8月28日（金）、麻布台ヒルズギャラリーにて「RYUICHI SAKAMOTO + SHIRO TAKATANI AMBIENT KYOTO - TOKYO」が開幕した。京都を拠点に、音、アート、空間による体験をつくってきた〈AMBIENT KYOTO〉にとって、これが初の東京開催となる。 本展の出展作品は、坂本龍一と高谷史郎によるインスタレーション《async - immersion》。2023年の〈AMBIENT KYOTO〉で発表され、その後、東京都現代美術館などで形を変えながら展示されてきた作品が、今回は京都展と同じ幅26.4メートルもの巨大スクリーンと、麻布台ヒルズギャラリーのために再構築された立体音響によって立ち上がる。

前日に行われた内覧会では、高谷史郎による来場者への挨拶があった。高谷は1984年、京都市立芸術大学在学中にダムタイプの活動に参加。映像、光、音、舞台装置など多様なメディアを横断し、パフォーマンスやインスタレーションを発表してきた芸術家。1998年からはソロでの制作も並行している。 坂本と高谷は、2007年のインスタレーション《LIFE - fluid, invisible, inaudible...》をはじめ、長年にわたりコラボレーションを重ねてきた。坂本による2017年の作品『async』をめぐっても、高谷はアルバムのアートワーク（坂本のニューヨークのスタジオで撮影）や、ブルーレイ『async surround』、ワタリウム美術館での5.1チャンネル・サラウンドのインスタレーション作品《async - drowning》などに携わっている。2021年には二人によるシアターピース『TIME』が世界初演され、翌年には坂本がダムタイプの新メンバーに。音楽家と映像作家という分業を超え、音と映像、身体と空間の関係をともに探ってきた間柄だ。

今回展示される《async - immersion》は、坂本の没後に制作され、完成したインスタレーションを坂本自身が体験することは叶わなかった。内覧会で高谷は、「坂本さんご本人に体験してもらうことができなかったのは残念」と語りつつ、制作に関わった全員が「坂本さんに捧げるような気持ち」でつくったと明かす。 高谷によれば、本作は鑑賞者が空間に入り、音と映像を体験することで初めてインスタレーションとして成立するという。 「坂本さんの音を全身で体験し、それによって記憶の中から何かが引き出される。そうした出来事が起きて初めて、インスタレーションとして成立するのです」

その言葉は、実際に作品を体験するためのひとつの道標となった。展示室に足を踏み入れると、視界いっぱいに伸びるスクリーンの上を、高谷がスリットスキャンの技法を用いて制作した映像が絶え間なく流れている。映像の素材となったのは、森の木々や花の接写、島々の浮かぶ海。坂本のスタジオに置かれたピアノや機材、マレットやトライアングル、ギターの弦が並ぶ作業机。そして、東日本大震災の津波で被災し、坂本が「自然によって調律された」と捉えたピアノ……等々。

巨大なスクリーンの端から動画が静止画へと変わり、時間を凍結させながら色の層へ分解されていく。揺らめくレイヤーは、ときに砂漠の地平線や土星の輪、長時間露光で撮られた天体、夜明け前の山の稜線にも見える。具象的な風景が抽象へほどけ、別の風景へ結び直される。その変化を目で追ううちに、自分が何を見ているのかという確信もゆっくりと揺らいでいく。 音響ディレクターのZAKが構築したサウンドも圧巻だ。前方だけでなく、頭上や背後に配されたスピーカーから、ピアノやシンセサイザー、金属の振動、自然界の音、ノイズ、語りが、異なる距離と質感を伴って立ち現れる。音が一方向から押し寄せてくるのではなく、その内部を歩いているような感覚。あるいは、坂本の脳内に広がる音の風景へ入り込んでいくようでもある。

《async - immersion》では、1時間弱の音楽と2時間弱の映像が完全には同期せず、それぞれ異なる周期で進んでいく。同じ場面に同じ音が重なることはほとんどなく、目の前の関係は二度と繰り返されない。高谷は鑑賞時間について「たった1分でも、そこで何かを得たのであれば、それでいい」と語った。すべてを見届けることを目指すのではなく、音と映像によって自分の内側から引き出されるものに向き合う。そのための時間なのだ。 今回の東京開催が示したのは、完成した作品を単に別の都市へ移植することではない。建築の構造や音の反射、スクリーンとの距離、そこへ集う人々までを受け入れながら、新たな「場」をつくり出すこと。その営みこそが、〈AMBIENT KYOTO〉というプロジェクトの現在地なのだろう。

《async - immersion》は、場所に応じて姿を変え、鑑賞者を作品の一部へ迎え入れる。〈AMBIENT KYOTO〉の思想を鮮やかに体現する作品のひとつとして、今後もプロジェクトを支える重要な柱となっていくだろう。 さらに、2027年春には京都でレイ・ハラカミをフィーチャーした展覧会の開催も予告されている。京都から東京へ、そして再び新たな音と場所へ。〈AMBIENT KYOTO〉が次にどのような「場」を立ち上げ、私たちの内側にどんな風景を呼び覚ますのか。そのさらなる広がりに期待したい。

Text by 黒田隆憲 Photo by Kaoru Goto

京都中央信用金庫 旧厚生センターでは、Cornelius、Buffalo Daughter、山本精一の音楽と映像作家たちの映像、そして舞台照明のプロフェッショナルによる光の演出を体験できる。Corneliusは、最新アルバム『夢中夢 -Dream In Dream-』から2曲、そして本アルバムに収録されたシングルのカップリング曲1曲をフィーチャー。本ベニュー最大となる1F展示室では、“QUANTUM GHOSTS”の立体音響と髙田政義氏による照明がシンクロする視聴覚体験を堪能できる。展示室中央に配置された格子状の台を取り囲むのは20台のスピーカーと色とりどりの照明。台の上に乗ると、それぞれから発せられる無数の音や光の刺激に圧倒されるはずだ。

2F展示室では、“TOO PURE”のオーディオビジュアル作品が展開。ギターやシンセサイザーの音色とともに鳥のさえずりが響き渡る中、楽曲の世界観を描いたgroovision制作の映像が部屋一帯に広がるLEDスクリーンに映し出される。まるでバーチャルの自然に迷い込んだかのようなイマーシブな体験を味わうことができる。床には人工芝が敷き詰められているので、ピクニックさながらに地面に座り、リラックスしながら鑑賞するのもおすすめだ。

3F展示室で展開される体験型インスタレーション“霧中夢 ‒ Dream in the Mist ‒”は、霧・音・光が一体となった作品。静と動を行き来するサウンドと照明が飛び交う展示室内を、濃霧に包まれながら歩いていると、次第に幻想的な異世界を手探りで探検しているような感覚に陥っていく。室内が水蒸気に満ちていることも相まって、吸い込む空気さえも普段とは違っているように感じられる。日常からの解放感を存分に実感できる本作を体験すれば、展示室から出る頃には気持ちも晴れやかになっているはずだ。

当館3FではCorneliusの作品だけでなく、別室にてBuffalo Daughterと山本精一の作品も展示。室内には音を透過する特殊スクリーンが向かい合わせに設置され、音楽とともに映像インスタレーションを楽しむことができる。Buffalo Daughterは最新アルバム『We Are The Times』に収録された楽曲2曲“Everything Valley”と“ET（Densha）”の世界観を拡張する映像インスタレーションを展開。“Everything Valley”の映像はクリエイターの住吉清隆が、“ET（Densha）”の映像はベルリン在住の映像/音響アーティストである黒川良一が手掛けている。粒子の質感を帯びた音と映像が波のように打ち寄せ、身体と意識がさらわれていく。そんなダイナミックな迫力に浸ることができる作品となっている。

山本精一は本展のために新曲“Silhouette”を書き下ろし、ビジュアル・アーティストの仙石彬人と共同で作品を制作。山本いわく「各シーンにおける変化のプロセスを、なるたけシームレスに表現するよう心がけた」という本作だが、その機微を捉えようと音に傾聴し、映像を注視しているうちに、知らぬ間にそれぞれが刻々と変化していることに気づかされるのだ。本作を体験すれば、日々が変化の連続であることを改めて実感できることだろう。この体験を境に、日常に潜む新たな発見を見出せるようになるかもしれない。

本展最大の作品となるのは、坂本龍一 ＋ 高谷史郎による作品『async – immersion 2023』だ。本作が展示されるのは京都新聞社地下1階。会場のエントランスに一歩入ると、坂本龍一が2017年にリリースしたスタジオ・アルバム『async』に収録された楽曲が聞こえてくる。「async＝非同期」を題材にしたこのアルバムは、ピアノやオルガンの旋律とアナログ・シンセサイザーの電子音、そして街や自然にあるノイズが共存する時間を封じ込めたような実験的作品だ。かつて新聞の印刷所だった名残を感じさせるベニューに足を踏み入れると、立体的に聴こえてくる楽曲の美しさに耳留まると同時に、横幅20mはあろうかという巨大なディスプレイに目を奪われる。

ディスプレイにはスリットスキャン技術を採用した高谷史郎の映像作品が止まることなく流れ続ける。音源機材や傷んだピアノ、整理された書庫、雨が降る庭先、山の木々、水辺とありふれた景色が季節の移ろいのように変わり、時には色褪せ、時には色づいていく。本のページをめくるように少しずつ映像が切り替わっていく様を見ているうちに、薄れていた日常の断片的な記憶がぼんやりと浮かんでくるような感覚を覚えるのだ。目に見たままを身体に流し込むように寄り添う音は、その場に醸成された雰囲気や流れる時間の残滓を耳に残していく。意識を集中させずとも、その場にいるだけで残像や残響が脳裡に染み付いていくのが認識できる。映像と音は一部テキスト部分を除きシンクロしていないため、体験するごとにその印象が変化していく。訪れるたびに違った空気感を楽しめるのも本作の魅力の一つだろう。

本展を通して身をもって実感したのは、「アンビエント」とは作品を手がける人やその展示場所、そして作品と過ごす時間ごとに違っていて、受け手の捉え方も体験ごとに変わっていくということ。ありのままに身を委ねる体験こそが、＜AMBIENT KYOTO＞ならではの「アンビエント」なのかもしれない。