2024年、沖野修也・沖野好洋による兄弟ユニット・Kyoto Jazz Massive（以下、KJM）の年表に新たな歴史が刻まれた。30周年記念アルバム『KJM COVERS KYOTO JAZZ MASSIVE 30th Anniversary Compilation』が、12月4日（水）にリリースされる。

急きょ録音した未発表曲も含め、彼らがプロデュース、リミックスした「カバー曲」をコンピレーションした本アルバム。DJ／プロデューサーとして国内外のジャズシーンを盛り上げてきた彼らだからこそ描ける、「KJMらしさ」を凝縮した作品集に仕上がった。

今回、QeticではKJMの2人にメールインタビューを実施。アルバム制作の経緯と過程、そして「今までの10年」と「これからの10年」について話を伺った。

10周年の際には参加アーティストの書き下ろしによる新曲で構成されたコンピレーションアルバム『10th Anniversary “FOR KJM”』(2004年)を発表。20周年では過去5年の間に手がけた作品を集約した『KJM WORKS～Remixes＋Re-edits』『KJM PLAYS～Contemporary Classics』(2014年)を2枚同時リリースしたKJM。

30周年となる2024年に彼らが挑んだのは、未発・既発を含むカバー曲を集約したコンピレーション・アルバムの発売だった。どういった経緯でカバーアルバムの構想に至ったのだろうか。

「以前からカバー作品に焦点を当てたアルバムを作りたいとは思っていました。ただ、ライブバンド録音の作品とプログラミング録音の作品をどう融合させるか、既発曲と新曲のバランスはどうするのかといった、いくつかの課題があって。なかなか踏み込めず、タイミングを見計らっていたんです。

30周年という節目を迎えた今年は、まさに構想を実現するのに絶好のタイミング。兄（修也）とも『カバー曲をまとめて作品化しよう』と具体的な話が挙がり、制作に着手しました」（弟・沖野好洋／以下・好洋）

今年6月にリリースされたEchoes Of A New Dawn Orchestra（EOANDO）とのコラボEP『KJM EOANDO - Kyoto Jazz Massive 30th Anniversary Edition』を制作していた時点で、既にカバー・アルバムの内容はある程度決まっていた。

EP制作中もEOANDOのメンバーに、アルバムの収録候補曲を聴いてもらっていたという2人。そもそもKJMは「カバー曲を制作する否か」という判断基準を、どこに据えているのだろうか。

「基本的には我々が気に入ってDJでも使っている曲、長くかけ続けている曲の中から、レコーディングしたい曲を選んでいます。あとはKJMがフィーチャーするボーカリストの声とマッチするかどうかも、重要な判断基準のひとつです」（兄・沖野修也／以下・修也）

「KJMのフェイバリット曲をクラブ仕様にアレンジしたいから、自分たちのテイストに合うから……など、個々の楽曲がレコーディングに至るまでの決め手はさまざま。ただ、KJMらしいサウンドが生み出せる楽曲かどうかや、収録される作品のコンセプトに合うかどうかは、選定の重要なポイントになっていると思います」（好洋）

では、彼ら自身が捉える「KJMらしいサウンド」とは。KJMのアイデンティティについて、修也は「クロスオーバー」というキーワードを挙げる。

「ジャズとファンクの融合はもちろんのこと、ゴスペルとブギー、スピリチュアル・ジャズとフュージョン、ブラジルとソウルといった異なる音楽をクロスオーバーさせること。その『交える感覚』こそがKJMのスタイルだと捉えています。

さらには原曲の良さを活かしつつ、オリジナルが生まれた当時にはなかった現代的なサウンドをアレンジに加えることも、KJMらしさに繋がると考えています。

今回のアルバムに収録した11曲は、いずれもオリジナルの時点で複数のジャンルが組み合わさっている楽曲ばかり。ハイブリッドなサウンドに、さらにハウスやテクノ、ブロークンビーツを取り込み、縦軸と横軸の広がりを作ることは常に意識しています」（修也）

これまでも「KJMがカバーする意味」を慎重に考えながら、カバー楽曲の制作を手がけてきた2人。メロディーの良さを活かすボーカリストのセレクションや、使用する楽器のチョイスにも「KJMらしさ」を垣間見ることができる。

その一方、制作の現場では「複数のジャンルを横断しながら、新旧のバランスも整えてカバーを成立させる」という絶妙なバランスを攻め込みたいがために、難航する場面もあった。

「新旧のバランスをとる塩梅が特に難しかったのは“No Cross No Crown”ですかね。オリジナルがリリースされたのは1979年。 ただリバイバルの影響もあってか、原曲のスラップベースが既に現代的に聴こえて。新たなエッセンスを加える隙がないように感じました。

どうやってKJMらしさを新たに付与するか。レコーディングでは弟（好洋）やベーシストのROOT SOULとかなり協議を重ねましたね。最終的にスウェーデンのプロデューサー・Opolopoにアレンジしてもらうことで、ゴスペルブギーだった原曲をエレクトリックなファンク・ソウルに変換しました」（修也）

また今回のアルバムリリースにあたり、急いでレコーディングを行なった楽曲も。“Kowree Sambazzi”はマスタリングの納期が2週間後に迫る中、急遽収録が決定した楽曲とのこと。ボーカリストやエンジニアの予定が1日だけ揃い、その場で完成まで漕ぎつけた、いわば「奇跡の一曲」だ。

「アルバムの制作を進めるうちに『既発のカバー曲だけではなく新録も入れよう』という話になったんです。そこで僕は兄がDJでよくプレイしていた“Kowree Sambazzi”を推しました。

オリジナルはスピリチュアル・ジャズ／ファンクと、ブラジリアンが融合した作品。まさに兄と弟の得意分野が融合したKJMらしい曲なんです。改めてベストなチョイスだったと感じます」（好洋）

アルバムには既発曲と新録曲に加え、あえてライブバージョンをチョイスしたトラックも収録。“Black Reneissance”と“Love is Everywhere”は、KJMがライブ活動を再開したことも記念し、晴れてライブ版がアルバム入りを果たした。いずれもフロアの熱気が伝わってくる、臨場感あふれる仕上がりとなっている。

「“Black Reneissance”はライブのイントロで一度だけプレイした曲で、まさにKJMのレアトラック。“Love is Everywhere”は既発のリミックスした作品を入れる案もありましたが、やっぱりこのライブバージョンが好きなんです。会場の盛り上がりがプレイにも反映されているんですよね」（好洋）

今回のアルバムを聴くと、30年もの長い時間を経て「KJMらしさ」が醸成されていったことが、言葉で説明せずとも伝わってくる。ただ、特に20周年から30周年に至るまでの10年間で起きた変化も、2人の紡ぐ音に強く影響を与えたように伺える。2014年から2024年に至るまでの軌跡を、彼らは次のように振り返る。

「僕自身がレコードショップを経営しているのもあり、クラブミュージックの存在がセールス含めてさらに厳しくなっていることを痛感した10年でした。ただ、中古盤市場の成長を感じた10年でもあります。現場で使えるクラブミュージックだけではなく、今後何十年も残っていくクラシックスも生み出そう、と考えるようになりました。

KJMが打ち込みのハウスやクロスオーバーから、生バンドを起用したレコーディングにシフトしたのも、ある種の必然的なものだと捉えていて。とにかく模索を重ねた10年間だったと思います」（好洋）

「この10年で起きた日本のクラブジャズの収束／UKジャズの勃興とともに、KJMも再始動し、ヨーロッパでのライブを活性化させていったんです。我々にとって重要な期間だったと思います。

同時にコロナの影響で、リスナーの音楽体験が変化したのも印象深い出来事でした。踊れるジャズの需要が減ると同時に、踊れないジャズへの関心が高まった。そしてサウンド・バーやレストラン、ホテルといった『クラブではない場所』でジャズDJが活動するようになったんです。活躍の場が広がる瞬間を感じました」（修也）

そしてこの10年間で、修也はUKやUSの若い世代を中心に、ジャズやソウル、ファンクが注目されつつあると指摘。次の10年に向け、よりシーンが拡大していくことを期待する。

「アンダーソン・パークやサンダー・キャットたちが来日するたびに、渋谷のザ・ルーム（修也がプロデュースするクラブ・バー）を訪れてくれるんです。我々がやっている事は間違いではないし、むしろ今の時代にリンクしていると感じます。

実際、日本のジャズ・シーンでも若いDJが台頭してきています。僕がかつてバンド時代のMONDO GROSSOと結託していたように、彼らも国内の若いミュージシャンと連動し、同世代のファンを開拓してほしいです」（修也）

2024年11月現在、KJMは既にサードアルバムのデモ制作を進めているという。過去のインタビューでは「KJMは100年くらい続くだろう」と語っていた2人。来たる10年後、2034年のデビュー40周年に向けて、彼らはどのように歩みを進めていくのだろうか。

「セカンドアルバム『Message From A New Dawn』（2021年）をリリースした時、海外の反応を目の当たりにしたんです。やはり作品を出すことの大切さを実感しました。

だからこそ、とにかく次の10年は、これまで出した曲よりも良い曲を作ることに尽くします。それしか考えていません。KJMがレジェンド枠に入ることや、100年続くブランドになることは、その結果でしかないと思っています」（修也）

「40周年までKYOTO JAZZ MASSIVEが存在するのかは正直分かりません。ただ、兄・沖野修也が構想するKJMの未来像は、もはや兄弟ユニットの域を越え、ワールドワイドな広がりを見せていると思います。

94年のデビュー作品が、KJMをコンセプトとした周辺アーティストたちのコンピレーションであったように、今後はさらに若い世代のDJ/プロデューサーたちを巻き込んでいきたい。そして我々の意志を継ぐアーティストたちの発掘・サポートに努めていきたいです」（好洋）

エイジアン・ダブ・ファウンデイション（Asian Dub Foundation ：通称・ADF）が活動30周年を記念して、イギー・ポップやパブリック・エナミーのチャックDなどとのコラボレーションをコンパイルしたアルバム『94-Now: Collaborations』をリリース。さらには2025年1月には11年ぶりの来日公演が開催されることが決定した。

アップリフティングなジャングル／ドラムンベースにバングラを融合したブレイクビーツ、タフなダブのベースライン、ワイルドなギターに戦闘的なラップを重ねるエキサイティングなスタイルで90年代初頭より確固たる存在感を築いたADF。活動初期よりDJをメンバーに配していることもあり、ブリットポップに対するカウンターとしての“ミクスチャー・バンド”の先駆として知られるようになったが、バンドのギタリストである中心人物のチャンドラソニックは近年のインタビューで「伝統的なロックはあまり好きではなかったが、ティナリウェンやエムドゥ・モクターのようなマリ、ニジェールのギターバンドは例外だった」と明かしており、編成やジャンルとしてのカテゴライズよりも、パンク的なDIY精神と社会的リアリズムを追求するその姿勢こそが重要だったと思われる。来年の1月には、20年以上にわたり定期的に行っている企画として、マチュー・カソヴィッツ監督の映画『憎しみ』（1995）の上映に合わせてライブでサウンドトラックを演奏するパフォーマンスを行う予定であり、自らのルーツとコミュニティーを大切に、メンバーチェンジを続けながら現在まで精力的な活動を続けている。

今回リリースされる結成30周年記念アルバム『94-Now : Collaborations』はベストアルバムと呼んでもさしつかえない選曲。全11曲ともにリマスターまたはリワークが施されており、アルバムトータルとしての統一感も申し分ない。そのなかで唯一の新曲となるのが、若きMCであるチャワーマンをフィーチャーした“Broken Britain”だ。バンドは今年7月のイギリス下院議会総選挙で反移民政策を掲げるナイジェル・ファラージの政党「リフォームUK」が支持率を伸ばしたことに危機感を抱き、彼らの活動の出発点となったイースト・ロンドンの「コミュニティ・ミュージック」で制作された。《移民を非難　それがあいつらの方針／小船が来るせいで国民の半分が貧困だと言う／ヘマをやらかせば隠蔽　謝罪する気もない》と政府を痛烈に批判するリリックと怒涛のパンキッシュなグルーヴは、うわべだけの理想ではなく、常に現実の社会問題にヴィヴィッドに反応し実践していくADFの面目躍如たる仕上がりとなっている。

本作にはADFの行動力のもっとも顕著な例である、プライマル・スクリームとの“Free Satpal Ram”も収録されている。彼らは97年頃より、正当防衛で白人を殺害し投獄されていたUKエイジアンの労働者であるサトパル・ラムの釈放のためのキャンペーンを展開。内務省への投稿などを呼びかけ、英国内外の多くの人々による支援により投獄から15年後の2002年に仮釈放を実現させた。ADFのメッセージを届けることに大きな貢献を果たしたプライマル・スクリームもまた、ポリティカルな新作『Come Ahead』を今年リリースしたのは偶然ではないだろう。

またエイドリアン・シャーウッドのプロデュースのもと、シネイド・オコナーとレディオヘッドのエド・オブライエンが参加した“1000 Mirrors”は、チャンドラソニックが自身の家庭内暴力の経験に基づいて作曲し、長年にわたり虐待を受けた夫を殺害した罪で終身刑を宣告されムスリム女性のズーラ・シャーにインスパイアされている一曲だ。2023年7月に死去したシネイドについて、チャンドラソニックは「私たちの世代のニーナ・シモンだった」と賛辞を惜しまないが、この曲のデモを聴いてシネイドが歌うことを快諾したことは必然だったと言えるだろう。1992年にアメリカのテレビ番組「サタデー・ナイト・ライブ」でローマ・カトリック教会内の聖職者たちによる児童虐待に抗議するためにローマ教皇の写真をカメラの前に掲げて破り捨てたパフォーマンスは未だに語り継がれる勇気ある行動であったし、彼女自身も幼少時に母親からの虐待を受けたことを明かしていた。罪を犯した人を告発し、声を奪われた人々、傷を負った人々を癒やし、肯定する。鋭い切っ先と包み込むような優しさと同居する。これこそがADFの真価であり、彼らのメッセージ性が時代を超越していることを証明する。未だに家父長制がはびこり、選択的夫婦別姓が実現しない現在の日本でこそ響いてほしいナンバーだ。

日本からリクル・マイとドライ＆ヘビーを迎えた“Raj Antique Store”、オーディオ・アクティブが参加し《皆でひとつになるんだ》と繰り返される“Collective Mode”が収録。彼らにとって世界のアーティストとのコラボレーションはまさに「共闘」であったことが感じられる。なお日本盤には、写真集『STRUGGLE Reggae meets Punk in the UK』を上梓した石田昌隆による解説が収録されている。自身の豊富な実体験に基づく視点から各曲の背景が触れられているので、歌詞カードとともに読みながら聴いていただくことをお勧めする。

ADFはこれまで幾度となく来日しているが、個人的に最も印象深いのは2008年の＜FUJI ROCK FESTIVAL＞だ。リー・ペリー、エイドリアン・シャーウッド、マーク・スチュワートとレゲエ／ダブの重鎮が揃い踏みしたこの年、最終日のクロージングアクトを含め2日連続出演を果たしたADFとフジロックのオーディエンスと相思相愛とも言えるエネルギーの交換は忘れがたい。バンドとファンがまさしく共同体であることを感じられる、多様なグルーヴが混在する祝祭的なステージ。しかし、ヘドニズム一辺倒ではなく、直面する問題を共に考えていこう、というポジティブなヴァイヴがそこには流れている。

彼らが活動を開始した90年代よりもグローバリゼーションはさらに拡大し、差別と不正義は一向に収まらない。先見の明といってもこれは喜ぶことではないのだが、彼らの危惧はいまだ現実のものとなっている。決してノスタルジーではなく、現代的な問題意識を持った、今こそ聴かれるべきアクトだと言っていい。恥ずかしながら、自分はADFの発信するメッセージの数パーセントも理解できていなかもしれない。だが、そんなリスナーすらも受け入れてくれる懐の深さがADFにはある。プライマル・スクリームのボビー・ギレスピーから「英国最高のライブアクト」と称賛されたそのパフォーマンスをぜひ体感してほしい。

20年以上の歴史を有する至福のオール・キャンプ・イン・フェス＜朝霧JAM＞が、10月12日（土）と13日（日）に静岡・富士山麓の朝霧アリーナで開催されました。

キャンパーを中心にアウトドア層から絶大な支持を誇る「ふもとっぱら」の近く、富士山を一望できる抜群のロケーションのもとに様々なアーティストが集結する、地上の楽園のようなフェスティバル。今年はカリブー（Caribou） やジョン・キャロル・カービー（John Carroll Kirby）、シャーロット・デイ・ウィルソン（Charlotte Day Wilson）、キアスモス（KIASMOS）などの来日アクトが多数出演。国内からもCornelius、森山直太朗、羊文学、Kroi、maya ongaku、MONO NO AWARE、STUTSと豪華ラインナップが富士山麓で圧巻のライブを披露しました。2ステージで交互にLiveが行われるようタイムテーブルが組まれており、なおかつステージ間の距離も近いので、全ラインナップを逃さず楽しめるのは朝霧の魅力の1つです。

今回はその美麗な風景と当日のライブフォトをお届け。＜朝霧JAM'24＞の振り返りとしても勿論、来年の開催へと想いを馳せてみるのもいいかもしれません。

天候にも恵まれ、ファミリー層やワンちゃん（！）をはじめバラエティ豊かな様相となった今年の＜朝霧JAM＞。過ごしやすい日中の爽やかな風と、冬の訪れを感じさせる冷たい夜の温度。その両方に浸りながら、万感の思いで見つめる朝日の美しさは格別でした。さらには朝のラジオ体操やサウナスポット、夜にはみんなで焚き火を囲んだりと、さまざまなアクティビティも充実しており、訪れた観客はそれぞれ自由に2日間を堪能しました。

途轍もない熱量に満ちた空間だった。4月にリリースしたメジャー1st EP『涙 滲むのは心の本音です.』を携えて東名阪と広島の4都市を回ったワンマンツアーの追加公演として、9月29日に東京・Spotify O-EASTにて開催されたbokula.のワンマンライブ＜『涙 滲むのは心の本音です.』Release Tour 「僕らで時代を作ります。 〜これ“わや”じゃん〜」＞で目撃したのはステージとフロアが渾然一体となって沸騰する最強で最高の光景だ。

バンド史上最大規模となるこのワンマン公演にて新曲“ハートにハグしよう”リリースをサプライズで発表して生披露、しかも翌日0時より配信スタートというスピード感でファンの度肝を抜いたbokula.を、そのリリース当日にキャッチ。まだ興奮冷めやらぬライブ直後の感想や新曲についての想いなど、率直な言葉で語ってもらった。新世代ロックバンドの筆頭株として注目を集める彼らの飾らない素顔に触れていただけたら幸いだ。またGt.&Vo.えいにはフォトセッションも敢行、ワンマンライブの翌日とは思えないほどの爽やかな写真もご覧いただきたい。

──O-EASTワンマン、お疲れさまでした！　まさに“わや”（※bokula.の地元・広島の方言で“めちゃくちゃ”の意）と呼ぶにふさわしい、最高の盛り上がりでしたね。本番を迎えるにあたってみなさんはどんな光景を思い描いていらしたのでしょうか。

えい　正直なところ、思い描くとかはまったくないんですよ。意図してこんなふうにしたいとか、そういうものは全然なくて。その場で起こったことが正義というか、自分たちが好きにやったうえで生まれた景色があのフロアだったっていう感じなんですよね。

ふじいしゅんすけ　ぼんやりと「こんな感じかな」って想像したりはしますけど、昨日はそれを超えるパワーをお客さんが出してくれてた気がします。そもそもbokula.って、ワンマンライブ自体、まだそんなに慣れてはいなかったんですよ。今回、5〜6月にかけて『涙 滲むのは心の本音です.』のリリースツアーをやってきて、それを経たからこその昨日だったので。

かじ　個人的には、さらに自分の視野が広がったなって思えたライブでした。今までも視野は広いつもりでいたんですけど、意外とまだまだ狭いところでしか見えてなかったことに気づく瞬間が多々あって。なので、終わったばかりですけど、早く次のライブがやりたいんです。

さとぴー　メジャーデビューから半年近以上が経って、その半年の間、自分がbokula.のベースじゃなきゃいけない理由をずっと模索していたんですよね。自分の武器はなんなのか、自分は何ができるのか、それをどう見せたらいいんだろうってワンマンツアーの間もいろいろ試行錯誤していて、最近やっと自分のなかで腑に落ちたんです。昨日もそれをちゃんとアウトプットできた瞬間はあって。

──そういえば、さとぴーさんがステージから客席にダイブされた場面もありました。

さとぴー　あれはアウトプットというか、単に勢い余っただけなんですけど（笑）。

えい　でも、よかったと思う、すごく。最近はさとぴーがいちばんハメを外してるんですよ（笑）。

──MCでは、O-EASTがえいさんの憧れの場所だったこと、バンドにとってひとつの到達点でありターニングポイントでもあるとおっしゃっていましたね。

えい　僕の好きな先輩バンドが4〜5年前くらいにO-EASTでワンマンをやっていて、SNSに上げられていたライブ写真を見たときに、すごく憧れを持ったんです。俺たちもここに行かなきゃっていう焦りみたいな想いも同時に感じたし、ずっと目標になっていた場所だったので。

──そのぶんステージに立って感慨深いものもあったのでは？

えい　もちろん「やった！」っていう気持ちはありましたけど、感慨は実はそんなになかったですね。そこで満足しちゃダメだなっていう想いのほうが強いというか。

ふじい　たぶん立つ前のほうがあったよね。ライブをする前のほうが「ああ、来たなぁ！」って感じだったけど、立ってしまえば全部一緒、みたいな。

えい　そう、いつも通り。

ふじい　いちばん高まる瞬間ってリハーサルが終わってお客さんが会場に入っているときだったりするんですけど、いざ始まって、1音目を鳴らしたらもう同じなんですよ、会場がデカいとかお客さんがいっぱいいるとか関係なく。地道にこれまでやってきた積み重ねのおかげでそういう感覚でいられたんだと思います。

──タイトルに掲げていた「僕らで時代を作ります。」ですが、実際にそうなりそうな手応えはありましたか。

えい　昨日のライブでちょっと可能性を感じましたね。実感というか、このタイトルでよかったな思える瞬間が結構あって。最初はすげぇ大袈裟なことを言っちゃったなと思ったけど。

ふじい　いいんだよ、大口叩いていこう！

一同　爆笑

──bokula.が考える「時代を作る」って具体的にはどんなものなんでしょう。

えい　「具体的に」って言われたらめちゃくちゃムズいな……でも、今のJ-POP界隈を含めて、ロックシーンのトップを狙いたいなとは思っているので。ライブもそうだけど、楽曲としてもちゃんと老若男女に受け入れられるバンドになりたい。それがある種、「時代を作る」ということなのかなって思います。もちろん、まだまだなんですけど。

──でも、大多数が求めるようなところに自分たちを寄せていくというわけではないんですよね？

えい　寄せていくつもりはまったくないです。例えば、歌詞は優しくなければいけないとか、曲調はキャッチーでなければいけないとか、今まではそれが王道と呼ばれる音楽の文化になってきていたところもあると思うんですけど、bokula.はbokula.として自分たちなりのロックを貫き続けていけたら、新しい文化が作れるんじゃないかなと思っていて。あくまでも自分たちが好きにやってることに対して、それを好きだと共鳴してくれる人の母数をどんどん大きくしたい。そのためにも手札は増やしていきたいと思っていますね。いろんな音楽を作るのは楽しいですし、僕の生きがいでもありますから。

──ワンマンライブの翌日に配信リリースされた新曲“ハートにハグしよう”は、まさしくbokula.の新たな手札と呼びたい仕上がりですよね。ホーンをフィーチャーしたサウンドもとても新鮮で。

えい　リファレンスは斉藤和義さんの“ずっと好きだった”なんですよ。キャッチーで、ロックンロールなんだけど温度のある楽曲を作りたいなと思っていたのが、この曲の始まりで。ホーンもわりと最初の段階から頭のなかで鳴っていましたね。今まではギターを歪ませてコードをジャカジャカ弾いてるようなものが自分のなかでは主流だったんですけど、「コードばっかり弾いていても雑音にしかならないよな」って思うようになってきて。音数を減らす美学みたいなところを最近は大事にしているので、イントロもリフで勝負してみたりとか。そうしたなかで彩りもつけたくてホーンを入れたっていうのもあります。

──それにしても、ライブでいきなりリリースを告知して、日付が替わると同時に配信スタートというスピード感には驚かされました。メジャーデビューの発表（※デビュー前日のライブで発表、翌日にメジャー1stデジタルシングル“最愛のゆくえ.”をリリースした）もそうでしたけど、このバンドってサプライズが好きすぎません？

ふじい　ウチのボーカルだけですよ。俺ら3人ですら知らないことが多々ありますからね（笑）。

さとぴー　メンバーもサプライズされるっていう（笑）。

えい　昔から人に何かを仕掛けることに喜びを感じるんですよね。しかもライブでサプライズするっていうのは、お客さんもいちばん沸くし、同じ気持ちで共鳴し合えるじゃないですか。すごく大事なことなんだけど、それをサラッと言っちゃうのもウチらしいし。

──告知直後、どんな気持ちでこの曲を演奏されていたんですか。

ふじい　ライブで披露するのは昨日で3回目だったんですけど、いやぁ、難しい曲ですよ（笑）。今、うちのボーカルが作ってくる曲の幅が広くなってるんですよね。「わあ、またこんな新しいことを取り入れてる！」って驚かされることが多くて。自分はバンド歴10年ぐらいになるんですけど、こんなにシンコペーションを取り入れた楽曲って今まで叩いたことがなかったんです。ということは、これが俺の次の課題なんだなって。“最愛のゆくえ.”もそうだったし、最近は曲が上がるたびにそう思わされることが多いんですよね。だからこの曲もライブで育てていくのがすごく楽しみで。

えい　まだまだ驚かせちゃうよ！　引き出しはいっぱいあるから。

ふじい　いいねぇ（笑）。

かじ　ギターに関して言うと、この曲は今まででいちばん音が歪んでなくて。ロックバンドといえば大抵、ギターを歪ませてるんですけど、それだと良くも悪くもごまかしが効くんですよね。でも、この楽曲はほぼクリーンなので右手の弾き方がもろに音に出るんです。ちょっとでも集中を怠ったら鳴らないかもっていうくらい。

えい　実は繊細だよね。

かじ　本当に繊細。昨日はまだ体に馴染みきっていない感覚があったので、もっと極めたいなと思ってます。

さとぴー　僕は弾いていて楽しいですね。僕にとってこの曲は自分の持っていったベースラインがやっと採用された曲なんですよ。あれこれともがいて勉強してきたことが、ようやく実になったっていう。曲の展開とかめちゃくちゃ考えながら付けたベースラインなので、それを人前でも演奏できるのがすごく楽しい。

えい　初めて褒めましたもん、俺（笑）。

──じゃあ演奏しながら「どうだ！　これが俺のベースラインだ！」みたいな？

さとぴー　そう、「この音を聴いてくれ！」って（笑）。これからも、もっともっとカッコいいベースラインを作っていきたいですね。

──歌詞に関してはいかがでしょう。これはウェディングソングと捉えてもいいんですよね？

えい　ちょっとウェディングウェディングしすぎましたけどね（笑）。正直、歌詞の最後のほうに出てくる《今夜は白いドレスが似合うぜ》がなかったら別にウェディングじゃなくてもよかったんですよ。そこまでは普通に平凡な恋人たちの曲を書いていたのに、その1行が出てきちゃったことで急に結婚式の絵が浮かんできて。でも直接的なウェディングを描こうとしたわけではなく、あくまで比喩表現のつもりなんです。曲のなかの」君」も実際に白いドレスを着ているわけではないですからね。「白いドレスが似合いそうなくらい今日は特に綺麗だね」みたいな。シーンとしては6畳一間とか、そんなイメージ。

ふじい　夜に白いドレスってあんまり着ないもんね。結婚式ってだいたい昼間だし。

えい　そうなんだよな。そもそもこの歌詞、5分くらいで書いたんですよ。だからあんまり深く考えてはいないんです。サビのこのメロディがずっと頭のなかで流れていて、いいメロだなって思っていたらパッと“ハートにハグしよう”ってフレーズが浮かんで、勝手に言葉がハマったというか。自分の経験とかではまったくないんですけど。

──だとしたら、なおさら5分はすごすぎです。

えい　最近はメロディもコード進行も降ってくることが多くて、いい曲が書けるときはホントすぐできるんですよね。むしろ悩んで煮詰まるほうが空回りしちゃうし、いい曲にはならないって最近わかってきて。ただ、そうは言っても、この曲をリリースするって決めるまでに30曲ぐらい作ってるんです（笑）。まったくの駄作もあれば、これと張り合えるぐらいの曲もあって。

──そのなかから、この曲がリリースに至った決め手はなんだったんでしょう。

えい　多様性ですかね。昨日みたいにフロアが沸騰するくらいのライブをやっている一面もあるけど、こんなポップに振り切った楽曲もできるんだよっていう、いろんな方向性や幅を見せられるのがbokula.だと思っているので。ロックに固執しないという意味でも新しい名刺代わり、新しい顔としてこの曲を届けたいな、と。

──ロックに固執しないというのは？

えい　ロックバンドはこうあるべき、みたいな凝り固まった思想はもういらないなって思うんです。バンドマンならこういうライブをすべきとか……もちろん、そういうものを大事にするのもいいんですけど、bokula.の場合はそこだけにこだわらず新しいジャンルが開拓できるんじゃないかって。

──そう考えるようになったのはいつ頃からです？

えい　最近かなぁ？

ふじい　うん。それこそメジャーデビューのタイミングと、（えいの）音楽的な意識が変化し始めたタイミングがマジで一緒だったんですよ。メジャーデビューしたからそうなったではなく、本当にたまたまタイミングが重なったっていう。

──たしかにメジャーデビューのあたりから、それまで縦一直線に伸びていた道がグッと横幅を広げたような感覚が楽曲を聴いていてあったんですよ。何がbokula.をそうさせたんだろうなと思っていて。

えい　責任感かもしれないですね。メンバーの前でこれを言うのはちょっと恥ずかしいんですけど、一応、僕が頭を張ってメンバーの生活を背負っているって想いはあるんですよ。僕自身、曲を作るのは好きだし、だったらできることは全部やって、使える武器は全部使っていったほうがいいよなって思い始めたのがメジャーデビューのタイミングだったんです。それからはちゃんと売れようって強く思うようになって。

──それは大事なことですね。

えい　もともと思ってはいたんですけど、それこそロックに固執していたというか、ロックバンドとして譲れないものもいっぱいあるよなっていう拗らせがずっとあって。それが最近になってようやく、本当に自分の好きなことをしよう、自分にとってのグッドミュージックを作り続けようっていう意識に変わってきたんです。音楽でメンバーに飯食わせなきゃ、みたいなある種のプレッシャーも持ち続けているからこそ、楽曲に対してきちんとクオリティを求めることができているなとも思いますし。

──そうしたえいさんの変化はバンドにもいい形で波及していますよね、きっと。

ふじい　めちゃくちゃしてますよ。「ウチのボーカル、ヤベぇっしょ！」って胸張って言えますもん。もっと好きにやっていいよって思ってますし、ホントありがとうって感じです。

えい　そうやって口に出してくれるの、しゅんすけだけやからな（笑）。

さとぴー　俺も思ってるよ？

かじ　俺も。昨日だって開演前に俺がちょっと強張ってたら「まあ、まかしときんちゃい」って言ってくれて、ホント頼りになるなって。

えい　ええわ、もう（笑） 。

さとぴー　いや、でもマジでそうだから。ただ、頼りすぎるのもよくないなと思ってはいるんですよ。こっちもえいにカッコいいと思わせたいし、一緒に張り合っていけるようになりたい。そうすれば曲もさらに進化するじゃないですか。

──いい関係性ですね。えいさんにとっても、この3人がいることが原動力になってるんだなってよくわかります。

えい　そうなんでしょうね。正直、僕ひとりでも音楽はできると思うんですよ。でも、それだと全然つまらないのも目に見えていて。この形態じゃなきゃ音楽を好きになれない気がするというか……音楽を作ることは本当に好きなので楽曲提供とかもしてますけど、やっぱりバンドがいい。バンドのロマンを突き詰めたいんです。

──さて、この先についても伺わせてください。メジャーデビューからまもなく1年、bokula.として今後どうなっていきたいとかありますか。

えい　ないですね（即答）。こうあらねばとか、こうなりたいとか、まったくないです。目の前にある一個一個のセクションを大事にしていくだけ。

──例えば今回のO-EASTのように、次に目標とする場所とかは？

えい　そういう意味で言うなら、次のツアーを全箇所ソールドアウトさせたい、かな。

かじ・さとぴー・ふじい　うん。

──2025年1月からスタートする＜RE:セイテンノヘキレキツアー＞ですね。全国8ヵ所で対バン公演、ファイナルの東京・Zepp Shinjukuはワンマン公演となっています。

えい　今回、ワンマンツアーを回れたことでひとつ、デカい軸はできた気がしてるんですよ。自分たちの強みや良さに気づけたし、今なら対バン相手が誰でも唯一無二感を持ってライブに臨める。その度胸と自信はつきましたね。

かじ　だから、すごく楽しみだし、早く回りたいです。今までの対バンツアーでは対バン相手に対して怖気づいちゃうことも個人的にはあったんですけど、今度のツアーは「今の自分らは最高だな」ってちゃんと思いながら回れそうな気がしてますから。

──Zepp Shinjukuというさらにスケールアップした場所でワンマンを行うことに関してはいかがですか？

えい　O-EASTは僕のなかで特別な場所でしたけど、Zepp Shinjukuに対してはちゃんと次のステップに行こうっていう気持ちだけですかね。逆に特別な思い入れがないぶん、自由に堂々とライブができるんじゃないかなって思います。そう思えるのも昨日のO-EASTであれだけのライブができたからですけど。

ふじい　昨日のライブはマジでそれぐらい大きかったですね。ツアー本編の最終日にLIQUIDROOMでワンマンをやらせてもらったときは「なんか今日の俺ら、お客さんに負けた感じがあったよな」ってライブが終わってすぐに話したんですよ。お客さんが盛り上がりすぎて逆にわからない、みたいな感じで。でも昨日はもう「こっちもやる気だぜ！」っていう、ステージもフロアもいちばんいい形のライブが体現できたからZepp Shinjukuに対してもフラットに楽しみやなって思えるんです。

さとぴー　昨日のライブは過去イチ短かったもんね、体感で。

えい　ホントあっという間。

さとぴー　それぐらい自分らも楽しめたし、すごく気持ちよかったんですよね。そうなれたのはワンマンツアーを通してちゃんと経験値を積み重ねてきたからだし、次のツアーでもまた何かしら進化してZepp Shinjukuを迎えると思うので。

──もはや期待しかないです。えいさんがおっしゃったバンドのロマンをどんどん突き詰めていってください。

一同　はい、ありがとうございます！

結局、この10年でTempalayに重力は通用しなかった。他のどのバンドとも似つかぬ独特な軌道で、2024年の10月3日に日本武道館へと到達した彼ら。それは記念すべき祝福の日でありながら、飽くなき探究心に駆り立てられたメンバーの無邪気さが爆発した瞬間の連続でもあった。

「まもなく当宇宙船は離陸します」というアナウンスと共に、ライブの注意事項が場内に流れる。こういう遊び心は、Tempalayというバンドのポップな魅力を語るのには外せない。＜惑星X＞のHPでカウントされていた日数が0になり、各々が溢れんばかりの感慨を抱えながら集まった武道館。眼下のアリーナにはカラフルなグッズの数々を纏った“乗組員”の姿が見える。そう、我々は武道館に乗って＜惑星X＞を探索するのだ。

微かになっていたジェット音が唸りをあげ、ステージ両端のスクリーンに映る地平が遠くなる。ウーファーの振動が武道館の隅々にまで伝わる。とてつもない音響だ。そこから乗務員がコンセプトを説明するパートに突入。映像がサイケデリックに入り乱れ、長年活動を共にするPERIMETRONが早速コンセプトに沿った世界観へと引き込む。

そして壮大なスクリーン演出が続きメンバーが登場、待ちに待ったオーディエンスの大歓声を切り裂くように“のめりこめ、震えろ。”から派手にショーがスタートした。AAAMYYYのシンセサイザーは空間をスペーシーに引き伸ばし、藤本夏樹のドラムがライブバンドとしての重厚感をそこに加える。そして小原綾斗の、フロントマンとしての強烈な引力。彼らのワンマンライブ史上、最も大きなステージであるはずの日本武道館が、Tempalayが10年で培ってきたバンドとしての地力と早速呼応していた。

続く“人造インゲン”をシンプルなライティングで披露したかと思えば、“続・Austin Town”からはレーザーも登場しますますスペクタクルな空間に。サポートで参加したベースの榎元駿（ODD Foot Works）とパーカッションの松井泉が肉感的なダンスフロアを作り上げる。“とん”では小原が「惑星Xへようこそ！」と紹介し、サポートギター／シンセのOCHAN（NIKO NIKO TAN TAN）とブルージーに絡み合う。ウォームアップをすっ飛ばして、序盤からフルスロットルのセッションを堪能させる6人。オリエンタルな“ああ迷路”からインストナンバー“未知との遭遇”、そしてシームレスに“my name is GREENMAN”へと繋げ、余すところなくバンドとしての色を出し切る姿に、観客も抜群のリアクションで応える。

MCでは小原が感謝の挨拶を述べると共に、事前に公式SNSでも告知されていたAAAMYYYの第二子妊娠を改めて報告。「昨日生まれるかと思った」というAAAMYYYの言葉にはどよめきも。そして急遽参加することになったサポートのermhoiと和久井沙良が歓声に迎えられて登場。AAAMYYYが一旦退場して「どうぞよろしく！」とスタートしたのは“Booorn!!”、第一子の誕生に合わせて制作されたフレッシュな一曲だ。赤ちゃんの声がエフェクトに入り、スクリーンには胎児のエコーが映るなど、Tempalayなりの祝福なのだろうか。《全身全霊の泣きように泣きそうにね／知らずに育つよ こんな小さな心臓が鳴る》というリリックが一層深い意味を帯びて聞こえる。

ミドルテンポのビートからギターソロをきっかけにバーストする“Festival”、＜惑星X＞のコンセプトに適った荒涼とした地平がVJに映し出される“カンガルーも考えている”、そして“大東京万博”とバンドを黎明期から支える楽曲が次々に披露される。そのどれもが武道館にピッタリとハマり──むしろ、どんなキャパシティでも彼らの想定するスケールよりは小さいのかもしれない──、ネオ・サイケデリックバンドとしてのTempalayが10年で作り出してきた楽曲の新たな側面に気付かされる。

スナックのカラオケのように歌詞テロップが映し出され、往年のラテン歌謡のような風格さえ漂う“今世紀最大の夢”が終わると一本のレーザー光線が会場を貫く。それが途切れて始まったのは“脱衣麻雀”。「まさか」なのか「あえて」なのか「だからこそ」、ファンもどよめいた「あの」VJは来場者全員の脳裏にこびりついたであろう。この猥雑さも、Tempalayのエッセンスの一つなのだ。

PERIMETRONのクリエイティブが絶好調だ。“どうしよう”ではスクリーンに映るメンバーがリアルタイムでコミック風に変換され、“GHOST WORLD”では一際サイケデリックな演奏にジブジブと没入できるように演出。直後のMCでサポートメンバーが紹介されると共に、Tempalayのメンバーの家族が武道館へ来ている旨が伝えられると会場からは暖かな拍手が送られる。急遽の参加となったermhoiと和久井沙良も含め、彼らが築いてきた関係値は独特ながら唯一無二のものだ。

AAAMYYYが再びステージに登場し、撮影もOKとなった後半戦。早速AAAMYYYの麗らかなボーカルから幕を開ける“預言者”からアトモスフェリックに始まり、代表曲の一つでもある“革命前夜”を発射。メロウな時間を予感させたのも束の間、ここからさらにボルテージをあげてアッパーチューンを投げ続けていく。“新世代”のハウスを意識したリズムセクションでは武道館が一気にダンスフロアへと華やぐ、この宇宙船はどれだけの顔を持っているのだろうか？

小原綾斗は、その直後のMCで「やめなくてよかった」と切に語った。その重みは各々の胸に刻まれただろう。彼らの足跡を振り返るとして、確かにその道が平坦でなかったことは確かだが、むしろ彼らは新時代のジャパニーズ・ロックバンドとしてのパイオニアを積極的に果たしてきたと言えるのではないか。彼らの軌道が未来への糧になるのならば、この武道館のステージはより大きなものになる。その予感を引っ張り上げるように披露された“愛憎しい”はこの日のハイライトであり、小原の「ありがとう！」というシャウトは屋根の外まで飛び出しそうなほど響いていた。

最新アルバム『((ika))』のナンバーを立て続けに披露し、本編ラストはメランコリックな“そなちね”で終了……いや、もちろんまだ終わりたくない。アンコールの拍手に迎えられて暗い照明のままメンバーがゾロゾロと登場し、ステージの両端へとふいにライトが当たる。そこにいたのはコーラス隊、束の間の美声に歓声が上がった。サックス・小西遼の伸びやかなトーンも相まって、ゴスペル調の“続・New York City”が醸す祝祭的なムードは、今日という日にピッタリだ。

この日を締めくくる“LAST DANCE”は＜惑星X＞を作り上げてきたスタッフたちのエンドロール。そして最後に映し出された「TEMPALAY」の文字がフッと消えると客電が一気に付き、開演前と同じ地平が両端のスクリーンに広がっていた。万雷の拍手が瞬間鳴り響き、かくして約2時間の星間旅行は幕は閉じた。2024年10月3日（木）、忘れることはないだろう。

砂原良徳、LEO今井、白根賢一、永井聖一による4人組バンド・TESTSETが2作目のEP『EP2 TSTST』を10月9日（水）にリリースした。昨年1stアルバム『1STST』をリリースし、バンドとしての一体感を強めた彼らが、一度固まりかけた「TESTSETらしさ」に止まらず、新たなフェーズへと移っていく過程を記録し、各々の個性がより顕著に表れた挑戦的な作品となっている。10月20日（日）にZepp Shinjukuで行われるワンマンライブも控えたTESTSET、今回はメンバーの砂原良徳と白根賢一に話を訊いた。

──まずは昨年のアルバム『1STST』がリリースされて以来、制作面ではどのように動いていましたか？

砂原良徳（以下、砂原）　日常的にデモみたいなものをなんとなくメンバーで回している状態なんですよね。ずっとやろうと考えているわけじゃないですけど、とりあえず常に制作状態のものが共有されているんです。

──特定の誰かからスタートすると決まっているわけではないんですね。

砂原　EPとかアルバムとか、そういう旗が立ったら誰かが何かを始めて。LEOくんが一番早いかな？

白根賢一（以下、白根）　うん、永井くんも早い。

砂原　まぁ僕は一番遅い（笑）。というか、全然出てこない（笑）。

白根　大御所だからね。それで「みんな出せ！」みたいな（笑）。

砂原　いや、大御所とかじゃないんだけどさ（笑）。彼（白根）の方が大御所。

白根　歳だけはね（笑）。

──いくつかの過去のインタビューでは、砂原さんが最後に全体を見る役割を担っていると話していましたね。

砂原　TESTSETを始めたときからそうなんですけど、いろんなことのバランスの調整をやりたいとは思っていて。それは楽曲だけじゃなく、例えばジャケットのデザインやライブのときに流す映像、グッズとか全部含めて、バンドのトータルのバランスを見る仕事。それを言い訳にして出すのが遅いっていう（笑）。ただ、音に関してはマスタリング作業やミックスダウンなどをやることが多いので、そういう意味で全体のバランスを見る必要もあります。

──ちなみに取材している時点では先行シングルの“Sing City (Edit)”のみがリリースされている状態です。すでに反響は届いていますか？

砂原　いや。まだあんまり僕らがバンドをやっていることを知っている人がいないのかなって（笑）。

白根　反応以前にね（笑）。

砂原　バンドの日が浅いというのもありますし、僕たちは若者のバンドじゃないですから。若者のバンドってやり始めるとブワーッとエネルギーが放出されている感じがあるじゃないですか。僕たちそれなりにライブやったり制作やったりしているんですけど、なんせそれなりの年齢なんで、そういう「やってますよ」っていうオーラがあんまり出てないんじゃないかな（笑）。

白根　出てませんか？（笑）

──十分存在感があると思いますが（笑）。ちなみに“Sing City (Edit)”を先行シングルに選んだ理由はありますか？

砂原　「1曲だけ先に配信しましょう」という話になったんです。“Sing City”に関しては、いろいろデモがあった中でLEOくんが「この曲はちょっとTESTSET向きじゃないんだけど」と提出してきたんですけど、聴いたら意外性も含めて「こういうことをやってみてもいいかな」と思ったんです。ちょっとお試し的な意味合いでね。それでわざと僕ららしくない曲を選んでみたんです。

──「TESTSETらしくない」という自覚があったんですね。

砂原　これまでやってきたことを考えるとらしくないんじゃないかな。許容範囲だとは思うんですけどね。

──“Sing City”は爽やかさもありますが、歌詞も含め、ノスタルジックな感覚になる1曲で、たしかにこれまでのTESTSETにはなかったものかもしれません。1stアルバムのジャケットが自然の地形を用いたのに対して今回は人工的なもの（都市や車）になっていますよね。

砂原　人工、というか日常ですよね。別に毎日起きていることで、今も日常としてあるんですけど、子どものときにそういうときの印象を強く受けたりしているからなんとなく昔のことを思い出したりしちゃったりするという。そういう意味ではコンセプトはこれまでとちょっと違うかもしれないです。

あと“Sing City”は、フルで日本語というのが初めてで、それも「らしくなさ」としてあるかもしれない。メロディーやコード進行もこれまではもっとヨーロッパやアメリカの音楽の影響を強く受けたものの方が多かったですけど、これはちょっと東洋っぽさもありますよね。あと曲の構造が割とトラディショナルとも言えると思うんです。だからそういう意味でのノスタルジーでもある。

白根　砂原さんがトラックの要所に散りばめている共通言語のような80年代の感覚も個人的には感じていて。それはあくまで僕ら世代の血であり、肉であり、時代に関係なくずっと永久的に憧れている音なんです。

──なるほど。過去のインタビューでは「砂原さんと白根さんはテクノ／ニューウェーブおじさん」とLEOさんが話していたのが印象的でした。

白根　若い2人（LEOと永井）が90’sのロック好きおじさんで、僕らがテクノ／ニューウェーブおじさん（笑）。

砂原　彼ら若い方の2人はほぼいっしょの年齢で、ここ2人もほぼいっしょの年齢だからね。見てきた景色に共通項が多いですから、どうしても好みのムラがバンドの中にあるんです。

砂原　もちろん彼らもニューウェーブもテクノも知っているけど原体験じゃないですもんね。僕らは原体験だから。こういうことを話すときにいつも言うんですけど、例えばビートルズが大好きですごく詳しい、ビートルズが活動をやめてから生まれた人と、実際にビートルズが活動していたときにビートルズを見た人にとっての体験って僕は全然違うものだと思うんです。活動しているときに見たり聴いたりしているのとは意味が全然違いますよね。

白根　ライブで生音で浴びているという違いもありますよね。五感を使った体験。そういう原体験は、レコードを聴いて得たものとは違うかもしれない。

──“Sing City Edit)”をはじめ、今回のEPでは方向を変えていこうという意識があったんですか？

白根　まだやっていないこと、まだ試せるものがあるんじゃないかと個人的には思っていて。今はそれぞれが無責任に曲を投げている感じなんです（笑）。でもそれを最終的に砂原さんがトータルでトラックの音を見てくれているから、そこでアイデンティティが保たれているというか。だからまだまだいろんな種類の曲が生まれるんじゃないかな。

砂原　今回はそういう意味では4曲ともバラバラですよね。アルバムを出すとフィジカルも作るからもう少しまとまっていないといけないんだけど、『EP2 TSTST』は配信だけだから気軽な部分もあって。「こんな感じで制作しています、今こんな感じです」という現状報告のような作品かな。

──1stアルバムと比べ、今回のEPは4曲それぞれに個性が出ている印象でした。

砂原　METAFIVEの流れもあって始まったバンドだったから、継続して聴いてくれている人もいると思い、1stアルバムはある程度想定の範囲でまとめていくのがいいのかなと思っていましたけど、もっと歪な部分があってもいいのかなと思っていて。どんな歪さを出せるかがバンドのセンスだと思うので、それを良い感じにできたらいいなとは思ってますね。

──1stアルバムでTESTSETとしてのアイデンティティを固めたわけではなかったということですね。

砂原　そうですね。まだアルバム1枚と4曲入りのEP2つしか制作していないので……まだわかんないよね？　

白根　砂原さんが覚えているかわからないけど、「作品は途中経過で、ライブでやって初めて曲が完成する」と最初の頃に言っていたのを僕はずっと覚えていて。結局、曲が育ったり、熟成されるのはやっぱりライブなんだろうなと。ライブバンドとして作品は一つのきっかけに過ぎないという。

砂原　昔はアルバムとかの制作物が終着点で、ライブはそれのお披露目会のような考え方だったんです。でも、今は最終形がライブで、作品はライブの前の予告というか、メニュー表のような要素が強いかな。ライブでは映像もあって、演出もあって、いろんなものがそこに集約されていて、総合的な表現になっていますよね。

白根　いろんな角度があってね。

砂原　もちろん配信で聴くことも、フィジカルを買って聴くことも体験ですけど、体験の濃さという意味ではライブの方が全然大きいんじゃないかな。

──まだ固定していない、現状でのTESTSETらしさをあえて言葉にするならどうなりますか？

白根　最初はちょっとプロジェクトっぽい感じがしていたけど、ライブと制作物のやりとりでバンド感が出てきて、自分のバンドの一員としての自覚やモチベーションが大きくなっています。ライブが思っている以上に毎回違うから、意外とお互いの音を聴いてすごく触発されるんですよね。本当に毎回違いますよね？

砂原　そうだね、出来のクオリティーも毎回違うし（笑）。

白根　同じセットで同じトラックなんだけどね。少なくともカラオケに合わせて演奏するバンドではないなって。すごく有機的。本当に自分だけでは到底辿り着けないところに行ける日もあるし、もちろんそうじゃない日もあるんだけど。

砂原　創設当時よりももっと前、それこそMETAFIVEの後期くらいから、なんとなくLEOくんと僕の中で持っている要素が繋がり始めたんですよね。インダストリアルっぽい感じやダンスっぽい感じにちょっとロックやファンクのテイストが入って、というイメージ。それは未だにあるんだけど、TESTSETをやっていく中で想定していなかったことがいろいろ出てきて。まだ自分たちのことをわからない部分の方が多いんだろうなとは思っていますね。次にアルバムを作ったときにどういう変化があるのかなっていう期待というか、どんなものができてくるのか未知の部分が大きい。

それに、もうMETAFIVEよりもTESTSETの方がライブの本数が多いんです。だから、バンドらしいというか。これはアイツの担当で、こういうところは誰が気にしてくれているとか、そういう役割のようなものがはっきりしてきたし。「こういう感じだったら賢ちゃんはこう叩くよね」とか、みんなそれぞれが理解してきている。それもあって最近はステージ上のフォーメーションも変えたりして、やっとバンドとしてはある程度固まった感じがしますね。

──以前は元METAFIVEの2人がフロントにいた形で、現在はLEOさんと永井さんがフロントに立つフォーメーションになっていますね。

砂原　ライブの中で動きが多かったり、声を出す場面の多い人たちがセンターとか前にいた方が良いっていう、すごくシンプルな理由で変えました。永井くんは1stアルバムでは1曲しか歌っていなかったですけど、もうちょっとそういうことをやってくれるかなと僕は思っていて。彼ら2人を真ん中に置こうというのは僕の頭の中ではずいぶん前からあって、そのタイミングを見ていて、そろそろいいかなというときにそんな提案をしたんです。あの2人を対比で見ていると良いんですよ、全然違うから（笑）。

──今作では“Yume No Ato”で永井さんが歌っています。砂原さんの目論見通りだったんですか？

砂原　たまたま自分で歌う曲を作ってきて自分で歌ってくれるってことだったんで、自分の中では永井聖一のデビュー曲っていう位置付けですね（笑）。バンド内デビューです。前のはプレデビューで、今回が本格的なバンド内デビュー（笑）。

──永井さんからの提案だったんですね。

砂原　だったと思うんですね。入ってきたとき、それこそMETAFIVEの特別編成のときもコーラスとかやってたよね？

白根　やってたね。

砂原　そういうのを積極的にやってくれるんで、「ならやってよ」と。やってくれるならどんどんやって欲しい。永井くんが歌う曲、LEOくんが歌う曲、もしくは片方がハモっている曲で、火のついた爆弾を投げ合うようなフォーメーションをライブで見せたいんです。それこそMETAFIVEの“Don't Move”のLEOくんと幸宏さんはそういうところがあったと思うんですけど、そういうフォーメーションってバンドの良さだと思うんです、少し隙間の空いたところにフッと別のメンバーが入って、また元の位置に戻ったり、そういうのが僕は良いなと思っているんですよね。だからああいう見せ場があるような曲は作りたいなと。

──“Yume No Ato”はトラックも永井さんらしい1曲ですね。

砂原　ミックスの時に「高野寛さんぽい」って誰かが言っていて。僕がオケを作るときに高橋幸宏の影響っていうのは捨てきれないわけですけど、それに永井くんの歌が合体したことで高野さんぽくなっているんじゃないかっていう分析をしていたんです（笑）。

──ここまでお話を聞いてきて、やはりTESTSETの核にはライブを重視する姿勢が強烈にありますよね。

砂原　歳を取ったせいか、体験の価値というのはすごく強いと思っていて。いくらモノを所有しても自分と一体化できないじゃないですか。例えばフェラーリが大好きで、フェラーリの中に埋め込んで欲しいってくらい好きでもフェラーリと自分は一体化できない。でも体験は自分と一体化できる。だから体験の方が価値があるだろうなと。比較するのもどうかと思いますけど、体験こそが財産というか、自分の中に溜まっていくのは体験だけなんじゃないかな。若い頃はあのレコードも欲しいしこれも欲しいし、自分のところにとにかく置いておきたいという想いがありましたけど、今はレコードが全部燃えてもいいです（笑）。本当に最初に聴いたときの「うわっ！すげえ！」という感覚こそ価値で、それがたとえ金額的に20万円で取引されるようになっても、その体験には勝てない。20万円払っても、そのときと同じ気持ちにはなれないですよね。

白根　しかもその感覚って自分しかわからない。

砂原　どうしてもお金では買えないレベルのものなんです。最初の「うわっ！やべえ！」っていう感覚は。

白根　説明できないしね。

砂原　そう。ただ似たような経験をして似たような時期にして、似たようなジェネレーションだとまあなんとなくわかる部分はあるんですけどね。

──やはり原体験、初期衝動が今の活動まで繋がっているんですか？

砂原　僕はそうかな。でもね、歳を取ったらそういうことが一切なくなるわけでもないけど、今はテクノロジーの進化によって今まで見なかったようなことがすごいスピードで更新されていくから、刺激慣れという部分はどうしてもありますよね。例えばAIで作った映像を見て驚いたりとか。2、3年前だったら、「これやばい！」と思ったけど、少し時間が経ったら「AIでしょ、普通だよね」くらいになってしまう。その中でやっていく難しさはある。だから価値というものを考えるときに、「新しい」ことだけがその価値になっているとしたら、それってそんな大したことないというか。だって時間によってその価値は失われていくわけですから。けれども、「新しい」ことだけしか価値のないモノが世の中に溢れているような気はしますね。

──直近では10/20（日）にZepp Shinjukuでのライブを控えています。

砂原　我々は映像を使ってやる曲が多いから、あのバキっとしたLED（※Zepp Shinjukuには360度LEDビジョンが設置されている）でやりたいというのが今回のライブの理由の一つですね。これまでと全然違うことをやるわけではないですけど、自分たちが表現したいことを明確にできる場所なのかなと思っています。スクリーンが良いところでやりたいとは常々思っていたんですよね。

白根　その景色はまだ観てないんで、自分が360度の映像を見ながらライブするという体験をしてみたいですね。

砂原　そう、こっちからもスクリーンが見えますからね。いつもは後ろにスクリーンを背負う形だからあんまり見えない。

──観客は映像を見ているTESTSETのメンバーも見れると。ちなみにメンバーの皆さんはそれぞれ他のグループやソロ（DJ）などでもステージに立っていますが、TESTSETのステージとの違いはありますか？

砂原　最近の僕は主に1人のDJだから、他の人が入ってくることってほとんどないんです。なのでTESTSETをやる中でコミュニケーションが必要になってくるのは全然違うことですね。影響されるんですよ、やっぱり。例えば「あ、今日の俺、全然ダメだ」ってときでも、周りのみんながバシッとしてくれているとだいぶ助かったりする。

白根　その逆もありますからね。

砂原　だからそういうことが知らない間に今日いない2人も含めて起こっているのがTESTSETのステージで。思った通りにいくことなんか100％ない。すごく細かいところかもしれないけど、想定外のことは必ず起きるんです。

白根　ライブは思い通りにならない。だから良いと思うんですよね。もちろんセットリストがあってその順番通り曲を演奏するんだけど、結局お客さんが体感するのと同じように我々も体感している。そこには一つの「曲」という共通言語があるだけであって、毎回演奏も変わってくる。ただ届けているだけじゃない。受け手側、送り手側で分かれていなくて、僕らも体感しています。

砂原　あと個人個人のコンディションもそれぞれあるんだけど、それが全部集まったバンドのコンディションというのが存在しているよね。

白根　一個の塊としての別人格というか、第5の人格というかね。

砂原　それがバンドの正体だと思っているんです。

白根　そこに通じているときってエゴがない状態というか。たぶん良いライブってそういうときなのかもしれないですね。こういう風に歌わなきゃ、こういう風に届けなきゃとか、そういうのもなくなるとき。滅多にないけど、それが本当にバンドの正体かもしれない。

砂原　僕はそうだろうと思っています。近年の活動の中でも、今はこうしてバンドでライブをしているから、そういうことが自分の中でより明確になってきた感覚はあります。

──「良いライブだ」というのはどの時点でわかるんですか？

砂原　実はやっている最中は「自分はこう思っているんだけど見え方は違うのかも」と思っていたりするんです。自分では「今日は良かった」とは言い切れなくて、「今日良かった？」って周りに聞いちゃう。あとは終わった後でメンバーの顔を見たりスタッフと話して、それでやっと「ああこうだったんだ」とか「今日良かったんだ」とわかる感じ。やっている最中の自分のバンドの状態を評価する自分はあんまり信用できないですね。だってわからないことの方が多いから。

──観客の表情もあまり関係はないですか？

砂原　そういう問題でもないんですよね。だから非常に難しい。

──原体験の話で言えばTESTSETのライブも誰かの原体験になる可能性がありますよね。

白根　そうなればいいですよね。

砂原　自分たちがそういう場面を作れるかどうかっていうことよりも、自分たちが昔観た幸宏さんのライブで経験した「やべえ！」っていう感覚、無論それには及ばないかもしれないけど、そんな感覚は味わって欲しいから、いろんなことを考えては実践していますね。

──今後さらにライブの数は増やしていくんですか？

砂原　要請があったらいっぱいやりたいですね。10月に中国に行ってライブしますけど、中国に限らず、アジアの他の国でも機会があればやりたいです。

白根　声が掛かればどこでも行きます！

──遠征してライブをするとさらにバンド内の関係性が変わったりもしそうです。

白根　喧嘩したりしてね（笑）。

砂原　「アイツいらねー」とか言って（笑）。でも「アイツいらねー」と言えるほどメンバーがいない。1人いなくなったら難しいからね（笑）。