偶然にもイベントのタイトル通り、雨が降りしきるなか、LINE CUBE SHIBUYAにはReiと〈QUILT Friends〉たちの勇姿を観に、多くの人が押し寄せていた。会場内を見渡すと、老若男女、実に幅広い客層が集っていることがうかがえる。 開演時間。雨のSEとともに傘をさして現れたのは、雨合羽をモチーフとした衣装をまとったRei。弾き語りの“Rainy Monday Blues”で静かに幕をあける。ここまでは、ある意味でいつもの「Reiのライブ」らしい光景だ。

しかし、静けさを突き破るようにバックバンドのジャムセッションがスタート。アルバムの表題曲である“QUILT”のイントロが始まると、舞台袖からは〈Friends〉のトップバッターであるRyohuが登場。会場全体が大きく波打つ。気づけば着席していたオーディエンスもほぼ全員が立ち上がっていた。 Reiに限らず、ミュージシャンがゲストを招きライブパフォーマンスを披露することは珍しくはない。だが、まさか冒頭からゲストが登場するとは。まさにアルバム『QUILT』の一曲目を再生した時の「序盤からここまで飛ばしていいの？」という衝撃を思い出す。

通常時はゲスト1名とReiのツーマンで開催される＜Reiny Friday -Rei & Friends-＞。今回はさまざまなアーティストとのコラボレーションが織りなす「QUILT」をもとにしたイベントだからこそ、彼女の“QUILT Friends”が次々と登場する。 藤原さくらとはプロジェクトで共作した“Smile!”と藤原のオリジナル楽曲である“Super good”を2人で。カントリー要素満載の“Don’t Mind Baby”、“STAY AWAKE”、Reiのデビュー作 “BLU” に収録され、二人の思い出の曲である“Long Way to Go”を長岡亮介と。Reiは彼女・彼らが登場するごとに、プロジェクトで楽曲を制作する際のエピソードを織り交ぜる。 この日はRei曰く「直接ご本人とコミュニケーションをとりながら、ゲストによっては思い出深い楽曲も演奏させていただいた」という。藤原とのセッションでは「夕ご飯を食べた後に一緒に歌ったこともある」（Rei）という大瀧詠一の名曲“君は天然色”をカバー。長岡との“STAY AWAKE”の時は、バンドメンバーがウッドベースやアコーディオンの音色で鍵盤を演奏するなど、スペシャルなセットが用意されていた（ちなみにバンドのBa担当であるハマ・オカモトが、ステージでウッドベースを披露するのも初だった）。

冒頭のRyohu然り、ゲストが入れ替わるごとにステージの空気が変化する。まさにアルバムの体現する、様々な布がつなぎ合わされて、一つのキルトが生まれていく世界観が再現されていた。 〈Friends〉としてプロジェクト「QUILT」に参加し、舞台上でのセッションを終えた3人は終演後、次のようにイベントに対する感想を述べる。 Ryohu　さまざまなアーティストの客演に参加したことはあるのですが、スタートから出演したのは初めて。Reiちゃんのイベントだけど、あたかも自分のイベントかのように緊張していました。ただせっかく唯一のラッパーとして出るからこそ、スタートを勢いよく切れるようにしました。 その後、（藤原）さくらちゃんでステージも華やぎ、（長岡）亮介さんのギターは存在感がある。特に亮介さんとReiちゃんのコラボは、2人がステージに立つ姿を前から知っていたからこそ、微笑ましく観ていました」 藤原さくら　かっこよかったですね、夢が叶う素敵な瞬間を見させてもらいました。アンコールの前、舞台袖でフラっとなりながらも、自分を鼓舞して、みんなの前に立って。呼んでもらえて幸せなライブでした。友達がキラキラと楽しそうに歌う姿が見れて嬉しかったです 長岡亮介　慌ただしく終わった感覚です。解放されたと思ったら、また引き戻されていくような感じ。何より、大きなステージでReiちゃんとやるのは初めてなので、不思議な感覚でした。そして僕の前にゲスト出演した2人だけではなく、みんなが緊張感を持っている印象がありましたね」

この日は思いがけないサプライズもあった。プロジェクト「QUILT」にも参加した細野晴臣が、急遽ゲストとして登場したのだ。会場を見渡し「年齢層が幅広くて素晴らしい。ここからは老人のコーナーとなります」と笑う細野。MCでは細野のラジオに呼ばれ、その後、細野の活動50周年を記念したイベントにReiが出演することになったエピソードが、彼女の口から語られる。 披露されたのは、Bing Crosby And The Andrews Sistersの名曲であり、細野も「HARRY HOSONO & THE WORLD SHYNESS」名義でリリースした“Pistol Packin' Mama”。Rei が細野のイベント出演時に共演した、2人にとって思い出深い曲だった。

また、Rei自身が仕掛けるサプライズも。MIKEY（東京ゲゲゲイ）とのコラボレーション“CRAZY! CRAZY!”では、Reiがバックダンサーとともに踊ったのだ！ 従来のライブにはなかった演出に、オーディエンスも湧き上がる。そして歌いながら、ステージをセクシーに闊歩するMIKEY。まるで嵐のような数分間だった。終演後、MIKEYは次のように語る。 MIKEY（東京ゲゲゲイ）　Reiさんは『音を楽しむ』という感覚のもとパフォーマンスをされている。こういった自由度の高いステージに立つのは久しぶりでした。特に東京ゲゲゲイでずっとやってきたのは、カチッと決められた演出。立ち位置も決まっていない空間でパフォーマンスするのは新鮮で楽しかったです。

実はこのイベントは、誰もが喜べるサプライズだけではなく、思わぬハプニングにも見舞われていたのだ。 イベントが開催される数日前、サポートドラマーを務める予定だった、澤村一平（SANABAGUN.）が体調不良によりキャンセル。大急ぎでReiは、HAZE (大宮洋介)、岡本啓佑の2人に代打をオファーする。イベントの前半をHAZE、後半を岡本が担当するという分担で、3時間弱の長丁場を乗り切った。 アルバム『QUILT』でもサポートとして参加した渡辺シュンスケ（key）、ハマ・オカモト（ba）に加え、2人交代制のドラム。ReiはMCでも「ドラムレスにするか、延期するか。いろんな選択肢が頭の中を巡ったが、チームメイトのサポートもあり無事開催できた」と語っていた。このメンバーだからこそ乗り越えられたアクシデントだった、と言っても過言ではない。バンドで参加した4人は次のように振り返る。 HAZE　すごい経験をさせてもらいました。オファーを受けたのは、2日前の夜23:00頃。連絡が来て『マジですか？』って震えましたね。やる前は、文字通り悪夢のような経験。でも、無事に終えられて、ホッとしています 岡本啓佑　最初はどうなるのか心配だったのですが、ステージに立ったら楽しくて。ハマくんもシュンスケさんもよく一緒にやっているし、安心感はありました。実は、リハーサル中にReiちゃんから『けいちゃん、今は優しくしてるけど、本番は厳しいからね』って（笑）。実際Reiちゃんは厳しかったのですが、時折優しい眼差しもくれて、頼もしかった 渡辺シュンスケ　いろんなハプニングがありましたが、みんなで乗り切って、全力でやりきったような感じです。こんな豪華な3時間があっていいものかと。すごく楽しくて、忘れられない日になりました ハマ・オカモト　セットリストのようなシンプルな準備だけならまだしも、フライヤーから映像まで、全部自分で作っているんです。並の人では抱えられないほどのタスクをこなしながら、歌うし弾く。バンドメンバーとして横で見続けていて、純粋に感動しました。ウッドベースもReiちゃんの提案が無かったらやらなかった。いいきっかけを与えてもらいました

アンコールでは、今回出演したRyohu、藤原さくら、長岡亮介、MIKEYとバックダンサーのSYUHEI/MIKUが舞台袖から登場。舞台上で〈QUILT FRIENDS〉に見守られながらReiが“BLACK BANANA”を演奏し、大団円を迎えた。 上京して以降、“Reiのキャリアにおける重要人物”であるゲストたち。この日、ステージのキャパシティは＜Reiny Friday -Rei & Friends-＞シリーズの中では最大面積を誇っていた。 しかし最後のアンコールで、Reiが仲間たちと文字通り“ワチャワチャ”しながらカオティックに演奏する様子を見て、彼女が昔、気のおけない友人たちと小さなスタジオでセッションしていた頃の姿を想起させられた。 「音楽さえあれば良いんだ！と意固地になって生きてきましたが、今回を通し、音楽が大好きになり、人に生かされていることを感じました。人に生かされて音楽が生まれた。気づくのが遅かったけど、感謝しています」。アンコール前のMCでそう感想を述べたRei。彼女の眼差しからは、今回生み出された一枚の大きなキルトが、これからもさまざまな才能と重なり合いながら、徐々に広がっていくことを感じさせられた。

終演後、彼女は次のように我々のもとへコメントを寄せた。 Rei　このイベントは『雨の金曜日、外には遊びに行けないから、お家でお友達を集めて音楽を 奏でよう』というコンセプトのもと、今回で14回目の開催となりました。 毎度ゲストこと〈フレンズ〉をお招きしてライヴを行っているのですが、〈ホストとゲスト〉という関係性より、より相互関係がフラットな〈フレンズ〉が私らしいと思い、こだわって 〈フレンズ〉という呼び名を使っています。 このライヴのコンセプトは、実際に雨が降っている日にお家で演奏する、という具体的な情景描写でありながら、『大変な時も、辛い時も、大切なひとと肩を寄せ合い、手を取り合って生きていこうね』というメッセージでもあります。 クラシックギターやブルーズなど、独奏を中心とする音楽ジャンルに親しんできた私にとって、人と演奏することや、人との深い繋がりを感じることは、とっておきのご褒美。いつも瑞々しい喜びを与えてくれます。 それぞれが、それぞれに、インディペンデントな精神で自世界を確立しているからこそ、交わることがより一層楽しくなる。今回のイベントではそんなことを再確認しました。またいつか、みんなで集まって再会を祝えるように、これからさらに自身の音楽を求道していきたいです。次は野音でやりたい！

━━Reiさんは長岡さんとの出会いについて「下北沢GARAGEの楽屋で初めて会った」と、過去のインタビューでお話しされていましたよね。

Rei　そうです。GARAGEに通っていた時にいらっしゃって。当時の店長である出口和宏さんとは夏になるとお祭りで遊ぶような仲で、はたまた亮介さんも出口さんと深い仲だったんですよね。最初は「ペトロールズの長岡亮介さん」と認識せずにお話ししていたのですが、徐々に整合性がついてきました。車の話をすることが多かったですね。

長岡亮介（以下、長岡）　「真空管屋さんに行くのが好き」みたいな話もしたっけ。「変な子だな」と思っていました（笑）。「あの子のギター、すごいらしいよ」と噂は聞いていたのですが、実際にバリバリ弾いているところをGARAGEで観た時、見た目とのギャップがすごく面白かったんですよね。

━━RyohuさんとReiさんの出会いもGARAGEでしたか？

Ryohu　昔の話すぎて、ちょっと記憶が曖昧かもしれないです。Reiちゃんが東京に来て間もない頃だったと思うんですよね。楽屋でみんなと喋っているときに挨拶してくれたのが最初だったかな。少なくとも僕はもうKANDYTOWNとして活動していたんだけど、当時はお互いに右も左も分からないような状態だったはず。

Rei　私が東京に出てしばらく経った後に、Ryohu君たちがいたGARAGEのコミュニティと出会いました。そのなかでもRyohu君は挨拶する前からなんとなく存在を知っていて、SuchmosやOKAMOTO’Sと一緒にやっている人、というイメージがぼんやりありました。そこからお話をしたり、みんなで遊びに行ったりするようになって。

━━Reiさんにとって、当時のGARAGEのコミュニティはどんな印象だったんですか？

Rei　東京っぽかった。馴れ合いで「一緒にいたら居心地がいいよね」と傷を舐め合うような関係性でもない。個々が際立っていてインディペンデントではあるけれど、気があう奴らとはたまに会って遊びに行く。風通しの良さがかっこいいと感じていました。

長岡　当時の店長の気風のもと、そういう奴らが引っ張られるかのように集まった感じだよね。最初はお客さんとしてきていた人も、気づけばステージに上がるようになって、何かしらを一緒にやっていくというか。それで徐々にコミュニティが生まれていく。

Rei　音楽性も本当にミックスされていましたよね。ヒップホップもロックもフォークも、ポップスもいる。音楽ではないアプローチの人もいたし。

長岡　その中でヒップホップをGARAGEに持ってきたのはRyohuだったかも。

Ryohu　僕がいるところの周りにも、ラッパーがいなかったかも。歌を歌っている人や、楽器を弾く人の方が多かった。その流れで、普段ラップをしない人にラップをさせたりした時もありました（笑）。

━━GARAGEは本当にたくさんのミュージシャンがクロスするような環境だったんだな、と3人のお話を聞いていて思いました。

Rei　昨年2021年12月末をもって閉店してしまったのですが、改めて不思議な場所でした。遡ると、音楽の歴史の中でも「奇跡としか思えない音楽景色」ってあるじゃないですか。大瀧詠一さんや山下達郎さん、吉田美奈子さんや矢野顕子さん、細野晴臣さん。「なぜ才能溢れる人たちが一挙に集まることができたのか」って。

でも昨年末のGARAGEのサヨナラパーティーの時に、私自身がそういう景色の中に居たんだ、と自覚しました。大きい絵画の登場人物になれていたのかも、って今でも思うんですよね。

━━では様々な音楽が交錯する景色の中で活動していた当時のReiさんの姿は、長岡さん・Ryohuさんの目にどう映っていたかもお聞きしたいです。Ryohuさんは『QUILT』の特典映像で「東京という荒波に揉まれるReiちゃんを見てきた」とおっしゃっていましたが。

Ryohu　小さい体で大きなギターケースを背負い、疲れた顔をして渋谷の街に消えていくReiちゃん（笑）。たまたま見かけただけだし、その時は声をかけなかったから何の帰りだったかは分からないけれど。「きっとReiちゃんも頑張っているんだろうな」って思い、背中を見送っていました。

Rei　恥ずかしい（笑）。

━━長岡さんはReiさんの一面について、覚えていることは？

長岡　どうだろうね。そこまで今と変わらないような気もします。ただ、周囲を推し量るというか、様子を見ているような感じはあったかもしれません。

━━2015年にリリースした1stミニアルバム「BLU」を一緒に作った時は？

Rei　私は亮介さんに楯突いてました（笑）。「日本語の扱いがわからないけれど、日本語で歌いたい」と思っていて、メロディに対するひらがなの当て方が素敵だった亮介さんに力を貸してもらいたくなり、「一緒に作品を作っていただけませんか」ってお願いしたんですよね。

価値観を示し合わさなくても暗黙の了解ができる存在だったからこそ信頼はしていたのですが、当時の私は生演奏であることを“正義”と感じていて。デモに対し、亮介さんが打ち込みのアレンジを用意してきて衝撃を受けた記憶があります。

長岡　特に楯突いている印象はなかったけれど（笑）。ただ、Reiちゃんのデモがドラム・ベースなどすべてのパートにおいてテクニカルに作り込み過ぎな印象があって。だから俺も普段から打ち込みを多用するわけじゃないものの、歌やボーカルに焦点がいくよう、違うアプローチを提案しました。

Rei　そうやって可能性を広げてくれたのが、亮介さんでした。私自身、長く生きてもいないのにセオリーが完成しちゃっていたのもあるし、上京してから社会に揉まれる中で負ったトラウマもありました。さっきRyohu君が「疲れていた」と言っていたけれど、本当に臆病にも天邪鬼にもなっていて、すごく繊細な時期だったと思います。

━━さて、今回の『QUILT』についてもお聞きしたいのですが、Reiさんは長岡さんと、シングルカットの“Don’t Mind Baby”と、アルバム収録曲“Stay Awake”という2曲でコラボを果たしました。この2曲は似て非なる曲、という印象を受けたのですが。

長岡　“Stay Awake”はよりパーソナルな、小さな世界を表現した楽曲だと思っています。声高に自分が思うことを発信する、というわけではなく、あくまで独り言と語りかけの中間のような歌なのかなと。

Rei　そのスタンスは、亮介さんとRyohu君から影響を受けているかも。2人の音楽には共通して、説教や強要ではなく“お知らせ”のようなニュアンスが感じられるんですよね。

“Stay Awake”は牧歌的な曲調でありながら「見えていそうで何も見えていない人っているよね」というメッセージを発信する。「見なさい！」という強制的な表現ではないところは、そのテンションに近いと思います。

━━制作に携わったうえで、長岡さんの中でReiさんの印象はどう変化しましたか？

長岡　自分の意見をはっきり言うようになったかな。あとは、言葉にするのが難しいようなニュアンスを説明するのが上手になった。本人の言わんとすることが分かりやすくなりましたね。あとこれは自分の話なんだけど、無意識のうちに“BLU癖”がついてるんだな、という気づきもありました。

Rei　えー！ どういうことですか？

長岡　例えば事前に用意したデモから、アレンジを積極的に変えていこうとするところとか。今回一緒に作った2曲も、最初のデモとはほとんど違うでしょう。

Rei　確かに「変えてください」ってお願いしましたね。当初用意していたモータウン・ビートはJPOPでもたくさん用いられているし、新鮮さを出すなら工夫しないと、と思っていたんです。個人的には赤坂カントリーハウスのバンドの方々とご一緒するからこそ、亮介さんのルーツに回帰したい気持ちもあって。そしたら自然とデモからどんどん変化していきました。

最近だと『What a Wonderful World with Original Love?』（Original Loveのオフィシャルカバーアルバム／2021年）に収録されている、亮介さんの『ディア・ベイビー』もカントリーというかブルーグラスじゃないですか。今のムードとしては「やっぱり、カントリー好きだなあ」なんですか？

長岡　「カントリーが大好き」というよりも「今の世の中には合ってる気がする」という感じ。世の中がみんな、急いでいるからね。

Rei　Ryohu君には、音楽的な“帰る場所”みたいなものはあるの？ 亮介さんでいうところのカントリー、私にとってのブルーズみたいな。

Ryohu　ヒップホップ……というよりラップ。ラッパーという存在そのものがルーツ。今やヒップホップも自由度が増していて、一言だと語りきれなくて。そう考えると「歌っぽいラップ」や「歌」でもない「ラップ」が自分の原点になるんです。

長岡　Ryohuはそこの筋が通っているぶん、トラックのジャンルはバラバラだよね。どんな曲でもラップを乗せられるイメージがある。

━━まさにRyohuさんが『QUILT』でコラボレーションされていた1曲目の表題曲は、ロックからジャズ、ファンクとあらゆるジャンルを横断するような楽曲でした。アルバムの中でも最後に制作されたと伺ったのですが。

Rei　良い曲がたくさん揃ったからこそ、最後にハチャメチャな曲を作りたかったんですよね。一切バランスを考えず、勢いで作りました。ただ、色んな曲調をつぎはぎにしたからこそ、筋を通さないと「なぜ一曲にまとめるのか、バラバラの曲にすればじゃないか」という問いに答えられないと悩んでいて。考えた末、一気通貫のメッセージを込められるのはラップだ！ と思い、Ryohu君に相談しました。

━━そこからコラボレーションが実現した、と。リリックはRyohuさんが全て手がけたんですか？

Ryohu　それぞれ自分のパートは自分で書く、というスタイルでした。Reiちゃんの10年間の東京観やQUILTのコンセプトは、事前に本人から聞いていました。そこから“東京”というベースのテーマについてお互いの考えを話し合いつつ、徐々に細かなワードを調整していった感じ。

Rei　先にエッセイみたいなものをRyohu君に送ったんだよね。入れたい言葉の羅列だったり、プロットだったり。あと「ジェネラルじゃなくてパーソナルな曲にしたい」っていう要望とか。

━━“Made in Tokyo”というフレーズはアルバム全体にもかかる象徴的な言葉だと思ったのですが、このフレーズを思いついたのは？

Ryohu　僕です。それこそ、一番最初に思いついた言葉。僕のラップパートで考えていた言葉だったのですが、Reiちゃんが気に入ってくれたので、繰り返しの部分に使うことになりました。

ただ、Reiちゃんが“Made in Tokyo”と言ってしまうと意味合いが変わるので、どちらかといえば僕自身のことを指す言葉としてフレーズを捉えています。全体的に「僕は東京のラッパーだ」という気持ちがブレないよう、意識しながら書きました。それが、10年前に上京してきたReiちゃんとの対比になったらいいなって。

Rei　自分の曲で「GARAGE」のような固有名詞を入れることはないから、ヒップホップらしくて良かった。ハマくん（ハマ・オカモト／OKAMOTO’S）の名前も入っているしね。

Ryohu　このアルバム、このコラボだからこそ入れるべき言葉を入れた感じ。それで、だんだんリリックが溜まっていくうちに、アルバムタイトルに見合った曲へと変化していったから、曲タイトルも『QUILT』にしようか、って。

━━最初から表題曲にするわけではなかったんですね！

Rei　作っていくうちに輪郭が見えてきました。結果的にGARAGEの話とも通じるのですが、いろんな価値観や人種、性別、価値観、ルーツを持った人が狭いアルバムの中で共存する、というのがQUILTのコンセプト。それを体現するような曲になりました。ロックパートのギターソロも、実は亮介さんを意識して音作りやフレージングしました。「私が好きな亮介さんはこんなことを弾きそう！」って思いながら。

長岡　そうなの！？（笑） それにしても、この曲は一気には録れないでしょう。どうやってレコーディングしたの？

Rei　ドラムだけ先に録って、あとは渡辺シュンスケさん（Key.）とハマくんと3人で大喜利的に。この表題曲は、楽曲のニュアンスからも「このコラボに参加している人たち、最高でしょ！」って気持ちが伝われば良いなと思っています。

━━Ryohuさんは楽曲制作時、アルバムに収録される他の曲も聴いていたんですか？

Ryohu　シングルとして世に出ている曲だけは聴いていたのですが、他の曲は聴いていなくて。ただReiちゃんの言葉とデモの雰囲気から、僕なりにアルバム全体の匂いを感じとれたので、それをリリックに反映するようにしました。

━━では、実際にアルバムを通しで聴くなかで、ご自身のコラボ曲を聴いた印象は？

Ryohu　全楽曲のなかでも突出して特異であり、『QUILT』の一曲目に収録されている意味はすごく感じました。この曲が最初に流れることで、楽曲同士のストーリーが全てつながっていくようなイメージ。幅を広げるような役目を担っていると思います。

━━その一方、長岡さんは“Don’t Mind Baby”を作った時、アルバムの全景は見えていなかったと思います。今、アルバムの完成形を前にしてどんな印象を受けましたか？

長岡　まずは「これを一枚のアルバムにまとめるのは大変だっただろう」と。極端な楽曲が集まっているからこそ、曲順も悩んだでしょう。

Rei　曲調やアティチュードが楽曲によって違うからこそ、難しかったですね。「何がしたいの？」と言われる可能性は孕んでいました。ただ、仮にそう言われるリスクよりも「伝えたい」という欲の方が勝ちました。

━━「伝えたい」というと？

Rei　私が亮介さんやRyohu君はもちろん、細野さんや藤原さくらちゃん、東京ゲゲゲイのMIKEYさんなど、このアルバムに関わっている人たちの大ファンである、ということ。だからこそ、彼女・彼らのポートフォリオとして恥じない曲を作る、というプレッシャーはありました。

そしてもう一つは、私が東京で10年間歩んできたなかで培われた関係や思い出について伝えたかった。記念碑的な意識のもと作りました。2人は10年を振り返ってみて、ご自身の中に変化を感じますか？ それとも「俺は一生変わんないぜ」のスタンス？

Ryohu　変わったね。僕の場合は、家族が増えたことも大きな変化だと思うし。それこそGARAGEに10代後半で通い始め、Reiちゃんと会った時から、すでに変化の兆しはあったかも。それ以前はヒップホップ、ブラックミュージックが大好きで、バンドの音楽を何ひとつ知らなかったから。ライブハウスやバンドの雰囲気に触れてから、音楽が一気に拡張されていったと思う。

長岡　逆に俺は変わってないかもしれない。

Rei　確かに亮介さんは変わらないスタンスを貫いているイメージはある！ でも、環境って望んでいなくても、活動を続ける中で自然と変化していくものじゃないですか。それに呼応して、自分が変わっていく、ということはありませんでしたか？

長岡　それでいうと、経験のないことにも責任をもって取り組むことで、変化はしていっているかもしれない。音楽に限った話でもなくて、映画音楽の制作も然り、ドラマ出演も然り。自分が後悔しないよう行動するようにはなった。

Rei　後悔しないように、か……自分の“軸”についてはどう捉えますか？ というのも、GARAGEというフィジカルな空間が失われたことで、片足を切り取られたような感覚があったんです。閉店したことで初めて、ここ10年で自分の中にあった、感覚的な軸・指標の在り処に気づけたというか。

Ryohu　最近、もはや「かっこいい／かっこ悪い」でいいんじゃないか、っていうシンプルな結論に至った。よくよく考えれば音楽を始めた理由も、タバコを始めた理由も全部そこからスタートしてるんですよね。これから自分が向かう先でも常に「これはかっこいいのか」っていう判断さえあれば、仮に大事な何かを失いそうになった時もブレなくなる。

長岡　すごい。原点回帰だ。

Ryohu　それくらいシンプルで良いんじゃないかなって思います。それに余計な経験を積むほど、頭でっかちになっちゃうから。

Rei　亮介さんの軸はペトロールズなんですか？

長岡　ある種の軸ではあるかな。よりシンプルかつ身軽に新しいことへ挑戦できる、という意味では自分の基本スタンスに一番近い活動だとは思う。

━━Reiさんにとって『QUILT』は、自身の10年間の軌跡を振り返ると同時に、他者の軸を観察しながら自分の新たな一面を知るプロジェクトになったのでは？

Rei　コラボに参加してくださったミュージシャンの皆さんから、本当にたくさんのお土産をもらいました。これからやることの選択肢が増えた一方、自分自身がまだ作品を咀嚼しきれていない気もする。それくらい、大きなものを作った実感はあります。

同時に、人の心のやわらかい部分に触れた印象はありました。どこかしらで不器用な人同士が、音楽という共通項で繋がっていく姿は美しいと思っていて。このプロジェクトを通し、生きにくさを感じている人に対し「愚直に生きていたら、通じ合える人と出会えるかもしれないよ」って伝えられればいいなと思いました。

━━最後に長岡さんとRyohuさんに、今後Reiさんに挑戦してもらいたいことをお聞きできればと思います。

長岡　内面的な作品も作ってみたらいいんじゃないかな、と思いました。『QUILT』とは関係のないところでReiちゃんからもらったデモの中に、印象的な曲があったんです。それが「この子、何を考えてんだろう」って思ってしまうほど不思議でかっこいい曲だったからこそ、次は自分のためだけの作品を作ってみてほしい。

Rei　内面的な作品……爆売れして豪邸に住み、屋上からプラチナム・ディスクを撃ち落としたいって常に考えていて（笑）。そういった自分の欲深いところを悪くは思っていないのですが、どうしてもその生々しい部分を表に出す勇気はまだ無いんです。でも、自分の「かっこいい」という感情を満たすだけの作品は、いつか作ってみたいと思っています。

Ryohu　次のジャケット、プラチナム・ディスクを撃ち落とすReiちゃんで決定じゃん（笑）。今回はいろんな人と一緒にやったからこそ、次はソロでやりきるのか、それとももっとコラボ相手が増えてエレクトリカル・パレードみたいなチーム編成になるのかは楽しみにしています。

──まずReiさんは、なぜMIKEYさんとコラボレーションをしようと考えたのでしょう？ Rei　元々『ゲゲゲイの鬼太郎』がリリースされた時なども拝見はしていて、いち視聴者として東京ゲゲゲイのことが好きでした。どんどん知っていくうちに総合エンターテインメントとしての精度の高さに惹かれるようになって。 私自身もアーティストである以上、音楽だけではなくビジュアルや発言、人となりなどいろんな側面から自分自身のプロジェクトを構築することを意識しているので、僭越ながらシンパシーを感じていました。 ──では音楽やダンスなど、特定のポイントに惹かれたというわけでもなく。 Rei　声色や楽曲、ショーの構成など、MIKEYさんの素晴らしい点を挙げたら本当にキリがないほど魅力が多岐に渡るのですが、ただ強いて１つだけ選ぶとすれば、ダンスをネイティブに踊られているところ。私にとって、ギターがネイティブな表現手段であるように、MIKEYさんはダンスをコミュニケーションツールとしてナチュラルに駆使しているというか。 とにかくダンスの素人から見ても「ダンスという言語を使ってネイティブな対話ができる人」だとわかるくらい、衝撃を受けました。心と動きが直結していて、ダンスという表現をまるで自分の命綱のように大切にしている。自分との共通項を感じ、ご一緒したいと思いました。 ──MIKEYさんがReiさんのことを知ったきっかけは？ MIKEY　共通の知人であり、サウンドエンジニア兼アレンジャーの安宅秀紀さん経由で、今回のオファーを受けたのが最初でした。安宅さんとは8年くらいの頃から付き合いがあるのですが、彼が「東京ゲゲゲイと同じくらい大切に関わらせてもらっているアーティストがいる」と言っていたのを覚えています。 Rei　実は私も安宅さんとは10年以上のお付き合いなんです。安宅さんに今回のコラボレーションの為にご紹介いただいた時、初めてご挨拶をしたんですよね。 MIKEY　そう。それで、何曲かReiさんの楽曲を聴かせてもらって、感覚的に今回のコラボを「面白そうだな」って思いました。ギタリストとのコラボレーションは経験したことがないし、今までやったことのないチャレンジができそうだと感じたんです。

──Reiさんの楽曲を聴いた時の第一印象は？ MIKEY　最初の印象は「しっかり音楽を突き詰めている人」でした。別に他の人がどう、とかでは全くないので、表現が難しいのですが……（笑）。自分自身を表現する熱量の部分ですごく共感しつつ、私とは別の軸で音楽を捉えている、とサウンドを聴いたときに感じたんです。そして昨今のK-POPをはじめとする流行歌とはまた離れたところ、もっと音楽のコアなところにいるように感じました。 特に彼女のギターを聴いた時、はっきりとしたルーツが分からなかったんです。Reiさんのビジュアルや世代からは想像がつかない音の匂いを感じました。その後Reiさんに聞いたら、最初はクラシックギターをされていた、と。 Rei　はい。 MIKEY　彼女の音楽にはしっかりとしたベースメントがあるのに対し、私はかなり感覚的に音楽をやってきたんですよね。だからこそ、一緒にやることでケミストリーが生まれるのではと思いました。あと楽曲を聴かせてもらった時、「きっとこの方はダンスが好きなんだろうな」と思ったんですよ。 Rei　うそー！ どういうところでそう思ったんですか？ MIKEY　Reiさんが踊っているシーンを観たわけではないのですが。内なるパーソナリティから出てくるグルーヴを感じました。例えば、人との会話から「リズム感」や「音程」を感じる瞬間ってありませんか？ Rei　ちょっとベクトルは違うかもしれませんが、セッションの上手さを会話から感じることはあります。パスしてきたボールに対する投げ返し方や、間合いの取り方ですかね。 MIKEY　そう！ 表現とパーソナリティは切っても切り離せないと思っています。だからこそ、Reiさん自身は踊っていなくても、楽曲からダンスを感じ取ることができたんです。きっとダンスミュージックを一緒に作ったら面白そうだな、って。 Rei　そう感じていただけるのは、本当に嬉しいです。ちょっと脱線してしまうのですが、アイドルにもいっぱい動くセンターと、周りが動くことで華やかに見えるセンターがいると思っていて。私はどちらかといえばいっぱい動くセンターなんです。ステージ上で歩き回るし、サポートメンバーが演奏しているところへコミュニケーションにいったりもするし。高いところから飛び降りたりもします（笑）。 「踊ってみたい」という気持ちはずっとあって、ピナ・バウシュ（Pina Bausch／ドイツのコンテポラリーダンスの振付家・舞踏家）やセルゲイ・ホルーニン（Sergei Polunin／ウクライナのバレエ・ダンサー）、AyaBambi（日本の女性2人組ダンスユニット）さんや菅原小春さん、そしてゲゲゲイの映像を観ることがずっと好きでした。だからこそ、今回はMVでも一緒に踊れてすごく嬉しかったです。

──“CRAZY! CRAZY!”のMVを拝見したのですが、Reiさんのダンスが初心者とは思えないほど完成度が高く、かっこよかったです。 Rei　今回のコラボは映像も作りたい、と当初から思っていました。そしてせっかくご一緒するなら、素人ながらも「踊りたい」という気持ちがすごくあったんですよね。そこで、MIKEYさんにリクエストさせていただきました。 ──普段からゲゲゲイのMVを担当されている瀬里義治さん（SEP）が、今回のMVをディレクションされていますよね。 Rei　まさに「ゲゲゲイが普段からMVを撮影する人たちと、いつも通り撮る」というスタイルをお願いしました。普段、私自身のMVを撮影する時は、カット割や映像のトーン、自分なりに世界観を築いてきたと思っているのですが、今回ばかりは「ゲゲゲイの世界に入りたい」という思いが強かったです。

──振り付けは楽曲の完成後に作られたんですか？ それとも制作と並行して？ MIKEY　完成した後ですね。MVの企画を練る際にアイディアを出し合って。今回のMVではダンサーが2人参加しているのですが、彼らはまたゲゲゲイとはジャンルが違うんです。彼らのことを考え、なおかつ「ゲゲゲイでやっていないこと」を意識しながら、今回の楽曲にマッチする振り付けを考えました。 ──ダンス・ブレイクがあるのはReiさんの楽曲でもすごく珍しいと思っています。今までの『QUILT』プロジェクトの楽曲では、Reiさんがある程度デモを仕上げたうえで、実際のレコーディングに移ることが多かったですよね。今回は楽曲を用意されたんですか？ Rei　あえて、曲の概念やメッセージをすり合わせただけ。最初にMIKEYさんにリズムセクションを作ってもらい、その上に私がギターを乗せ、最後に歌詞を入れました。

──楽曲のタイトルにもある“Crazy”というテーマは、MIKEYさんとコラボレーションするにあたって、すでにReiさんの中で決まっていたんですか？ Rei　いつか描いてみたいテーマではありました。MIKEYさんだから、というわけではなかったものの、MIKEYさんには魂の部分で“Crazy”を理解してもらえそうだったから、今回のコラボレーションで出してみようと思いました。 「狂っている」「異質だ」「マイノリティだ」という言葉の定義は、環境に左右されるものだと思っています。私もインターナショナルスクールに通っている頃は「日本人でいること」が特別であり、異質だったのですが、住む環境が変わるとそれが特別でもなくなった。それは国籍だけではなく、セクシュアリティやビジュアル、価値観にも言えることだと思います。 そもそも「マジョリティではない＝おかしい」じゃないし、言ってしまえば皆それぞれに何かしらの“Crazy”（おかしい）要素はあると思うんです。自分の“Crazy”なところが原因で、学校や会社などのコミュニティに疎外感のある人に対し、「みんなそれぞれ変なところはあるから大丈夫」と感じてもらえるような曲を作りたいと思っていました。 ──Reiさんの考えを受け、MIKEYさん自身が音作りの課程で工夫したことは？ MIKEY　私は最初に「どんな曲にしましょうか」って打ち合わせをした時、Reiさんの「自分の創作意欲の根元に“怒り”という感情がある」というお話がすごく印象深かったんですよね。私も全部が全部ではないものの、“怒り”を発信源に作ることはある。ダンスが、というよりも音をキレッキレにしたいと感じました。 普段、私がリズムパターンを作るとき、キックやスネアの素材を集めて音を組み合わせることが多いのですが、普通のドラムだとキレが足りなくて。最終的に鉄鋼の棒をカーン！ と打つ音に辿り着きました。スネアがとにかく硬くてカチンと痛い感じ。個人的には、それが今回の曲のビッグ・バンになると思うくらいハマったんですよね。 Rei　どういうビートを作るか、という話になった時、MIKEYさんは「音楽を作っている時にダンスの動きが見えてくる」とおっしゃっていましたよね。普段から頭の中の振り付けに合わせてリズムを構築する、と。振り付けに音楽が付随する、という考え方は私にとって衝撃でした。 ──では、Reiさんは受け取ったビートをもとに、どのようなことを意識しながらご自身のギターを乗せていったんですか？ Rei いわゆるレニー・クラヴィッツ（Lenny Kravitz）の楽曲のように、キャッチーなギターリフを曲の“顔”として押し出したんです。この曲は歌が主役でありつつも、全ての要素が主役を張って喧嘩しています。料理の世界では素材をソースまみれにすることが許されなくても、音楽ならそういうのがアリだったりもする。強いもの同士が「曲」という空間で両立している状態を目指しました。

──お二人による歌の掛け合いも印象に残りました。歌詞の制作はどのように進めていったのでしょうか？ Rei　話し合いながら一緒に作っていきました。お互いの声にコントラストがあるからこそ、今までトライしたことのない、ダイアログ形式の構成に挑戦してみたんです。会話している感じが出ると良いなって。結構何度も書き直しましたよね。 MIKEY　基本的にはReiさんの歌唱パートをReiさんが書き、それに対するアンサーを私が書いて……という進め方でしたね。逆に私のアンサーを見たReiさんが「じゃあこうしようかな」とフレーズを書き換えたり。何度もブラッシュアップしていきました。 Rei　シリアスになりすぎないよう、徐々にユーモアが加えていって。あと、サビはMIKEYさんが書いたのですが、当初のリリックから結構変わった印象がありますね。 MIKEY　言葉やメッセージとしての良さと、音の響きとしての良さ、２つのバランスをどう取るかに悩んだ記憶はあります。「サウンド的にはこっちの方が良いんだけど、意味合い的にはこっちが良いんだよな……」みたいな。 Rei　普段、MIKEYは響きと意味だとどっちの方を重視するの？ MIKEY　曲と箇所によるかな。Bメロは意味を選びがちで、逆にサビは響きを選ぶかな……いや、でも曲によりますね。パフォーマンスも入ってくるし、多角的にバランスをとることが多いです。「マイクスタンド1本で歌う」と決めている曲と、「群舞でガッチリ踊りたい」っていう考えからスタートする曲で、歌詞の書き方が変わってくるかもしれない。

──これら一連の制作工程は、対面で？ Rei　メールベースでのやり取りが多かったですね。でも、その中でお話しする機会は多く、ありがたかったです。もう、自分の恥ずかしいところや情けないところも進んで見せていくような対話でした。 今回は心を開いてもらうために、自分から内側を開示していこうと思ったんです。お互い、表現のセーフティゾーンから一歩出るとすごく臆病で不器用。そこは共通点だと感じていました。ただやり取りを進めるなかで、MIKEYという存在をもっともっと知りたくなりました。だからこそ、そういう話をもし許してもらえるならしたい、と思って。 “コラボレーション”という行為のためだけに音楽は作りたくなかったし、お互いに魅力を感じ合いながらコラボしている、という意思は音楽に込めたかったからこそ、自然とそういったコミュニケーションが増えていきました。楽曲制作自体がもちろん楽しかったのですが、それ以上にMIKEYさんと心を開示し合えた感じがして嬉しかったです。 MIKEY　強い芯の通った柱みたいなもの──カッチカチに硬い、それこそ鉄鋼みたいなものがReiさんの中に入っているのを改めて感じるコラボでしたね。私が鉄鋼の音をリズムに使ったのも、Reiさんの中に元々存在していた音が聴こえていたからかも（笑）。想定内だったこともあれば想定外だったこともあったのですが、とにかく「やってよかった」って思いました。 ──想定外だったこととは？ MIKEY Reiさんが踊ると思わなかったです（笑）。「ここに辿りつきたいな」と思っていたゴールにちゃんと着地できた、という意味では、想定内でもありました。音楽を通し、満たされた感覚が強いです。 Rei　逆に私は全く想定内じゃなくて、すごく刺激的でした。私、ステージだと破天荒かもしれませんが、普段は割と石橋を叩きまくって結局、渡らないことが多いんです（笑）。それを橋ごと、ブルドーザーでぶっ壊してもらった感覚がありました。 ソングライティングやビートメイクの部分でもめちゃくちゃ高次元な提案をいただくことがあって度肝を抜かれることは多々あったのですが、特にMVでの撮影で刺激を受けました。表情の作り方や仕草など、自身がレンズや観客の目にどう映るかを客観的に捉えていらっしゃって。 皆さんはもう十分にご存知だと思いますが、改めてこのコラボレーションを通し、1人でも多くの人にMIKEYと東京ゲゲゲイの魅力的な部分を見てほしいです。

━━今回、Reiさんには細野晴臣さんの＜細野晴臣 50周年記念特別公演＞開催時のトートバッグなど、思い出の品を持ってきていただきました。

ハリーさんとは初対面からの流れが急展開でした。きっかけはラジオ番組にゲストで呼んでいただいたこと。そこで生演奏をさせていただいたのですが、なんとその場で「来週、僕の50周年ライブで弾きなよ」って誘われて。

この＜細野晴臣 50周年記念特別公演＞の時にビング・クロスビー（Bing Crosby）の“Pistol Packin' Mama”を一緒に演奏させていただいたのですが、「君も2曲くらい弾き語りすればいいじゃない」って、なんとご自身の周年ライブなのに、ステージを任せていただいたんです。先週、会ったばかりの若造にですよ！　懐の深さを感じましたし、私を信用していただけたのが本当に光栄でした。

━━今回のカバージャケットでは細野さんによく似た犬を女の子がぎゅっとしているアートワークになりましたが、このオレンジはもしかして＜細野観光＞のポスターをイメージされたんですか？

そうです。これまでの「QUILT」プロジェクトのアートワークと同様に青色が私。細野さんは＜細野観光＞のロゴカラーからオレンジ色をチョイスしました。犬は忠誠心の象徴ですね。コラボ相手に対するリスペクトを表しています。顔つきはちょっとだけハリーさんっぽくしてみました（笑）。

━━Reiさんは幼い頃からYMOがお好きだったと伺っています。

意識して聴いたのは中学生の頃から。でも、幼少期から触れてはいたんです。幼い頃に乗っていたシトロエン・2CVのカーステレオで、ラジオからダビングしたYMOのワールドツアー音源を聴いていました。

その後、クラシック・ギタリストを志す中で出会ったのが渡辺香津美さんの音楽。小学生の頃からゴッドと崇めてコンサートに通ったり、作品を聴くようになりました。そして中学生になった頃、私が幼少期からカーステレオで聴いていたYMOのワールドツアーに、大好きな香津美さんが参加されていることに気づいたんですよね。さまざまな点と線が繋がった感覚がありました。そこから夢中になってYMOを聴くようになったんです。

━━Reiさんは当時、なぜ彼らの音楽に惹かれたのでしょうか？

時代の先をゆく音楽ですよね。前衛的でありながらも、音楽的な学や素養がしっかりあって品格もあります。豊富な音楽知識を身につけた人があえてポップスをやっていることに、エッシャー（Escher）の騙し絵のようなセクシーさを感じました。

難しいことをやろうと思えばできるなか、あえてポップスに落とし込むのは、相当センスがないとバランスを取れません。あの時代にあの音楽性でメインストリームに乗ることは革命的だったと思います。私にとっても目標とする存在です。

よく私は「赤と白しか知らずに2色の絵を描くのではなく、12色を知ったうえで赤と白の絵を描きたい」と言っているのですが、彼らの音楽が自分のそういった考えの根幹になっているんだな、とはよく感じています。

━━では、今回のコラボレーション相手である細野さん個人の魅力は？

……不思議な人ですよね。魅力の絶えない方なので、語り出したらキリがないです。相当なキャリアを積まれているのに、それでも今なお“予想の斜め上”の音楽を生み出されるので。しかもアンビエントからロック、テクノと作品性は多岐に渡るのに、すべてがちゃんと細野さんの曲に聴こえるのが不思議です。引力に寄せられる感覚があって、彼のことをもっと知りたくなります。

もともと大ファンだったことは前提としてありますが、私と同様、細野さんもブギウギやフォークといったルーツ・ミュージックを辿っているんですよね。僭越ながら近いところを感じました。

そして、何より私は細野さんの声が好きなんです。日本語で歌っていても、フランク・シナトラ（Frank Sinatra）のように聴こえてくる。「この声と一緒に歌いたいな」というシンプルな気持ちはありました。

細野さんとコシミハルさんとのユニット・Swing Slowでも感じたのですが、細野さんの声はすごく女性ヴォーカルと親和性があって素敵なんですよね。私は子供みたいな声をしているので、なんとなく良いコントラストが生まれるんじゃないかと想像していました。

━━今回の楽曲はReiさんがデモ音源とアレンジを担当されましたが、どういった経緯で“ぎゅ with 細野晴臣”が生まれたのでしょう？

当初はカバー曲も視野に入れていました。でも「せっかくご一緒できるなら」と書き下ろした曲もお送りしていて。カバーという選択肢がありながらも「オリジナルをやろう」と言ってくださったことが本当に嬉しかったです。

しかも細野さん、アレンジだけじゃなくて、歌詞も私に委ねてくださったんですよ。その行為自体に愛を感じて、感無量でした。今思い返すと、曲を早く完成できてよかったです。一度悩んだら一生書けなかったと思う。

━━Reiさんは年明けに放送されたラジオ（2022.01.09 Daisy Holiday!｜InterFM897）でも、細野さんに「過去の作品が重責になる瞬間はありますか？」と聞いていましたよね。Reiさん自身がそういった悩みに直面していたんですか？

そうなんです。過去の作品が自分の背後に覆いかぶさってくるというか。繰り返すことでイメージを定着することはできるけど、私はできれば同じような曲を何度も作りたくはない。ただ、それによって自分の首を絞めていることも事実で「これはあの曲に似てるからやめよう」って新曲を作れなくなるループに陥ることはあります。

細野さんはたくさんの音楽を世に送り出している中で「これ以上の素晴らしい作品を作れない」となった時はどうしてるんだろうって思ったのですが、質問に対し「（過去の作品を）忘れちゃうんだよ」って答えていらっしゃって。そのあと「本当に忘れてるわけじゃないんだけどね（笑）」と微笑みながら付け加えていましたが、固執しないことは大事なんだと学びました。

━━その意味では、今回の“ぎゅwith 細野晴臣”でReiさんの新たな一面を垣間見た気がしました。正直、最初に聴いたときは細野さんが作曲に携わっていると思ったんです。

それは作曲者冥利に尽きます！（笑） ファンが「おっ」て思うようなポイントを曲に散りばめつつも、聴く人が聴けば「本人はこういうのをやらないだろうな」と気づくようなギミックを施しました。

『QUILT』シリーズの曲はそれぞれが自分にとっての“挑戦”。実は藤原さくらさん、長岡亮介さんの時も「コラボ相手にまつわる日本一のオタクになろう」と研究ノートにすべてをまとめました。細野さんとのコラボは特に、半世紀分の奥深い歴史があるので「自分が今できる全てを込めよう」と入念な準備を重ねました。

━━細野さんについてはどんな研究を？

ディスコグラフィーを時系列で聴くだけではなく、「スネークマン・ショー」とYMOのコラボレーション・アルバム「増殖」のスキットを書き起こしたり、細野さんが鈴木茂さん、林立夫さんたちと出会った伝説のイベント＜PEEP＞について調べたり。アートワークの参考にするために、はっぴいえんどのレコーディングを撮影された写真家の野上眞宏さんの個展で写真集を買ってご本人とお話もしましたね。

━━歌詞は今までの『QUILT』で描いてきた「共生」というテーマを引き継いでいますが、今回言葉を紡ぐにあたってどういうことを意識しましたか？

図らずともこれまでリリースした3曲はつながっている曲調と歌詞になりました。今回はその中でも「生きている」ということそのものについて深くフォーカスを当てました。普遍的に長く愛される曲にしたいと思ったので、子供でもわかる言葉選びを意識しましたね。

「人を抱きしめる」ということは人と一緒に生きることを象徴するような行為。人との触れ合いって、生きている証拠だと思うんです。そしてやはり最後のフレーズに「お別れ」を入れたことで「生きる」が完成しました。

━━では細野さんとの“ぎゅwith 細野晴臣”含め、「共生」について考え続けた「QUILT」のシングルリリース3作は、Reiさん自身にどういった影響を与えたと思いますか？

今までシングルでリリースした3作は宝物です。1人でいることの強さを身につけ、自立しているからこそ共存できる。己と徹底的に向き合い「個」をテーマとした前作の『HONEY』から、思考の幅が広がったように思います。

理想はまだまだあるけれど、一流の仕事をやらせてもらった。特に今回の“ぎゅwith 細野晴臣”は自分の音楽に誇りをもっていいんだと、自信がつきました。いまだに寝る前にほっぺをつねることはあります。「ああ、これ夢じゃないんだ」って（笑）。

━━渡辺シュンスケさんとハマ･オカモトさん、そして石若駿さん（Dr）、後関好宏（Sax）といったサポートメンバーのラインナップをどのように決めたんですか？

Rei　細野さんを迎えるにあたって色んなミュージシャンの顔が浮かびました……。でも自分と正直に意見が交わせて、ルーツ・ミュージックに理解があるミュージシャンにお願いしたいと思っていたんです。

ハマくんは昔、私が人生で始めてYMOの話ができた友達なんですよ。それまでインターナショナルスクールにいた時はYMOを知っている同世代がいなかったので、ひとりで好きだったんです。知名度も知らなかったから、福岡のライブでご一緒した時にハマくんが話を聞いてくれて「YMOが通じるなんて！」って……。

もちろん細野さんとも関わりをお持ちであることも知っていました。でも、それ以上にパーソナルな思い出がやっぱりあるんですよね。チルドレンとして一緒に共演したいなと思ったのが、今回のオファーのきっかけでした。

考え抜かれていない作品を人にお渡しすることは自分の性格上許せなくて、いつもデモは事前にアレンジまで自分で作ります。

でも、このメンバーなら私の想いを汲みつつ、崩してくれると思っていました。細野さんのことを考えながら、みんなでコミュニケーションをとってアレンジに挑めたのは贅沢な体験でした。

━━お二人は最初にデモ音源を聴いた時、どういった印象を受けましたか？

渡辺シュンスケ（以下、渡辺）　細野さんと一緒にやると聞いて実際のデモを受け取ってみたら、すごく細野さんへのリスペクトと愛に溢れていると感じました。同時にアレンジの狙いもはっきりしていたので「怖いもの知らずだな」という印象もありました。

パッて聴いたときに「ああ、あの頃の細野さんだね」とすぐ分かる。でも、今の音楽に落とし込んでいたので、そのさじ加減の良さには感心しました。最終的にはすごく『泰安洋行』（細野晴臣の3rdアルバム）っぽい仕上がりにはなりましたよね。

━━そのうえで、音作りではどういったところを意識されましたか？

渡辺　いろんな細野さんの作品を聴き、咀嚼してきたからこそ、そこを自分の演奏に落としこもうと思いました。「あの頃の細野さんが好き」だけじゃなくて「細野さんを聴いてきたから、今の俺はこういうミュージシャンになりました」ということを表現したかった。実際にそういうサウンドになったと思います。

ハマ・オカモト（以下、ハマ）　僕も「あの頃、細野さんがこれを使っていたから、この楽器で音を再現します」だけで完結しないように心がけました。その一方で音作りに時間がかかった印象もなくて、みんなレコーディングが始まったら「やっぱそういう音だよね〜」ってお互いに納得しながらスムーズに進みました。細野さんが引き受けた時点で何をやっても正解だったとは思うからこそ、あまり心配もなかったです。

Rei　ハマくんは今回のメンバーのなかでも特にご本人とのコミュニケーションを多く取っているので、ハマ君からのストップが入らなければ大丈夫、みたいな安心感はありましたね。

でもやらせておいた側が言えることでもないと思いつつ……ベーシスト細野晴臣のバックで演奏するのってすごく勇気がいるんじゃない？

ハマ　音源として残るものに参加するのが初めてだから、緊張よりも感慨深さの方が勝ったかもしれない。確かに本人をバックに初めて生演奏した時は緊張しましたけどね。

━━実際のレコーディングはどのように進めたのでしょう。

Rei　去年の夏からレコーディングを始めて、最後に細野さんの声を加える流れで収録を進めました。

トロピカル三部作でエスニックな楽器も弾いてらっしゃったので、細野さんにはスパイスを加えるような形でのアレンジもご相談したのですが、細野さんと話して最終的に「これ以上足さなくてもいいんじゃないか」ということになって。

すべてのパートのレコーディングが終わって、最後にプリン・ア・ラ・モードのさくらんぼのように細野さんの声がソッと乗せられた瞬間、本当に鳥肌が立ちましたね。夢みたいでした。

渡辺　「よくぞやった！」と思う人はたくさんいるんじゃないかな。そういう仕上がりになったよね。

ハマ　近年、細野さんがこのテンションで歌うのを聞いたことがなかったんです。外部からの刺激がない限りは自発的にやらないような感じ。すごく楽曲のなかで握手しているような気分でしたよね。

細野さんのことはみんな好きだし、誰もが「コラボしたい」と思っているはず。でもそれを実行に移せることは滅多にない。そのうえで、細野さんのフレッシュな声を引き出せたこともすごいなと思いました。

Rei　細野さんから「好きなことをやればいいよ」って言われて全部任せてもらえたからこそ、ソングライターとしての力量が試されたなと思いましたね。今回参加してくれた他のミュージシャン、ドラマーの石若駿くんもサックスの後関さんもそうですが、2022年の第一線で活躍されていて、かつルーツミュージックに理解のあるプレイヤー。自分が信頼できる人をお招きできて、本当にうれしくって。今は喜びで身体がチクチクしています。

━━今回のコラボレーション相手である長岡さんは、2014年にリリースした1stミニアルバム『BLU』でプロデュースに入って以来、数年ぶりのタッグとなりますよね。

再会した気持ちです。私にとってすごく特別な人ですし、次もまた「自分にとって分岐点になるようなタイミングでご一緒したいな」とずっと思っていました。

━━最初の出会いはいつだったんですか？

私が出入りしていたライブハウスの楽屋に（長岡）亮介さんがよくいらしてたんです。2人ともフランスの旧車・シトロエンが大好きなので、それで話を聞くうちに、蓋を開けてみたらずっと学生時代から慣れ親しんでいたアーティストの長岡亮介だった、という。運命のいたずらみたいな出会いでした。

━━もともと彼の音楽は聴いていたんですね。

そうです。そこからずっと亮介さんの背中を追ってきました。ギタリストの部分に焦点を当てられている場面が多いと思いますが、佇まいや物事の考え方、そして歌詞の言葉選びや、メロディラインなどは以前から共鳴するところがあって、それで『BLU』を一緒に制作しました。

━━じゃあ、そのライブハウスでの出会いが、本当にエポックメイキングな出来事だったと。

そういう出会いがたくさんあったので、私にとって、そのライブハウスは大切な場所なんです。東京で思い出深い場所といえば、そこが浮かぶくらいに。

長岡さんも然り、そこで生まれたコミュニティは今でも続いています。藤原さくらさんとコラボした前作に参加したハマ・オカモトさんもそうだし、赤い公園やGLIM SPANKY、Suchmos、Base Ball Bearも。それまでの音楽人生はたった一人で活動してきた気持ちが強かったので、同じ志を持った人にやっと出会えた感覚がありました。

━━以前『BLU』でも共作した長岡さんを、なぜ今回プロジェクトのコラボ相手として再びオファーしたのでしょうか？

彼と久々にタッグを組み、改めて自分が今まで培ったものを表現したいと思ったからです。『BLU』をリリースして以降はセルフプロデュースで自ら舵をとって活動していたので。

もともと『BLU』という私の処女作も表向きは“プロデュース”という表現を取っていましたが、厳密には関係の優劣なく対等に扱っていただけました。今回もイーヴンな関係性はそのままに一緒に曲を作りたかった、というのがあります。

━━Reiさん自身が『BLU』の時期から成長しているのでは、と思います。実際に数年ぶりに長岡さんと共作してみて、変化を感じる瞬間はありましたか？

いろんな活動を経て視野が広がり、亮介さんのすごさに改めて気づきました。凛とした佇まいだけど、とても気さくで気配りができる人。クールなので、初めて会った時は「何を考えているんだろう」って分かりにくかったけど（笑）、今は内に秘めた音楽、大切な人に対する情熱を感じ取れます。そういうところは私が大人になったからわかるようになったのかもしれません。

印象的だったのは、最初にデモ曲を共有した時に「イイね！」とか「他の曲はないの？」という感想ではなく早速「じゃあこの部分はジョニー・キャッシュ（Johnny Cash）みたいなアレンジにしようか」という提案から入ったことです。それって言わずして認めてくれた、ってことなのかなと。態度としてそれが伝わってきたのは嬉しかったです。

あと、『BLU』の時は私も「自分が鳴らす音楽はこうあるべき」という固定観念があって、そこから逸脱することを恐れていたんだなと実感しました。年数を経て、臨機応変に柔軟に応えられるようになったことは、私にとって一つの成長だったかもしれません。

今でも臆病なタイプですが、当時、亮介さんが「違和感って必ずしも悪いものではないんだよ」と教えてくれて。それがその後の活動においての礎になっているんだなと感じました。

━━では、実際にレコーディングに入ってから感じた「長岡さんのすごさ」は？

亮介さんはどんな場所でもフィットする演奏力を持ち合わせているけど、どこにいっても揺るがない長岡亮介イズムがある。みんな、そのイズムを求めてオファーしているんだろうなと感じました。

しなやかだけど強さもある。ゴムみたいですよね（笑）。曲げて形は変わるけど、折れはしなくて。逆に硬すぎると折れたり砕けたりするじゃないですか。その根幹はカントリーというルーツや、物事への考え方・価値観ありきで形成されているんだと思います。

実際にレコーディングに入った時、ギターソロのアプローチで私の考えていたアイディアがあって。レコーディングで亮介さんに「こうしたらいいんじゃない？」と別アプローチの提案をいただきました。亮介さんは曲の重要な場面で、大切なアドバイスをくれる。それは「柔軟さ」ありきだなと感じました。

何より亮介さんのギターの音色は、「ザ・長岡亮介のギター」なんですよね。シグネチャートーンを持っていて存在感があります。ギターの音色は私と亮介さんで全然違うので、ぜひ聴き比べてもらいたいです。

━━今回、楽曲になぞらえて、カントリーハウスで取材と撮影をさせてもらっているのですが、Reiさんが初めてカントリーハウスを訪れたのはいつですか？

初めて来たのは亮介さんと『BLU』を作っている時です。亮介さんがライブをする時に何度か観に来ました。 実は、今回の曲もリハーサルでここを使わせていただいたんですよ。それで久々に訪れました。

━━この場所は、長岡さんのホームでもありますからね。

だからこそ、今回のコラボでは赤坂カントリーハウスのバンドの方々に対する情熱も感じました。カントリーハウスは亮介さんが学生の頃から出入りしている大切な場所。彼がお世話になっている方を私に紹介し「私の曲を一緒に演奏しよう」と言ってくれたのは嬉しかったです。

実は、カントリーハウスが45周年を迎える、というのもオファーした背景の一つです。3者のメモリアルな曲になったと思います。いつかこの箱で今回の楽曲が演奏できたらいいですね。

━━今回、赤坂カントリーハウスに出演しているプレイヤーがセッションに参加していますが、彼らと演奏した印象をぜひ教えてください。

実は『BLU』に収録されている“my mama”という楽曲に長坂勇一郎さん（Ba）は参加していただいています。彼は2021年のグッドキャラクター賞！　洋服も可愛いし人情深くて、ベースも個性のある演奏をされます。

そして今回、初めてご一緒した尾崎博志さん（Gt etc.）や河崎真澄さん（Dr）、手島宏夢さん（fiddle）もキャラクター、演奏いずれも個性が強かったです。博志さんはカントリーマナーへのアレンジメントをご一緒させていただいたのですが、彼のペダルスチールやバンジョーで世界観が広がりました。

真澄さんのドラムは、プレイもそうなのですが、風通しの良い音色が好き。宏夢さんのフィドルも、軽やかさがありながら歌心もあって、尊敬できる方ばかりでした。おかげで、自分の曲になかった、奥行きのある曲に仕上がりました。

今回の曲は「カントリー・ロック・チューン」と呼んでいるのですが、まさにそのミクスチャー具合は聴き応えがあると思います。

私のルーツであるブルーズって発祥を辿ると、いわゆる“ぼっち音楽”なんですよ。一人のブルーズマンが自分の憂鬱や記憶を歌い始めるところからスタートしていて。

でもカントリーは私の中でファミリーミュージック。みんなで一緒にやる音楽なんです。風通しがよくて、明るくて爽やかなイメージ。あと、ブルーズは元々黒人文化で、カントリーは元々白人文化。カルチャーの背景にも対比があって、その音楽性がクロスするのは面白いですよね。

━━そこである意味、対照的な2つのジャンルがクロスするのは確かに面白いですね。

亮介さん自身にシンパシーを感じることがいっぱいある、というのも大きいかもしれません。私が関西のブルーズコミュニティを心の故郷だと思っているように、亮介さんもカントリーミュージックを自分のルーツに持ち続けている。そのシンパシーはあります。

━━Reiさんがカントリーに興味を持ったのは？

亮介さんにドワイト・ヨーカム（Dwight Yoakam）を教えてもらってからですね。最近はブラッド・ペイズリー(Brad Douglas Paisley)というシンガー・ソングライターにハマっています。彼の影響でカントリーを聴くようになったし、ギターのフィンガリングをはじめ、新しいカルチャーに出会えたことは嬉しかった。もっとカントリーを知りたいと思いました。

━━“変化”という点でいうと、今回の“Don’t Mind Baby with 長岡亮介”では、日本語と英語のミクスチャーが『BLU』よりも、しなやかになっている印象がありました。そういった言葉の変化の違いを、Reiさん自身が感じることはありますか？

違うと思います。歌詞の面でいうと、この7年間は“日本語との格闘の7年間“だったので。英語と同じくらい、日本語で表現することに執着がありました。

英語と日本語は隣同士の部屋なんだけど、扉も窓もない分厚い壁で隔てられていて。遠回りしないとたどり着けない。でもこの数年をかけて、細い釘でずっと壁を崩していて、そこにやっと穴が空いたのが今。近いのに遠い、という言語のハードルが、徐々に無くなってきたので、歌詞もあわせて読んでもらいたいです。

━━それは、先日開催されたブルーノート東京でのセッションライブ＜JAM! JAM! JAM!＞でも感じました。そして今回の歌詞は、出会いありきの別れをテーマとした楽曲ですよね。

「出会い」には必ず「別れ」がある、というのがドライブのようだと思って。車に乗り込むということは、目的地にたどり着いたら必ず降りなければいけないわけで。でも、別れを知っているからこそ、今一緒にいる時間を大切にしたくなる。

今回、バンドの録音をした日にいろんな感情が入り乱れて。深夜2時に私のソロを録って、その日は終了だったのですが、最後は鼻水垂らして泣きながら録っていました（笑）。

━━なぜですか！？

感謝もありましたし、音楽を続けられていること、お互いがそれぞれの道を歩いていて再会したことの感動もありました。自分がちょっと大人になったからこそ話してくれたのかな、という亮介さんとの会話もあって。認められたじゃないですけど、自分がやっと対等になれた気がしました。

曲の内容と亮介さんと音楽を作る時間が、また再会するまでに出会いと別れを繰り返したことが走馬灯のように巡って。亮介さんには「なんで泣いてんの！」ってツッコまれましたけど（笑）。

━━ちなみに今回の楽曲のテーマは長岡さんとのコラボありきで決まったんですか？

曲自体は亮介さんをイメージしたのですが、歌詞は自分の大切な人が別れに心を痛めていて、その人に元気を出して欲しいなと思い書きました。

ただ、前作の（藤原）さくらさんとの楽曲でもそうでしたけど、今回の“QUILT”プロジェクトは何かを断定するのではなく、想像の余白を作るような曲にしたいんです。

離れ離れの恋人について歌った曲にもなるかもしれないし、友達の曲かもしれない。どちらかというと、私はこの世にいない人が助手席に座っていて、運転している誰かを見守っている気持ちで歌詞を作りました。カジュアルにも聴こえるし、死生観についての曲にも聴こえる。いろんな人のパーソナルな気持ちを受け止めるような、ゆとりのある曲ができたと思います。

━━それはジャケットで女の子の隣に乗っているのが、犬であるのも関係してきそうですね。

男性にしちゃうと亮介さんだって断定することになるし。見ている人が自分の大切な人と置き換えられるようにしたかった。亮介さんが白いシトロエンでよく現場にきていたので、その車に乗った女の子と犬。今回もバイカラーにして、私は「青」、亮介さんは「緑」で表現しました。亮介さんが愛用しているV型のギターも緑色だし、ペトロールズのアー写でも緑色のシャツを着ているから。

━━過去のインタビューで「パーソナルな曲を作りたい」とReiさんが言った直後、キャリアの中ではもっともパーソナルな感情を描いたアルバム『HONEY』が完成しました。今回はそれ以上に、人々にとっての“パーソナル”に触れるような作品になったのではと思います。

確かに『HONEY』での気づきはありました！　 私は自分のことしか歌えないと思ったし、自分が強く信じている感情を描くべきだなって。

今回、亮介さんと対話を重ねる中で言われた「（Reiは）スマッシュヒットしたいわけじゃないじゃん。いい音楽を作りたいタイプじゃん」という言葉に救われました。

私は「売れたい」という気持ちも人一倍あるタイプだけど、その「売れる」っていうのは、良い音楽を愚直に作り続けた結果の1つじゃないですか。

私が「いい音楽をやってる人」として亮介さんに認定されているという嬉しさもあったけど、同時に「世の中に迎合して音楽をやるのではなくて、自分の信念を持ちたい」ということを再認識させられた瞬間でした。『BLU』が今までの私にとってそういう作品だったように、これからもこの作品に立ち返ると思います。