厳かな教会でさえ、実験音楽の発表の場になり得てしまうのがベルリンだ。真っ赤にライトアップされた空間は無音の状態から異様なオーラを放ち、異次元への扉が開くのが待ち切れなくなる。昨年11月、ミニマルテクノの巨匠、ダブテクノの創始者の1人として知られるモーリッツ・フォン・オズワルド（Moritz von Oswald）がニューアルバム『Silencio（シレンシオ）』をリリースした。それを記念し、ワールドプレミアにてコンサートが披露された。その現地レポートをお届けする。

昨年11月10日、モーリッツ・フォン・オズワルド（Moritz von Oswald）が〈Tresor Records〉より、初のソロアルバムとなる『Silencio（シレンシオ）』をリリース。モーリッツは、マーク・エルネスタス（Mark Ernestus）と活動している別名義・Basic Channelとしても知られており、両名義ともにTresorとは親交が深く、そこには30年以上の長い歴史がある。長年のキャリアからして今作が初のソロアルバムということに驚いたが、完成度の高さは言うまでもない。

ベルリンのクロイツベルク区に位置する聖トーマス教会（St. Thomas Church）にて、リリースコンサートが開催された。11月とは思えない寒さとなったこの日だが、会場となった教会の前には長蛇の列が成していた。関係者受付でPRのPullProxyのスタッフに軽くあいさつを済ませて中へ。ワールドプレミアでの披露とあって前売りは完売、立ち見が出るほどの注目を集めていた同イベントには、Tresorのオーナー、ディミトリ・ヘーゲマン（Dimitri Hegemann）をはじめとする関係者の姿も多数あった。

入場に時間が掛かったのだろう、約30分遅れで始まったコンサートは、モーリッツがスタッフに支えられて足を引き摺りながらゆっくりとステージに上がり、右手だけで演奏を始めた。その姿を見て最初はかなり心配になったが、そんなことはすぐに忘れ去るほど出音から別世界へと飛ばされた。彼のトレードマークでもあるタイトなジャケットにポケットチーフといったジェントルな着こなしは健在で、どんな時でも自分のスタイルを崩さないストイックで完璧主義な姿勢を見れたことは嬉しかった。

最新作『Silencio』には、ドイツで最も高く評価を得ている声楽アンサンブル「Vocalconsort Berlin」が参加している。赤くライトアップされたステージのセンターに立つモーリッツを囲うように指揮者と両サイドに分かれた男女5名の声楽家が並ぶ。

オープニングは、モーリッツのソロによるアンビエントやドローンのパフォーマンスがしばらく続き、左右、上下、360℃に飛び交うノイズ、グリッチを必死に追いかけ、小さな音の変化を探る旅が始まった。陶酔し始めた頃に打ち込まれる地響きのような低い振動音やベース音に覚醒させられ、執拗なまでに反復するミニマルなフレーズにいよいよ飽きてきた頃に、突然大声で合唱が始まった。またしても不意をつかれ、次はどんな仕掛けがやってくるのか緊張しながら待った。

歌声はゴスペルのように美しく、妖艶で幻想的、それが幾重にも重なり、教会中に響き渡る。しかし、人間が目の前で歌っているはずなのに機械的で奇怪的なその光景に戸惑った。最近はクラシックコンサートであっても紙の楽譜ではなく、iPadなどのタブレットを使用しているのをよく見かける。同コンサートでも同様にタブレットだったが、単に歌っているのではなく、秘密裏に何かを作動させているのではないかと錯覚した。それほどまでに、ステージ上では一体どんなマジックが行われているのか全く理解できない。

静寂なアンビエントからスタートし、ミニマルなフレーズ、ノイズ、サンプリングした歌声を徐々にレイヤーしていき、壮大なサウンドへと完成させていく。私が理解できたのはこの程度だ。今作のドキュメンタリーが公開されているので是非観て欲しい。

最新作『Silencio』は、エドガー・ヴァレーズやギオルギー・リゲティといったクラシック音楽家、現代音楽家のイアニス・クセナキスからインスパイアされたという。人間の歌声と人工的な音、声帯が生み出す振動とシンセサイザーの音、これらを対話させ対比する、これこそが今作のテーマであり、モーリッツが探究してきたことだ。幽玄的なクラシックと実験音楽のダークな不協和音を融合させ、人間の声のダイナミズムとヴィンテージシンセサイザーを融合させることによって、深く重く響く新しい音のパレットを創り出した。

作曲は、ベルリンのモーリッツのスタジオにて、1969年に製造されたEMS VCS3や1978年に製造されたProphet V、Oberheim 4-Voice、Moog Model 15といった希少価値の高いヴィンテージシンセサイザーを用いて行われたという。フィンランド人作曲家兼ピアニストのヤルコ・リヒマキによって合唱用の楽譜に書き起こされ、16声の混合合唱が完成した。

さすがのベルリンであっても教会にバーの設置は不可能だったようだ。水すら一滴も飲めずに2時間以上座りっぱなしのコンサートというのはある種の拷問のように感じたが、そういった極限状態で聴いた時の音の感覚こそ本物なのかもしれない。外で聴くなら踊りたい！が自分のモットーであり、ビートを欲してしまうのだが、自宅ではアンビエントやエレクトロニカは癒しや静寂を与えてくれる。しかし、モーリッツがこだわり抜いた最高品質のサウンドは、これまで聴いたエレクトロニックミュージックのライブ史上最高峰であり、痺れた夜だった。

前回（【老舗クラブ「PACHA」の50周年アニバーサリーに潜入】）のPACHA50周年のレポートでは、世界屈指のパーティースポットとしてイビサタウンを紹介したが、当レポートでは、同じイビサ島の中でも全く別の顔を持ち、変貌を遂げている知られざるサン・アントニ・デ・ポルトマニの今とここでしか体験できないおすすめのアクティビティを紹介したい。

サン・アントニ・デ・ポルトマニ（以下、サン・アントニ）とは、イビサ島の西海岸と北西海岸にまたがり、島の他の4つの自治体すべてに接している。面積は126.80km2で、人口約26,000人と2番目に大きな町だ。そして、イビサタウン同様にナイトライフが盛んな町として絶大な人気を誇る。しかし、近年、地元の自治体を中心とした大規模な再生計画が実施されており、町の雰囲気は一変した。

増え続けるツーリストによる過剰なナイトライフは、アルコールやドラッグ、騒音やゴミなどの様々な問題が勃発し、長年に渡り、美しい景観や自然を破壊し続けてきた。そこで、長年に渡るパーティー中心の評判から脱却することを目的としたサステナビリティも踏まえた再生計画に乗り出した。欧州復興基金から予算を得て実際に動き出したのは2022年からだが、コロナ禍によって以前から懸念されていた問題の改善に乗り出したという。

現在は、ナイトライフ目当ての若年層ではなく、高年層や家族連れなど、昼間のアクティビティや自然を求めるツーリストの増加に尽力しているとのこと。事前に聞いていたとはいえ、サン・アントニは、どこを切り取っても絵になるフォトジェニックな景色と驚異的な美しさを誇る自然に溢れており、パーティーアイランドの印象は驚くほどない。

広大な自然を眺めながら日頃のストレスから解放され、絶景とともにボートクルーズやスキューバーダイビング、ハイキング、サイクリング、ヨガといったアクティビティを楽しんだり、通常の旅行よりワンランク上の満足感を得ることができることを何よりも伝えたい。

以下は、滞在中に実際に体験し、特におすすめしたいボートクルーズとサンセットをメインに、一押しのレストラン、ワイナリーも紹介したい。

サン・アントニ港には多数のボートが停泊しており、いつでもボートクルーズを楽しむことができる。私たちがお世話になったのは、“Eclipse Eivissa”という個人で運営を行なっているクルーズサービスだ。ウッドと白を基調としたシックなデザインのボートが高級感漂い、乗船しているだけでも気分が高まる。クルーズだけでも非日常的で贅沢な体験だが、息を呑む絶景を眺めながらの海の上で嗜むワインやシャンパン、タパスはどんな高級店にも勝る贅沢な瞬間を提供してくれる。

サン・アントニの海の水はどこまでも透明度が高く、太陽の光が当たってキラキラと美しいのが特徴的。

ボートクルーズは午後に港を出航し、見事な岩礁の間を通ったり、海岸沿いに点在する小さなビーチや釣りスポット、自然水族館などに立ち寄ることも可能。サンセットが一番美しく見えるベストスポットでボートを停めて、ただただ、ゆっくり静かに太陽が沈んでいく様を眺める。この瞬間は時が止まり、楽園から天国へきたのか、それとも夢かと思うほど現実離れした絶景を拝むことができた。個人的には、太陽が沈んだあとの驚異的な美しさに呑み込まれそうになった。こんな経験は人生で一度しかないかもしれない。

スペインといえば、美食の国としても知られているが、本当にどこで何を食べても飲んでもおいしいと言っても過言ではないほど。サン・アントニでは、トラディショナルなイビサ料理を楽しめるレストランが多数点在しているが、特におすすめなのが、ディナーで訪れた「Es Ventall」だ。歴代に渡り、家族だけで経営してきた老舗レストランとして高い信用と人気を誇る。

アクティビティの中でも楽しみにしていたワイナリー見学は、町の中心地から車ですぐのところにあるオーガニックワイナリー「Can Rich」へ。温暖な気候と土壌を活かした伝統的な製造法を用いており、その年に採れたぶどうの状態を見ながら、数種類をバランスよくミックスして発酵させるのが特徴。白、赤、ロゼ、スパークリングを醸造しており、工場見学から試飲、購入することも可能。ドイツでも数え切れないほど多くの種類のスペインワインが扱われているが、イビサ産のワインはおそらくこれが初めて。

ワインのテイスティング時に提供されたタパス。食事の際には必ずと言っていいほど、サラミ、チーズ、オリーブ、パン、そして、アリオリが提供され、それだけでもお腹がいっぱいになってしまうことも。

滞在中に最も文化の違いを感じたのが食事の時間とその贅沢さ。日本はおもてなしの国として知られているが、日本人のせっかちな国民性もあり、一回の食事に何時間もかける人は少ない気がする。イビサに限らず、スペインでは、長時間の昼休憩を意味する“シエスタ”があるため、ほとんどの飲食店はランチ営業が終わったら一旦閉店し、18時以降でないと営業が再開されない。

19時オープンのところも多く、一人で行動している時にうっかりシエスタを忘れていて、遅い時間にランチが取れなかったことがある。プレストリップ中もほぼ毎日ディナー時間は22時と遅く、それまでゆっくりと買い物したり、バーで軽く飲むなどして、通常とは違う時間の使い方を覚えた。これがベルリンだったらラストオーダーの時間に近く、予約なしで入れるレストランも少ないことだろう。

わずか1週間ほどの滞在だったが、もっと早くに訪れるべき場所だったと非常に悔やまれた。誰もがイメージする“パーティーアイランド”のイビサはもはやサン・アントニには存在しない。奇跡のサンセットに出会える楽園で、美しい自然と絶品のソウルフードがあればそれ以外何もいらないことを心底実感した。また来年も夢の島に是非とも訪れたい。

スペインのバレアレス諸島に位置するイビサ島は、世界一のパーティーアイランドとして知られており、毎年5月から10月にかけて毎日開催されるパーティー目当てに訪れた観光客で溢れかえっている。しかし、有数クラブが点在し、ナイトスポットが集中しているのはイビサ島のイビサタウンだ。

イビサ島は島全体が世界遺産に登録されるほど美しいビーチやアクティビティ、中世ヨーロッパを彷彿させる旧市街など、パーティー以外にも様々な魅力がある。それについては、現地レポート第二弾で深掘りするとするが、イビサはなぜカルト的人気を誇るパーティーアイランドとなったのか？

今年で生誕50周年を迎えたイビサを代表する老舗クラブ「PACHA(パチャ)」の記念すべきアニバーサリーパーティーの模様とともに、その歴史を紐解いていきたい。

1973年、創設者のリカルド・ウルジェイによってイビサタウンに「PACHA」がオープン。設立当初は、のちにブランドアイコンにもなっているシンボルマークのチェリーは存在していなかった。それどころか、当時近隣にナイトクラブはなく、農村地に突如できたのが「PACHA」だ。白い石とモルタルの壁、そして、木造の内装というイビサの伝統的なフィンカ（農家）を思わせる地味な外観は、現在のゴージャスなイメージからは程遠い。

それでも、「PACHA」は自由と快楽を求め、多くの人々が毎夜訪れる人気スポットとして認知されていった。70年代のイビサは、ベトナム戦争からの徴兵忌避者やフランコ独裁政権から逃れてきたアーティスト、ミュージシャン、作家などの平和主義者や快楽主義者で溢れており、彼らは抑圧された社会から離れた自分たちの居場所を求めていたのだ。

特に興味を抱いたのは、イビサにはクラブが浸透する前からヒッピーによる音楽カルチャーが根付いていたことだ。バーのレコードプレーヤーからは、テクノやハウスではなく、サイケデリック、ロック、ジャズ、フュージョンが流れ、のちにディスコが脈打ち始め出した。そんなイビサのヒッピーカルチャーを代表するのが「Flower Power」だ。もともとビーチで開催されていたヒッピーフェスはのちに「PACHA」のレギュラーパーティーとして毎週開催されるようになり、現在も続いている。

世界の至るところからやってきたヒッピーたちによる自由な音楽カルチャーを取り入れつつも新しいクラブカルチャーを構築していった「PACHA」。その人気とともにイビサタウンには至るところに新しいクラブが誕生していった。76年には「Amnesia」、86年には惜しくも閉店してしまった「Space」、99年にはスヴェン・ヴァスが創設者の「Cocoon」や「DC10」がオープンし、イビサのクラブカルチャーは瞬く間に近隣諸国から世界へと広がった。ヒッピーたちと同様に自由を求めてやってきたボブ・マーリーをはじめ、グレイス・ジョーンズ、ジェイド・ジャガー、ヒルトン姉妹、ケイト・モスなど、多くのセレブリティーも訪れるようになった。

クロージングに近づき始めた9月末の週末のパーティーに招待してもらったが、金曜日はRobin Schulz、土曜日はMarco CarolaとSeth TroxlerによるB2B、やはり長年に渡り、親交の深いアーティストたちがお祝いに駆け付けていた。週末のパーティーは前売りの時点でSOLD OUT、オープン前からエントランス付近には長蛇の列ができていた。店内は迷子になるほど広々していて、メインフロアー、セカンドフロアー、VIPエリア、ガーデン、そして、レストランが併設されている。

「PACHA」は道を挟んで反対側に4つ星ホテル、少し離れたビーチ沿いにはラグジュアリーなリゾートホテル「Destino」を所持しており、豪華なサウンドシステムを備えた「Destino」でもアニバーサリーイベントが盛大に行われていた。

「PACHA」の店内は、VIPエリア以外は座る場所はほとんどなく、フロアーは踊ることに夢中なオーディエンスで埋め尽くされ、ものすごい熱気に包まれている。爆音でありながら音がクリアーで驚くほど心地が良い。金曜はカラフルでポップなライティングやデコレーションが印象的だったのに対し、土曜はチェリーのマークは消え、天井に設置されているミニマルなLEDレーザーでダークな雰囲気。パーティーに合わせて内装やライティングを変えるこだわりにも驚いたが、店内とは全く雰囲気の違うジャングルのようなデザインのガーデン（テラス）も素晴らしかった。「PACHA」はどこにいても現実離れした異世界を楽しむことができる。

10月15日には、Solomonをゲストに迎えたシーズン最後のクロージングパーティーが開催され、Marco Carolaをゲストに迎えた12月31日のニューイヤーイベントを除いて来年５月までクローズとなっている。

イビサのクラブのエントランスは格段に高いことでも有名だ。確かに週末のパーティーともなれば、50ユーロ〜60ユーロが相場となり、そこに決して安くないドリンク代も加算される。さらに、ドレスコードにも気を使わなければならない。まさに、”富裕層のための遊び場”だったが、ラグジュアリーでありながらぶっ飛んだ演出はここでしか味わえない希少な体験だ。世界各地のクラブを見てきた私にとってもそこは”全く知らない世界”であり、NYの伝説のクラブ「Studio54」に迷い込んだような不思議な感覚に陥った。

“日本の地方がおもしろい”、海外在住の私でもよく耳にする話だ。常に新しいカルチャーがひしめき合う東京は刺激的だけど、その変化の速さに着いていけず、疲れてしまうこともある。コロナ以降、海外へ移住する人は減り、本帰国する人も増え、地方へ移住する人や二拠点の人、帰省する人が増えたように感じる。そして、そうした人たちは拠点を変えるだけでなく、新たな地で新たなカルチャーを構築し、地域活性化にも繋がっているのだ。

そんな中、一時帰国中に友人から教えてもらって知ったのが、昨年、長野県岡谷市にオープンしたばかりのレコードショップ「CELLAR RECORDS」だ。一目で歴史的建築であることは分かるが、何ともフォトジェニックな外観、一癖も二癖もありそうなセレクトセンス、面識もないまま、ほぼゲリラで1周年イベントにお邪魔し、オーナー・浜 公氣（Kouki Hama）さんに話を聞かせてもらった。

オーナーの浜さんは、ドラマーとしての顔も持ち、これまでに、mei ehara、柴田聡子、Summer Eye、思い出野郎Aチーム、片平里菜などのサポートドラマーとしての実績を持ち、現在も活動中とのこと。そんな浜さんが、拠点を東京から地元の長野県岡谷市へと移し、自身のレコードショップを始めたきっかけはなんだったのだろうか？

──地元の長野県岡谷市で、レコードショップを始めようと思ったきっかけはなんですか？

当店は、明治時代から残る貴重な繭蔵をリノベーションしたのですが、設計士である父親が個人的に購入した建物になります。保存したいという思いから購入に至ったんですが、そのあと、僕に「繭蔵で何かやりたいか？」と、聞いてくれたんです。そこで、以前から「いつかやるだろうなぁ」と、漠然と考えていたレコードショップをやりたいと父に伝えて、今に至ります。

僕は昔からレコードを買って聴くのが好きだったので、そのような場所を自分自身で作りたかったというのが一番の理由ですね。

──製糸の歴史がある岡谷市ならではですね！　貴重な繭蔵をリノベーションして店舗にしたとのことですが、風情があってレコードとの相性もとても良いと思いました。特に内装でこだわった点はありますか？

改装に伴うデザインやアイデアは、デザイン事務所「Studio Happ」の大西邦子さんと兄である浜 元氣と僕とで手掛けました。歴史的建築を活用した店舗は、近年あらゆる場所でたくさん見かけるようになりましたが、古い建物を使う方法はダサいと紙一重と言いますか、ちょっとしたことでめちゃくちゃかっこ悪くなってしまう危険性があります。なので、そうならないように一番意識しましたね。

やはり、もともとの建物は古い木やハリが多いので、什器は鉄枠にしたり、カウンターはモルタルにしたりと、古い木には感じない“冷たい”印象のものを選んでいます。とにかく感覚的にダサくならないように注意して選択していきました。

──ジャズ、ファンク、ソウル、シティポップが豊富だと思いましたが、レコードはどのような基準でセレクトしていますか？

セレクトの基準は、自分が好きかどうかに尽きるのですが、ソウル、ジャズ、エクスペリメンタルは昔から好きなので、自然と増えてしまったといった感じですかね。あと、具体的なセレクト視点とヘッポコだったりでクスッと笑っちゃうようなレコードをたくさん置くように心がけてます。

──なるほど、ユニークな視点で良いですね。そんな中で浜さんが今最もおすすめしたい1枚とその理由を教えて下さい。

サン・ラ・カルテット（Sun Ra Quartet）の『The Mystery Of Being』ですね。サン・ラがイタリアのジャズ・レーベル〈HORO〉からQuartet編成で2枚作品をリリースしているのですが、こちらはそのレコーディングでのアウトテイク等も収めたコンピレーションになります。

アーケストラ編成よりも音数が圧倒的に少ないのもあり各人の演奏が聴きとりやすく、そのためアンサンブルや曲をじっくり楽しめるので、聴くたびに発見があります。“Moon People”でおそらくサン・ラがシンセでベース部分を担っているのですが、それがとてもモヤモヤするプレイでとてもかっこいいです。ミステリアスなバラード“When There Is No Sun”も名曲。本当に変なジャズ・アルバムです。

──東京などの大都市とは違い、音楽カルチャーがあまり浸透していないと感じてしまう地方の土地でレコードショップを運営するのは大変でしたか？　また、一番苦労した点はなんですか？

個人的には浸透していないとは全く思いません。都市部に比べて数自体は違いますが、人口のパーセンテージで見てみたら音楽が好きで買って聴く方々の割合は同じ、もしくは近かったりするのかなあと思っています。

まだオープンして1年しか経っていないので苦労というのもおこがましいですが、平日はやっぱりお客様の入りが少ないので、そこはどうにかしたいですね。都市部のレコード屋さんも例外ではなく、平日はガランとしてしまっているとは思いますが。

──1周年イベントにお邪魔させて頂き、音楽好きでオシャレなお客さんが多いなと思いましたが、普段はどういったお客さんが多いですか？

長年のリスナーの方やDJの方が多い印象です。建物が特徴的なのもあり、建物の見学に来る方もいらっしゃいます。

──デジタル化が進む中で、レコードコレクターやヴァイナルプレイにこだわるDJも多く、需要があります。浜さんにとってレコードとはどんな存在ですか？

デジタルでも音楽はよく聴きますが、やっぱり自分はモノを買って聴くのが好きなので、レコードやCD、カセットはいまだにワクワクできる存在です。やっぱりレコードの出音は特別です。

──今後やっていきたいこと、夢などはありますか？

長野県内で店舗、オンライン問わず、レコード屋さんをやられている方々やコレクターの方々をお呼びしてレコード・フェアをやりたいです。自分がレコードの買い物をしたいだけかもですが。

──いいですね！　長野県内にもレコードショップが増えていますし、個人的にも参加してみたいです。是非実現させて下さい。本日は貴重なお話をありがとうございました！！

ヨーロッパにおけるエレクトロニックミュージックに特化したフェスは数え切れないほど存在する。開催地の特性を活かしたロケーションやラインナップはどこも競い合うほど豪華で、決して安くはないチケットがソールドアウトになることも常だ。しかし、その一方で、“どこも同じようなブッキング”といったネガティブな意見を目にすることも多くなった。

週末のクラブイベントだけでは網羅できない世界のトップアーティストが一堂に集まり、数日間で一気に見ることができるのがフェスの魅力であり、醍醐味である。そのため、誰もが知っている説明不要のビッグネームがヘッドライナーとして名を連ねるのは当然と言えるだろう。それは、今も昔も、そして、これからも変わらないのではないだろうか。

しかし、これまでの人生の半分以上をエレクトロニックミュージックに注ぎ込んできた私のような人間にとって、フェス現場は“新たな発見の場”であり、そこでしか味わえない唯一無二を探し求めている。事実、今回レポートする＜Brunch! Electronik Festival＞は、初めて知るアーティストが個人的ベストアクトとなり、スペインの音楽への情熱に圧倒されたフェスとなった。

バルセロナに根を張り、10年間に渡り、世界各地からトップアーティストを招聘し、毎週末パーティーを開催してきたイベントプロモーター・Brunch Electronikの実績と努力と信頼度によって大成功を導いた＜Brunch! Electronik Festival＞を現地バルセロナからお届けする。

＜Brunch! Electronik Festival＞とは、バルセロナを拠点とするプロモーター“Brunch Electronik Barcelona”による初の大型フェスとして、8月11日と12日に「Parc del Forum（フォルム公園）」にて開催された。また、同日程にてバルセロナ市内に位置するクラブ「Nitsa Club」にて、アフターパーティーが、13日には庭園「Jardins de Joan Brossa」に会場を移し、翌朝までサンデーパーティーが開催された。

メイン会場となった「Parc del Forum」には、GrooviK、HarmoniK、RhythmiK presented by Resident Advisor、EuphoriK by Estrella Damm、IconiKの５つのステージが設置され、DJだけに限らず、ライブアクトやバンドも多数出演し、ジャンルもテクノ、ハウス、ベースミュージック、エレクトリック・ポップなど様々。オープニングの早い時間こそ来場者は少なかったが、日が落ちる前のまだ明るい時間から徐々に人と熱気で埋まっていき、暗くなった時にはどこのステージもパンパンの満員状態。

音響はどこのステージも素晴らしく、しっかりと身体に伝わる重低音の鳴り、ライブは生音がクリアーで上品、控えめだけど暗過ぎずちょうど良いライティングも良かった。野外の場合、風向きで音が逃げてしまったり、高音が効き過ぎて頭が痛くなったり、爆音過ぎて音が割れてしまったりなど、いろいろ問題が発生するが一度も不快に感じたことがなかった。

一番驚いたのは、オーディエンスの熱量のすごさだ。スペイン人の明るくて陽気な気質も相まって、心の底からパーティーを楽しみたいという思いが伝わってきた。笑顔で踊りまくり、知っている楽曲はみんなで大声で合唱する、そんなハッピーオーラに終始包まれていた。

まずは、同フェスの個人的ベストアクトとなったアムステルダム拠点のユニット・ANOTRがプレイしたGrooviKステージ。彼らの前にプレイしていたロンドン拠点のPAWSAからの流れが素晴らしく、違うステージでÂme & Dixonを見ようと思っていたが、身動きが取れなくなるほどだった。

続いて、Jeff Mills、Boyz Noise、Marcel Dettmann、Nina Kravizなどテクノのドリームチームが名を連ねていたIconiK。普段はあまり聴かないBPM速めの硬派なテクノサウンドが終始聴こえてきたが、剥き出しのコンクリートに反射し、腹部に響いてくる重低音が心地良かった。

Resident Advisorがオーガナイズするステージは、JEREMY UNDERGROUND、Mr.G、LIL' LOUISなど、かなり好みのラインナップ。DJブースがフロアーと同じ目線という自分的に一番好きなセッティングに開放感もあって良かった。女性DJの活躍が目立っていたのも良い。

HarmoniKステージから出店が並ぶ通りに貼られていた10年の歴史を物語るポスターたちにほっこり。デイパーティーからオールナイトイベント、大型フェスへと成長していった軌跡を辿る。

明るい時間のカラフルな雰囲気も楽しかった。会場内を散策しながら、サウンドシステムやステージのデコレーション、客層などをチェック。

間違って一般のエントランスに並んでしまったせいもあるけれど、セキュリティーが他のフェスやクラブとは比べものにならないほど厳しく、女性スタッフだったとは言え、トラウマ級の“取り調べ”を受けた。何か問題でも起きたのだろうか？　一部のスタッフは英語が話せないため、コミュニケーションが取れず、困ったこともあった。フェスによってオペレーションが違うのは当然であり、アテンド役が必ずしもいるわけではない。初めてのフェスで初めての会場で、すぐにテンパってしまう癖も良くないと実感した。本番の忙しさの中、私たちのケアやトラブル回避に尽力してくれたプロジェクトマネージャーのMarcとインターナショナルPRのAlexaには感謝しかない。

初開催にして、6万6000人以上の来場者を記録し、大成功を収めた＜Brunch! Electronik Festival＞は、終焉とともにすでに来年の開催を発表した。もし、また来年参加できる機会に恵まれたら最終日のラストまでじっくりフェスを味わい尽くしたい。そして、ベルリンとは全く違うバルセロナの街をもっと堪能したい。

日曜日の午後に開催される＜Brunch In the Park＞から始まり、昨年大成功を収めた初のオールナイトイベント＜Brunch in Weekender＞に至るまで、バルセロナを発信地に10年間に渡り、実に多くのイベントを実現させてきた。バルセロナ以外にもリスボン、ロンドン、サンティアゴ、パリなど、世界の様々な都市でイベントを開催し、遊牧民のように定住しない自由なスタイルは“ノマド・フェス”と呼ばれるようになった。そんな＜Brunch＞の集大成とも言えるビッグフェス＜Brunch! Electronik Festival＞が今年の8月11日〜13日の三日間に渡り、バルセロナ市内に位置する3つの有名スポットを会場に開催されることが決定した。

海岸に近く、様々なビッグイベントが開催されている「Parc del Fòrum」では、8月11日、12日にテクノ、テックハウス、メロディック、ハウス、ライブの5つのステージが用意され、自然に囲まれた庭園「Jardins de Joan Brossa」では最終日の13日にデイイベント、バルセロナ有数のローカルクラブ「Nitsa Club」では毎夜アフターパーティーが開催される。昼夜問わず、エレクトロニックミュージック界で活躍するあらゆるジャンルのアーティストの最先端サウンドを存分に楽しめるコンテンツとなっている。

出演には、ME B2B Dixon、Anotr、Boyz Noise B2B VTSS、Carl Cox、Jeff Mills、FKJ、Hot Chip、Keinemusik（&Me, Adam Port and Rampa）、Little Dragon、Marco Carola、Marcel Dettmann、Nina Kraviz、Paul Kalkbrenner、SBTR、Underworld、Farrago、Tama Sumo、Airod、Axel Boman、Sonido Tupinambaなど、10周年に相応しい文句なしの一流アーティストが集結する。

オーガナイズチームの1人で、プロジェクトマネージャーのマーク・サンチス（Marc Sanchis）に＜Brunch! Electronik Festival＞について、以下の様々な質問を投げかけた。

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──「Brunch! Electronik Festival」を開催するに至った経緯を教えて下さい。

私たちは、これまで主にサンデーデイイベントを開催してきました。今年で10周年を迎えることもあり、これまでのイベントの集大成として3日間かけて＜Brunch! Electronik Festival＞を開催することを決意しました。多数の異なるステージ、ライブアクト、そして、オールナイトで開催することは、私たちにとって、とてもエキサイティングな冒険と挑戦の場となりました。

──フェスティバルを開催する上で最も苦労した点はなんですか？

素晴らしいフェスティバルを作り上げるためには、常に多くの課題があります。私たちは、参加者に素晴らしい体験を提供することに最も重点を置いています。フェスティバルを成功させるためには、参加者にとって、楽しく思い出に残るような体験を提供することが重要だからです。多様なアクティビティを提供し、行列を管理し、清潔な施設を提供し、顧客の苦情や懸念に迅速に対処するように心掛け、貢献しています。

──会場内に新たに「Espai Be Hub!」エリアが設置されましたが、そこで提供されるもの、食料援助やその他の社会活動について教えて下さい。

「Espai Be Hub!」は、持続可能性と循環性を促進するためのスペースです。この先駆的なイニシアチブは、環境への配慮と責任ある実践の重要性に対する意識を高めることを目的としています。フェスティバルの会場内に設置されるのは初めてですが、「Observatori Contra l'Homofòbia」が主導するLGBTIQ+とフェミニストのブース、NGOアバターと「Espai Segur」が運営する安全で予防されたパーティーのためのブースが設けられ、参加者が抱えるあらゆる問題に対して心理学者によるサポートが受けられるスペースとなっています。

──10年の集大成ということもあり、かなりの豪華ラインナップですが、出演者はどのように選んだのでしょうか？

私たちは、エレクトロニック・シーンにおけるサブジャンルを多数組み合わせた特別なラインナップにしています。テクノ、ハウス、そして、テックハウスに至るまで幅広いジャンルからアーティストをブッキングしています。例えば、レジェンドのUnderworldをはじめ、Hot Chip、Little Dragon、SBTRK、FKJなどのエレクトロニック・ミュージック・バンドのライブ・アクト・ステージを初めて開催します。また、Boyz Noise b2b VTSS、me b2b Dixon、Jimi Jules b2b Trikkなど、＜Brunch! Electronik Festival＞でしか見れないエクスクルーシブなB2Bショーも用意しています。 私たちは、フェスティバルのあらゆるムードに合うような幅広い音楽の選択肢を皆さんに提供することがとても重要だと思っています。

──ヨーロッパのフェスは、世界各地で活躍する一流アーティストから旬なアーティストが出演し、豪華なラインナップが魅力のひとつですが、その一方で日本を含むアジア圏で活躍しているアーティストの出演が少ないと感じています。それについてどのように思いますか？

私たちは、もっと多くのアジア人アーティストが出演するイベントを開催したいと思っています。常に多様なアーティスト、マルチジャンル、マルチカルチャーのラインナップを揃えようとしていますし、新しい道を行くのが好きなのです。だから、ラインナップをキュレートする際にはあまり通ったことのない道を通り、自分たちの“コンフォートゾーン”を離れるようにしています。しかし、ヨーロッパ市場では、エレクトロニックミュージックやテクノシーンにおいて、アジア人アーティストが不足しているのかもしれません。

──フェス開催まであとわずかですが、10周年を迎えるにあたり、今の意気込みを教えて下さい。

私たちにとって＜Brunch! Electronik Festival＞は、これまでで最大のプロジェクトになります。もう1年近く企画に費やし、取り組んでいます。10周年という節目は、ブランドにとっても多くの新しい変化やアップグレードがもたらされます。今年の初めには、ロゴとブランドのデザインを一新し、新しいグラフィックの方向性を打ち出し、アートワークもAIデザインと全く違うものにしました。そういった変化を是非知って、体験してほしいです。

同フェスは、長年に渡り、包括性、尊敬、思いやりへコミットメントしてきた。ヴィーガンやベジタリアンといった菜食主義者を含む幅広い地元のフードベンダーが出店し、地産地消に特化することで走行距離やフットプリントを制限。ビーチクリーンやSocial FoodingなどのNGOへ残ったフードを寄付するなど、ミュージック分野においても無視できない環境問題を考慮し、サステナブルな活動を積極的に取り入れている。

世界に数え切れないほど存在する音楽フェスだが、音楽を楽しむことだけにコミットするのではなく、そこから派生する環境問題やフェス規模だからこそ可能となる社会活動を積極的に取り入れていくことで、これからも共存していけるのではないだろうか？

若きアーティストやクリエイターの才能を発掘し、育成し、グローバルな舞台でチャンスを掴ませる。このようなプロジェクトは「RBMA」（Redbull Music Academy）が最も有名であり、長年に渡り、素晴らしい実績を残してきた。しかし、残念ながら2019年10月末をもって終了してしまった。アーティストが一定期間ある土地に滞在し、常時とは異なる環境で作品制作や発表を行うアーティスト・イン・レジデンスは世界各地で開催されている。しかし、「RBMA」のような世界規模で開催しているプロジェクトはないだろう。

そんな中、ベルリン拠点のPR・PullProxyから興味深い情報が送られてきた。ドイツ、イタリア、ポルトガルの3ヶ国が共同で主催する新しい形のアーティスト育成プロジェクト「7th Extinction」だ。「7th Extinction」とは、ドイツ、もしくはポルトガルに居住する18歳以上35歳以下のミュージシャン、ビジュアルアーティスト（VJ、ビデオ・プロデューサー、ビジュアル・クリエイティブ）、音楽プロデューサーを対象に、英語が堪能であること、環境保護活動へ強い関心を持っていることなどが条件に挙げられている。

何より興味深いのが、ベルリン最大のジャズ・フェスティバル＜XJAZZ！＞、イタリアのビエラに拠点を構え、ユネスコの世界遺産に登録されているモンフェラートでフェスを開催している「Jazz Re: found」、クリエーターが自由に活動し、表現できる環境を提供しているリスボンの「Arroz Estudios」と、世界の一流アーティストが集結するフェスやイベントスペースが主催となっている点だ。6月23日の時点で応募は終了しており、30日には選抜アーティストが発表されるとのこと。

見事選ばれたアーティストは「7th Extinction」から以下の支援を受けることができる。

- 選ばれたアーティストがプロジェクトを展開するためのスタジオスペースの提供 - アーティストへの助成金 - チッタデラルテ・ピストレット財団（イタリア、ビエラ）、Arroz Estúdios（ポルトガル、リスボン）、XJAZZ！（ベルリン、ドイツ）が、選ばれたアーティスト全員を対象に旅費、宿泊費、日当を負担。 - ミーティング、パネルディスカッション、ワークショップなど、アートの世界で豊富な経験を持つ専任講師によるメンタリング・プログラム。 - 主催3カ国のそれぞれのフェスにてインスタレーションの制作と発表。また、美術館でも紹介される。

ここに記載されているだけでもかなり魅力的で豊富なコンテンツだが、実際にはどんなプログラムが行われるのだろうか？　主催者の一人であり、＜Jazz:Re:Found＞ファウンダーのDenis Longhi（デニス・ロンギ）がプレスに向けて公表したインタビューから紐解いていきたい。

──「7th Extinction」を始めることになったきっかけは何だったのでしょうか？   ＜Jazz:Re:Found＞は、数年前から芸術的なレジデンス・プロジェクトをキュレーションし、今回の「7th EX」における基本資産として築いてきました。国内での確実な成長を経て、このモデルをより広い地域で展開することが重要だと思いました。特に、私たちがアプローチしているテーマを考慮する上で必要だと思ったのです。そこで、私たちは、EACEAの助成金の中にこれまでのトレーニングだけでなく、国境を越えて経験する新しいモデルを取り入れることにしました。

──共同主催として＜XJAZZ!＞と「Arroz Estúdios」を選んだ理由はなんですか？   まず、＜XJAZZ！＞はドイツで長年に渡り、「Jazz:Re:Found」の精神と芸術的アイデアを体現しています。「Arroz Estúdios」は技術革新の面で最も興味深い文化的加速装置の一つだと思っています。ファウンダーであるSebastian Studinsky（XJAZZ！）とSteven McKay（Arroz Estudios）の両者とも私たちの提案を熱意を持って受け入れてくれて、すべての事業体の間に深い繋がりとエネルギーを見つけることができました。

──「7th EX」のレジデンス・プロジェクトは、自然、持続可能性、環境危機に関してなど、私たちが世界で抱えている劇的な問題に捧げられています。これらのテーマに取り組み、マルチメディア・プロジェクトを共に開発するために、アーティストの創造性を求めていると認識しています。音楽家やアーティストは、従来の仕事のやり方を変え、社会的、政治的にもっと関与する必要があると思いますか？   重要な問題やテーマを深くて意味のあることに変換させる芸術的な感性は、大衆に分かりやすく伝えるための最も効果的な方法の一つです。マッシブ・アタックのように、音楽的な深みに加え、破壊的な政治的メッセージが込められたオーディオビジュアルショーの制作を期待しているわけではありませんが、新しい世代には臨界点と強い表現欲求があり、特にポスト共産主義時代の若者のような複雑な社会状況の中で、アートを通じてパワフルで意味深いメッセージを伝えることができると信じています。   ──選ばれたアーティストたちに何を期待しますか？　レジデンス期間中の作品をどのようにイメージしていますか？　また、様々な分野の講師を招いての開発プロセスについても教えてください。   「Jazz:Re:Found」は、2018年から若い才能の強化に特化したトレーニングレジデンスのコースを開始し、異なる背景を持つミュージシャン同士の間に真の「チームビルディング」体験を構築してきました。ピストレット財団やモンフェッラートのブドウ畑にあるカーヴェ・ディ・モーレットといったユニークで刺激的な環境に浸った芸術的ワークショップの開発モデルは、輸出可能な新しいフォーマットが定義されたことを意味しています。

重要なのは音楽の文法ではなく、個人的な成長と講師との比較です。この開発モデルをベルリンやリスボンといった魅力的な都市に輸出し、私たちの経験を＜XJAZZ！＞や「Arroz Estúdios」に提供し、彼らの持つスキルを最大限に活用します。まず、プロジェクトに没頭できるように2日間に渡り、講師と共にトークやレッスン、ワークショップを行う「ディセンション」からスタートします。その後、実験室的な環境に取り組み、リハーサル室で実験を行います。

──制作した作品はどこで発表されるのですか？   プロジェクトの発表は各パートナー国で行われますが、最初のアウトプットは＜XJAZZ！＞になるでしょう。その後、「Arroz Estúdios」で夏のセッションが行われ、最後は、ユネスコの世界遺産に登録されているモンフェラートで9月に開催される＜Jazz:Re:Found Festival＞のステージで発表される予定です。最終的に、それぞれの国のチームが1つのショーに作品をまとめて披露するのか、それとも「7th Extinction」のメッセージを3つの異なる解釈で見ることになるのかは、まだ分かりません。2025年からは、ドイツ、ポルトガルだけでなく、ヨーロッパ全土で展開し、美術館や博物館の展示スペースに設置できるようなインスタレーション媒体を作ることも考えています。

クラブだけでなく、バーやカフェにも長い歴史があり、それぞれのカルチャーが根付いているのがベルリンの街だ。サマータイムに切り替わった頃から日が長くなり、4月には徐々にテラス席が開放され、長い冬を耐え抜いた人たちが待ってましたとばかりに席を埋めていく。

そんな光景は今も昔も変わらない。しかし、ここ最近で驚くほど変わったのはコーヒー1杯の値段だ。私が最も好きなフラットホワイトが1杯4〜5ユーロ（約600円〜750円）になるなんて一体誰が予想しただろうか。物価高騰の波を受け、ベルリンはもはや安価で気軽に楽しめる街ではなくなってしまった。

しかし、その反面でセンスの良いインディペンデントな店舗が増えたのも事実だ。富裕層を狙ったラグジュアリーな高級店ではなく、オーナーのこだわりやセンス、オリジナルのアイデアが詰まったユニークで他にはないスタイルを貫いている店が多い。音楽を良い音で提供するためのサウンドシステムや居心地がよくてスタイリッシュな空間作り、当然ながら提供するドリンクメニューにも独自のこだわりがある。

しかし、それだけでは今のベルリンで生き残ることは難しいだろう。アメリカナイズされたチェーン店を好まず、クールな人たちが集まる最先端スポットを好む傾向にあるベルリナーを魅了するには一体どんな要素が必要なのか？　今年3月にクロイツベルクにオープンしたばかりのカフェ&バー「Unkompress（アンコンプレス）」のオーナー・Kevin Rodriguez（ケヴィン・ロドリゲス／以下、ケヴィン）をゲストに迎え、話を聞いた。

ケヴィン氏は、エクアドル出身のニュージャージー育ち、ニューヨーク・ブルックリンの様々な店で働きながら、ワインやコーヒーについて学んできた経験を持つ。その傍らDJとしても活動してきた。2019年にベルリンへ移住して、その半年後にはパンデミックとなった。そんな大変な時期を経て「Unkompress」をオープンさせた理由はなんだったのだろうか？

「これまで自分が経験してきたことや情熱を注いできたもの、そして、自分の趣味、それらを一つの空間に集結させて、自分の場所を作りたいと思いました。カフェとバーの両方として機能させ、コーヒー、ナチュラルワイン、ビール、日本酒、CBDなどをレコードを聴きながら楽しむことができる、これが「Unkompress」であり、僕が求めていた他にはない理想的なスペースです。レコードは自分のコレクションなので非売品ですが、最適なサウンドシステムでレコードを聴きながらリラックスできる空間作りを目指しました。移住する前からベルリンはとてもユニークな街だと知っていたし、ニューヨークにも共通するところがあると思いました。だから、自分が理想とするいろんな要素が混ざっているスタイルでも受け入れられると思っていました。実際そうでしたし、それはおもしろそうだね！　と言って賛同してくれる人が多かったのは嬉しかったですね。」

実は、当初はクロイツベルクではなく、プレンツラウアーベルク付近で物件を探していたとのこと。しかし、1年半探しても全く良い物件に巡り合えず、違うエリアで探し始めたところ現在の場所を発見。カフェやバーが立ち並ぶ激戦区からは少し離れた閑静な住宅地の一角に「Unkompress」はある。

店内に入ってまず目に入るのが、ニューヨークの伝説のパーティー＜The Loft＞で使用されていたものと同じクリプシュ社「Cornwall」の巨大スピーカーだ。現在もなお職人の手によって作り続けられている希少価値の高いスピーカーであり、このスピーカーから流れてくるJazzの音色は寄り添って寝たくなるほど心地良い。シンプルながら重厚感とアンティーク感漂うウッディなデザイン、とにかく音が良い。低音の鳴りや伝わってくる音波もエレガントでたまらない。見たことのないデザインのミキサーもハンドメイドで1点もののアンティークのようだ。

ドリンクメニューもベルリンではなかなか珍しいラインナップが揃っている。まず、コーヒーは、ミュンヘンのロースター「S/O YELLOW」から仕入れたスペシャリティーコーヒーをハンドドリップのみで提供している。

「エスプレッソマシーンは置きません。なぜならエスプレッソを作る時に鳴るあの機械音が音楽や静かな空間の邪魔になってしまうからです。リラックスした空間で、ゆっくり時間をかけてハンドドリップで煎れたコーヒーを味わって欲しいです。」

ワインは、スペインのテネリフェ島にあるワイナリーで伝統的な手法で生産されたナチュラルワインやドイツのワインメーカーから仕入れた様々な種類があり、赤、白、オレンジ、スパークリングが飲める。他にも、ベルリンのクラフトビール「MOTEL」や種類が豊富なメルカル、ノンアルコール、CBDも嗜むことができるとあって、良質なビンテージサウンドと相性の良いものばかり。

ケヴィン氏のこだわりはそれだけではない。店内で使用している椅子は、宮城県石巻市の「石巻工房」で生産されたスツールを取り寄せている。同メーカーは、2011年の東日本大震災の直後に建築家の芦沢啓治によって設立され、東京のデザイナーたちが復旧・復興のために補修道具や木材を提供したという背景を持つ。2022年8月からは宮城県産の屋久島地杉などの国産材に切り替え、製品の多くは地元の人たちの手によって作られているとのこと。

「内装デザインもインテリアも全て自分で考えました。コーヒーに使用している陶器もKINTOという日本のメーカーですが、伝統工芸を用いたプロダクトやデザインが好きです。自分のスペースにサステナビリティーを取り入れることもごく自然なことでした。先進国であるドイツでは必要不可欠であることはもちろんですが、僕のライフスタイルでもあります。メニュー表は不要となった運転免許証をリサイクルした素材から作られています。通常の紙のメニューは、水に濡れてしまうとすぐに破れてしまったり、汚れたりして耐久性がありませんが、当店のは防水加工されているのでずっと使えて無駄になりません。」

決して広くはない店内には、ケヴィン氏のこだわりや好きなものだけでなく、人生を物語る背景や思想に至るまで全てが詰め込まれている。それでいて窮屈な印象も押し付けがましさも全くなく、むしろどこまでもリラックスできる。まさに“自分の場所”を手にした彼を少し羨ましいと思った。

ネーミングからして和を感じさせる「Bar Neiro」も紹介したい。ここは、ベルリンのレコーディングスタジオ「Brewery Studios」の姉妹店として、今年4月にオープンしたばかりのリスニングバー。オーディオテクニカのグローバル・プロジェクト「Analogue Foundation Berlin」によって運営されており、最高品質の音響設備が整っていることでも注目を集めている。ミッテ地区にありながら、ベルリン随一のフェティッシュクラブ「KitKatClub」のガーデンを通らないと辿り着けないという隠れ家的存在でもある。

「Bar Neiro」は、日本のジャズ喫茶にインスパイアされており、1950年代の映画館で使用されていた音響システムと同じ部品で作られたスピーカーが設置されている。リスニングバーとは、1920年代に日本で始まったオーディオマニア向けのスペースだ。“音オタク”が集まってそこにしかない特注の音響システムで最小限に声を落としながらレコードを聴きまくるというものだ。

それをベルリンで再現したのが同店であり、ヴィンテージのハイファイサウンドシステムと音響設計された空間でレコードを聴きながら、和をイメージしたスペシャルカクテルを飲むことができる。それ以外にも、厳選されたスピリッツ、ワイン、ノンアルコールカクテルやドリンクも用意されている。

また、音楽プログラムも開催しており、DJ、ラジオホスト、レコードコレクターなどがゲストセレクターとしてBGMを担当している。ジャズ、サウンドトラック、日本のアンビエント、初期のファンクやソウルといった幅広いジャンルの音楽を楽しむことができるので、インスタグラムなどでその日のゲストセレクターをチェックして、好みの音楽の時に行くことをおすすめしたい。

ポツダム広場は東西に分断されていた当時のベルリンの壁があった場所の一つとして知られている。そこから程近い場所には20世紀の近代建築を代表する傑作が2つ並んでいる。ひとつはミース・ファン・デル・ローエによる「新ナショナルギャラリー」、もうひとつはハンス・シャロウテンによる「ベルリン・フィルハーモニー(以下、ベルリン・フィル)」だ。この偉大なる建築のおかげか、近付くにつれ自然と背筋が伸びてくる。

ベルリン・フィルの中に一歩入ると一気に厳かな雰囲気が漂い、緊張が走る。メインホールはオーケストラを真ん中にして、その周囲をオーディエンスがぐるりと360度囲むワインヤード形式となっており、テントのような屋根が特徴的な少し風変わりなデザインだが、これが世界最高峰の音楽家と耳に肥えたファンたちを満足させる音響を放つ秘密兵器となっている。

当然ながら連日開催されているのはクラシックコンサートだ。しかし、4月4日は『Passion Electronique』と題されたクラシックとタンゴとエレクトロニックミュージックを融合させたスペシャルイベントが開催され、そこにCobblestone Jazzがゲストとして出演した。ミニマル／テクノのライブアクトとして活躍するマシュー・ジョンソン、DJ／プロデューサーのタイガー・デュラ（Tyger Dhula）、キーボーディストのダニュエル・テイト（Danuel Tate）からなるCobblestone Jazzは、テクノをベースにジャズの即興性を盛り込んだオーガニックなサウンドが特徴的で日本でも人気を博している。

世界的に活躍しているエレクトロニックミュージックにおけるトップアーティストであってもベルリン・フィルに出演する機会は滅多にないことだろう。マシュー・ジョンソンにそこに至った経緯について尋ねた。

「今回のイベントの主催者でヴァイオリニストのAiken AitbayとMaren Ernstには、パートナーのJay Medvedevaを通じて知り合い、エレクトロニック・ミュージックとクラシック・ミュージックを隔てるベールを破り、若い世代と経験豊かな世代を結びつけるという夢を抱いていたことからオファーをもらいました。実現するまでは想像を絶する努力が必要だったので、彼女には本当に感謝していますし、出演依頼を受けたことを光栄に思っています。」

毎週末のようにどこかのクラブやフェスに出演しているマシューだが、今回のイベントは、クラシック専門のコンサートホールとあって通常とは全く違う会場で環境も違う。しかも、クラシックファンとタンゴオペラを観にきたオーディエンスも多い中で、エレクトロニックミュージックを披露することはプレッシャーではなかっただろうか？

「２つのジャンルが持つ長所と短所を純粋な状態で体験できるのは珍しいことです。 即興ライブは常にエキサイティングですが、非常にリスキーでもあります。 しかも、ベルリン・フィルのように礼儀正しく着席している観客の前で演奏するのは興奮度をさらに高めることになりました。即興ライブと一緒に流した新井 樹が手掛けたビジュアル映像のおかげで、会場全体に良い雰囲気と相乗効果が生まれたと思っています。来場してくれた皆さんと素晴らしいステージに敬意を表しながら誠実に演奏できました。」

「ダンス、音響、オーディエンスのフィードバックなど全てがいつもと異なります。個人的には、ダンスフロアーでみんなが踊っている時や笑顔が見える時に感じる繋がりが恋しかったです。ベルリン・フィルのステージから観客の顔は見えず、暗い部屋に一人でいるような感覚になりました。それはとてもタフなシチュエーションであり、アーティストとしてインスピレーションを得るために内面を深く見つめる必要があります。そういった中でキーボーディストのダニュエル・テイトとドラムのパトリック・シンプソンがいてくれたことが私にとって幸運でした。2人が暗闇の中で光のような存在になってくれて、それがとても心地良かったです。」

同イベントが開催された4月4日は、キリスト教におけるイースター（復活祭）前日までの46日間から日曜日を除いた40日間の斎戒期間のことを差す「四旬節」に当たるとのこと。本格的なタンゴを観たのは初めてだったが、アコーディオン奏者Aydar Gainullinを筆頭にソプラノ歌手、ダンサーともに終始情熱的でステージが終わった後もしばらく興奮が冷めなかった。やはり音楽はどんなジャンルであっても素晴らしく、深く知れば知るほど人生の一部となっていることを実感した夜だった。

━━東京からパリ、そして、2015年にベルリンへ移住されたとのことですが、もともと研佑さんは映像カメラマン、アリスさんはデザイナーとして活動されてたんですよね？ 齋藤研佑（以下、研佑）　そうですね。東京で映像カメラマンとして仕事をしていて、パリでも日本から受けた仕事をフリーランスとして続けていました。東京でアリスと出会った頃の僕は人生のどん底にいて、日本を離れてもいいかなと思い始めていたこともあって、すでにワーキングホリデーでパリに行くことを決めていたアリスと一緒に移住することに決めました。 森下アリス（以下、アリス）　私も東京にいた頃はアパレル会社でデザイナーとして働いていました。もともと絵は描いてはいましたが、画家で食べていくのは厳しいですよね。でも、やっぱり作品制作に没頭したいと思い、日本でお金を貯めてから2012年にパリへ移住しました。 ━━パリからベルリンへ移住したのはなぜですか？ アリス　まず、パリは物価が高いし、当時の私たちのスキルでは自分たちの作品を売ってパリで生活していくことが難しかったんです。フランス語は話せますが、それだけではダメなんですよね。どこかに就職してフルタイムジョブで働きながらアーティスト活動を続けることもできましたが、それでは何のためにパリに来たか分からなくなってしまいます。パリでも展示はやっていましたが、私にとっては東京で働いていた時の膿を出し切っている状態でした。だから、それが作品に反映されてしまって良い作品ではありませんでした。でも、自分にとってそれは必要なことで、その膿を出し切ってからでないと本格的に制作に入り込めなかったんです。 研佑　それで、パリ以外で住みやすい場所を探すことにして、周りからいろいろ情報を集めた結果、アーティストにとってベルリンが住みやすいということを知りました。 アリス　当時は今より物価が安くて、アトリエも構えることができるという点が理想的だと思いました。ベルリンはアーティストに対する支援やKSK（芸術家社会保障）があるから、保険制度や医療がきちんとしている点も決め手になりましたね。 そこからレンタカーを借りてパリからベルリンに引っ越しました。 ━━え、パリから車ですか！？ アリス　一番安く引っ越せる方法が車だったんです。しかも、1月末の雪の日でアウトバーンを200キロ超えのスピードで走る大型トラックに飛ばされそうになりながらのドライブです（笑）。車に積んだ大きな作品を15時間ずっと支えながら乗ってました。途中ドイツのアーヘンの友人宅で一泊させてもらいましたが、それでももう本当に大変で…… 研佑　パリの時点で荷物も多くなってたから車の方が良かったけど、本当に大変でしたね。街中ではなく、ずっと森の中を走っていくからいつどこでベルリン市内に入ったかも分からないし、ベルリンのテレビ塔の灯が見えた時に本当にホッとしたのを覚えています。それまで生きた心地がしなかったですから（笑）。 ━━壮絶……でも、無事に着いてよかったですね！ 研佑　はい、でも実はそれで終わりではないんですよ。当時住んでいたシェーネベルクのアパートメントに着いて、荷物を下ろしてから今度はパリにレンタカーを返しに行きました。 ━━ええ？　なぜ！？ 研佑　ベルリンでレンタカーを乗り捨てるとその分のお金が掛かってしまうから、パリまで返しに行った方が安いんです。でも、今だったらもっと賢いやり方がありますよね、きっと（笑） アリス　飛行機代も全部含めて2人で500ユーロで済みました。お金はないけど時間はあったから出来たことだし、もうその当時は破れかぶれだったんです（笑）。

━━スタートからものすごいドラマですね（笑）。そこからのベルリン生活はどうでしたか？ アリス　ベルリンへ移住したばかりの頃は、お金がないから作品が売れることを見越してクレジットカードでフレームを買って展示をしていました。だから、意地でも売らないと赤字のままになってしまいます。最初は売れるマーケットなんて分からないし、コネクションもない。でも、とにかく自分たちがやれることをやる！　という意気込みでやってましたね。 研佑　僕はパリで受けていた撮影の仕事が徐々に減ってきてしまったんです。ドイツ語も出来ないし、英語力もそこまでレベルが高いわけではない。その状態でフリーのカメラマンとして仕事を取るなんて難しい。そこで、自分に何ができるかを考えた時に趣味で描いていた絵が目に入ったんです。そこから、アリスに絵の知識を教えてもらい、画家としての活動をスタートさせました。当時は紙に適当にペンで描いていただけで、ファインアートの意味もアブストラクトが何かも分かっていませんでした。そんな状態から絵を始めたんですよね。

━━2人にとってベルリンが本格的な活動の場となったわけですが、実際住んでみてどうですか？　アーティストとして住みやすい街だと思いますか？ アリス　ベルリンの人って良くも悪くも人に興味がないというか、他人のことは気にしない人という人が多いじゃないですか？　干渉してこないのが良い面でもありますが、関わりたかったら自分から積極的にいかないと何もハプニングしないという面もあります。あと、ベルリナーは新しいものに対してそこまで抵抗がなく、なんでも受け入れるといった懐の深さもあると思います。アートシーン自体もイノベーティブなアートを探しているから、自分たちのやりたいことに挑戦しやすい環境もありますよね。ただ、けっこう荒削りだなと思うし、洗練はされてないです。でも、私は洗練されているところにいたいわけではないので、作り手として実験的なことができる自由さがあるところも魅力だと思っています。 研佑　ベルリンは自分次第なところがあって、孤独になる自由もあるけど、人と出会うことにも自由がある街だと思います。日本は作品の細かいところのクオリティーが高くてダイナミックだけど、すごく丁寧、対して、ベルリンは表面的な美しさよりも何を伝えたいとか、コンセプトに重きを置いていると思います。 ━━アーティストが自由に活動できる土俵はあるけれど、作品を売るのは難しい、絵が売れない、という話はよく聞きます。アートシーンにおいても世界基準には満たしてないとも言われますが、個人的にはファッションよりアートの方が断然おもしろいし、クオリティーも高いと思いますが、その辺はどうですか？ 研佑　今のベルリンはすごく良いバランスだと思います。資本主義的な考えがまだそこまで強くない。ただ、これから変わっていくと思います。物価の上昇とともにアートシーンももっとビジネスライクになっていくだろうし、求められると思います。お金のない若いアーティストはすでにライプツィヒとかベルリンより物価の安い街に移っているし、ベルリンに踏み止まるならこれまで以上に努力が必要になってくると思います。 アリス　その一方で、ドイツはアートをビジネスにするのがよくないみたいなソーシャリズム的な考えもあると思います。だけど、世界を相手にやっていくにはある程度の資金力がないと出来ないし、ドイツも含めてですが、ヨーロッパのアートシーンの弱いところは国がサポートしてくれるから別に売れなくていい、好きなことだけできればいいといったアーティストも多い点です。アーティスト自身がみんなビジネスマンでセールスも出来るアメリカとは全然違います。個人的にはお金の作り方もアートだと思うから、スタイリッシュにやればいいと思いますが。 ━━2018年から中国で毎年エキシビジョンを開催していますが、そこに至った経緯は何ですか？ アリス　昔、ウェディング地区にある台湾料理店でバイトしていたんですが、ギャラリーに搬入するために作品を持っていってた日があったんです。たまたまその日に現在の私たちのキュレータである中国人の方が食べに来ていて、作品を見せる機会に恵まれました。その人は、ベルリンでギャラリー運営をしていたんですが、家族の事情で四川の成都に帰ってしまっていて、ベルリンに遊びに来ていたタイミングで知り合うことができましたが、ベルリン拠点のアーティストの個展を中国で開催したいと考えていたらしく。それで、作品を見せたらすごく気に入ってくれて、その時ちょうど開催していた個展にも観にきてくれて、作品もいくつか買ってくれました。それが全ての始まりですね。 研佑　アリスきっかけで僕の作品も観てもらい、同じように気に入ってもらいました。費用も全部出すから作品を持って中国に来て欲しい！　２人を売り出したい！　と熱望されて。僕は最初その状況についていけませんでした。ベルリンでアーティストとして頑張ってやっていこう！　と覚悟を決めたばかりでしたからね。そこからいきなり、中国？　え？　何？　ってなりました（笑）。

━━何が起きるか分からないのがこの街ですね！成都での初個展はどうでしたか？ アリス　2018年に成都で開催した『Duality』という展示が最初の個展でしたが、成都は文化の街で京都のような雰囲気があって、『Art Chengdu』のような国際的な現代美術のフェアもあります。私たちも深センの『SHENZHEN INTERNATIONAL ART FAIR』に出展することができました。ありがたいことに初個展から好評で作品もかなり売れたので、また次もやろうということになり、そこからコロナの時期を抜かしてほぼ毎年開催することになったんです。

研佑　中国のコレクターは絶対に原画を買います。日本だとシルクスクリーンや作品集が売れたりしますが、中国では複製には価値がないと思われているようです。絵にお金をかける余裕がある人が多いのも確かですが。あるコレクターの1人がお茶のインポーターだったんですが、自宅にゲストを招いてお茶会を開く際にコレクションしている絵を見せながら高級茶の販売を行うんです。しかも、毎回ゲストに合わせて見せる絵を替えているというから、相当の枚数を持ってることになりますよね。アメリカも同じですが、豪邸に人を招いてパーティーするのが好きだから、そういったステイタスの中で絵は商談ツールの１つになっているということを知りました。 ━━中国には日本やヨーロッパとはまた違ったアートカルチャーが根付いているんですね。2019年にはチベットで共同制作した作品の展示を行っていますが、そこに至った経緯はなんですか？ 研佑　チベットに関しては是非ともYouTubeチャンネルで観て知って欲しいですね。コラボレーションしたバイマは、タンカというカラフルな仏教画を描くアーティストですが、チベットには画材屋がありません。いわゆる一般的な絵具は使わずに岩から取れた顔料を使ったり、筆も動物の毛から作ったり、自然界にあるものしか使わないという手法なんです。

━━すごい！　元祖サステナビリティーですね。チベットでの制作はかなり過酷だったようですが…… アリス　バイマの家があるチベット自治区のガンゼという街に1ヶ月滞在しながら制作した作品を成都で展示するというプロジェクトでした。ガンゼに行くには成都から車で行くしか方法がなくて、おまけに15時間も掛かるし、獣道を車で通るからキュレーターは吐くし、ケンちゃんは高山病になるというとんでもない状況でした。標高が3800メートルもあって、歩くのも話すのも少なくしないと危険な場所なんです。 研佑　高山病で倒れて２日間動けなかったから、その間制作ができなくてすごく焦ったし、プレッシャーでしたね。このプロジェクト自体がなくなってしまったらどうしようと不安で仕方ありませんでした。でも、言葉が通じない中で、身振り手振りと筆を交わしながら描いていき、淡々とした作業だったけれどすごく楽しかったです。その制作過程で色の感覚を覚えることができて、今の自分の作品に色数が多いのもバイマの影響が大きいですね。バイマのおかげでカラーバランスを覚えることができたんです。 ━━パリからベルリンでの道中以上に大変そうですね（笑）。でも、過酷なチベットでの経験からまた絵の作風に変化があったわけですよね。昨年ベルリンで開催された個展もかなり好評でしたよね？　やはりグッとくる作品は全て売れていたという印象を受けました。

アリス　これまでやってこなかった新しい試みとして、ARを取り入れて3Dで作品が見れたり、ARで実際にはないものを作って、それを見に来た人に体験してもらえるインスタレーションにしました。もし、これをARではなくVRでやってしまったら仮想現実だから現実がいらなくなってしまいます。だから、それはやりたくなかった。リアルな世界ありきのその延長線上にある究極のものがARの世界であり、子供にも見せたいと思って制作しました。ケンちゃんをキャラクターに仕立てて、ベルリンのアートシーンを案内するというコンセプトになっています。

研佑　生まれてきた子供たちは自分たちより確実にデジタル社会に生きるじゃないですか？　手で描く絵というのは古いメディアであって、ARは現代における新しいメディアの形ですよね。それを融合したものをやりたかったし、子供たちも楽しめるアート作品を見せたかったんですよね。 ━━今後やっていきたいことはありますか？ アリス　もっといろんなアーティストとコラボしたいですね。すでに企画はあるんですが、絵というより、もっとインタラクティブなアートをやりたいです。子供の目線でも楽しめて、頭で考えるアートではなく、感覚的に楽しめるものがいいと思っています。言葉を超えたところでアートだけで繋がれることが大事だと思います。それと、絵画とか彫刻とかカテゴライズせずにもっと垣根を超えていくようなアートをやりたいです。例えば、クリエイションで部屋を埋めてみるとか。分野の違う3、4人のアーティストで１つの部屋を作品として見せるようなイメージですかね。

研佑　僕はもっといろんなものを短時間でたくさん描いていきたいです。これまでは１つの作品を仕上げるのにものすごく時間がかかるタイプだったからそれを変えていきたい。今はそれができる自信があるし、絵に対して確信を持って描けるようになりました。僕もアリスと同じ考えですが、絵だけではなく、映像もデジタルも取り入れて各ジャンルが溶け合うような作品の見せ方をやりたいですね。絵だけが飾ってあるエキシビジョンから、もっと踏み込んで３Dとか体感型のアートが未来を担うデジタル社会に生まれた子供たちのためになると思っています。3歳や5歳の子供が絵を見ても分からないと思うけど、3Dだったら子供でも感じるものがあると思うんです。

研佑　アリスがいつもきっかけを作ってくれています。中国もチベットもそうですし。だから、僕にとって彼女はペリーの黒船なんですよね。お互いアーティストだから意見が食い違うこともあるし、ライバルだと思っていた時期もありました。でも、今はお互いを尊重し合って、尊敬しあえる関係性ができているので、今後も支え合っていろんなことに挑戦していきたいです。

齊藤研佑（サイトウケンスケ） 1978年、東京で生まれる。重度の難聴を持って生まれた為、耳から入ってくる情報よりも目から入ってくる情報で物事の多くを判断しながら生きてきた。その為、中学生になる頃には目で見て伝える事のできる絵を学び始める。その後、グラフィックデザインを専門的に学び、伝えたい情報を綺麗に組み立てて見る人に伝える技術を学ぶ。その傍らで絵は独学で描き続けていた。彼の精密な作品は主にインクやアクリルを使って表現されている。 2012年にパリに移住し、2015年にベルリンに移住する。ヨーロッパに拠点を移したのをきっかけに絵を活動のメインに持ってくるようになる。 -STATEMENT 日本の漫画から影響を受けた細密な描写と、多くの情報を綺麗に構築していくグラフィックデザインの考え方を持って描いています。メディアはインクやアクリル絵の具などを中心に色々な技法を使っています。人間の姿や人体部分などモチーフの分かりやすい部分と、模様を積み重ねるような抽象的な部分を織り交ぜる事で、はっきりした部分と曖昧な部分が両方あるような広がりのある絵を描いています。また作品のテーマによって使用するメディアの組み合わせを変えたりして、その都度、新しいビジュアル的な調和を発見して追求していきたいと考えています。 HP

5年に1度の＜ドクメンタ＞、6月から9月にかけては＜ベルリン・ビエンナーレ＞、そのすぐあとを追うように、9月14日から18日の5日間に渡り＜ベルリン・アート・ウィーク＞が開催された。アートの年となった今年だが、ドクメンタにおいては、アジア初となるインドネシアのアート・コレクティブ「ルアンルパ」が抜擢され、ビエンナーレはアルジェリア系フランス人アーティストのカデル・アッティアがキュレーションを務めた。多様性の時代、人種問題をテーマとした展示は少なくないが、賛否両論が巻き起こるのもお決まりのパターンだ。

どちらの展覧会も見れていないため言及は避けるが、それよりもハグや握手を交わす多くの人々の中、自主的にマスクをする人が入り混じるそんな不思議な光景さえも日常となった今、アートに触れたいと思う人がこれほど多くいること、議論できるほどコンテンツが豊富にあることを幸せだと思う。

事実、ベルリンの街中のミュージアムやギャラリーでエキシビジョンや関連イベントが行われ、エンターテイメントと笑顔で溢れた。そんな＜ベルリン・アート・ウィーク＞の現地レポートをお届けする。

これまでも幾度となく紹介してきた防空壕跡地をリノベーションしたギャラリー「The Feuerle Collection / フォイエルレ・コレクション」では、初となる企画展＜SILK ROOM＞が開催された。記念すべき第一回目にフォイエルレがキュレートするのは、イギリス人陶芸家であり、作家としても知られるエドマンド・ドゥ・ヴァールだ。400平方メートルという広大な展示スペースには、エドマンド作品と貴重な未公開作品とが並ぶ。

エドマンド・ドゥ・ヴァールの代表的な作品である白い陶器とオブジェ。フォイエルレ独自のライティングによって繊細さと美しさが際立つ。後ろに見えるのは、6世紀に作られたモン・ブロンズの器たち。

それぞれの作品には計算しつくされた一定の距離が保たれており、何もない空間を作ることによって目の前の作品と遠くに配置された作品との対比をじっくりと鑑賞することができる。この独自の展示方法こそフォイエルレの特徴であり、魅力である。自由な角度や距離から作品を観ることによって、自分だけの世界に浸れるのもまた良い。

＜SILK ROOM＞は、来年の4月9日まで一般公開されている。ベルリンを訪れた際には是非とも訪れて欲しいギャラリーの1つ。

「Gropius Bau/ グロピウス・バウ」で開催されたのは世界各地から集結した26名のアーティストによるグループ展＜YOYI！Care, Repair, Heal＞。「YOYI」とは、オーストラリア北部のティウィ文化の中心である儀式用の歌、踊り、団結の名前であり、同展のタイトルである「YOYI! Care, Repair, Heal（ケア、リペア、ヒール）」という呼び掛けは、祝賀と追悼のために集うことへの招待を表しているという。

サーメ人の伝統的な手芸工芸や民族衣装を取り入れた作品は、自分のファッションにも取り入れたくなるカラフルなカラーやグラフィックパターンが愛らしかった。

同展は、健康における政治学、先住民に対する知識システムの回復、脱植民地主義、人間以外の動植物における権利などを問題視し、ケア、修復、癒しをテーマに各アーティストがそれぞれの観点から作品を発表しており、ビデオ、インスタレーション、ペインティング、パフォーマンスといった様々な表現方法で観ることができた。しかし、無料で一般に公開されるオープニングデーは、人が多過ぎて作品に集中できないのが難点だ。やはりガイドのいるプレスプレビューに来るべきだったと後悔した。

オープニングイベントで披露されたAaron Reeder率いるパフォーマンス集団によるショー。残念ながらパフォーマンスが始まっていたことに気付かず、館内に響き渡る歌声に釣られて観に行った時にはすでに終わる直前だった。

「Gropius Bau」は、1881年に装飾芸術の美術館として建てられた建築でルネッサンス様式を用いている。1966年には歴史的建造物に認定されており、宮殿のように美しく、リュクスな館内や装飾は見るだけでも価値がある。

＜YOYI！Care, Repair, Heal＞は来年1月15日まで開催中。

アートウィーク初日に訪れたのは「Direktorenhaus」で開催されていたロンドンのARTUNERがキュレートする企画展。サンパウロ拠点のアーティストAna Elisa Egreja（アナ・エリサ・エグレージャ）は、メキシコ人建築家ルイス・バラガンのインテリアを考案した作品で、ビビッドなピンクの中に動物と家具が描かれた幻想的な世界が印象的だった。

ピンクの世界から一転、ドイツ人アーティストPia Krajewski（ピア・クラジェフスキー）の作品は、神々しいイエローの世界を見せてくれた。装飾品、果物、髪の毛などを彼女のフィルターから捉え、抽象的に描かれた作品はパラレルワールドに実在しそうだった。

「Direktorenhaus」はハンドクラフトのギャラリーとして知られており、アーティストやクリエイターがスタジオを構えていることもあり、一般開放されるのは展覧会が開催されている時のみ。現在開催されているオーナメント展にも足を運びたいと思う。

同ギャラリーのロケーションも素晴らしく、すぐ隣には植物とアンティーク家具に囲まれたセンスの良いカフェがある。

最近では、環境活動家がゴッホやモネの絵画にトマトスープやマッシュポテトを投げつけたニュースが話題となったが、その抗議活動は彼らに何かをもたらしたのだろうか？　電気、ガス、水道を節約し、プラスチックボトルの飲料は買わない、着なくなった洋服は廃棄せずにリサイクル、これらが当たり前の生活でも気候変動は深刻化するばかりだ。

そういった中で、アートや芸術を楽しむことは本当に贅沢なのだろうか。環境問題や社会情勢にフォーカスしたアーティストや展示も多い昨今、興味あることから知らなかったことを知り、そこから関心を持つことこそ大切なのではないだろうか。何より、この世に娯楽がなければ世界が滅びる前に自分が滅びてしまう。水のないところでは生きられない地球上の生き物同様に、エンターテイメントがない世界には生きられないのだ。

ベルリンの夏は終わりに近づくほど、哀愁を帯び、美しさが増していく。ライトアップされた中世ヨーロッパの世界遺産を会場に、デトロイトテクノの先駆者ジェフ・ミルズ（Jeff Mills）が奏でる高貴なエレクトロニックサウンドが鳴り響く。

ドイツ芸術が最も栄えた黄金期”ワイマール時代”を代表するサイレントフィルムと現代音楽の祭典＜UFA Filmnächte（UFA Film Night）＞のワールドプレミアの模様をお届けする。

スクリーン横に設置されたステージに、タキシード姿のジェフ・ミルズが登場した瞬間の神々しさに、1人で無言のまま興奮状態に陥った。彼のオーラと存在感は90年代から永遠不変であり、遠く離れた関係者席からも充分過ぎるほど伝わってきた。これほどまで神々しいオーラを放つアーティストは他にいるだろうか？

ベルリンの人気観光地としても知られ、美術館と博物館が集結した「博物館島」とも呼ばれる「ムゼウムスインゼル」を会場に、2022年8月24日から26日の三日間に渡り、＜UFA Filmnächte（UFA Film Night）＞が開催された。同イベントは、ドイツの芸術が最も栄えたと言われる「ワイマール共和国」の時代に制作された映画の名作の上映に合わせて、作品からインスピレーションを得て制作されたサウンドトラックをライブで披露する夏の風物詩として人気を博しており、チケットはソールドアウト。

「ワイマール共和国」とは、第一次世界大戦後の1919年に成立し、ベルリンを中心に芸術文化が栄えたことから「黄金の20年代（Goldene Zwanziger）」と呼ばれ、民主主義の精神や自由な思想を謳歌した時代のこと。ナチス政権の誕生によって1933年に崩壊した。

ジェフ・ミルズがサウンドトラックを手掛けたのは、1922年に公開された巨匠フリッツ・ラング作のサイレントフィルム『ドクトル・マブゼ』（Dr. Mabuse, der Spieler - Ein Bild der Zeit）だ。オリジナルは4時間を超える長編となっており、ドイツ表現主義を代表する作品の一つとして知られている。同作は、ドイツとスイス間の経済協定書を盗み出し、配下の組織を操りながら偽札犯罪を目論む狂人的な百面相の催眠術師、怪人マブゼ博士が繰り広げる犯罪模様を描いたストーリー。

難解なイメージの強いモノクロのサイレントフィルムだが、同作はストーリーの分かりやすさだけでなく、俳優のコミカルな動きや豊かな表情はシュールな笑いを誘い、ウィットに富んでいる。さらに、衣装、メイク、装飾、ロケーション、家具、車など、演出全てが豪華でスタイリッシュで釘付けになった。ギャンブルにハマる貴族が使い果たした現金の替わりにティファニーのジュエリーを差し出すシーンは印象的だった。自由な時代だったとはいえ、1920年代のドイツにこれほどオシャレな作品があったことに驚いた。

ドイツと言えば、ナチスや独裁国家といった口に出すことも憚るような重くて暗いイメージが先行してしまいがちだが、古き良き時代に作られた素晴らしい芸術も多数残されているのだ。現代の技術で復元され、音楽とともに人々の記憶に残っていくことで新たな価値が生まれるのだと思う。

ジェフが奏でるサウンドトラックは、さりげないビートやノイズが響くアンビエントを中心に、ジャズのフュージョンやエクスペリメンタルテクノなど、映画のシーンに合わせて様々なサウンドが入り混じって変化し、臨場感に溢れていた。

私個人的な意見を言わせてもらえば、映画にとって音楽は絶対欠かせない演出の一つだと思っている。大昔に制作されたサイレントムービーであっても現代音楽家が作り出す最先端なサウンドによって観る人をストーリーに深く入り込ませる効果があるのだと実感した。

実は、ジェフ・ミルズは＜UFA Filmnächt＞と密接な関係にある。1927年に制作され、2010年に復元版が公開された『METROPOLIS』のサウンドトラックを手掛け、2017年の＜UFA Filmnächt＞にてパフォーマンスを披露、さらには、2019年にもフリッツ・ラング作『woman in the moon』にて、パフォーマンスを披露している。クラシックのオーケストラと初めてコラボレーションしたテクノアーティストとして知られているが、ドイツ映画の歴史にも深く関わっている重鎮であると言える。

次は、一体どんなサプライズを見せてくれるのだろうか？　すでに、エレクトロニックミュージックの枠を超えた次元の違う世界にいることは確かだが、彼の思い描くビジョンは宇宙規模であり、全く予測不可能である。

美しい夕暮れに包まれる野外ステージ、Evan Baggsによるスウィンギンなハウスと優しい笑顔に大歓声と拍手が湧き起こる。最終日のハイライト、長い間触れることさえ許されなかった音楽とパーティーと人とが再びひとつとなった最高の瞬間だった。

ポルトガル・リスボンにて初の開催となった＜Sónar Lisboa 2022＞は、大成功のもと幕を閉じた。そして、興奮も余韻も冷めやらぬ状態で早くも来年の開催が発表された。そんな＜Sónar Lisboa 2022＞の現地レポートをQetic独占にてお届けする。

ポルトガルと言えば＜Boom Festival＞＜Secret Project Festival＞＜NEOPOP Festival＞などをはじめとする多数のビッグフェスが開催され、特に、トランス、テクノシーンが根付いている国だ。そのため、＜Sónar＞の開催が今年初というのは意外だったが、コロナが収束した直後の開催地としてリスボンは最適だったのではないだろうか。フェス規模の大型イベントを待ち望んでいたのは、私たちオーディエンスだけではない。何より、オーガナイザーやアーティスト、フェスに関わるすべてのスタッフの熱意が充分過ぎるほど伝わってきた。

＜Sónar＞は、スペイン・バルセロナを発祥の地とし、同名を冠したフェスを20カ国以上34都市にて開催してきた。2011年には東京のSTUDIO agehaにて＜Sónar Sound Tokyo＞として開催されている。リスボンでは、市内のランドマークを会場に4月8日から10日の3日間に渡り開催され、観光名所や歴史的建築をフェスのために贅沢に利用していることに驚いた。

私個人のベストアクトとベストべニューを言うならば、2日目の夜、Coliseu dos Recreiosにてパフォーマンスを行ったFloating PointsとBICEPに一票を投じる。Coliseu dos Recreiosは、1890年に建てられた歴史的な円形劇場で「リスボン・コロシアム」とも呼ばれており、コンサートホールとして利用されている。中央に設置されたステージからは会場内を360℃見渡すことができ、上品な赤いベルベットの観客席、上階にはゴールドの装飾が施されたバルコニー席、アンティークライトが映えるブルーの天井。どれをとっても圧巻の美しさだった。

Floating Pointsは、3月に〈Ninja Tune〉から“Vocoder”に続いて“Grammar”をリリースしたばかりで、＜Sónar＞のステージでも披露してくれた。決して一つのジャンルにカテゴライズできない独自のサウンドが魅力のFloating Pointsだが、これまで見てきたどのDJプレイよりもフロアーにフォーカスしたアグレッシブなセットは感極まるほど完璧だった。ブレイクビーツを保ちながらUKガラージ、ハウス、テクノを自在に操り、トリッキーなシンセ音がコロシアム中に鳴り響き、オープニングからラストまで1トラックも聴き逃さずに無心で踊り続けた。

休む間もなく、LEDライトがソリッドに客席を突き刺す中で始まったのがBICEPのライブだ。UKガラージ、90年代を彷彿させるオールドスクール、エモーショナルなボーカルトラック、トランシーなシンセが入り混じり、どこかレトロでありながら煌びやかな世界を構築。マット・マクブライアーとアンディ・ファーガソンの2人は、向き合った体勢でリズムを取ることも、腕を上げることも顔を見合わせることもなく、ただひたすらクールに音を放つ姿も印象的だった。フェイバリットトラック“ATLAS”をライブで聴けたのは嬉しかった。

滞在していたホテルに程近く、最も足を運んだ会場が、25ヘクタールもある広大なエドゥアルド VII デ・イングラテーハ公園を突き抜けた先にあるPavilhão Carlos Lopesだ。1922年に建てられたバロック様式の美しい建築の中には巨大なメインステージ、物販ブースなどがあり、他の会場にはない唯一の野外ステージとフードエリアも同じ敷地内に設置されていた。

初日のお目当てはArca。大歓声と神々しいライトとともに登場したが、アキバのメイド衣装に黒髪ロングヘアーで一瞬誰か分からなかった。ノンバイナリーでトランスジェンダーであることを公表している妖艶な美青年は、より“女性”になることを決意したようだ。サウンドもより奇妙でアブストラクトに変化していた。個人的にはインダストリアルで不気味なArcaワールドを期待していたが、メイドの衣装のまま激しいビートにラップを乗せたレゲトンサウンドに圧倒された。

2日目は、惜しくもThundercatのライブを逃してしまったが、Nicola Cruzのライブを初めて体感することができた。彼のルーツである土着的なラテンサウンドをベースに、軽快なビート、うねりの利いたグルーヴが心地良く、フロアーの熱気とともに高揚感が増していった。

Pavilhão Carlos Lopesからは少し離れた場所にあるCentro de Congressos de Lisboaでは、テクノのドリームチームが連日出演していた。ミニマル界の帝王Richie Hawtinがタッグを組んだHéctor Oaksとの共演が気になっていた。Héctorはベルリンを拠点とし、TresorやトビリシのBassianiのレジデントを務めるテクノDJだ。どんなセットになるのか楽しみにしていたが、向き合った姿勢でヴァイナルでのB to Bは、一気に90年代へと飛ばされた。

Plastikman名義でのソリッドなミニマルをPRADAに起用し続け、最近では、Chilly Gonzalesとの異色のコラボレーションでも話題となっていたが、原点回帰だったのだろうか？　＜Sónar＞の設立当初から30年近くに渡り、レギュラー出演してきた王者の貫禄を見せつけた夜となった。

海に近いこともあり、風が強く、天気もそこまで良好ではなかったが、カラッと晴れた最終日の夕暮れは本当に美しく、同時にフェスが終わりに近づいていることを物語っていた。来年もまた同じ場所で歓喜に満ちたオーディエンスの一部になれることを心から願っている。

1月19日、オミクロンの存在をいち早く消し去ったイギリスは、マスク着用義務などのレギュレーションも撤廃した。それに続くように、EUでは初となるデンマークがコロナ規制の全てを撤廃すると発表した。ドイツも続いて欲しいと願ったが、それを打ち砕くかのように他国より厳しい規制が敷かれたままだ。”2Gプラス”と呼ばれるワクチンパスポートもしくは回復証明書の提示に、さらに24時間以内に受けた抗原検査による陰性証明書を併せて提示しなくてはレストランやバーを利用することが出来ない。当然ながらローカルクラブは再び営業停止を命じられている。近隣のコロナテストセンターは連日行列を成しているが、反して週末にも関わらず飲食店にはお客さんが数名しかいないといった悲惨な営業状況を目の当たりにする。

国によって対応が大きく異なるのはワクチンにおいても同様のことが言える。ドイツでは、ワクチンの効果を信じ、率先して接種している人も多いが、接種しなければ仕事を失ってしまうから、自由を奪われてしまうから、という理由で仕方なく接種する人が多いのも事実だ。他ならぬ私もその1人である。重度のアレルギー体質だったため、小学校高学年から一切のワクチン接種を行っておらず、インフルエンザのワクチンもやったことがなければ、一度しか掛かったことがない。それなのに、コロナに対してだけワクチンを接種しないと日常を送れないなんておかしな話ではないだろうか。

ベルリンでは、ワクチン接種者であってもオミクロンに感染した人が多数いることや副反応の辛さからブースターを打ちたくない、軽症で済むならいっそ感染して、リカバリー証明書をもらいたいという人が一気に増えた。それを問題視したのかまでは不明だが、感染から回復した人に発行されていたリカバリー証明書の有効期間がこれまで半年だったのに、いきなり3ヶ月に短縮された。

こういった状況下においても、どんなに自由を奪われようが、事実上のロックダウンになろうが、「絶対に打ちたくない！！」という人たちも一定数いる。そして、毎週コロナ対策に対する反対デモが開催されている事実も知って欲しい。そんな様々な疑念や懸念が浮かび上がるドイツ政府の対応だが、コロナ関連のニュースで一番の衝撃を受けたことは、DJやミュージシャン、クラブ関係者がワクチンセンターで働いているということだ。

世界規模でクラブの営業がストップし、パーティーもフェスも中止となったパンデミックの最中に仕事を失ったアーティストの数は計り知れない。バースタッフ、セキュリティー、PA、オーガナイザーなども同様である。毎週末ぎっしり詰まっていたギグの予定が全てキャンセルとなり、その状況が数ヶ月続けば、ギグが主な収入だったアーティストたちが困窮しないわけがない。そんな彼らを救うためにワクチンセンターで雇用したという話だが、イベントホールとして利用されてきた「Arena Berlin」がワクチンセンターに、フェティッシュクラブの「KitKat club」がコロナテストセンターへと様変わりしたことから、どこかきな臭さを感じてしまう。

念のため、名誉のために実名は挙げないが、フェスのヘッドライナーに抜擢されるような人気DJや日本でも人気のディスコDJから、有数クラブのマネージャーやバウンサーに至るまで、約5000人が起用されたと聞く。日本語でもいくつかの記事を目にしたが、ワクチンセンターについては、ナショナルジオグラフィックの記事を参考にして欲しい。

パーティーのないベルリンなんて、もはやベルリンではない、ただの汚いだけの街に成り下がってしまう。当たり前のことだが、アーティストはワクチンセンターで働くためにこの街にいるわけではない。コロナ禍における末期症状のような現状には心底落胆してしまうが、こんな状況下でも営業可能なバーでは、著名DJを招いたパーティーを開催している。あくまでもバー営業の延長にDJがミュージックセレクターとして入っているといった形だが、音とパーティーに飢えているベルリナーにとっては救いの場となっているのだ。

私自身も何度も足を運んでいる「repeat bar」では、不定期ではあるが、ベルリン拠点のハウスDJ、Jus-Edが土曜日にオールドスクールなパーティーを開催しており、SNSで直前の告知ながら毎回大盛況となっている。最近では、Jus-Edとは別の土曜日にpanorama barのレジデントとしても活躍しているSoundstreamがDJ仲間とともに出演するようになり、同じく直前の告知にも関わらず毎回大盛況のようだ。

入店するには2Gプラスをクリアしなければならないが、どんなに厳しい規制を敷かれても良い音で踊れるならどこへでも行く、これがベルリナーの姿である。

他にも、最近最も人気スポットとなっているのが、コロナ禍にオープンさせて大成功を果たしている「Kwia」だ。その強気の姿勢にも感銘を受けたが、オーナーカップルの2人はベルリンにおけるLGBTQカルチャーに精通している人物で、オープン当初から話題となっていた。それほど広くない店内は靴を脱いで入るユニークなスタイルで、基本的に座って音楽を聴きながらチルアウトするための空間といったコンセプトだが、あまりに人気で人が押し寄せてしまうため、自動的にスタンディングになってしまう場合もある。

「Kwia」に関しては、別途取材をしたいと考えているが、バードリンクのクオリティーが低いベルリンにおいて、クラフトビール、ナチュールワイン、本格的なカクテルをきちんと扱っている希少なバーであり、そういった拘りにも一目置いている。

暗い、寒い、長いの三拍子揃ったベルリンの冬を生き抜くには、娯楽がなければメンタルがやられてしまう。厳しい規制の中でもアンダーグラウンドカルチャーの大切さを理解し、提供し続けてくれるバーやアーティストへのリスペクトとともに春の訪れを心から待ち望んでいる。

DJ/プロデューサーのLawrenceことPeter Kerstenからインフォメーションが届いたのをきっかけに取材の準備を始めた。10月7日から17日の10日間に渡り、コンベンションセンター「ICC Berlin」にて開催された＜THE SUN MACHINE IS COMING DOWN＞は、ベルリン在住のクリエイターたちが次々と写真や動画をソーシャルメディアにポストするほど話題となった。

誰もが写真を撮ってポストしたくなるようなアイコニックな建物は、1979年に建築家ラルフ・シューラーによって設計された。28,000平方メートルを誇る敷地内には、大小を含めた80ホールがあり、マップを見ながら移動しないと迷子になるほど。レトロフューチャーなSFデザインも相まって方向感覚が狂ってしまうほどだ。維持費の問題から取り壊しの可能性が浮上していたとのことだが、2019年9月には歴史的建造物として登録されたのち、＜Berliner Festspiele（以下、ベルリン芸術祭）＞主催のプロジェクト開催によって、ようやく息を吹き返した。

ベルリン芸術祭では、音楽、演劇、パフォーマンス、ダンス、文学、ビジュアルアートなどの分野における独立したフェスティバルや展覧会、イベントを多数開催しており、＜Berlin Jazz Festival＞もその一環である。70年間続いていることに驚いたが、今回の＜THE SUN MACHINE IS COMING DOWN＞はその集大成とも言える数え切れないほど多くのプログラムが盛り込まれていた。残念ながら全てを網羅することは出来なかったが、その中でも特に印象に残ったものを紹介したい。

大ホールでは、アートコレクターでソーシャライトとしても有名なユリア・シュトーシェックの美術館「Julia Stoschek Collection」によるフィルム上映が行われた。サイバーパンクなデザインと終わりが見えないほど高い天井に圧倒されながら、レトロなライトが印象的な座席に着くとすぐに、世界的ビデオアーティストのエド・アトキンスの映像作品が流れ出した。生身の人間に近いアバターやリアルな架空世界をCGで生成し、スタイリッシュで洗練された映像を作ることで高い評価を得ているアトキンスだが、作品のコンセプトを知らないまま観てしまったため、シュールでシニカルといった印象しかなかった。私のようなデジタルアートに疎い人間にとっては事前に予習する必要がある。

デザイン的にも1番好みだったバーで休憩をしている際に、どこかから声と音楽が聴こえると思っていたら、同じフロアに展示されていたロボットパフォーマンスだった。腹話術人形を彷彿させる人間とネコの頭だけが天井から吊され、奇妙な会話をし出すというユニークな仕掛けは、『Suspended Delirium』と題されたモニラ・アル・カディリとラエド・ヤシンとのコラボレーション作品。

別のホールでは、LawrenceがグリーンのLEDと多数の観葉植物に囲まれたステージで、アンビエントミュージックのライブパフォーマンスを披露。大ホール同様に高い天井から吊るされたスピーカーから出る音が素晴らしく、ビートこそ少ないが心地良い音波が身体に響いてくる。当然ながらこの日は踊れる音を目的に来たわけではない。しかし、他のライブパフォーマンスを観ることはできなかったため、Lawrenceのステージが唯一となったが、美しいサウンドに最も酔いしれ、安堵することができた

見逃してしまったプログラムもあったが、正直なところもう少し大胆なアプローチを期待していた。よりコンテンポラリーにフォーカスしていたのかもしれないが、謎めいたものが多いように感じてしまった。しかし、このレポートで1番伝えたいことは、ベルリンにはまだまだ知らない文化が潜んでいるということだ。壁があった時代にICCのような”奇妙でスケールのおかしい宇宙船のような物体”を創ってしまうこの街は、やはりクレイジーだと思う。そして、建築、歴史、用途などすべてにおいておもしろい。