lyrical school・hanaのコラム『“スキ”は細部に宿る』第10回「すてきなひとりぼっち」。hanaが出会った古今東西の“スキ”を掘り下げていくとともに、撮り下ろし写真も掲載。出会った時、靄のかかった生活に光が刺すようなその一文、一瞬、一枚を紹介していきます。（Qetic編集部）

「分かりやすさ」を基準に物事を判断することが多い。 パッと見た時に目がいくもの、自分の気持ちを汲み取ってくれているもの、頭を使うことなく理解ができるもの。「よく分からない」「もっとハッキリして」と普段からよく言われる優柔不断な性格の私は、反動からか、依存するようにそれらを好んだ。もしくは、強く憧れていたのかもしれない。

小説や映画は、共感できて自分自身を投影しやすいものを無意識に選んでしまうし、結局主人公は生き残ったのか？二人は結ばれたのか？など、起承転結の「結」が分からない「ここから先はご想像にお任せします」系の作品にはいつもモヤモヤする。 人と話している時も、会話の中に「そうだね」「分かる」など、賛同の言葉をついつい探してしまうし、求めてしまう。相手が本当にそう思っているのか、何も考えずにただ受け流しているのかは分からないけれど、同意を示す言葉を聞くと、とりあえずその場では理解し合っていることが確認できるからホッとした。

同時に、そういった安心に対する危機感も感じていた。 目的や価値観の合うコミュニティに居場所があることに満足して思考が停止してしまったり、「分かる」範囲にあるもので勝手に自分を納得させて本質を見逃してしまっているのではないか。「分かる」心地良さを感じた時、何も疑わずに信じ切ってしまうことに不安を感じながらも、なかなかその癖は直らなかった。自分のことすらよく分からないのに、分からないことがこれ以上増えてしまう方が怖かった。

「分からなさ」にも魅力を感じ始めたのは、谷川俊太郎さんの詩集『すてきなひとりぼっち』を読んだ時からだ。

それまでは、詩の楽しみ方すらいまいち理解できていなかった。 情報量が少ないから自分の想像力で補わなければいけない、というプレッシャーがあったし、一行一行が飛んでいることがよくあるから、読んだ後に作品に対する自分なりの答えを出したいのに、頭の中で言葉たちがフワフワと宙に浮いて上手くまとまらない。

しかし谷川さんの言葉は全部を言い表さなくても自然と現れてくるようで、身体に馴染むように入ってきた。 この詩集には、家族、子ども、動物、自然など、私たちにとって切っても切れない身近な存在がよく登場する。それらに対して大きな愛情を抱いているけれど、ひとつひとつ全く違う存在であることに変わりはなく、完全に理解し合うことができない寂しさからは逃れられない。それでもこの現実を受け入れて、一緒に生きていこうと寄り添ってくれるような優しい詩ばかりだった。

きっと、谷川さん自身が最も孤独を感じていて、詩を書くことを通して分からないことと向き合おうとしているのだ。これは私の解釈に過ぎないけれど、そう感じ取ることができた瞬間に、詩に対する苦手意識も、「分からなさ」に対する考え方も180度変化した。自分とは全く違う世界にあると思っていたものにも触れてみたくなったし、分からないことを目の前にして身構えて、自分を取り繕うことはやめようと思えるようになった。

『朝』という詩の最後の連。

「今朝一滴の水のすきとおった冷たさが ぼくに人間とは何かを教える 魚たちと鳥たちとそして ぼくを殺すかもしれぬけものとすら その水をわかちあいたい」

完全に分かり合えないからこそ、共感や理解とはまた違った繋がりが生まれる。 お互い孤独で、分からないまま分かち合って、面白がれるなら素晴らしい。すてきなひとりぼっちって、そういうことなんだと思う。

賑やかな街並みを背に本場タイ料理を堪能できる“屋台”、旅行中のリラクゼーションに欠かせない“マッサージ”、そして仏教が広く浸透している国柄ならではの“遺跡”…。日本からのアクセスも良く、掘り出し物が豊富でショッピングにも最適な「タイ」は魅力たっぷりで日本からも多くの観光客が訪れています。

コロナ禍の影響も緩やかになり、海外旅行への機運も高まっている昨今ですが、旅行客の目的地としても大人気な「タイ」は年々進化しており、ラグジュアリーな体験ができる施設やタイエンタメの魅力を感じられるレジャースポットが増えています。そんな進化を続けるタイの魅力を伝えるため、Qeticでは“ホテル”、“フード”、“アクティビティ”の3編を体験談も交えてご紹介！

今回は寺院や遺跡を中心にレポートする“アクティビティ”編！　由緒ある荘厳な建築や、緻密な彫刻・装飾など、タイの文化的背景が色濃く感じられる寺院・遺跡を人気エリアのアユタヤ・チェンマイの中からご案内します。

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バンコクから北に約80km進んだ地点に位置するアユタヤは、かつてヨーロッパと東アジアを結ぶ国際貿易都市として栄えた都です。王朝が隆盛を極めたこの土地には、当時の景色を思い起こさせる素晴らしい仏教建築が数多くあり、遺跡群は世界遺産にも登録されています。

アユタヤに雄大に流れるチャオプラヤー川の西側に位置する「ワット・チャイワッタナーラーム」は、1630年に第24代王プラサート・トーンが亡くなった母を偲んで建てた寺院として知られています。広大な四角い境内の中央には35mの主塔が佇み、四方に4基の塔堂(プラーン)を従えており、その回りには回廊が取り巻くというアンコール・ワット様式の建築です。また古代インドの宇宙観で、一須弥世界の中心にある高山を指す須弥山(しゅみせん)を表現する塔が八方に並んでいるのも特徴的です。1767年、ビルマ軍の侵攻により焼き討ちに合い廃寺と化しましたが、1987年になって改修され、現在ではアユタヤでもっとも美しい寺院遺跡のひとつとして現地人や観光客に愛されています。

このエリアが舞台になったタイドラマ『運命のふたり』（2018年放送。タイ語タイトルは『ブッペーサンニワート』）が大ヒットした影響で、観光客が増加し社会現象に。そのため、レンタルで当時の民族衣装に着替え、遺跡巡りをすることも人気です。

寺院遺跡の近くには多くの民族衣装のレンタルショップが連なっており、実際に訪れてみると所狭しと煌びやかな服が並んでいました。民族衣装のレンタルショップは国によってサポートされていることもあり、大人が一式200バーツほど（812.29円*2023/9/28時点）、子どもが一式100バーツ（406.14円*2023/9/28時点）ほどのリーズナブルな価格で借りられるのも魅力的です。この寺院遺跡は夕暮れ時が一番の撮影チャンスとしても知られるスポット。ぜひ夕暮れ時に民族衣装を身に纏い写真撮影をしてみてはいかがでしょうか。

バンコクの北方約720キロに位置するタイ第2の都市チェンマイは、「北方のバラ」とも称される美しい古都。そんなチェンマイのダウンタウン近くには、市内で最も大きく格式の高い寺院「ワット・プラシン」があります。

ラーンナー王朝第5代パーユー王(1336～1355年)によって建立されたワット・プラシンには、50ｍ程の高さに及ぶ金色の仏塔、象の建築、輝きを放つ黄金のプラシン仏像、そして精巧な僧侶の彫刻など立派な造形物が多く並び、荘厳な景色が拝めます。

鮮やかで古典的な礼拝堂の壁画には、タイ北部のランナー地方の生活や文化が美しく描かれており、当時の風景を思い起こさせます。街に溶け込んだ場所ですが、日本の神社仏閣とはまた異なるエキゾチックな印象が見受けられました。チェンマイ中心部からソンテウ（※タイの乗り合いタクシー）で10～15分ほどというアクセスしやすい立地なので、街歩きの最中に訪れるにもおすすめです。

「ここを訪れないとチェンマイに来たことにならない」とも言われる代表的な名所をご紹介します。1383年、ランナー王朝の時代に建てられた寺院「ワット・プラタート・ドイ・ステープ」はチェンマイ市街から約15km西にそびえる標高1,080mのステープ山頂にあります。

寺院の入口となる門までは自動車道が整備されています。麓まで上がり、石階段化ケーブルカーで山頂まで登ると、辺り一面黄金に輝く圧巻な眺望が目の前に広がります。巨大な装飾が連なる景色からは、仏教の大きな影響や当時の栄華が想像できます。

山頂のテラスからはチェンマイの街を一望することができるため、「天空の寺院」とも呼ばれています。パワースポットとしても知られており、中でも数多の仏像や仏塔が並ぶエリアにそびえ立つ黄金の仏塔が有名。蓮の花と線香を携え、祈りを捧げながらこのまわりを時計回りに3周し、その後蓮の花と線香をお供えすると願いが叶うと言われています。蓮の花と線香は境内入口にて販売されているので、ぜひ体験してみてください。

チェンマイ旧市街のチェンマイ門から、ソンテウで5分ほどの場所に位置する「ワット・シースパン」は1500年、マンラーイ王朝ムアン・ゲーオ王の時代に、プラ・プッタパティハーン仏像を奉納するために建てられた寺院です。建築はラーンナー様式の石組みで、緻密な模様にアルミと銀の装飾が施されています。

別名「銀の寺」と呼ばれるワット・シースパンは、一見するだけでインパクト大な“銀”一色の寺院。世界で最初に銀で造られた寺院でもあります。なお、銀一色になったのは2000年代に入ってからとのこと。寺院のあるチェンマイには、多くの銀細工の工房がある村、ウアライ・コミュニティがあり、村人が本堂を銀で改修したことで現在の姿になったそうです。

特徴的なのは建築の繊細さ。驚くほど緻密な彫刻や色使いなど、細部に宿る美しさに息を呑みました。ナイトマーケットエリアからもほど近く、徒歩で訪れることが可能です。ぜひチェンマイ旧市街の観光とともに、ワット・シースパンへ足を運んでみてはいかがでしょうか。

lyrical school・hanaのコラム『“スキ”は細部に宿る』第5回「色んな形の“スキ”」。hanaが出会った古今東西の“スキ”を掘り下げていくとともに、撮り下ろし写真も掲載。出会った時、靄のかかった生活に光が刺すようなその一文、一瞬、一枚を紹介していきます。（Qetic編集部）

今回は「推し」について書いてみたいと思う。 以前、Instagramのストーリーでフォロワーのみなさんに誰かを推すときに何が決め手になるかを聞いた時、色んな意見のDMが来た。ビジュアル、声、ライブ中の仕草、知性、直感……。みなさんの細部に宿る“スキ”を知ることができたことが嬉しくて、これをきっかけにもっと深掘りしてみたくなった。

私が今までで一番「推し活」に励んでいたのは、NCT127というK-POPアイドルグループの現場に通っていた頃のことだ。その中でも特にジャニーというメンバーを応援していた。 出会いは韓国旅行をしていた時で、たまたま入ったCDショップの床に無造作に置かれていた彼のソロジャケットが目にとまり、気がつけばアルバムを購入していた。そして丁度韓国から帰国する3日後に日本でツアーが行われることを知り、ギリギリで当日券を取って、さいたまスーパーアリーナのスタンド5階の最後列からライブを見た。 無数のペンライトが作る、天井席からでしか味わえないであろう壮観な景色。偶然出会えた人に、信じられないスピードでここまで連れて来てもらえたことに感動して、少しだけ泣いてしまった。

そこからみるみるうちに沼にはまっていった。他のメンバーのことも曲ももちろん好きだけど、何となくグループ内で推しは一人に決めるべきだと思っていて、彼だけを追うことが「推し活」だった。 自分にとって唯一無二と呼べる存在がいることは喜ばしいことだけれど、ゴールの無いマラソンを必死に走っているみたいな感覚だった。ライブでは双眼鏡でその人のことを追ったり、レスをもらえるようにアピールすることしかほとんど頭に無かった。とにかく行ける現場には全部行って、会い続けないといけないという謎の使命感に駆られていた。グループの活動も落ち着き、私も一旦NCT127のオタクは休憩中。これはこれで、かけがえのない思い出だと胸を張って言える。

そして最近は、今までとは違う「推し」の感覚が自分の中で芽生えた。 そのきっかけはNewJeansだ。あくまでも個人的な意見だけれど、彼女たちには「丸ごと推せる」要素が豊富にあることが素敵だと思っている。 メンバーそれぞれが持つ個性と、アートワークやスタイリングなどの統一感が両立していることに感銘を受けた。彼女たちは基本は黒髪ロングで、“ASAP”や“Super Shy”のMVでは全員が金髪ロングに統一されているけれど、その中でも個々の魅力が光っていて、NewJeansというグループが最強になっているのを感じる。 例えるならば、学年の中で一軍とか二軍とかランク付けさえもされないほどに一目置かれているミステリアスな雰囲気を持つ女子グループ。「好き」とか「憧れ」とかいう感情を飛び越えて、ずっと見ていたくなる。彼女たちの圧倒的なクルー感は思わず箱推ししたくなってしまう。

このグループを、この人を推してみよう、と決めるには思いがけないきっかけがあって、それは理屈では判断できない衝動的なもの。 現場に通う頻度やアプローチの仕方だって自由だと思う。こんなにも誰かを好きになれて、尊敬できて、ひとつひとつのコミュニケーションに喜びを感じられるのは本当に素敵なことだとこの文章を書きながら改めて感じた。

前作シングル『こっから』をリリースしたのが、6月14日のこと。それからわずか3週間足らず。詳細は後述するが、SixTONESがまたしてもサプライズで、本当に“しれっ”と新曲情報を解禁してきた。

ということで、SixTONESが8月30日、11thシングル『CREAK』をリリースする。表題曲は、メンバーの松村北斗が、なにわ男子・西畑大吾とともに主演を務めるミステリードラマ『ノッキンオン・ロックドドア』（テレビ朝日系）主題歌に起用。ドラマがクランクインしたタイミングで、SixTONES公式Instagramでは、西畑が松村についてどれだけ詳しいかを試すクイズ企画「ノッキンオンマツムラドア」に挑戦したのだが、なんの前触れもなく新曲情報が明かされたのもここでのことである（こうした楽曲解禁サプライズの振り返りも記事としていつかまとめたいものだ……）。

そして、本稿の本題はここから。今回のシングルの初回盤A・初回盤Bには、ファンであるteam SixTONES待望だった、デビュー以来初となるメンバーソロ楽曲を収録。初回盤Aでは、松村、髙地優吾、ジェシーが自分の内面、仲間への感謝、人への愛情など“愛”を歌う楽曲を。初回盤Bでは、京本大我、森本慎太郎、田中樹が意中の相手への想いや、うまくいかないもどかしさなどの“恋”を歌った楽曲を楽しむことができる。

ただ、田中樹のセルフライナーノーツに記載されていた通り、メンバーソロ楽曲といえど、1人のアーティストとしてではなく、あくまでもSixTONESの世界観を個々に表現し、メンバー全員の想いを背負うことに挑戦したという意識が強いようだ。すでに8月12日より、各楽曲のメイキング映像が公開されているが、今回はメンバーソロ楽曲のみに焦点を当ててレビューしていきたい。

松村北斗に感じる、触れたら壊れてなくなってしまうような──だからこそ、その影に惹かれてしまう危うさ。まるで“ガラス”のようである。

今年10月公開予定の映画『キリエのうた』で松村と共演し、本楽曲の作詞作曲を手がけたアイナ・ジ・エンドもまた、7月18日放送のラジオ番組『SCHOOL OF LOCK！』にて、今回の制作を振り返り同様のことを語っていた。「感性が芽吹いてて、歌にまったく同じフレーズがない」「歌うたびにどんどん変わっていくし、どんどん色んな挑戦をしてくださるので、テイク選びにすごく悩みました」と、レコーディングの際にはかなりの試行錯誤があったようである。

そんな楽曲の全体像は、ストリングスが胸をきゅっと締める抒情的なバラード。かつて「わたし」で発揮されたような、松村の儚い恋愛が似合ってしまう歌声にこれ以上ない最適解を提示してくれている。折角なので、この楽曲のテーマについてはあえて隠しておきたいのだが、タイトルにあるガラス花は、大切な人への想いの欠片や涙。そして明確に“ある物”のメタファーとなっているのだが……《僕》と《君》の想いが2番から対比的に切り替わる歌詞を読み、その正体を想像してみてほしい。本当に、松村北斗という人間に対する、アイナ・ジ・エンドの解像度の高さには脱帽だ。

髙地優吾は、こんな音楽を聴いて育ってきたに違いない。そんなことを考えてしまう、心温まるラップミュージック。サウンドやラップのフロウは、2000年代のヒップホップを踏襲したもので、後述する田中樹“Sorry”よりもポップス寄りなぶん、普段聴きしやすいかもしれない。ラップの発音も、バースではトラックに叩きつけるように。フックではメロディを歌いながら伸びやかに。こうした歌声の切り替え方や、フックの後に英語詞×コーラスのようなメロディでもうひと伸びをする楽曲構成など、まさしく当時のレガシーを追いかけたものといえる（筆者はKREVAを思い出した）。

楽曲で歌っているのは《夢果たすため来たFrom港町》という出身地＝神奈川・横浜から始まる、自身の半径1メートルにあるものを描いた物語。2番以降では、SixTONESやteam SixTONESを強く意識した言葉が並ぶのだが、自分たちはどこまでも行ける。自分以外のメンバーや、ファンの声すら、自分の内側から鳴っている音楽なのだ。そんな宣言をしてくれるようなエールソングで、本当に一言一句、余すところなくチーム愛に溢れている。

日常の頑張りどころではもちろんだが、個人的にはいつかグループで活動した日々を振り返ってお互いを讃えあう日など、タイムカプセルのように大切にしまっておき、節目のタイミングでこそ聴きたいとも思えてしまった。

「本当にずっと待ってたから」「オレもデビューできて、同じ土俵というか、ステージに行けたから」と、この楽曲の制作が誇張抜きで“念願”だったと、メイキング映像にて深く語るジェシー。映像内では、8〜9年以上前から、“この人と曲を作りたい”と繰り返していたとも明かされている。その人物は、事務所の先輩である堂本剛。

堂本といえば、ENDRECHERI名義での活動が思い浮かぶのだが、今回の楽曲はファンク路線ではなく、むしろ“スペーシー”と呼ぶのが相応しいだろうか。レビューの意義に反して申し訳ないのだが、この楽曲だけはあえて雰囲気や展開について詳しく明かさず、ぜひ前情報なしでフルコーラスを体感してほしい。とはいえ、全体像について少しだけ話すとすれば、満ちては引いていく、波のようなピアノバラードの印象がある。太いベースに支えられつつ、ボーカルやギターソロを含め、エコーなど奥行きあるエフェクトを多用しているのが面白い。

また、Aメロが1ループ終わるタイミングのスキャットの唸り方や、全体的な哀愁漂う歌声の揺らし方に、堂本のそれに限りなく近いものを感じた。長年、相手を見てきた間柄からこそ実現できる表現の域。改めて、堂本は最高な先輩で、ジェシーは最高な後輩であると感じさせられる。濃密な音楽体験を、ぜひとも。

今回のソロ楽曲企画で、メンバー唯一の自作曲を携えて挑んだのが京本大我。7年前に1人で制作した原曲から、生バンドと10名以上のオーケストラによって、サウンド面で生まれ変わりを見せながらも、メロディは完全に当時のまま。歌詞もアレンジを加えたのはたった1割ほどだという。分厚い音のロックチューンながら、どこか柔らかな印象は忘れない。ハイトーンな京本の歌声とも好相性だが、それは自作曲だからという理由が大きいのかもしれない。

歌詞の内容は、自分の見ている世界のすべてを捧げたって構わない。かつての失恋を引きずりながらも、大切な人を想う気持ちは過去の時間軸を語ったものではなく、現在進行形で、いまも変わらずに育み続けられているものであるという、既存のラブソングの枠組みを越えようとする気概を感じられる。どこか若く、青く、壮大すぎるくらいに聞こえてしまう歌詞もあるかもしれない。しかしながら7年前の京本を思えば、当時の彼にとってそれが何よりもリアルであり、“そうでもしないと表現できない”とただ一点を信じ抜き、表現を突き詰めることもまさに若さともいえる。

形は変われど、当時の意志は変わらず。京本がこの楽曲に懸ける想いには、楽曲の主人公が大切な人に抱くそれと重なる部分が大いにあるはずだ。

気遣い、思いやり、懐の広さ──筆者は、SixTONESがかつて新横浜ラーメン博物館までのドライブ企画（【SixTONES】ゆるっと…久々の6人だけで横浜ドライブ!!）を行なった際、運転できるメンバーが舞台などで多忙な時期だったことから、“森本がそれとなく普段履きのサンダルではなく靴を履いてきたのでは……？”という説が大好きなのだが、森本慎太郎の気遣い、思いやりや懐の広さを表すには、ぴったりなエピソードではないだろうか。

そんな彼の人柄が滲み出るのが、高校生時代から憧れてきたという平井 大からの提供曲“Love is…”。大切な人に抱いた愛情と、そこで過ごす毎日を「ストーリー」だと捉えるロマンチックな歌詞は、まさに森本慎太郎という人を等身大で捉えたラプソングだろう。瑞々しい印象のトラックは、極上のポップミュージックとして、楽曲の主人公のみならず、我々の生活にも潤いを与えてくれるように鳴り響く。仕事が長引いてしまったものの《ごめんね、遅くなって 眠ったキミの頬に そっと触れてみればほら》と、帰宅後に何気ない幸せを噛み締める経験なんて、日常生活で誰もが最も憧れるシチュエーションではないだろうか。

そのほか、森本の男気を象徴するような、いなたいギターソロも注目ポイント。日常とラブロマンスのちょうど間のところに舞い降りた名曲“Love is…”に、ぜひ期待してみてほしい。

2010年代のR&Bとヒップホップの絡み合った進化を分析する際に、そこには明快なルールがただ一つだけある。お金の流れを追いかけるか、Ty Dolla $ignの動きを追いかけるかだ──。

“Sorry”を聴き終えて、まず思い浮かんだのが、一部では有名なこのテキスト。ラッパー＆シンガーとして君臨するTy Dolla $ignの新曲かと思ったら、まさかの田中樹だった。スモーキーメロウなトラックは、もともとSixTONESのデモ楽曲のなかでもお気に入りとしてストックしていたものとのこと。今回の楽曲化にあたり、これまでに“love u...”などを制作してきたTSUGUMIと共作する形で、自身でラップ詞を綴ったという。

リリックで描いたのは、恋の終わりと自身の未練。合計3バースのなかで、強気だった田中がだんだん弱気に移り変わっていく様子を、リリックとフロウの双方で描き出すのが巧みである。例えば、序盤は《あれから Stopした Calling 俺不足だろ？ Shorty》など、“-ing”や“-ty”といった伸びのよいライムを、大回しな超仕上がりのフロウで強調。いわゆる“俺様”な印象を受けるのだが、2バース目以降はライムを強調せず、歌声のトーンを下げて言葉を詰め込み、3バース目でも張り裂けそうな後悔の想いを、あくまでも語るようにラップしていく。まるでどこか弁解をしているような印象だ。

フックの面でも、《Baby you can call me Anytime you want me》と楽曲内で何度もループするのだが、聴き進めていくにつれて“好きなときに電話しなよ”という調子のよさから、“いつでも電話を待っています”という願いを秘めるかのように、受け取る際のニュアンスが変わってくるはず。そのほか、いい意味でのチャラさやウィスパーなど、表現の幅が豊富なアドリブ（ガヤ）も聴きどころなので、ぜひ意識してチェックしてみてほしい。

ヒップホップなどの心の底から格好いいと思える音楽や、それを生み出すアーティスト。『スパイダーマン』などの憧れの作品。リスナーに「影響を与える側」であると同時に、自分たちもまた「影響を受ける側」として、「やってみたい」や「こうなりたい」といった理想へと近づき、そのエッセンスを取り入れていく。その結果として、彼らの輝きはますます増していくのだ。

参照：SixTONESの2ndアルバム『CITY』に現れる、音楽・映画への「尊敬の精神」

“FASHION”のMVで見られるようなハイプなファッションとヒップホップは、カルチャーとして切っても切れない関係性にあるもの。そうした意味で、SixTONESがこの楽曲を歌うのは、もはや運命だったとも感じられる。本当にヒップホップが大好きなグループなのだろう。それこそ、人々の憧れの対象として《Cover girl, Rap star それとも Like a movie star?》とすら歌っているわけだし。

参照：SixTONES 『共鳴』のMVから紐解く、“共鳴”“FASHION”が象徴するメッセージ

SixTONES×ラップ／ヒップホップ……このふたつの要素が交差したときの無限の可能性については、これまでに何度も語ってきた。実を言えば、筆者の個人的な趣味もあり、同話題にはなにかと文字数を割いてきたわけだが、そんなグループの強みがいよいよ名前の通り、“宝石”のような唯一無二の輝きを煌かせている。

SixTONESが、6月14日にリリースする10thシングル『こっから』。表題曲は、髙橋海人（King & Prince）がオードリー・若林正恭役、森本慎太郎（SixTONES）が南海キャンディーズ・山里亮太役を務めるドラマ『だが、情熱はある』主題歌として、すでに広く親しまれている。同楽曲とドラマ間の親和性の高さについては、下記コラムにてたっぷりと触れられているため、本稿では楽曲単体……それもヒップホップにおける“サンプリング”の観点にテーマを絞って綴っていきたい。 コラム： だが、情熱さえあれば“こっから”始められる──SixTONES

ヒップホップ、ブレイクビーツ、生バンドにミクスチャーと、公式サイトの楽曲解説に並んでいるワードを抜き出すだけでも、team SixTONESの各位であれば「こっから」がどれほど彼ららしいものかを想像できるに違いない。

プロデュースを担当したのは、お馴染みの佐伯youthK（佐伯ユウスケ）。これまでに、魂の衝動をぶつけるロックチューン“僕が僕じゃないみたいだ”から、ピアノの旋律が疾走感を掻き立てる“共鳴”、さらには儚いミドルバラード“わたし”まで、SixTONESのシングル表題曲を幅広いアレンジに進化させてきた張本人である。それが今回はどうだろうか。ギターやベースがブリブリと存在感を放つ生バンド演奏、《これだけじゃやれねぇってわかってる》などの劣等感を根底にした泥臭いメッセージなどを総じて、とにかく“オールドスクール”という言葉が相応しい一曲といえる。

本題はここから。前述の“サンプリング”とは、既存の作品からメロディループ、あるときはギターやピアノ、またあるときはリリックのワンフレーズなどを引用。いわばひとつの“パーツ”として、サウンドの質感やテンポを調整したり、あるいはそのまま使ったりと、楽曲を構成する要素として拝借することを指す。一例として、バンダナが縫い付けられたペイズリーデニムを想像してみてほしい。デニム地のなかで、ひときわ際立つ総柄バンダナ。あの部分こそサンプリングなのだ。

パッチワークとはまた違うのだが、もともとのブリブリなサウンドに相まって、こうしたサンプリングの積み重ねが今回の楽曲に抱く“ミクスチャー感”、わかりやすく言えばいい意味でのごちゃごちゃ感を作り上げている。これまでのコラムでも記してきた通り、それこそがSixTONESの強みにほかならない。

今回の楽曲について、メンバー自身はどう感じているのだろうか。“こっから”を初解禁した4月29日放送のラジオ番組『SixTONESのオールナイトニッポンサタデースペシャル』では「“だが、情熱はある”の山里さんと若林さんの言葉っていう意味もこもって、（タイトルも）“こっから”になっているけど、オレらSixTONESにも通ずるところがある」「ソニーはそこが天才なんだよ。オレらにもリンクさせてくるから」と、もはや制作スタッフを褒め称える流れとなっていた。あくまでもいちファンの勝手な想像ではあるが、レコーディングの際に“ここってあの曲のサンプリングだよね？”と、メンバー各々でやいのやいのし、答え合わせをしていてほしい。

話を戻して、ことラップ／ヒップホップでは、とりわけ重要な表現技法のひとつとされるサンプリング。すでに存在する作品にリスペクトを示すのが目的のひとつであるが、SixTONESが抱いているだろう同様の想いについても、すでに過去コラムで言及したところ。とはいえ、ここまで綴った内容を翻意にするようで恐縮だが、これ以降の内容について、特にSixTONES以外の他アーティスト作品と絡む内容は、あくまでも筆者独自の見解に過ぎず、公式的に発表されているものではない。そのことを頭に置きながら読み進めていただけると幸いだ。

最初はサンプリングというより、どちらかと言えば“オマージュ”の枠組みに分類されるだろう話から。そもそも楽曲解禁時からSNSなどを騒がせていた、イントロに挿入されるサックスが“あの楽曲”に似ているという話題。“あの楽曲”とは、宇多丸、Mummy-D、DJ JINからなるRHYMESTERのクラシックナンバー“B‐BOYイズム”のことである。たしかに軽く流し聴きをしただけでも、似ているという印象を抱けるだろう（といいつつ“B‐BOYイズム”は、Jimmy Castor Bunch“It's Just Begun”からサックスのループを拝借しているという歴史の連鎖が面白い）。繰り返しになるが、これはあくまでいちリスナーの意見である。

また“こっから”MV中盤には、メンバーがダンスパフォーマンスを見せつけ合うシーンが挿入されるが、“B‐BOYイズム”MVにもブレイクダンスを披露しあうパートが。このあたりもまた、SixTONESや制作チームからのサプライズプレゼントなのかもしれない。

ラップのフロウに話題を移せば、SNS上では曲中、R-指定（Creepy Nuts）に似ているとの指摘がいくつか目に入った。このフロウについては個人的に、彼以外のさまざまなラッパーが使用している、ある種の“型”のひとつかと思われるためなんとも言えない。が、ともあれCreepy Nutsは若林と山里がかつてメイン出演していたTV番組『たりないふたり』の大ファンで、2016年1月に同名のEPとリスペクトソング、2019年11月には実際の若林と山里によるイベントで使用された“たりないふたり さよならVer.”も発表しているほど。もしかしたら……という可能性も？

リリックの観点では、曲中に登場する《ローリンローリン転がってけ》が、神奈川・横浜を拠点とするレジェンド＝OZROSAURUSの大名盤『ROLLIN'045』を彷彿とさせたり、ラップ／ヒップホップの歴史を踏まえるに、あまりこの名前を軽い気持ちで並べたくはないのだが、《間違ってる未来でも俺には光ってる》のラインが、KICK THE CAN CREWの楽曲“アンバランス”に登場する《もし間違ってたって知らねぇオレは未完成でも光ってる》と構造が似ていたり……と書きつつ、さすがにこじつけのようだなと我ながら反省してしまった。ひとつ言えるとすれば、もしかすると楽曲冒頭の《Hey, boy 平凡にBorn in the ニッポン》の”ニッポン”がカナ表記なのは、SixTONESのラジオ番組の放送局のことだったりするかも……？

ただ、同じリリックについてでも、ここからの内容はおそらく“ほぼ確”といってよいはず。《でもどこ行ったって”人人人”》のライン。こればかりはさすがに、2023年1月発売のアルバム『声』収録曲として、本楽曲と同じく佐伯youthKがプロデュースをした“人人人”のセルフサンプリングと考えて問題ないだろう。さらには先ほど言及した《ローリンローリン転がってけ》も、過去楽曲“Rollin'”のタイトルを引用したように思えてくる。このほか、筆者が気づいていない部分でも、もしかすると過去作から引用しているフレーズがあるかもしれない。ぜひ筆者にだけこっそりと教えてほしい。

また、レトロな純喫茶やダンスホール、さらにはコインランドリーなど、全体を通してヴィンテージ感あるMVでも、“セルフサンプリング”の確認ができた。例を挙げるならば、間奏で見られるギターをかき鳴らすような振り付けは、5thシングル表題曲“マスカラ”で、楽曲提供をしてくれた常田大希（King Gnu／millennium parade）へのリスペクトを込めて考案されたもの。間奏後のラップパート最初の振り付けも、『CITY』収録曲“Rosy”から引っ張ってきたものではないだろうか。リリックにあわせて、こちらもぜひteam SixTONESだからこそ楽しめる宝探しをしてみてほしい。

それでは、本稿を通して何を伝えたいのか。一点目に、これまでの持ち味だったミクスチャーなサウンド感がさらに進化していること。二点目に、ともすればサンプリングといえど、“虎の意を借るなんたら”のように、人の持ち物でリスナーを沸かしたり、気づいた人だけが喜ぶ音楽ファンとの身内ウケを狙っていたりと揶揄されてしまう可能性もある。そのあたりのバランス感を上手く取るかのように、自分の持ち物でセルフサンプリングし、なによりファンダム以外でも幅広く楽しめるクオリティの作品に仕上げていることが、“こっから”を通してぜひ感じてほしいところだ。

実は本稿を執筆する上で、楽曲タイトルになぞらえて、念願だった単独ドーム公演を終えた先の未来予想図を広げるつもりだった。しかしながら、そんなことは書く前から蛇足になってしまうほど、サンプリングという新しい武器を手に入れたSixTONESのことを紹介したかった。“こっから”には、SixTONESの“好き”が詰め込まれている。セルフサンプリングもまたそれと同様。過去の楽曲と同じ言葉を繰り返し使っていたとしても、彼らもまた“大事なことは2回言うタイプ”なのかもしれないし。

SixTONESの通算10枚目のシングル“こっから”が、6月14日にリリースされる。

“こっから”は日本テレビ系で放送中の、森本慎太郎（SixTONES）が南海キャンディーズの山里亮太を、高橋海人（King & Prince）（※高＝はしごだか）がオードリーの若林正恭を演じるドラマ『だが、情熱はある』の主題歌として書き下ろされたもの。ブレイクビーツやラップを大々的に導入したヒップホップ調のトラックで、「天才でもないし人としても未熟、だけど情熱さえあれば“こっから”始められる」という熱いメッセージが込められたリリックが、ドラマの内容と深くシンクロしておりすでに大きな話題となっている。

『だが、情熱はある』は、のちにユニットコンビ「たりないふたり」を結成し数々の漫才を生み出す山里と若林を、幼少の頃から描く「ほぼ実話」のドラマである。プロデューサーは、『すいか』（2003年）『野ブタ。をプロデュース』（2005年）といったドラマや、森本主演の朝ドラマ『泳げ！ニシキゴイ』（2022年）、高橋出演の映画『ブラック校則』（2019年）なども手掛けてきた河野英裕。

実は河野は、「たりないふたり」の存在を知らずに山里と若林の人生が交差するドラマを立案したという。以前からそれぞれのエッセイを愛読し、「2人の実話ベースで、新しいタッチの物語を届けられるんじゃないか」（＊）と思い立った河野が、その企画を持ち込んだ先は奇しくも日本テレビの編集部。そこは「たりないふたり」の仕掛け人であり、企画演出を手掛けた安島隆（ドラマでは、薬師丸ひろ子が彼をモデルにした島貴子を演じている）の所属する部署だったのだ。

「自分が尊敬しているプロデューサー（河野）さんが、たりないふたりをまた12年後に見つけてくれた」（＊）「これは運と縁でしかない」（＊）

企画を受け取り、そう感じた安島が山里と若林に企画を打診。好感触を得たことから話が進み、実現に至ったという。

（＊）「12年越しに見つけた“たりないふたり” 『だが、情熱はある』P×仕掛け人・安島隆が語るドラマ化秘話」（https://www.oricon.co.jp/news/2274219/full/）

ドラマ放送前から話題になっていたのは、その意外なキャスティングだ。特にSixTONESの森本が山里を、King & Princeの高橋が若林を演じることについてはSixTONESとKing & Prince、そして南海キャンディーズとオードリーそれぞれのファンからも賛否両論が渦巻いていた。が、実際に放映されるとそのクオリティの高さに誰もが驚かされることに。森本も高橋も、本人たちへの取材はもちろん、過去の映像や著書、出演ラジオなどのリサーチを重ねながら役作りの精度を上げていった。髪型やファッションだけでなく、話し方や身のこなし、表情に至るまで、まるで憑依したかのように本人になりきった2人の演技を見ていると、本当に山里と若林がそこにいるような気がしてくるから不思議だ。

そうした森本と高橋の演技に本人たちも絶賛。若林は自身がパーソナリティーを務める『オードリーのオールナイトニッポン』で、全く売れていなかった不遇時代のシーンを取り上げ、「もうやめたほうがいいんじゃないかな」と相方の春日俊彰（演：戸塚純貴）が住む「むつみ荘」へ打ち明けに行った時の、高橋のアドリブのように自然な演技を「完全に俺の気持ちを理解してくれてた」とコメントしていた。

一方、山里もドラマ放映時にはリアルタイム視聴をしながらTwitterに連続投稿をしており、相方である「しずちゃん」こと山崎静代（演：富田望生）の人気に嫉妬する過去の自分を忠実に演じている森本について、「これ、森本慎太郎くんが嫌われてしまわないか心配だよ」と呟いていた。

圧巻だったのは第7話。南海キャンディーズが『M-1グランプリ 2004』に出演し、披露した「医者ネタ」の完全再現シーンだ。映画『ソロモンの偽証』（2015年）では体重を15キロも増量して役作りに挑むなど、憑依型の俳優として評価の高い富田望生が扮するしずちゃんと共に、細部に至るまで作り込んだ漫才は、まるで映画『ボヘミアン・ラプソディ』（2018年）で、クイーンの『ライブエイド』出演シーンを「完コピ」したラミ・マレックをも彷彿とさせるものだった。

こうした精度の高い再現について森本は、5月31日にゲスト出演したラジオ番組『水曜JUNK 山里亮太の不毛な議論』で、「ダンスを覚える感覚に近い」「『このセリフのときに、こういう動きをしてるな』と映像を何回も見て、山里さんの動きに合わせて真似ている」と明かしていた。SixTONESとして常日頃、身体能力を鍛えている森本だからこそなし得た「役作り」といえるかもしれない。ちなみにこの時のラジオ放送で山里は、森本と富田の演技に刺激を受け、「南海キャンディーズで久しぶりに『医者ネタ』をやってみようと思って」と話していた。ドラマが現実に、こうやって影響を与えているのもスリリングだ。

他にも、お笑い芸人のTAIGAやバーモント秀樹、放送作家の藤井青銅らが実在のモデルとなった役柄を演じるなど、不毛リスナー（＊）やリトルトゥース（＊）のツボを押さえた仕掛けが随所に散りばめられている。何より、山里と若林がこれまで著書（『天才はあきらめた』や『表参道のセレブ犬とカバーニャ要塞の野良犬』『ナナメの夕暮れ』など）やラジオで話していた「想像上のエピソード」が映像となって目の前に立ち現れるたびに、彼らのファンであればあるほど胸が熱くなるはずだ。

＊TBSラジオ『山里亮太の不毛な議論』 ＊『オードリーのオールナイトニッポン』リスナー、広くはオードリーファンを指す

さて、冒頭でも述べたようにドラマ『だが、情熱はある』の主題歌“こっから”は、森本が所属するSixTONESが担当している。作詞作曲は、関ジャニ∞“YOU CAN SEE”（2009年）で作家デビューを果たしたSAEKI youthKことシンガーソングライターの佐伯ユウスケ。迫力あるサックスのリフに導かれ、ワウギターが炸裂するヒップホップやファンクの要素を取り入れたミクスチャーサウンドに仕上がっている。うねるベースラインに絡みつくような怒涛のマイクリレーに続き、ドラマでは山里役の森本が叫ぶようにラップするサビ前は聴きどころの一つ。《これだけじゃやれねえってわかってる　でもこれしかねぇからこれにかかってる　間違ってる未来でも俺には光ってる》というラインは、若き日の山里亮太の、そして若林正恭の「心の叫び」とも共鳴しているようで、ドラマの中で流れるたびに熱い血が滾るようだ。

今、この原稿を執筆している時点でドラマは第8話が終わったところ。いよいよ佳境に入っていくストーリーは、一体どこまで描かれるのか。あのエピソードや、あの人物はどんな形で再現されるのか。そして、この主題歌“こっから”が、私たちの心の中でどのように響き方が変わってくるのか。これからも目が離せない。

この記事が公開される頃には、“約束の日”の日が刻一刻と近づき、当日への期待感も現実味をもって膨らんでいることだろう。4月15日（土）と16日（日）に京セラドーム大阪、同月21日（金）〜23日（日）には東京ドームにて開催される＜慣声の法則 in DOME＞。SixTONESにとって初の単独ドーム公演まで、もう間もなくである。

遡ること2年前。2021年10月発売の映像作品『on eST』をレビューしたときのことをよく覚えている。全国アリーナツアーのステージながら、レーザーやプロジェクションマッピングなど、3つの特殊効果のうち導入したい演出をどれかひとつに絞らなければならなかった場面。結果的にスタッフの粋な計らいによって、全演出を実現できたわけだが、筆者はこう思った。アリーナクラスのステージに立てるなんて、いくら若手とはいえ成功したアーティストの枠に入るはず。それでも取捨選択を迫られる場面があるのか、と。

そう考えさせられたのが、つい昨日のことのよう。だが、いまはどうだろうか。メンバーとスタッフ、そしてteam SixTONESの有り余るバイブスはアリーナには収まりきらず、訪れるは待望のドーム公演である。きっと、先ほど触れたような演出面でも過去最大規模となるに違いない。本当に天晴れなことだ。

そんな注目タイミングで、ダメ押しのように熱狂を投下してくるのが、SixTONES。初日公演の3日前＝4月12日（水）に、9thシングル『ABARERO』がリリースとなる。久しぶりのノンタイアップシングル。ここまでくると正直、どんな楽曲でも諸手を挙げて歓喜してしまいそうになる……のを押さえて、厳格に楽曲レビューをしなければ。と思ったのだが、その決意もたった数秒で崩れ去った。アリーナからドームへと移ったことで、ただ単純に会場が大きくなっただけではない。グループの表現と楽曲もまた、それと同じくらい、あるいはそれ以上にスケールアップしていたのである。

「ABARERO」は、その名の通り、誰にも止められない衝動・溢れ出す本能を解き放つ、型破りな“超攻撃型”HIPHOPチューン”

引用元：ABARERO | SixTONES(ストーンズ) Official web siteより

楽曲の概要は、SixTONES 公式サイトの紹介通り。前作シングル収録のポップな応援ソング“Good Luck!”、涙を誘うミドルバラード“ふたり”はどちらも秀作だったものの、SixTONESが大衆に受け入れられるポップアイコンとして、音楽性の角も徐々に取れてしまうのかとも懸念していた（実は密かに）。だが、お待ちかねのトガったSixTONES、カムバック。この重要局面で選んだのが、ポップでも、ロックでもなく、彼らの気骨さを最も表現できるヒップホップだったことに、先んじて感謝を示したい。

まずは楽曲の背景について説明すると、プロデュースを担当したのは、TOMOKO IDAとTSUGUMIのふたり。これまでに“Love u...”、“Bella”、“Coffee & Cream”、“So Addicted”をコライトしてきた信頼しかないタッグであり、彼女らがシングル表題曲を担当するのは今回が初となる。その時々で、ヒップホップ、レゲトンからR&Bまで曲調はさまざまながらも、その作風は決まってスムースで、新しい。また詳細は後述するのだが、SixTONESのアイドル性とボーカル力がどうすれば輝くかを柔軟に解釈している。これまでの制作曲数を踏まえるに、グループのお気に入り作家のルーティンには間違いなく入っていることだろう。

加えて、ミックスとマスタリングにはなんと、アメリカ・ロサンゼルスにスタジオを持つイタリア出身エンジニア・IRKOが参加。ヤング・サグ（Young Thug）、21サヴェージ（21 Savage）、トラヴィス・スコット（Travis Scott）、タイ･ダラー･サイン（Ty Dolla $ign）ら、これまでに携わったラッパーを集めれば、ドリームチームが生まれないわけがない大物である。楽曲提供とはいかずとも、SixTONESのヒップホップドリームも来るところまで来たと思わされる事件だが、それくらいにこの楽曲に掛けるところは大きいのだと受け止めた。

さて肝心のトラックだが、たしかに公式サイトの触れ込み通り、ヒップホップをベースにはしている。とはいえ、“ABARERO”はいい意味で少し狂っている。楽曲構成を以下に簡単にまとめたので実際にご覧いただいた方が早いだろう。

バース → ビルドアップ → フックA → フックB → バース（ハーフ尺）→ ビルドアップ → フックA → フックB → フックA → フックA’

フックのループ、あるいはいい意味でフックの応酬である。ジェシーのパートからバースが始まったかと思えば、間もなく《Can't nobody hold us down now〜》からビルドアップが始まり、早々に《A BA RE RO Break it Break》でフックに。ここでひと段落するかと思いきや、《Ayy もっともっとBring it up》で予想を裏切るようにフックBに突入。2段階構成の“追いフック”で、ハンズアップを求めてくるのである。

その後、森本慎太郎の歌声で再びバースが挿入されるのだが、1ループ目と比べると尺が半分に。息つく間もなくビルドアップとなり、楽曲の終わりまで形は変えながらだが4連続フックを迎える。バースとフックの関係性ならぬ、フックのループによって構成されており新規性を感じる。とはいえ改めてになるが“ABARERO”ではずっとフックを歌っている。盛り上がることだけに一点突破したアッパーチューンにほかならないのだ。

その上で、このトラックはヒップホップでありながら、ダブステップなどの要素が強いことも付け加えておこう。バースの部分こそBPM70程度で、ゆったりとしたトラックに倍速のフロウを乗せるわけだが、フックBなどではBPM140、つまりキックの方が倍速となって楽曲に緩急がつく。キックの重たさを強調した音作りや、タイトな質感のベースなどで、ダンスミュージック的な音像も際立っているのだ。

また、“詳細は後述”としていた部分になるが、バース終盤の《Welcome to our party》というあえて無機質にしたコーラス、楽曲全体でも象徴的な京本大我のハイトーンなシャウトなどは、あくまで“歌モノ”として彼らの紡ぐメロディを楽しめるようにしてくれているのだろう。これは、SixTONESのアイドルというポジションと、そしてボーカルグループとして歌唱力に特化したゆえの＋αな表現。こうした次のブロックへとシームレスにメロディを運ぶ細かなギミックは、やはりヒップホップにはあまり見ない楽曲作りの考え方である。

そして、SixTONESの楽曲といえば、単一ジャンルに囚われない楽曲作りが肝。前述のボーカルグループであることを意識した楽曲作りと同様に、TOMOKO IDAとTSUGUMIによるタッグ作は、ミスクチャーな楽曲作りを目指す傾向が強い。このあたりもグループの目指す方向性との親和性が高く、今回の“ABARERO”でもしっかりとその味を感じ取れたのではないだろうか。

最後に歌詞についても言及しておきたい。と言っておきながら、この楽曲で語るべきは、冒頭のジェシーのラインにすべてが詰まっている──《まだ押し上げるぜ限界》。

その後の田中樹のパートでも《Yeah, まだまだかますぜ俺らのやり方で》ともスピットされるのだが、両者に共通する“まだ”という言葉が示す通り、過去に築き上げてきた功績など、単なる序章に過ぎない。ゴールはまだこんなものではない。ドーム公演すらただの通過点だと、その頼もしい背中を見せてくれるかのよう。

実際に、楽曲だってどんどん進化している。これまでに会場をロックしてきた“S.I.X”や“WHIP THAT”などを「速さ」とするならば、バウンシーなビートでその場を征する“ABARERO”は、「重さ」に特化した一曲。これまでに作り上げてきた楽曲の“おいしい”部分をヒップホップ軸でミックスし、SixTONESをレベルアップさせた進化系なのである。

本稿の冒頭に記した通り、会場のキャパシティ拡張に伴い、楽曲のスケール感も間違いなく広がっている。『ABARERO』がドーム公演直前、このタイミングでリリースされたのには意味しかない。何も考えず、ただ闇雲に作られたのでないと、team SixTONESであればすでに察しているに違いない。

SixTONESは今回のリリースを通して、自身の音楽観に対してまたニューベーシックを更新した。彼らがアップデートを繰り返す先には、何が待っているのだろうか。その答えを探すためにも、我々は“約束の場所”で、爆音で、SixTONESの気概が詰まった“ABARERO”を浴びねばならない。そんなことを思い巡らされる一曲だった。

フランス語で“〜のアパート”を意味するその言葉が示す通り、MAISONdesは決してアーティストそのものではない。2021年2月の発足から今日まで、“令和ポップス”の象徴として存在感を強めている音楽プロジェクトだ。そして、数多くのアーティスト（歌い手やトラックメイカーと書き分けた方が伝わりやすいだろうか）と、彼らが生み出す音楽、そして我々リスナーが“入居”する架空の空間や集合体こそがMAISONdesである。アパートというだけあって、制作される楽曲には◯◯号室と部屋番号が振られていて、前述の“六畳半ポップス”も、ここから生まれる音楽を総称してのものだ。

さて、本稿の幕開けでは東京を舞台に“個人”と“群衆”、あるいは“一人”対“マス”の対比構造をわかりやすく記したつもりなのだが、MAISONdesはこの相反する要素を両立させる能力が、並外れて高い（マスの正式な対義語は“ニッチ”なのだが、この文脈では違う受け取り方になるためあえて“一人”とする）。そのうち“一人”の側面については、若者が持ついわゆるメランコリック、 “廃れ憧れ”の感情を、歌詞とサウンド共に上手く刺してくるのである。

例えば、MAISONdesの代表曲であり、2021年にはTikTokで最も“使われた”という“ヨワネハキ feat. 和ぬか, asmi”。この曲ではありのままの自分を見つめてやるせなく感じるが、そんな自分すら無理矢理、それでいて何も傷ついていないかのようにそれとなく肯定してしまいたい想いが、とてもわかりやすく、かつリアルに描写されている。

同じく2021年春に入居の“いえない feat. 堂村璃羽, 301, GeG”は、“YOKAZE”がTikTokでバズチューンとなった、変態紳士クラブのプロデューサー・GeGのプロデュースによる楽曲。近年のヒップホップブームを下地としたポップス仕立てのサウンドメイクを、MAISONdesの作風でもある“ベッドルームポップ”テイストにアレンジ。いまの若いリスナーに刺さらないはずがない。ダメ押しにはなるが、2021年9月リリースの“夏風に溶ける feat. りりあ。,南雲ゆうき”なんて、タイトルやテーマ性からして、メロウ畑の住人たちが嫌いなはずないだろう。

本来であればそのほかの楽曲群や、GeGをはじめとして、幅広いジャンルから多様なアーティストが共作をする意義についても触れたいところ。だが、そのあたりはすでに語り尽くされている感もあるため、過去に執筆された記事を参照いただきたい。何はともあれMAISONdesのトラックリストには、初めて聴いたその瞬間から“自分だけのことを歌ってくれているのかも”と思わされる楽曲が、間違いなくひとつはあるはず。その予感が繰り返し聴くうちに徐々に確信へと変わり、いつかは生活に溶け込んでいく。

すべてが手の届く距離にありながら、それでいて本当にほしいものだけが見当たらない。繰り返しにはなるが、ある種のないものねだりを描くのに、六畳半というスケール感はこれ以上ないくらいにぴったりだし、ひいては東京という街のイメージにも繋がってくる（冒頭から記してはきたが、MAISONdesの音楽＝“東京”ではないのだが、都会の若者のイメージと結びついているのは事実だろう）。こうした心の“空き部屋”を埋めてくれるのが、MAISONdesのあなた“一人”だけに向けた音楽なのだ。

と同時に、MAISONdesは間違いなくもっと“マス”な存在になろうとしている。そもそも“ヨワネハキ”について先ほど、TikTokで最も“使われた”という言葉を用いたが、何よりもまずTikTok自体がマス中のマスのエンタメツール。“使われた”という言葉は捉えようによってはイージーな“消費”とも受け取れるものだし、アパートの管理人自身も過去のインタビューなどで、こうした音楽の“スナックカルチャー”化を受容するような発言をしていた。

また、特に注目したいのが、“MAISONdes”をあくまでプロジェクト名としていながらも、同時にアーティスト名として利用していること。何が言いたいかというと、こうしたケースの場合には音楽ストリーミングサービス等でアーティスト欄に表示されるのは、実際に楽曲に関わるアーティスト名のみ。ただ、MAISONdesはここ最近で増えている、プロジェクト名やレーベル名を登録する形で、アーティスト欄に名前を入れているのである。

これによって、MAISONdesの関連楽曲すべてに、アーティスト欄の名前を押せばアクセス可能であり、アーティスト名よりもアクセス数が少ないだろうプレイリストの形でまとめなくてもよいわけだ。つまりは同一プロジェクトにも関わらず、アーティストごとに楽曲が散り散りにならずに済む。“MAISONdes”の名前を巧みに活用し、プラットフォームへのアクセス性、あるいは利便性を考えている点で、管理人がビジネスやマーケティングの側面についても自覚的な人物であると想像させられた。

加えて今年1月には、JR渋谷駅にある“ハチコーボード”などで大型広告を掲示していたほか、タワーレコード渋谷店、MAGNET by SHIBUYA109など、あらゆる人々の目に留まる形で自らの存在をアピールしてきた。

こうした大型施策によって、その存在感をますます強めようとしているのだろう。と言いつつ、広告のなかにモールス信号を入れるなど、みんなが見ているのに自分しか気づかないヒントを忍ばせてくるところが、一筋縄ではいかないMAISONdesらしくもある。

さらに、2022年秋から2クール連続で、TVアニメ『うる星やつら』オープニング・エンディングをまとめて担当するなど、活躍の場はアニメタイアップまでに。同アニメの第1クールエンディングテーマ“トウキョウ・シャンディ・ランデヴ feat. 花譜, ツミキ”や、第2クールオープニングテーマ“アイワナムチュー feat. asmi, すりぃ”など、新たなヒットチューンも生まれ、“マス”な存在としてますます世に名を知らしめている。

そんななかで、2023年のMAISONdesになにを望むべきか。YouTubeチャンネル『THE FIRST TAKE』のように、“ここから出ている作品なら間違いない”と、すでに“箱推し”をされている人気ぶりを踏まえるに、住人らによるフェス開催にも期待がかかる。ただ、端的に要点を伝えるのならば、六畳半の部屋のスケール感を保ったまま、音楽シーンで大きな存在になっていくことを求めたい。

前述の通り、音楽を消費前提で捉えている点で少々矛盾を含んでしまうわけだが、大衆に迎合せず、どこまでいまの強い自意識を放つ“匂い”を保ったままでいられるのか。楽曲にタイアップがつくことは決して悪いことではない。ただ、作風を広げる可能性にもつながる一方、自身の表現に対するある種の制約となるのもまた事実だろう。

とはいえ、すでに“一人”と“マス”の絶妙なバランス感を保っているMAISONdes。あのアパートの住人らは、本稿で記したような懸念すら周囲の雑音として、新曲のネタにでも昇華してくれそうだ。

賽を振れ。Puckafallの手がける、例えばトリッピー・レッド（Trippie Redd）『Trip At Knight』やプレイボーイ・カーティ（Playboi Carti）『Whole Lotta Red』などに代表されるレイジ（Rage）とも共振する派手なシンセが暴れるビートと火花を散らすように、持ち前の高音かつメロディアスなフロウでTim Pepperoniは言葉を乗せる。

フジロック「ROOKIE A GO-GO 2021」にも出演した東京を拠点に活動するヒップホップコレクティブ・Sound's Deliの一員であるTim Pepperoniと、2020年からビートメイキングをスタートさせ海外からも注目を浴びる新進気鋭のビートメイカー・Puckafallがタッグを組んだEP『DICE!』は、ある欲望についての作品である。

『DICE!』。つまり賽を振ること。ただそれだけ。Puckafallのビートの上でTim Pepperoniが求めるのは、ただ賽を振るという行為それだけなのだ。手に汗を握り、ポーカーフェイスを保ち（“DEPT”）、高鳴る鼓動を悟られぬように（“HONOO”）、Tim Pepperoniは賽を振る。他でもない自分自身のために（“BENJAMIN”）、賽を振り続ける。

一周でもこのEPを聴き終えたあなたは、不可解な感覚に襲われているかもしれない。どうしてこの青年は繰り返し、執拗なまでに、賭けることをラップしているのか。なぜ？　こうも“狂った”ように……と。そう、この狂気こそ、EP『DICE!』の価値を決定づけているといっても過言ではないのである。

福本伸行による麻雀漫画の金字塔『アカギ ～闇に降り立った天才～』の主人公、アカギは、博打の本質は理不尽な死、あるいは無意味な死にあると言う。言い換えれば、博打とは通俗的な損得勘定に依拠するものではないということだ。この勝負に勝てば何が手に入るだとか、負ければ何を失うだとか、そういった下心は誰しもが持ちうるからこそ、付け入る隙を生み、純粋な勝負から人を遠ざける。要は、なぜ勝負にこだわるのかという問いかけ自体が、勝負に宿る痛みを、快楽を、鈍らせるのである。Tim Pepperoniの執拗なライムはそういった通俗性を置き去りにするために、狂気と共に疾走していく。《Run and run and run》（“DOITRN＜3”）。Tim Pepperoniは、駆け、駆け、賭ける。純粋な勝負、剥き身の、ステゴロの勝負を求めて。

実際、アカギでさえも自分自身が博打の本質に身を浸しているわけではなく、それに「近づく」と表現しているように、人として社会で生活する我々にとって博打の本質は常に遠くにある。無論それはTim Pepperoniも例外ではなく、この『DICE!』を聴いていても金やプライドといった通俗的な物事が彼の脳裏をかすめていく描写もある。しかし、通俗性と狂気、そのせめぎ合いは作品にリアリティを与え、同時に彼が賽を振り続ける理由も与えている。できないからこそ、叶わないからこそ、彼は賽を振り続けるのである。SNSが人間の拡張空間となり、数字や記号といった通俗性がなおのこと人間に付いて回る現在において、その姿はひときわ異彩を放ってはいないだろうか。

見方を変えて少し俯瞰すると、この作品にあるテーマは珍しいものではないこともわかるだろう。「Life Is a Gamble」というヒップホップの持つカウンターカルチャーとしてのひとつの本質を物語るクリシェに象徴されるように、国内外問わずさまざまなラッパーたちがこれまで人生を音楽に賭けてきた。『DICE!』は賽を振り続けるその伝統にTim Pepperoniが連なるための作品でもある。Tim Pepperoniは言う。《今は俺の番》（“ROLL A DICE”）。Tim Pepperoniは言う。《次はお前の番》（同上）。

最後にfnmnlに掲載されたインタビューでのTim Pepperoniの“勝負”についての発言を引用しておく。

「自分にとって「楽しい」と「苦しい」みたいなことって表裏一体のところにあると思ってて。それでいったら「勝ち」も「負け」もおなじかなと思ってます。どこまでいってもオレのなかで勝つことで負けが生まれるというか。その繰り返しなんですよね。死ぬまでそうじゃないかなって思います。逆に言ったら、死んだら負けなんですよ」

引用元：fnmnl

どれだけ足を運んでもまだまだ底の知れない東京の地。 オフィス街、高級住宅地、それぞれの街にそれぞれのイメージがあるだろう。しかし、響きからだけではイメージにない、あの街にも心が「ホッとする」意外なスポットが。 そんなマーケット＝開拓地から発信する、放課後の教室の様な緩やかな対談企画がQeticでスタート。

日々、東京の街を徘徊するBOY奧冨がゲストを招き、目まぐるしく移り変わる都会の中で心が「ホッとする」味わい深いスポットで杯を交わしてのトークセッション。

きっと僕らがこれからの時代に必要な気持ちの安らぎや「ホッとする」事の大切さを感じられるはず。

第一回のゲストはchelmicoからRachelが登場。舞台になったのは白金。白金台駅からスタートし、ぶらぶらと白金の街を探検。そして最後は白金北里通りの中華料理屋・野沢屋で語っていただきました。

TOMMY　白金は歴史のある街なんだけど、そういう視点で取り上げられる機会が少ない気がする。メディアによく取り上げられるのは開発が進行中の街が多くて、映える人気スポットだとかに集中している気がしていて。だけど、色々な視点で見てみたら、また違う街の魅力に気がついてホッとできる場所を見つけられる。そういうことを気が合う仲間と掘り下げながらのほほんと会話する企画です。

レイチェルとは、昔、浅草のリサイクルセンターに一緒に行ったよね。そこでは街の住民の委託で商品が成り立ってて、お店がほぼなんでも買ってくれる。未開封のスポンジとかを50円で売ってたりする（笑）。発想がヤバい。

レイチェル　新品だけど、家で余ってたスポンジみたいな。あとは木彫りのクマとか、本当家にあるモノ。

TOMMY　最近、また行きたくなって調べたら閉業してたんだよ。そういう街の生活の香りがどんどん消えてる。渋谷とか、歓楽街では如実にそれを感じるかな。でも、都心でも渋谷からバスで10分行ったところには、こういう生活感のある街並みが広がってて。

レイチェル　バスですぐっていうのが意外だった。ここは結構奥まった場所だよね。駅がそんな周りにあるわけでもないから。

TOMMY　僕らは散々歩いたけどね（笑）。レイチェルはツアーだったり、フェスで全国各地に行くじゃない。ちなみに対バンツアーはどのくらい回るの？

レイチェル　7ヶ所かな。ほぼ平日なの。だからツアータイトルは「chelmico（ほぼ）平日ツアー」にした。1日だけ土曜がある。仙台かな。平日ツアーって言いたかったけど、それがあるからほぼ平日。もう強みに変えたいじゃん、せっかくなら。

TOMMY　いいね。普段、ツアーを回ってる時に街は見る？

レイチェル　すごい見るよ。でも車で移動するから、街を歩くことがあまりないんだよね。だから私はいつも悲しいな。3日くらいは居たい。前乗りして、ライブして、翌日は遊んでから帰りたい。でも日帰りが多いかな。

思い出深いのは、自分の地元の横浜の方にあった商店街。超ドープだった。でも好きだった店がここ3年くらいで無くなっちゃって超悲しい。全然行けてないんだけど、そこも案内したいな。色々、激アツな、お気に入りのロックバーがあるんだよね。それに1つの商店街の中に、パチンコ屋が4店もある（笑）。そこから広げていくと、もっとヤバいエリアもあって。地元にいた猛者たちが、今度はそこにどんどん集まっちゃった（笑）。昔は飲食店もいっぱいあって良かったんだけど、色々変わっちゃったみたい。

TOMMY　都心から外れた場所でも急激に変わっていってるよね。白金のこのエリアは去年知ってハマったんだけど、最近は大井町とかにもよく行ってる。大田区にはあまり日常で触れてこなかったんだけど、この数年になって急に行くようになってきた。きっかけはサウナなんだけど、知り合いに会わないような施設に行きたいっていう自分の欲求があって。友達と一緒に行くのは良いんだけど、静かに楽しみたいから施設内もなるべく混んでないとこに行きたい。

レイチェル　都内のサウナは混んでるの？

TOMMY　渋谷区とか世田谷区はすごいよ。時間によるけど行きたい時間はどこも混んでて、諦めて去年は神奈川までも行ったりもしてた。今は都内ではほぼ行かなくなって、DJ や遠征で各地に行った時に回りまくる。だから疲れを溜めとくの。

レイチェル　普通溜めないようにするけど（笑）。

TOMMY　東京で溜めに溜めてね。で、大井町に「おふろの王様」っていう有名なスーパー銭湯のチェーンがあるんだけど、マクドナルドがあるようなデパートの中に入っていて。大井町ってほとんど降りたことなかったから様子見てみようと思って、駅の逆側に行ったら古きよき飲み屋の横丁がブワーっと広がってる。こうやって色んなきっかけから街中を見るのも面白いなと。そして、結局飲み屋が並んでる景色が好きなんだろうね（笑）。

レイチェル　確かに、飲み屋がある道はなんか惹きつけられるよね。でも住んでなきゃなかなか行かない場所というか。この間大阪行った時、大阪に住んでる人に教えてもらった韓国焼肉みたいなお店行って、そこが天満にあった。初めて行ってすごく好きになったから、ご飯食べ終わってから、マミちゃんと別の場所で呑もうと。それで、スナックがいっぱい入ってるビルがあったの。1〜7階まで全部スナックで、入り口に看板が並んでる。そこに飛び込みで入ってみようとなった。そこで気になった「すずらん」ってとこに行った。「すずらん」って素敵だから。それで入ったら、すごく良いところだった（笑）。写真撮ったよ。これだ、プレステル天満。

TOMMY　いいな。そういう場所は惹かれるよね。行きたい。大阪の十四才とYAMASTOREって店とそれぞれポップアップをやってるから、なんだかんだ3ヶ月に1回くらい大阪に行ってるんだよね。天満エリアの近くだとCompufunk Recordsっていうレコード屋兼イベントスペースが印象的だったな。記憶の中では新代田FEVERの楽屋含めたくらいある。そこでLe MakeupのDJを初めて観たのを覚えてる。

レイチェル　そういえばこの前、Le MakeupとNeibissの2人と一緒に飲んだよ。急に後輩できたような感覚で楽しいんだ。遊んでくれて嬉しい。Neibissは神戸で、Le Makeupは大阪。その時は吉兆っていう大阪にいっぱいある焼き鳥屋さんに行ったんだけど、そこが本店だったのかな。ママが超個性的で面白かった。Neibissが「吉兆ってめっちゃありますよね。まぁ、いいですけど……」みたいな感じで入って行ったんだけど「俺の知ってる吉兆と違う」って（笑）。そうやって飛び込みで入るのがいいよね。ノールックが面白い。だから、今日も外観は知っていたけど、どんな感じかは分からないわけで。

TOMMY　印象的だった場所って、なかなか観光ガイドに載ってないからね。去年の2月、福井に初めて行ったんだけど、地元のみんなから「粂ちゃん」って居酒屋をおすすめされて、3軒目位で朝4時に行ったんだよ。70代半ばくらいの夫婦2人でやってて、メニューもなんだけど何より2人の掛け合いが最高で。そこでブチ上がりすぎて、6時半に何故か自分のオリジナルソングを作って弾き語りしてた（笑）。

──そういえば、奥富さんは山手線全駅に降りて飲み歩いてましたよね。

TOMMY　30歳の誕生日に、朝から山手線各駅で降りて飲んで。その頃は高輪ゲートウェイ駅ができてないから山手線は29駅で、馴染みの下北沢を終点の30駅目に。1日で計算して、1駅40分。山手線でも降りたことない駅がたくさんあるからそれも含めて新鮮だった。そこにはそれぞれの生活とか仕事があるわけじゃん。その面白さを垣間見れてまだまだ何も東京の事知らないなって。この前も王子に行く機会があったり、普段行かない街に行くとよく思う。そして、新しい発見の為に今日も歩き続けるっていう。レイチェルは街中を歩き回るとしたら飲食店が多い?

レイチェル　飲食店が多いね。スナックとか。スナックは毎日来てくれる人がいるから成り立つわけじゃん。だからベッドタウンとかにあるし、そんなに行かない場所なんだよね。

──若い人たちはあまりスナックに行かない気もします。

レイチェル　私、めっちゃ行くから、みんな行くと思ってた。確かに言われてみれば、若いお客さんいないわ。でも高円寺にめっちゃ好きなスナックあって……高円寺でスナックやろうかな。

TOMMY　それは新しい引き出しができそうだよね。スナックに行ったことない人も行ける。

レイチェル　その場所も看板を見て入ったんだけど、名前は「ひまわり」だった。私、花が好きなのかもしれない。私はバラにしようかな。スナック・ばら。

TOMMY　行きたい。でもこの生涯、悔しいのは時間の限りがあるのでどうしても行けない場所があること。絶対に聴けない音楽もあるし、だからこそ今出会ってるものに夢中になれるんだけど。

レイチェル　絶位に聴けない音楽があるのは悲しいよね。一度観た映画とかももう一回観たいじゃん。それをやると無理なんだよね。でも、東京だったらできるかも。エリアの飲食店全部行くとか。

TOMMY　それはあるよね。下北沢のカレーフェスとかも全部行ったことある人いるでしょ。

レイチェル　うん。下北沢でスナックやるのもいいかも。好きだし。

TOMMY　集い場になるよ。すずなり横丁の裏の裏とかなら良いんじゃない？

レイチェル　どうやってお店だすんだろ。

TOMMY　店舗の中でも飲食出すのは大変な印象だよね。

レイチェル　誰かこの連載を見ている人でスナックの開き方を知ってる人がいたら、レイチェルに教えてください。

──白金高輪、歩いてみてどうでしたか？

レイチェル　私はこのお店も中身が外から見えないし怖いなって印象もあったけど、ウェルカムで優しくしてくれたし、旅行に来た気分みたい。自分が住んでないエリアの生活を感じることができて、もっと知りたいなって思った。こういう機会じゃなきゃ来れないし、大人だからバタバタして「来月〜再来月に〜」なんてやってるうちに、一年たったりするから。本当にこの機会があって良かった。

TOMMY　渋谷に毎日いてみんなと会ったりするけど、ものの5分10分移動すれば普段とは違う景色で違う心持ちになれるよね。

レイチェル　リフレッシュできる。

TOMMY　さて、次はどの街へ……。

次回は何処へ？ 愉快な仲間たちと街を巡る、BOY・奧冨直人の『ホッとスポットマーケット』をお楽しみに！

今年で7年目を迎える電子音楽とデジタルアートの祭典＜MUTEK.JP＞が12月7日（水）〜11日（日）の5日間、東京・渋谷を舞台に「LINE CUBE SHIBUYA（渋谷公会堂）」「渋谷ストリーム ホール」「Spotify O-EAST」「WOMB」「スクランブルホール（SHIBUYA QWS）」で開催される。

＜MUTEK.JP 2022＞は、『A/Visions』、『Play 1』、『Play 2』、『Nocturne 1』、『Nocturne 2』の5つのプログラムと渋谷「WOMB」とのコラボレーション・パーティによって構成。全43組の国内外アーティスト（26のパフォーマンス）の出演が決定した。

そして今年は12月8日（木）・9日（金）に、AI、XR、メタバース、WEB3などの業界の発展に寄与することを目的としたカンファレンスイベント＜MUTEK.JP PRO Conference＞も同時開催される。

数年前から希望、時には不安をも帯びる“AIブーム”だが、近年では、「AIチャット」や「画像生成AI」など、“エンタメとしてのAI”との距離も身近になりつつあるのではないだろうか。本記事では、そんなAIなどのテクノロジーを用いて先進的にアプローチし、拡張させて作品を生み出すアーティストたちを紹介。直前に控えた＜MUTEK.JP＞の予習としても参考にしてみては！

テクノロジーとサウンド、映像が融合するラージスケールのオーディオビジュアルに焦点を当てたプログラム『A/Visions』。LINE CUBE SHIBUYA（渋谷公会堂）にて、Sougwen 愫君 ChungによるFlora『Rearing Agricultural Network』、そしてRyoji Ikedaによる『ultratronics [live set]』が披露される。

Sougwen 愫君 Chung（スグウェン・チャン）は、中国系カナダ人アーティストであり研究者。また、人間と人間以外のコラボレーションを探求するロンドン拠点のスタジオ、Scilicet（※）の創設者兼芸術監督でもある。 ※共同ディレクターであるアーティスト兼研究者のTessa Nijdamは12月8日（木）のカンファレンスにも登壇。

MIT（マサチューセッツ工科大学）のメディアラボの元リサーチフェローであり、ヒューマンマシンコラボレーションの分野のパイオニアとしても活躍。近年も、芸術と科学における業績でモナコの『Monte-Carlo Woman of the Year Award in 2019』に選ばれたほか、Lumen Prize for Art in Technologyを受賞するなど様々なフィールドで注目されている。

人間とシステムのダイナミクスを理解するためのアプローチとして、手作業で作成されたマークと機械で作成されたマークを模索するSougwen 愫君 Chung。『D.O.U.G._1』（2015）では、小型のロボットアームがコンピュータビジョンを搭載したカメラを使って、アーティストの手で描くジェスチャーを模倣し、彼女に合わせて同期して描画するシステムを、『D.O.U.G._2』（2017）は、ロボットアームがスーゲンの描くジェスチャーをもとに学習したニューラルネットに基づいてスケッチを生成し、ロボットの記憶と機械学習を探求した作品を発表した。

今回披露される「Flora Rearing Agricultural Network」は、植物と機械が互いに織りなす自然と生体模倣型ロボット工学を探るものであり、孤立の中でその着想を得たもの。この作品は数年かけて制作が進められ、これまでに上海の「Pearl Art Museum」、「SØRLANDETS Kunstmuseet Kristiansand」、「Honor Fraser Gallery Los Angeles」、「Vancouver Art Gallery」で映像や作品の展示を行ってきたが、このたび東京のMUTEK.JPで初のライブパフォーマンスを行う。世界プレミア公開となる貴重な一夜をぜひお見逃しなく。

パリと京都を拠点とし、その精緻な構成によってリスナーの感覚を聴覚的／視覚的に拡張し続けるメディアアーティスト・Ryoji Ikeda。彼の作品には超音波や周波数などといった化学的な見地がしばしば持ち込まれ、サウンドの設計を起点とした他に類を見ないライブ・パフォーマンス／インスタレーションがそこには広がる。

80年代に設立されたアーティストグループ・ダムタイプの舞台音楽でも知られており、近年も自身のレーベル〈codex｜edition〉の立ち上げや弘前れんが倉庫美術館での大規模な個展の開催と、しなやかにその表現領域を広げている。DJ スプーキー（DJ Spooky）によるコンピレーション・アルバムへの参加やデヴィッド・シルヴィアン（David Sylvian）へのリミックス提供など、国内のみならず海外のアーティストからもリスペクトを集めている。

今回は2022年12月に〈codex｜edition〉と〈NOTON〉よりリリースされる、前作から約10年ぶりとなるオリジナルアルバム『ultratronics』に合わせた最新のオーディオヴィジュアル・コンサートを披露。10月にWWW Xで行われた最新セットの初演もチケットが完売するなど、より一層期待が高まるばかりだ。テクノロジーとサウンド、そしてビジュアルが溶け合う『A/Visions』で彼が描くスケープに、最大限の期待をしたい。

12月8日（木）は「渋谷ストリーム ホール」にて行われる、AIとクリエイティビティ、オーディオビジュアルに焦点を当てた『Play 1』。Montreal Life Support & Woulgによるロボットがチェロを演奏するインスタレーション『Empty Vessels』や、モントリオール拠点のデジタルアーティストMyriam Bleauによるオーディオビジュアル・パフォーマンス「Unsculpt」などカッティングエッジなパフォーマンスが並ぶ。

今回注目してほしいのは、アーティスト／DJ／研究者として活躍するNao Tokui。これまでに手がけた作品はニューヨークMoMA、ロンドン・バービカンセンター、NTT InterCommunication Center、アルスエレクトロニカなどで展示。音楽作品としては〈PROGRESSIVE FOrM〉などのレーベルからのリリースや、Nujabesとのコラボレーション作品。また2021年1月には、これまでの活動をまとめた『創るためのAI 機械と創造性のはてしない物語』（BNN）を出版し、2021年度大川出版賞を受賞したことでも知られている。

これまでにも“AIと音楽”という文脈の中で数々の作品を発表してきたNao Tokuiだが、「音楽界の異端児」とも評される作曲家・エリック・サティによって提示された「家具の音楽」よりインスピレーションを得た『家具の音楽たち 2021 —AI生成音楽インスタレーション』では、サティの楽曲を学習したAI音楽生成モデルを試みた。

そして近年彼が取り組んでいる「AI DJ」は、AIによるDJパフォーマンスの未来を探るプロジェクト。まずはAI DJとしてAIによる選曲システムを開発。第2弾では、ステージ上で数個のAIモデルを活用し、リアルタイムに記号音楽（MIDI）を生成することに成功した。その際、人間のDJ（徳井）が生成AIモデルやドラムマシンの各種パラメータを制御することで、音楽的な組み立てを行っていく。さらには、次なるステージとして彼が目指したのは、DJとAIがリアルタイムで展開することによる、即興的なパフォーマンスだ。

今回の公演『Emergent Rhythm』では、人間のDJはDisk JockyではなくAJ、つまり「AI Jocky」としてAIが生成するオーディオストリームをリアルタイムで手なずけ、ステージ上でほぼリアルタイムに音声を生成するAIモデルを展開させる。そこにはシンセサイザーもドラムマシンもなく、演奏中に聞こえてくるのはすべて純粋なAI生成音となる。ヒューマニティーとAIが盤上で出会う瞬間を味わっていただきたい。

また同日には、准教授を務める慶應義塾大学SFC、徳井直生研究室「Computational Creativity Lab」所属のビジュアルアーティスト・Santa Naruseと、アーティスト／ミュージシャンのReo Anzaiによるデュオで、『Afflatus Spectrum』と題するヴィジュアルノーテーションを用いた人間とAIによるオーディオヴィジュアル・パフォーマンスも披露される。こちらも併せて必見だ。

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実験的で多角的なアプローチによるサウンドとイマーシヴなビジュアルに焦点を当てたオーディオビジュアル『Play 2』。コンポーザー・France JobinとメディアアーティストでDerivative社のテクニカルディレクターとしても知られるMarkus Heckmann、Mars89とHexpixels（神田竜／比嘉了）のコラボレーション、YOSHIROTTENと音楽ユニットYATTの相方TAKAKAHN、INS StudioのBaku Hashimotoによる初のオーディオビジュアル・ライブパフォーマンスなど見逃せないタッグセットが豊富にラインナップされている。

そんな『Play 2』において、鮮やかな色合いや極細テクスチャー、ビートシンク、ホログラフィックをスタイルとするモントリオール拠点のVJ BunBunと、東京アンダーグラウンドシーンを軸に近年海外でも活躍する注目のライブパフォーマー・Kopyが共演することが決定。

BunBunはモントリオールを拠点に活動するVJ。彼女の作品は＜Bass Coast＞や＜C2＞をはじめとした、30以上の国際的なフェスティバルやカンファレンスで発表されてきた。またアリシア・キーズ（Alicia Keys）やアタリ・ティーンエイジ・ライオット（Atari Teenage Riot）、ブラック・コーヒー（Black Coffee）など、彼女は何百もの著名なアーティストと共にこれまでビジュアルパフォーマンスを行ってきた。

そしてKOPYは呉山夕子のエレクトロニックソロプロジェクト。2002年から2015年まで関西アンダーグラウンドシーンから飛び出してきたwater faiというバンドに所属し、ギターを担当した。現在はThe creamsでギターを弾いている。シンセサイザーノイズユニット・Turtle Yamaとしても活動中だ。

KOPY名義では2015年に自主でCDR『volume 1』を、2016年にライブバージョンのCDR『Live at forest limit』をリリース。2016年にヨーロッパツアーを行い、デュッセルドルフの＜Salon des Amateurs＞やアントワープなどでパフォーマンス。2018年のヨーロッパツアーでは＜Meakusma Festival＞でレーナ・ヴィリケンス（Lena Willikens）のショーケースに出演。2021年にはデュッセルドルフのフェスティバル＜Theater der Welt＞に出演した。また、鎮座DOPENESSとのコラボレーションや＜全感覚祭＞への出演など国内外のシーンを縦横無尽に駆け抜けている。今回はそんな両者が共演。VJと音楽という軸を持ちながらも、そこから絶え間ないイマジネーションで他の領域へ接近し続ける2人の邂逅を目撃してほしい。

エレクトロニックミュージックのリズムの魅力に特化したプログラム[Nocturne]。世界中で高い評価を集めるドイツ人プロデューサーPantha du Princeによる待望の初来日公演など、最終日まで見逃せない充実度となっている。なかでもHatis Noitの最新作が、Yuma Kishiとのコラボレーションで日本初ライブセットとなる今回は必見だ。

北海道知床出身、ロンドン在住の日本人ヴォーカリスト・Hatis Noit。雅楽／オペラ／ブルガリア語／グレゴリオ聖歌／アバンギャルド／ポップスなど、あらゆるジャンルのヴォーカルからインスピレーションを受け、独学で創り上げたという彼女の歌声は、原始的でありながら聴き手に潜在的な啓示を施す。

2017年にビジュアルアーティスト・Nobumichi Asaiとのコラボレーションプロジェクト「Inori」のライブを＜MUTEK.JP＞で初披露。2018年には最初のEP『Illogical Dance』を〈Erased Tapes〉からリリース。以降、＜2018SS MILAN COLLECTION＞、＜Manchester International Festival＞、ロンドン・コンテンポラリー・オーケストラとの公演をはじめ、ヨーロッパ各地でソロライブを行う。2022年6月には初のフルアルバム『Aura』をリリースし、多くの批評家たちから絶賛された。

そんなHatis Noitのカムバックステージを共にする岸裕真は、AIを用いてデータドリブンなデジタル作品や彫刻を制作し、高い評価を得ている日本の現代美術家。2019年に東京大学大学院工学系研究科修了・2021年より東京藝術大学先端芸術表現科修士課程在籍するバックグラウンドを持つ。彼の作品はナイキなどの有名ブランドやVogueなどの世界的雑誌で紹介され、日本国内で広く展示。昨年には「ポカリスエット 2021」のキャンペーンで話題となった、A_oの“ BLUE SOULS”MVや、Radwimpsの“FOREVER DAZE”のアートワークにも参加するなど、注目度は高まるばかり。

今年の2月には初の作品集『Imaginary Bones』を発表。書籍のみの通常版とNFTアート付きの限定版の2種類で販売されたことも記憶に新しい。彼は西洋とアジアの美術史の規範からモチーフやシンボルを借用し、美学の歴史に対する我々の認識を歪めるような絵画を制作。AI技術を駆使した彼の作品は、過去の名作絵画を引きつつも見る者の自己意識の一瞬のズレを呼び起こし、「今とここ」の間にあるリミナルな空間を作り出す。

[Nocturne]ではHatis Noitのニューアルバムのライブセットを日本初披露。電子的なリズムに重点を置きながら、あらゆる方向へ伸長してやまない独特な表現の数々を、ぜひ体感してほしい。

12月10日（土）には「Spotify O-EAST」にて、エレクトロニックミュージックのリズムの魅力に特化したプログラム『Nocturne 1』が開催。

ドイツ実験音響の最高峰レーベル〈Raster〉のショーケースとして、レーベル主宰のByetoneによるリズム、サウンド、レーザーを組み合わせたショー「Pluses」、Mieko Suzuki & Claudia Rohrmoserの実験的AVパフォーマンス、Kyoka & Shohei Fujimotoによる脳と自己の共鳴を試みる新作オーディオビジュアル作品「自己共鳴投影上映開始 CINEMA BLACKBOX」が公開。

そしてmachinaとAli M. Demirelの初コラボレーションが実現する。また追加ラインナップとして、2019年に開催された＜Digital Choc × MUTEK.JP＞以来の来日となるフランス出身の分野横断的なアーティストNSDOSが出演決定となった。

さらに同日夜はMUTEK.JPとWOMBのコラボレーション・パーティを開催。メインフロアでは、モントリオールのエレクトロニックミュージックシーンで絶大な支持を集めるプロデューサー・Prioriと、ここ数年で日本のトップDJのひとりへと躍り出たOcca、そして昨年のMUTEK.JPでライヴセット・デビューを果たした東京拠点のテクノプロデューサー・Risa Taniguchi、モントリオール拠点のlaced & LCL_Streamの4組が登場する。

サウンドやヴィジュアルといった区分を軽々と越境し、最先端のテクノロジーを組み込みながら観客に提示する＜MUTEK.JP＞。エクスペリメンタルやアヴァンギャルドと呼ばれる領域とも密接に関わり合いながら、それらは身体的な快楽や気づきをあなたにもたらすだろう。五感をフルに使うことによって得られる未知の体験を、ぜひ会場で浴びてほしい。

SixTONESはこれから、もっともっと「SixTONES」になっていく。この言葉は、彼らが2021年10月に発売したライブ映像作品『on eST』をレビューした際、筆者が記事の幕切れに綴ったものだ（レビュー：SixTONESがアリーナツアー＜on eST＞で体現、従来のアイドルソングを覆すオントレンドな音楽性とステージパフォーマンス）。

この“SixTONESになる”とはどんな意味だったのか。様々な定義が思い浮かぶなかで、うちひとつに“アーティストになる”という言い換えができると思う。SixTONESがアイドルではなく、もっともっとアーティストとしての佇まいを獲得していく。そう考えさせられたのは、9月28日に発売されるライブ映像作品『Feel da CITY』の視聴を終えてのことだ。

同作には、SixTONESが今年1月から約半年弱にわたり開催した全国アリーナツアー『Feel da CITY』より、1月6日の神奈川・横浜アリーナ公演の模様を収録。同ツアーで最初に訪れる土地にして、彼らがジャニーズJr.時代より親しみのある、いわば“ホーム”のような会場。何より、本番前日は今回のセットリストの中核を担った、2ndアルバムにして名盤『CITY』発売当日という好タイミングだったわけである。決して筋書き通りのライブにせず、街から街へと火をばら撒いていく。そんなメンバーのバイブスは、画面越しでも熱すぎるくらいに感じられるはずだ。

本題に入ろう。それでは、アーティストが作り出す“最高峰の表現”とは何なのだろうか。言わずもがな、明確な答えはない。アーティスト自身の得意とするジャンルによっても十人十色だろう。ただ、少なくともSixTONESにとって、それは“踊れる楽曲を提示”することだと思う。“キングオブステージ”と言われんばかりに、ペンライトのみならず、首をも振れる音楽を届けることだと日々、感じている。

それを今回のライブで特に証明してくれたのが、本編2ブロック目。6曲目“Dawn”から14曲目“WHIP THAT”までだ（と書いていて改めて思ったが、ユニット曲を挟むにせよ9曲連続で披露するスタミナが凄すぎる）。勇敢な男の意志を歌うゴシックテイストなワイルドロック“Dawn”に始まり、“Papercut”では80年代テイストを織り交ぜた色気のあるミドルダンスチューンに。

そこから“Papercut”と同じ毛色の王道ディスコチューン“Odds”へと気持ちよくパスすると、お次はなんと、アルバム『CITY』初回盤Bのみに収録された、ジェシー×森本慎太郎によるユニット曲。ニュージャックスウィングを取り入れた“LOUDER”である。こんな美しすぎる流れはもう、全人類が漏れなく頭を振りまくるに違いない。むしろ、ここまでダンス系の楽曲が続いていて踊らない方が失礼。もちろん筆者も画面に映るSixTONESに捧げるかのように頭を振り倒した。

少し私情を挟んだが、このあたりのパフォーマンス映像を観た視聴者のなかには、“いかにもアイドルらしいラインダンスだ”と思う方もいるかもしれない。たしかにメンバーが花道に並ぶ姿は一見するとそうとも取れるのだが、ハンドマイクを持つ代わりに足元のステップを重視したダンス、演出とダンスの相性、何より彼らの“歌”に比重を置いたステージを見れば、考えが変わる可能性もあるのではないだろうか。

これは決してアイドルとアーティストという概念を並べて比較して、上下関係をつけようとしているのではない。“Papercut”や“LOUDER”など、SixTONESの楽曲は“人を笑顔にする”次元を超越して、“人を踊らせる”域に達している。ただそれだけを伝えたいのだ。

恐ろしいのは、この2ブロック目が現時点でまだ折り返しにすら到達していないこと。“LOUDER”以降を駆け足に紹介すると、松村北斗×髙地優吾のユニット曲として、TikTokのバズメイカーこと和ぬかが提供した和メロ〜チャイナポップな趣きを感じる“真っ赤な嘘”、当時発売前だった6thシングルからの先行披露曲として、ロック方面でも“踊らせられる”ことを示したハイスピードな“共鳴”。さらには、冬の日を思わせるようなメロウなHIPHOP調のトラックの上で、最愛の人への想いをチルに歌うR&Bバラード“love u...”でも、自然と身体を揺らされる。

2ブロック目の終盤は、エレクトロ〜トロピカルハウスな“You & I”と、ダーティなEDMチューン“WHIP THAT”と、徐々にボルテージを上げていく形でオチが付けられる。振り返ると、アルバム『CITY』収録曲はもちろん、前回のライブではお披露目とならず、ファン待望だった2ndシングル『NAVIGATOR』カップリング曲から、まだ発表前の楽曲まで。ライブ本編のラストスパートなどにシングル表題曲を並べ、メジャーデビュー以降の歴史を感じられたこともまたオツなことに違いない。

しかしながら、こうしたグループの先進性を示す、“精鋭”と呼ぶに相応しい楽曲を集めた2ブロック目。もちろん、team SixTONESは特典映像まで余すところなく視聴するに違いないが、家族や友人に本作を貸し出す（あるいは“布教する”と言った方が伝わりやすいか）際には、この2ブロック目だけでも観てほしいと、何度でも念押ししてほしい。本稿を読んでいる読者が、“大事なことは2回言うタイプ”だと信じている。

それ以外にも、京本大我×田中樹ペアでの“With The Flow”は、京本がギターを弾き、田中がリリックを書き上げたというメンバー自身も制作や楽器演奏に携わった楽曲。この情報は、田中が歌唱前にも説明していたが、その際の口ぶりはとても自信と充実感に満ち溢れたものだった。

また、ライブ序盤まで遡って、“S.I.X”はいつもの頼れるフロアバンガーだったし、3ブロック目の幕開けとなった“Everlasting”、本編ラストの“Good Times”、この日のフィナーレを飾った“Cassette Tape”と、要所ごとに挟まれたバラードは、エバーグリーンなサウンドでSixTONESの歌の温かさを体現してくれる。本稿では2ブロック目を特筆して取り上げたが、この日に披露されたアンコールを含み、30曲すべてが、彼らが描く街の主人公だったのだ。

当初の予定では、SixTONESとステージで使用するハンドマイクの関係性という、もう少しアーティストチックな話題を掘り下げるはずだったのだが、ここまで収録内容について少し語りすぎたために割愛するとして、本稿の締めくくりに、全国アリーナツアー『Feel da CITY』の全貌に改めて触れていきたい。

SixTONESにとって、同ツアーはメジャーデビュー後初となる、当初計画の全公演を完走する思い入れ深いツアーとなった。そのタイトルに掲げたのは“Feel da CITY＝街を感じる”。前回ツアー『on eST』にて自らの“最上級”を更新したとなれば、そのスキルや想いが自身の周囲＝街へと拡張していくのは自然な流れだろう。ライブ序盤に放たれた「ここがオレたちの街だ！」というパンチラインは、誰もの心に刻み込まれたはず。同時に、北は北海道、南は熊本まで。全国を飛び回るツアーを経験したことで、メンバー自身もライブ参加者とは別の意味から各地方の“街を感じ”、街を拡張させていったのではないだろうか。

さて、SixTONESはこのたび、同ツアーで日本全国を“オレたちの街”に染め上げたわけだが、それはつまり、彼らの音楽を受け止めるために、この日本という街ではすでにキャパシティが目一杯だということ。となると、1ファンとしての勝手な期待と願いとしては……。SixTONESに、この街はもう狭すぎる。