURを敢行し“THE GREAT ESCAPE’18″に出演。7月には2ndアルバム『Sonatine』をリリースしFUJI ROCK FES’18へ3度目の出演。9月からのリリースツアーは、上海、北京、深圳、成都、台北、高雄、バンコク、香港Clockenflap Fesなど出演含むASIA TOUR、日本国内9都市と全17箇所を巡り、ファイナルは初の新木場スタジオコースト公演をSOLD OUTで終える。 2020年は最新曲を、Mogwai、Airhead、食品まつりがRemixを手掛け3週連続でリリース。またユニクロやNOVAのCM楽曲や、Netflixで全世界配信された渡辺信一郎監督による「キャロル＆チューズディ」の劇中楽曲の制作、D.A.N.として、UKのElder Island、カクバリズムのVIDEOTAPEMUSICのRemixを制作するなど外部の創作活動も精力的に行う。不定期で行う自主企画〈Timeless〉ではこれまでLAからMndsgn、UKからJamie Isaac、デンマークのErika de Casierなど海外アーティストを招聘して開催している。

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chelmico RachelとMamikoからなるラップユニット。2014年に結成。 インディーズで2作を残し、2018年にワーナーミュージック・ジャパンよりメジャーデビュー。 ライブの評価も上がりワンマンツアーは軒並みSOLD OUTに。 2020年、NHKアニメ「映像研には手を出すな！」のOPテーマ「Easy Breezy」が話題となる。 全国ワンマンツアー、夏フェスが相次ぐ中止となる中、最新アルバム「maze」リリース。

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CHAI ミラクル双子のマナ・カナに、ユウキとユナの男前な最強のリズム隊で編成された4人組、『NEO - ニュー・エキサイト・オンナバンド』、それがCHAI。 2017年1stアルバム「PINK」が各チャートを席捲、音楽業界を超え様々な著名人からも絶賛を受ける。2018年には日本テレビ系「バズリズム02」の「コレはバズるぞ2018」1 位、第10回CD ショップ大賞2018 入賞など、各所より高い評価を得る。 3rd EP「わがまマニア」はApple Music/ iTunesオルタナティブランキング1位を獲得。 海外の活動も活発で、2018年2月にアメリカの人気インディーレーベルBURGER RecordsよりUSデビュー、8月にイギリスの名門インディーレーベルHeavenly RecordingsよりUKデビューを果たし、4度のアメリカツアーと、2度の全英ツアー、アメリカ、ヨーロッパ各国のフェスへの出演、中国・香港・台湾・韓国などアジアツアーも果たす。 2019年2月13日にはタイアップ曲など話題曲満載のセカンドアルバム「PUNK」をリリースし、世界の音楽ファンから最も信頼を受ける音楽サイトPitchforkで8.3の評価を得たのを筆頭に、様々な音楽サイトで軒並み高評価を獲得し、アメリカ、UK/ヨーロッパ、日本を回る初のワールドツアーを大成功に収める。 また2020年1月には世界的なスターMac DeMarcoのオーストラリアツアーのサポートアクト、1月から2月にかけては世界から絶賛されているUSインディーバンドWhitneyのサポートアクトに抜擢される。 彼女たちに触れた君の21世紀衝撃度No.1は間違いなく『NEOかわいい』バンドCHAIだよ！

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tofubeats 1990年生まれ神戸出身。中学時代から音楽活動を開始し、高校3年生の時に国内最大のテクノイベントWIREに史上最年少で出演する。 その後、「水星feat.オノマトペ大臣」がiTunes Storeシングル総合チャートで1位を獲得。 メジャーデビュー以降は、森高千里、の子（神聖かまってちゃん）、藤井隆ら人気アーティストと 数々のコラボを行い注目を集め、4枚のアルバムをリリース。 ドラマ「電影少女-VIDEO GIRL AI 2018-」や映画『寝ても覚めても』の主題歌・劇伴を担当するなど活躍の場を広げ多方面で注目されている。 2020年は3月27日にデジタルミニアルバム「TBEP」を発表し、8月にはシカゴハウスの名門レーベル〈DJ INTERNATIONAL〉のTC Crewに所属するTyree Cooperのカバー楽曲「I CAN’T DO IT ALONE」をデジタルリリース。 9月4日には「RUN REMIX (ft. KREVA & VaVa)」を含むミニアルバム「RUN REMIXES」を発表。

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mabanua 日本人ドラマー／プロデューサー／シンガー。 ブラック・ミュージックのフィルターを通しながらもジャンルに捉われないアプローチで全ての楽器を自ら演奏し、国内外のアーティストとコラボして作り上げたアルバムが世界各国で話題に。また、プロデューサーとして100曲以上の楽曲を手がけ、多数のCM楽曲や映画、ドラマ、アニメの劇伴も担当。 またToro y Moi、Chet Faker、Madlib、Thundercatなど海外アーティストとも多数共演。 さらに、Shingo Suzuki、関口シンゴとのバンド “Ovall” としても活動し、大型フェスの常連となっている。

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U-zhaan オニンド・チャタルジー、ザキール・フセインの両氏からインドの打楽器「タブラ」を師事。00年よりASA-CHANG&巡礼に加入し、『花』『影の無いヒト』など4枚のアルバムを発表。10年に同ユニットを脱退後、U-zhaan × rei harakamiとして「川越ランデヴー」「ミスターモーニングナイト」等をリリース。14年には坂本龍一、Cornelius、ハナレグミ等をゲストに迎えたソロ名義のアルバム『Tabla Rock Mountain』を発表した。17年に蓮沼執太との共作アルバム『2 Tone』をリリース。20年はインド・アーメダバードで開催されたインド音楽フェス「Saptak Annual Festival of Music」に出演した。最新リリースはBIGYUKIとの共作曲「City Creatures」。

HP｜Twitter｜Instagram コメント： 「仕事のひらめきにつながるプレイリスト」とのことなので、普段はあまり聴かないような音楽を耳にすることが発想の転換を生むのではと考え、思い切って北インド古典音楽のみのセレクトにしてみました。お役に立てたらいいのですが。しばらく流していれば、少なくとも「そうだ、今日の夕飯はカレーにしよう」というひらめきには繋がるかもしれません。

このプレイリストは、Spotify上で公開しており、リモートでもオフィスでも同じ音楽を聴いて体験を共有できるという、新しい繋がり方の提案にもなっています。

現在、急激に働き方が変わる中で、オフィスが果たす役割も自然と変わりつつあります。新たな価値・新たなサービスを生み出すために、枠外からのインスピレーションや刺激をもらえる新しいオフィスの形を――。トランスコスモスの新オフィスには、そんな想いとアイデアが詰まっていました。

2020年3月、イヤなニュースばかり続く中、清涼剤のようにドロップされたのが＜FUJI ROCK FESTIVAL’20＞の第一弾ラインナップ発表。 中でもヘッドライナーのテーム・インパラ（Tame Impara）は、世界のメジャー・フェスの大歓迎ぶりを思えばある程度想定内であったこととはいえやっぱり決まれば嬉しく、一気に気分は盛り上がる。

最新作『The Slow Rush』が早くも出た年間ベスト1・クラスの大傑作アルバムで、アーティストとして大きな前進を強烈に印象づけ、聴くたびに今も興奮に拍車をかけてくれる。カラフルでサイケデリック感たっぷりなサウンド・ディコレーションの奥から立ち上ってくるソフト・ロック、AOR、ディスコといった音が溶け合う感覚は最高だし、そんな音と身体にフジロック以上のシチュエーションはないだろう。 オーストラリア、バース出身のテーム・インパラは、現在34歳となるケヴィン・パーカー（Kevin Parker）のソロ・プロジェクトで、バンドはライブの必要に応じて招集されるが（現在は5人組編成）録音物は、基本的にケヴィン一人が創り上げていく。ネオ・サイケ・グループとして登場し、もう5年も前となる前作の『カレンツ』では洗練されたダンサブルなサウンドへと変貌を遂げて全米4位、全英3位の大ヒット（日本との人気＆評価の落差巨大！）。 どこか懐かしいエレクトロ・サウンドに、オーガニックでフレンドリーなメロディは広く愛され、＜コーチェラ・フェスティバル （Coachella Valley Music and Arts Festival）＞を始め世界各地のフェスのトリを飾る人気者となった。

また人気のラッパー、トラヴィス・スコット（Travis Scott）の『アストロワールド』では一緒に曲を書いたり、『ダム』リリース前のケンドリック・ラマー（Kendrick Lamar）とセッションしたりカニエ・ウェスト（Kanye West）といった人たちと密接にコラボも重ねれば、リアーナ（Rihanna）は『アンチ』のなかで『カレンツ』のナンバーをカバーしたりと、とにかくジャンルを超えた人々がケヴィンの才能を認め、ハイブリッドな交流を重ねてきた。

そんなすべてが盛り込まれてもいるのが『The Slow Rush』だ。今作もケヴィン一人で曲を書き、サウンドも構築されていっている。70年代前半のテイストがこぼれ出るようなダンサブルなチューンや人工的なファンク・ベース、ソフト・ロックなニュアンスを振りまくギター、そこにかぶさるセンシティブなボーカルなどに浸っていると、これはいったいいつの音なんだろうとも思い出す。 ケヴィンは、本作のテーマは「時の流れ」だと言う。実際、《Time》、《Yesterday》、《Tomorrow》、《Year》といった言葉が曲タイトルに散見するし、収められたインナースリーブの歌詞は1992年のカレンダーに書かれている（2020年と同曜日なのだ）など、自在に「時」を行き来することで新しいパワーを得ていこうとする姿勢が強烈に印象づけられるし、ダリやマルグリッドの絵画を連想させるジャケットにもそれが鮮明に表れている。

残念ながら彼らがトリを務める予定であった6月の＜ボナルー・フェスティバル（Bonnaroo Music and Arts Festival）＞は延期になってしまったが、新しいツアーは非営利環境保護団体「REVERB」に協力して環境廃棄物の減少や募金活動を積極的に働きかけていくという。 また密かに進んでいるコラボは順次、明らかになってくるだろうが、いま噂されているのはゴリラズ（Gorillaz）の新プロジェクト「Song Machine」で、いつ突然出てきても不思議じゃない。 アクティヴに多彩な活動を続け、多様な人たちと交流する姿こそ、いまの時代ならではだし、カラフルで多数のレーザーが飛び交う中で浮かび上がるポップでサイケなサウンドの魔力は、こんな時期だからこそとてつもない力を与えるはずだ。

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2019年12月21日（土）、表参道VENTの人気パーティー＜KEWL＞のアニバーサリーパーティーが開催された。 2017年のローンチ以降、Hunee、Tom Trago、Legoweltなど海外の人気DJを招聘し、そのブッキングセンスにも評価が集まる＜KEWL＞。10月にはBradley Zeroを招聘し、初のオープンエアーパーティーも成功を収めている。彼らが2周年パーティーのゲストに迎えたのは、エレクトロニック・ミュージック・シーンにおける唯一無二の奇才・Floating Pointsだ。 ▼あわせて読む 【特集】VakulaやHunee、Tom Tragoを招聘するパーティー「Kewl」をご存知だろうか？ 2015年リリースのデビューアルバム『Elaenia』によって、世界にその名を大きく轟かせたFloating Pointsは、今年〈Ninja Tune〉と契約し、4年ぶりの新作アルバム『Crush』をリリースしたばかり。日本では＜FUJI ROCK FESTIVAL＞や＜SUMMER SONIC＞での出演歴もあり、幅広いリスナーから絶大な支持を受けている。 作曲・演奏・エンジニアリング・ミキシング、そしてレーベル運営まで手がけ、マルチなスキルを遺憾無く発揮しているFloating Pointsだが、この日は約3時間のDJ Setを披露。数万枚のレコードコレクションを持つ“ディガー”としても知られている彼が繰り広げた、縦横無尽なミュージックトリップは、超満員のフロアをノンストップで盛り上げた。 熱狂と興奮に満ちた、享楽的な夜の様子をお届けしよう。

開催2週間前に前売り250枚が完売、当日券は限定数のみ販売という状況の中始まったKEWL 2nd Anniversary Party。23時の開場時点で、入り口には長蛇の列ができていた。「なんとしてもFloating Pointsの音で遊びたい！」気温10度を切る寒さにも関わらず、根気よく列に並ぶ人々の様子から、そんな気合いすら感じられた。Floating Pointsは国内の大型フェスへの出演歴もあるためか、通常のVENTの客層よりも若い層が多かったのも印象的だった。

パーティーの幕開けを飾ったのは、KEWLのレジデントDJであるFrankie $。彼が紡ぐダークで洗練されたディープハウスは、まるで深海にいるような妙な安心感を与えてくれる。緩やかなメロディとシンプルなビートは、寒さに耐えながら長時間並んできたオーディエンスの身体を暖めながら、フロアを起動させていた。

終電を過ぎた頃から入場規制がかかり、フロアに人が溢れ返る。5分踊っただけでも汗だくになってしまうほどの熱気にやられてしまい、クールダウンするためにサブフロアのROOM2へ向かうと、こちらもかなり盛り上がっていた。バーカウンターの横で仲間との会話を楽しむ人もいれば、ミニマムな空間を最大限に使って揺れる人もいる。

会話も音も楽しめる、心地良い空間を演出していたのは、SAYOだ。モデルとして第一線で活躍する彼女は、だが、その美貌を良い意味で裏切る骨太なディスコ・アフログルーヴで、オーディエンスを唸らせていた。蓄積されたスキルでROOM2のピークタイムを盛り上げたHiroshi Kinoshita、若干21歳ながら渋い選曲で大人のハートを掴んだbungoなど、耳の肥えたKEWLクルーによって厳選された東京のローカルDJが揃ったROOM2。この日、その完成度の高さを讃える声も多かった。

ROOM1に戻ると、ブースにはFrankie $からバトンを受けたKnockの姿が。KEWLオーガナイザー、レジデントである彼は、アムステルダム発のレーベル〈Sound of Vast〉の主宰でもあり、名門〈Rush Hour〉と日本の架け橋にもなっている存在だ。レーベル運営を通してフラットな視点を培い、良質な音楽を発信し続けてきた彼のセットは安定感抜群。浮遊感あるハウスやテクノを自由に行き来し、ピークタイムに向けて浮き足立つオーディエンスのテンションを巧みにコントロールしていた。

隙間がないほど人が溢れるフロアでのダンスは断念したものの、ROOM1バー前の音の鳴りも良く、思う存分音に身を預けることができた。バーの上に映し出されていたのは、＜KEWL＞のアートワークを手がけるアーティストAkari Uragamiの映像作品。まるで細胞のようにうごめく色彩は、規則正しく刻まれるビートへの集中力を高めてくれた。 ▼あわせて読む Akari Uragami インタビュー｜UKのベースミュージックからカリフォルニアへ　自分と国境の揺らぐ存在を縛る。

フロアから突如歓声が上がった。いよいよFloating Pointsがブースに登場したのだ。Knockのパスをそのまま繋ぎ、洗練された美しいディープハウスで幕を開けた約3時間に及ぶセットは、圧巻そのものだった。冒頭で述べたとおり、数万枚のレコードを保有するFloating Pointsは、世界中でディグし続けている。（ちなみに彼に「最後にレコードを買ったのはいつ？」と聞いたところ、「昨日だよ」という答えが返ってきた）テクノ、ハウス、ディスコ、ダブステップ、クラシック、サイケロックやブラジリアン・ポップまで、ジャンルにとらわれることなく、「良い音楽」を集めているのだ。その姿勢は、「ジャンルレスにセレクションされた音楽を提供する」という＜KEWL＞のテーマとリンクしている。まさに2周年を祝う場にふさわしいゲストだったと言える。

タイトなベース音が徐々に強くなり、自然とステップをとる足にも力が入る。テクノ〜バレアリック、そして気づくと流れてたのは、60年代のサイケデリック・ロック。言葉の通じない異国で感覚に従って歩いていたら、思わぬ出会いと発見があったーー彼の選曲は、そんな嬉しい偶然を誘発してくれた。 縦横無尽に音楽を放つFloating Pointsは完全にフロアをロックした。興奮と熱気が立ち込める中、The Pharaohsの“Freedom Road”が流れると、オーディエンスからは雄叫びが上がり、フロアの温度は最高潮に。否が応でもDNAが反応するアツいパーカッションのリズムに、身体の奥底から突き動かされてしまう。隙間がないほど人が溢れているのにも関わらず、開放感に満ちたフロアは、満面の笑顔で溢れ返っていた。最高……！

「もっとくれ」と言わんばかりに沸き立つオーディエンスの期待に応えるかのように、Floating Pointsが流したのはソウル・ファンクのクラシック・チューン。この日のオーディエンスは比較的若く、普段ダンスミュージックシーンで見かけないファッショニスタも多かった。故に恐らく、70年代ソウルの名曲を初めて聞いた人もいただろう。そんな彼ら／彼女らが気持ち良さそうにビート刻む姿を見て、音楽の素晴らしさを改めて感じさせられた。

ブースに立つFloating Pointsが、終始楽しそうにプレイしていたのも印象的だった。トレードマークの眼鏡を外し、全身でリズムをとりながら子どものような笑顔でVinylをターンテーブルに乗せていく。そんな彼の姿から、純粋な音楽への愛が伝わってきた。躍動感溢れる黒いグルーヴでオーディエンスを絶頂に導いた後は、ハウス、ラテン、アシッド、そして漆黒のテクノやグライムへ。＜KEWL＞を率いるEITAにバトンタッチをして、3時間に及ぶプレイを締めくくった。ジャンルの境界線をかき消した彼のセレクションは、聴き手の世界を大きく広げ、新たな気づきを与えただろう。SpotifyやYouTubeをディグるだけでは絶対に感じることのできない、圧倒的な音楽体験。長蛇の列に並んででも体感する価値は、間違いなくあった。

パーティーのクロージングを担ったEITAは、ハイエンドなパーティーからアンダーグラウンドシーンまで、様々な場所で経験を積んできたDJだ。彼もFloating Pointsと同様に、ジャンルにとらわれない選曲スタイルを貫いている。躍動感溢れるハウス・ディスコを軸に、自身でRe-EditしたというPENNYや山下達郎のヒットナンバーなども織り交ぜながら、アニバーサリーパーティーのラストにふさわしい、祝祭的なラストを飾った。

550人を超える集客となり、大成功を収めたKEWL 2nd Anniversary。もちろんこの成功は、Floating Pointsの力も大きいだろう。しかし、グローバルな視点を持ち「ジャンルレスに良い音楽を提供する」というKEWLの純粋な音楽愛が、パーティーという形で体現されていたからこその成功だと、強く思う。初めてダンスミュージックに触れた時に感じた抗えないほどの初期衝動や、クラブで聴いた曲が忘れられず、必死で音源を探した純粋な探究心を思い返させてくれるーー＜KEWL＞はそんなパーティーだ。 新年のキックオフパーティーは、1月18日（土）にVENTで開催し、ゲストにはUKハウスの草分けMr. Gが出演。3年目を迎える＜KEWL＞の更なる進化から、目が離せない。

──最初にお互いを認識し合ったのはどういうきっかけだったか教えてください。 Aru-2　GREEN ASSASSIN DOLLARになる前の名義でやっている頃からビートがカッコ良かったんで聴いてました。それをきっかけに、そこからさらにディグっていったら、GADさんがNaoto Taguchiの名義で〈OILWORKS〉からMIXCD（『SUN BEHIND THE CLOUD』2010年）を出しているのも知ったんです。 GAD　Naoto Taguchi名義の頃はビートメイカーではなく、DJでした。 Aru-2　で、俺が〈OILWORKS〉からファースト・アルバム『Aμ』（2013年）を出す頃に連絡を取り合って会ったんですよね。 GAD　いまよりもビートメイカーが少なかったから自然といろんなビートメイカーがリンクしていったんですよね。今日ビート・ライヴするmatatabiくんも昔から知ってますし、「ビートを作ってます」でなんとなくわかり合えるものがあって、みんな友達になるのが早かった。 Aru-2　そんなに会話をしなくても、その人のビートの音やグルーヴを聴いただけで相性が合うかどうかわかりますよね。

──グルーヴの話が出ましたけど、GADさんは音楽ブログ「にんじゃりGang Bang」のインタヴューで、『BEAT DIMENSIONS』（オランダのダンス・ミュージック系のレコード・ショップ／レーベル〈RUSH HOUR〉からリリースされたインスト・ヒップホップのコンピレーション。『VO.1』が2007年、『VOL.2』が2009年）のシリーズを聴いた経験も、その後、クオンタイズを外してビートを制作したりすることにつながったという主旨の話をしています。 GAD　あのコンピレーションを聴いてこんな表現とグルーヴのヒップホップもあるのかと驚きました。それまではわりとオーソドックスなヒップホップのDJをやっていたので、あのコンピに入っているようなビート・ミュージックを吸収することでDJも変化していきました。それもあって、〈OILWORKS〉からミックスも出せたんです。 Aru-2　フライング・ロータスとサムアイアムのコラボのFLYamSAM名義の曲（“Green Tea Power”／『BEAT DIMENSIONS VOL.1』収録）には食らってけっこう聴きましたね。あれは本当に良いコンピレーションだった。 ──いまフライング・ロータスの名前が出ましたが、彼の『Los Angeles』（2008年）はその後のビート・ミュージックに大きな影響を与えましたよね。ただ、『Cosmogramma』（2010年）さらに『Until The Quiet Comes』（2012年）から作風がだいぶ変わり、いまビートメイカーの人と話して話題にあがるのは、フライング・ロータスよりもディビアシーではないでしょうか。 Aru-2　いまもフライング・ロータスの新譜が出たらひと通りは聴きます。ただ、『Cosmogramma』ぐらいまではハマって聴いていましたけど、それ以降の作品を日常的に聴くことはないです。ある時期からフライング・ロータスはいろんなミュージシャンを取り入れてチームで作っていくスタイルになりましたよね。でも、ビート・メイクって基本的には孤独な作業でひとり遊びの延長みたいなんですよ。ラス・Ｇやディビアシーはそういう個人的な要素が強くてひとりで完結させている。そこにシンパシーを感じるビートメイカー達からプロップスが高いということだと思います。 ──それはとても興味深い話ですね。ちなみに、GADさんは先ほどのインタヴューでケヴ・ブラウンの話もしていました。彼の存在はやはり大きいですか？ GAD　ケヴ・ブラウンは最高です。影響を受けていると思います。90年代からずーっと活動してきていまも音をアップデートしているのが良いですね。刺激になります。 Aru-2　あいつのベースラインは誰も真似できない。彼のラップも好きですね。 GAD　ベースが歌っているよね。 ──もしケヴ・ブラウンで1枚アルバムを選ぶとしたらどれですか？ Aru-2　『Random Joints』（2012年）かな。“Henessy Joint”って曲がめっちゃ好きです。 GAD　俺も同じく。あのアルバムは完璧っすね。質感もジャケも最高です。俺は、ケヴの作品はビート主体の方が好きですけど、もちろんラップが入っている作品も好きです。でも、ちょっと話は逸れますけど、昔よりビートを聴いてくれる人が増えましたよ。

Aru-2　間違いない。ビートメイカーの人口も増えたし、ビートを聴いてくれる人も増えた。 GAD　ビートメイカーにとって状況は良くなっていると思います。 Aru-2　ただ、ビートへの理解度は高まってきてはいるけど、まだまだ足りてないとも思う。ビートメイカーだけじゃなくて、プロデューサーやDJにしても、才能がある人はもっと高い評価を得るべきだと思います。どうしてもラッパーの人たちにスポットライトが当たりがちで、もちろんヤバいラッパーの人たちはいて、そういう人たちが評価されるのは良いことだと思うけど、ビートメイカーやプロデューサーがいて音楽が成立しているわけですから。そういう部分がしっかりと評価されて、相応の報酬が支払われる世の中になってほしいと思いますね。 ──以前、Aru-2さんにインタヴューさせてもらった時（ビートは世界と出会う──BEAT MEETS WORLD x WANDERMAN POP UP in RAH YOKOHAMA REPORT）、世界各国の人に自分のビートを聴いてもらっている実感がある、とも語っていました。CDやテープの海外への発送作業も自分でやっていると。今年、アメリカのポートランドの〈Fresh Selects〉というレーベルからビート集『Ayakashi Instruments』を発表しました。〈Fresh Selects〉はヒップホップを軸にした視野の広いレーベルですよね。ロウ・リーフやノルウェー出身のシンガー／プロデューサー、シャーロット・ドス・サントスといった個性的なアーティストの作品も出しています。 Aru-2　〈Fresh Selects〉はディビアシーが『Comfort Zone』（2011年）というビートテープをリリースした頃から大好きなレーベルで、ノレッジやマインドデザイン、あと〈TDE〉（ケンドリック・ラマーらが所属するレーベル）のSiRってR&BシンガーやLAのイマン・オマーリのアルバムも出しています。ある日〈Fresh Selects〉のオーナーがやっている「Tight Songs」というラジオで、俺がbandcampに出していた『GORGEOUS』（2016年）というビートテープの収録曲をかけてくれたんです。「そこまで俺の音楽が届いてるんだ！」って知って。それで、新しいビートテープを作ってレーベルに送ったんですよ。そうしたら「じゃあ、うちで出そうよ」って連絡が来て、初めてPDFの英語の契約書にサインしたっすね。ただ、契約書を書いてからリリースまで2年くらいかかりましたけど（笑）。 GAD　かかりすぎじゃない？（笑） Aru-2　マスタリングをケリー・ヒバート（Kelly Hibbert）っていうLAのエンジニアにやってもらったんですけど、彼はマッドリブの作品も手掛けるような人気者だったから忙しくて。それでマスタリングに1年かかった上にレーベルの方でもいろいろあってさらに1年かかった感じですね。でも大好きなレーベルだったからリリースできてすごくうれしかったですね。

──GADさんは『Lost Tape』（2018年）というビート集をドイツのレーベル〈Sichtexot〉から出していますね。Spotifyでも『Lost Tape』の収録曲がGADさんの楽曲の再生回数の上位に入っています。 GAD　もともとLidlyやTajima halがそのレーベルと絡んでいたんです。それもあって、日本人ビートメイカーを集めた『Sichtexotica III by Japan Edition』（2016年）に参加して、10インチのアナログを出しました。そういう流れがあって、ソロの『Lost Tape』のリリースがあるんです。Spotifyはどの地域で自分の音楽が聴かれているかを確認できるんですけど、LAとかNYが上位で、日本はかなり下の方なんですよ。ちなみに、Wun Two（ドイツを拠点に活動するビートメイカー）もこのレーベルから出していますね。 Aru-2　Wun Twoは最高。

──そして今回、インストのビート・アルバムやビートテープではなく、それぞれラッパーとタッグを組んでの作品になります。Aru-2さんはNF Zesshoと『AKIRA』を、GADさんはrkemishiとのユニットowlsとして『Blue Dream』を発表しました。ビートを作る時、これはラッパーにラップしてもらうためのものとか分けて制作していますか？ GAD　そこまでそういうことを考えて作っていないんですけど、どこかでは意識して作り分けている気がします。 Aru-2　俺は分けてないです。作りたいままにビートを作って、それをビートテープにまとめたり、ラッパーに選んでもらったりしています。で、ラッパーがラップを録音したものに、俺がヴォーカルや鍵盤を乗せて仕上げていったりしますね。今回のアルバムでも俺が歌っている曲があります。グルーヴを乗りこなせて、しかもライヴがカッコいいラッパーとしか共作したくないんです。NF Zesshoはどちらも備わっているラッパーだと思います。あと彼はライヴ前に楽屋とかでリリックを頭に詰め込んだりする作業を一切しないんですよ。その上でライヴでリリックを飛ばさずに歌い切るんです。そこがラッパーとしてヤバいですし、ライヴの流れの作り方とかそういう“MC力”もどんどん良くなってる。二十歳ぐらいの時から友達でいっしょに曲も作ってきたので、そういう成長とか変化も感じますね。

──rkemishiのラップはまずリリックが明瞭に聴き取れて、その上でビートに言葉を捻じ込んでいくような力強いラップをします。歌っている内容もかなり大胆ですよね。実は、今年の夏にAPHRODITE GANGが地元の熊谷で主催する＜HOT TOWN HOMIE＞というパーティ前にGADさんにインタヴューさせてもらいました。その時に、舐達麻のラップの良さのひとつとしてリリックが明瞭に聴き取れる点をあげていましたね。 GAD　やっぱりそこは大切だと思います。音源でもライヴでもまずリリックが聞き取れないと、届くものも届かなくなっちゃうので。rkemishiと知り合ったのはまだここ3、4年ですけど、俺のビートに乗せてrkemishiがまずプリプロ（プリプロダクション）でラップを録音したものを2人でどんどんブラッシュアップしていく作業ができましたね。楽しかったです。

Aru-2　そういう段階まで行くと、ビートメイカーというよりはプロデューサー的な意識の方が強くなりますよね。ラッパーからラップが乗ったトラックが戻ってきたら、俺の場合は鍵盤を弾いたり、ヴォーカルを乗せたりして、全体を見ながら仕上げていきます。NF Zesshoは期待以上のクオリティで返してくれるので、俺も彼とのやりとりは楽しかったですね。 ──『AKIRA』には“No Flex（Sweet William Remix）”が収録されています。 Aru-2　今回のリミックスについてはたしか俺からの提案だったと思いますね。客演がいなかったので、俺がフックを歌ったりして作品のバランスを保っているんですけど、さらにより違うテイストが欲しかったんです。Sweet Williamくんの楽曲は完成度が高くて、素晴らしかったのでお願いしました。 ──その一方で『Blue Dream』にはBES、MEGA-G、KOJOE、Daia、peedogといったラッパーたちが参加していますね。ちょっと違う角度からの質問になるんですけど、自分のビートはダンス・ミュージックだと思いますか？
 Aru-2　ダンス・ミュージックとしてやっている感覚はあまりないです。ただ、ヒップホップのダンサーの人たちは俺らのビートを聴いてくれている事を現場で実感しますね。ダンサーは身体で感じて理解して、それを楽しんでくれていると思います。それこそ、この前、川崎のCLUB CITTAであったパーティでビート・ライヴをしたんですけど、10歳くらいの男の子がBUDAMUNKのオフ・ビートで踊っていました。その世代にはもう伝わるんだなってうれしかったですね。 ──BUDAMUNKは今年、ダンス・クルーのsucreamgoodmanと『LINKS 2』（DVD＋CD）という作品をリリースしていました。

Aru-2　ダンサーがビートメイカーの人たちを呼んでパーティを開くこともあります。今日イベントに出るillmoreくんも所属の〈Chilly Source〉の音源で踊っている人たちもいるし、BudaBroseのビートで踊っている人たちもいる。渋谷のR LoungeのイベントにDJで呼んでもらったことがあるんですけど、俺が自分のビートを流してダンサーがフリースタイルで踊るセッションの時間もありましたね。 GAD　いまそういうのが盛り上がってるよね。俺もビートを使ってもらったりする。ダンサーが選ぶのはアタックの強いビートが多い気がするな。その方がダンスにメリハリがつくんだと思う。盛岡に"D"velopments っていうクルーがいて、ライヴでいっしょになることがあるんですけど、彼らはアタックが強くてカッコいいビートを流すんですよね。 ──Aru-2さんとGADさんのビート・ミュージックがヒップホップとして聴かれているということですよね。今後もいろんな活動を展開していくと思いますが、最後にそのあたりの話を聞かせてください。 Aru-2　ライヴで即興のビート・メイクをできるようになりたいです。その場でビートを打って、鍵盤弾いて、マイクを持つ。そういうライヴをできるようになりたい。やっぱり楽器をバリバリ弾けるミュージシャンに対してどこかでコンプレックスがあるんですよ。バンドの人たちってその場で楽器を弾いているからパワーもあるし、説得力もある。それと渡り合えるようなライヴを模索中です。

──GADさんはベースやギターの楽器ができるそうですね。 GAD　そうですね。楽器はできるので、制作に生のベースとかを入れるのもアリかなとは思うんですけど、いまはサンプリングの美学を追求しています。 ──そして、今日は2人ともビート・ライヴですよね？ Aru-2　俺の場合はビート・ライヴなのかな（笑）。鍵盤を弾いて歌ったりするから。 GAD　俺はSP-404だけでやります。 Aru-2　 GADさんやBUDAさんはビート・ライヴの集中力があるんですよね。俺はその集中力がなくて、ジタバタしちゃうんです（笑）。そういうライヴにも憧れますけど、自分にはできないのもあって、鍵盤を弾いたり歌ったりしているのもありますね。