今年のFUJI ROCK FESTIVAL ’26（以下、＜フジロック＞）を一言で表すなら、“想定外で想像以上”。2026年の＜フジロック＞を振り返るなら、この言葉がもっともしっくりくる。 今年も新潟県湯沢町苗場スキー場にて、2026年7月24日（金）、25日（土）、26日（日）に開催された＜フジロック＞は、前夜祭の23日が1万6000人、24日が3万4000人、25日が3万8000人、26日が3万5500人と、4日間で計12万3500人が来場。コロナ禍以降最多を記録した昨年を1500人上回る盛況ぶりとなった。 その上で、今年の＜フジロック＞は近年でも珍しく、荒れた天候の中での開催となった。初日24日（金）はかなり過ごしやすかったが、特に25日（土）、26日（日）は、激しい雨に見舞われる時間帯も。そういった荒天では、レインウェアが大活躍。来場者の多くが、機能性とファッション性を兼ね備えたコーディネートで＜フジロック＞を楽しんでいた。 “想定外”の天候の変化も含めて＜フジロック＞。そして今年は、そんな予定の狂いから生まれる出会いもまた、例年以上に多かったように思う。そんなことを改めて感じた年だったのではないだろうか。

まず、毎年カラフルに装飾されたお馴染みのゲートをくぐると、＜フジロック＞の自然豊かな環境が出迎えてくれる。周りを見渡せば、家族や仲間たちと嬉しそうに写真を撮る人々。そして、歩きながら深呼吸すれば、澄んだ空気で肺が満たされ、それだけで苗場へ帰ってきたことを実感する。ライブだけではない。＜フジロック＞に漂う空気や祝祭感も、このフェスならではの魅力だ。

GREEN STAGE（メインステージ）から、ボードウォークを通って、名プレイヤーの集うFIELD OF HEAVENへと向かう道中、目に飛び込んでくるのはデコレーションの数々だ。そこでひしひしと感じるのは、この＜フジロック＞のムードが、ステージの外側まで含め、多くの人の手によって作り上げられているということだ。デコレーションだけでなく、自然の中に設けられたKIDS LANDから聞こえてくる目一杯に遊ぶ子供たちの声や、鳥のさえずり、風や雨が木々を揺らす音、遠くのステージから届く歓声......そういった苗場にちりばめられたあらゆる要素を通して、ライブを観ていない、ただ歩いているだけの時間も、＜フジロック＞を全身で感じることができる。

＜フジロック＞の最も奥まったステージORANGE ECHOでのんびりとくつろぐ時間も、OASISやところ天国で過ごすひとときの休息の時間も＜フジロック＞。朝方のTHE PALACE OF WONDERで仲間たちや旧友と乾杯を交わす瞬間も＜フジロック＞。会場内のどこにいても、どんな時間帯でも＜フジロック＞の持つ特別なムードの中にいる。その多幸感こそ、＜フジロック＞が多くの人々から愛され続ける、大きな理由の一つだろう。

もちろん、急な雨に慌てて足を運んだRED MARQUEEで偶然すばらしい音楽と出会うのも＜フジロック＞だ。個人的には、2日目の午前中、雨を避けて足を運んだRED MARQUEEで観たブランデー戦記のライブが、まさにそんな出会いだった。予定していなかった音楽に思いがけず心を奪われる。こうした“想定外”の出会いもまた、＜フジロック＞の醍醐味だ。特に雨で立ち往生したり、予定通りの移動ができないことも多かったであろう今年の＜フジロック＞は、むしろそんな体験が頻発していたのではないだろうか。

なお、忘れずに書いておくと、今年は前述の通り来場者が多く、当然盛り上がりとあわせて人の密集する場所や時間帯もあったが、それでも夜間のライトの点灯などの工夫で、導線がわかりやすくなっていたことには非常に助けられた。 ちなみに、今回初めて子連れで＜フジロック＞に参加したという知人に遭遇したので話を聞くと、子連れだからこそ無理しない楽しみ方に徹することができているそうで、毎年苗場で会う旧知の＜フジロック＞ファンに支えられながら、以前よりも「＜フジロック＞の懐の深さを感じる」と笑顔で語ってくれた。

また、今回の＜フジロック＞は、サプライズで登場したアクトも、“想定外で、想像以上”だった。THA BLUE HERBは初日の深夜にVEGAS IN MILKに、2日目はTOM ROWLANDS（The Chemical Brothers）がTOMORAとしてWHITE STAGE出演後、急遽苗場食堂でDJ、最終日の深夜には坂本慎太郎がCRYSTAL PALACE TENTに出演。錚々たる面々の予期せぬパフォーマンスを知り、情報を頼りに予定を変更して目当てのステージへ急ぐ。タイムテーブルに掲載されていないこうした時間も、変わりやすい天候と同様に＜フジロック＞の醍醐味の一つだろう。 サプライズに気づいた頃にはすでにライブが終わっていたり、間に合っても人垣の向こうからわずかにその熱気を感じるだけだったり。悔しさはもちろんある。それでも、その場へ急いだ時間まで含めて記憶に残っているのだから、不思議なものだ。

もちろん、タイムテーブルに名を連ねたアクトたちも、忘れられない瞬間をいくつも生み出した。 前夜祭で＜RED MARQUEE＞のステージに登場したRGは、Backstreet Boysの名曲“I Want It That Way”などで大合唱を巻き起こしながらフェスあるあるを披露。大爆笑という意味で、一つのハイライトを生み出していた。 1日目のGREEN STAGEに登場したTurnstileは、モッシュ＆ダイブが続出する白熱のパフォーマンスを届け、「次の＜フジロック＞ではヘッドライナーか？」という声も上がるほど。 BASEMENT JAXXはファンキーなダンスビートで、2日目のGREEN STAGEをピースフルなダンスフロアへと変貌させ、今回の＜フジロック＞がアジア初ライブとなるAngine de Poitrineは、3日目のFIELD OF HEAVENで入場規制にもなるほどのユーモラスかつグルーヴィーな快演を届けた。 何より、今回の＜フジロック＞で歴史に残るハイライトを生んだのは、16年ぶりにヘッドライナーとして帰ってきたMASSIVE ATTACKだろう。スクリーンに映し出される極めてポリティカルなメッセージと、Elizabeth FraserやHorace Andyといったゲストも登場し演奏された名曲の数々。そのライブの衝撃は、完全に"想定外で想像以上"だった。単なるヘッドライナー公演ではなく、2026年の＜フジロック＞を象徴するステージだったと言っていい。

加えて、今回も＜フジロック＞はライブの一部をAmazon PrimeとTwitchで無料配信していたが、MASSIVE ATTACKにとって初となるライブの世界的同時配信が実現。ライブ終了後も、音楽について、政治について、SNS上でも活発に意見が交わされていた。楽しさや幸福感に身を委ねるライブも最高だが、観る者に問いを投げかけ、その余韻を日常へ持ち帰らせるライブと出会えることも、フェスという場所の大きな意味なのだと思う。MASSIVE ATTACKのライブ後、苗場を後にする人々の姿を眺めながら、ステージから投げかけられた問いについて考えていた。 昨年に引き続き、アジア各国からの来場者も多く、今年は欧米からの若い来場者の姿も目立ち、会場全体の年齢層も幅広かった。The xx、KHRUANGBIN、MASSIVE ATTACKという世界的なビッグアクトの凱旋に加え、27年ぶりの＜フジロック＞となったHi-STANDARD、初出演のXG、Fujii Kazeまで、世代もジャンルも横断するラインナップが、多様な観客を苗場へと引き寄せていたのだろう。世界中から集まった音楽好き、往年の＜フジロック＞ファン、貴重なライブを目撃しようと苗場を訪れた若い世代、配信を通して参加した人々まで。それぞれの場所で、2026年の＜フジロック＞を共有していた。

想定外の天候、数々のサプライズ、そして想像以上のライブ体験。予定通りにいかないことさえ、苗場ではいつしか忘れられない思い出へと変わっていく。それこそが、2026年の＜フジロック＞だった。 また来年、この苗場でどんな“想定外”が待っているのか。今から楽しみでならない。

Text：高久大輝 Photo：Shimizu Soutarou Edit：Yu Oda

2ndアルバム『REAL POP 2』を引っ提げた、11都市を巡る全国ツアー＜Aile The Shota Oneman Tour 2026 “キセキセツ”＞が大成功を収めた〈BMSG〉所属のシンガーソングライター・Aile The Shota。その彼が2026年8月8日（土）・9日（日）に東京・下北沢で、オーガナイズイベント＜ADRIFT presents Place of Mellow organized by Aile The Shota＞を開催した。 2022年スタートの同イベントは5回目を迎え、シリーズ初の2Days開催に。ライブにはAile The Shotaをはじめ、DAY1に荒谷翔大・冨岡愛・Haruy、DAY2にSala・春野・HIKKAが名を連ね、DJは各日3組ずつ参加。土日ともにAile The Shotaセレクトの古着も販売された。 “歌声がリレーするライブイベント”という軸を継承し、Aile The Shotaは今回のイベントでどのような場所をつくり、どのような人と交わり、どのような縁をつないだのか。イベントの模様を追ったムービーと併せて、アットホームで愛にあふれた＜Place of Mellow＞をレポートする。

東北沢駅から世田谷代田駅間の地下化に伴い、全長約1.7kmの線路跡地に誕生した“下北線路街”。その一角に2021年9月にオープンした「ADRIFT」は、ライブ・アート・マーケットなど多様なカルチャーが交差するエンターテインメントスペースであり、隣接する個店街「reload」やライフスタイルホテル「MUSTARD HOTEL」とともに、新しい下北沢の表情を見せている。

そんな同施設で、暑さの厳しい8月8日、Aile The Shotaのオーガナイズイベント＜Place of Mellow＞が開催。DJ＆ライブコンテンツのオープンは15時だったが、昼過ぎの時点で建物の前にはすでに人だかりができている。その多くが、過去の＜Place of Mellow＞などAile The Shota関連のイベントグッズを持参。なかでも印象的だったのがスカーフで、首元やバッグなどにそれぞれのスタイルで身につけられたキーアイテムが、集まった人々の一体感を高めていた。

そして、なぜ人々が早く集まっていたかというと、両日ともにAile The Shotaがセレクトした古着の販売が予定されていたからだ。結果として、各日50点ほど用意されたという古着は、ものの10分でそのほとんどが売り切れに。その事実に、改めてAile The Shotaファンたちの熱量の高さを感じた。

15時、来場者が続々と会場入り。ADRIFTの特徴のひとつは、ステージとフロアの距離の近さだ。大きな会場でアーティストを遠くから眺めるのとは違い、演者の表情や息遣いが感じられる距離にあり、この規模のハコだからこそ生まれる親密さは＜Place of Mellow＞も同様だった。 イベントはAile The ShotaとShun IzutaniのDJで開幕。ドリンクを飲みながら、音楽に耳を傾ける観客たち。そしてDJブースでは、音に乗って楽しそうに身体を揺らすAile The Shotaの姿が。アーティスト本人もフロアの観客と同じ（かそれ以上の）テンションで過ごしている。

イベントの効率だけを考えるのであれば、自分のライブだけに集中すればいいのかもしれない。しかし、Aile The Shotaはオーガナイザーとしてそうはしない。その一見すると非効率にも思える振る舞いこそが、彼の“場づくり”の真骨頂であり、そこには泥臭いほどの人間味がある。

オープニングDJが終わると、スムーズな流れで今宵のライブがスタート。16時、最初に登場したのは荒谷翔大だ。4月発売のメジャー1stフルアルバム『TASOGARE SOUL』から、“黄昏ソウル”や“東京”などを惜しげもなく披露。ステージ上の彼をフロアから見守り、時には歓声を上げて盛り上げるAile The Shotaはオーガナイザーでありながら、ひとりの観客でもあった。

17時からは冨岡愛がギター弾き語りで、CUTEかつPOPな世界観のライブを展開する。“恋する惑星「アナタ」”や“グッバイバイ”など、愛をさまざまな想いや視点で描き出した楽曲は、この日多くの女性の観客たちの心に響いたことだろう。MCでの「かわいい」の言い合いで場の雰囲気も和む。たとえ彼女のライブを初見だとしても、出演者と観客の間に壁は存在しなかった。

続いて18時からは、前の2組とはまた異なるテイストを持つシンガーソングライター・Haruyが登場した。代表曲の“Lovely”から、5月リリースの新曲“Corsora”まで、終始タイトなライブ。その様子を、荒谷翔大や冨岡愛もフロアの後方から観ている。出演者が出演者のライブを観る。そしてその姿を観客も観ている。アーティスト同士が刺激し合う循環が、早くも生まれていた。

A.G.Oのこの日2回目のDJ を経て19時、いよいよAile The Shotaがステージへ。 “Shy なBaby”で姿を見せた瞬間、観客の待っていた気持ちがそのまま爆発したかのような歓声が上がる。コール＆レスポンスで熱が高まり、ダンスパフォーマンスに喝采。1曲目で早くもAile The Shotaが呟いた「最高」の一言から、この場にいることを本人が一番楽しんでいるのが伝わってくる。

続く“Yumeiro”では、何度も彼のライブを観てきたファンたちが自然と共有している動きで手を振り、MCを挟んだ“ENOSHIMA ORANGE BLUE”では曲名通りのORANGEとBLUEのライトが会場を染める。“DEEP”からはAile The Shotaのシンガーとしてのレベルの高さを感じ、スポットライトに照らされて始まった“無色透明”は、会場全体を静かに染み渡る音の世界へと誘った。

さらに「いけますか！」「ふざけた曲」と紹介して始まった“りんごじゅーす”へ。この曲におけるAile The Shotaは、より自然体かつ楽しげ。また、同曲をプロデュース＆この日のDJを務めたHIRORON渾身の「りんごーじゅーす！」に観客も歓声と拍手で応える。そしてラストにふさわしい、盛り上がるためのナンバー「踊りませんか？ (Shun Izutani & ItoShin Remix)」でフロアの熱気は最高潮に。

Aile The Shotaが舞台袖にはけると、拍手とATS（Aile The Shotaの頭文字）コールが会場中に響く。その大歓声に呼ばれて、Aile The Shotaが再登場。「ひとりじゃなにもできない」「すべての人の愛と縁に感謝」 と想いを伝えて披露したアンコール曲は、ワールドワイドに活躍する音楽プロデューサー・Taka Perryと共に制作し、7月8日にリリースしたばかりの新曲“ONGAKU”。音楽への純粋な愛を歌った同曲でこの1日で最も美しい景色が広がり、DAY1は幕を閉じた。

8月9日、暑さが少し落ち着いた日曜日のDAY2。 ところが、フロアは昨日以上に熱を帯びていた。 オープニングDJは、Aile The Shotaのデビュー曲“AURORA TOKIO”でのサックス＆フルート参加をはじめ、楽曲共作やライブ共演など多岐にわたってコラボレーションしているKenT。このDJタイムではブース前にスペースが生まれ、Aile The Shotaが即興でダンスを披露した。

イベントを通じてだが、Aile The Shotaはフロアのさまざまな角度からDJやアーティストのライブを観て、出演アーティストごとの様子を律儀にインスタグラムのストーリーズへアップしていく。ここでも彼は、自分のイベントを自分だけのものにしない。出演者一人ひとりを丁寧に紹介し、観客と共有。そこには仲間と一緒にPOPのシーンを盛り上げたい気持ちが表れている。

16時、Salaがドラム＆ギターの編成でステージに立つと、1曲目から観客の心をつかむ。MCでは、「メロウな場所をつくりたい」というAile The Shotaの言葉を引用。“Bossa”や“Loved More”などデビュー初期曲も披露し、曲終わりにフロア後方でAile The Shotaが「フォー！」と声を上げる。会場には彼女のファンも多い印象で、最後まで盛り上がりを見せたライブとなった。

続くDJ Sam is Ohmの選曲がフロアをガッツリとつかみ、まだ夕方なのに会場にはすでにNIGHT感が漂う（DJ終わり、Sam is Ohmと握手を交わしたAile The Shotaは「かましすぎ」とご満悦）。

その盛り上がりを受けて 17時からは、2022年6月発表の“常懐”を共作し、同年に開催された第１回の＜Place of Mellow＞にも出演した春野のライブがスタート。ライブ途中でイヤモニのトラブルがありながらも、それをものともせずにステージを成立させるのは、春野の唯一無二の歌声。物語性のある世界観の“鬼ごっこ”から、メロウナンバー“Kidding Me”でライブを締めた。

ヒューマンビートシンガー・YAMORIのDJでは、Aile The Shotaも並び、ファンが前方へ詰めかける。ラストにヒューマンビートボックスも披露し、それがのちの伏線となった。

18時からは、宮崎出身の本格派シンガー・HIKKAが登場。スタートの“Taboo”から圧倒的なグルーブの歌声が会場中に響き渡る。その後も乗らせる曲から聴かせる曲まで、その実力を遺憾なく発揮し、Aile The Shotaも「ヤバイ」と興奮気味。神々しさまで感じたラストの“あなたのそばに”でステージを終えた彼女は、近い将来、Aile The Shotaとのコラボレーションを予感させた。

そしてSam is OhmによるラストのDJタイムを経て、いよいよ2日間にわたったイベントを締めくくる、Aile The Shotaのライブが始まった。1曲目は、昨日と同じ“ShyなBaby”。ところがフロアの熱量は明らかに違っていた。2日間を通して会場に積み重なったものがあり、“Yumeiro”も昨日とは異なる聴こえ方。「マジおれ、これだけでいいや」と、Aile The Shotaの気持ちも昂る。

そしてMCでは、「J-POPシーンから日本の音楽をこうやって（ジェスチャーで上げて）いきたいので」 と語る。自分自身がPOPスターになるだけではなく、日本のPOPシーンそのものを押し上げていきたいという想いが、ここまで2日間のオーガナイズの端々からも感じた。

“ENOSHIMA ORANGE BLUE”では、昨日以上の掛け声と観客が振る手によって、フロアに波のような動きが生まれたのち、この日ならではの瞬間へ。DAY2のゲスト・春野を迎えた“常懐”を、ファンの期待に応えてお届けする。歌詞の一部を“下北”にアレンジしたり、観客にシンガロングを求めたり。曲終わり、ハグをするふたり──「みんなの曲になってる」という言葉が印象的だ。

まだまだサプライズは終わらない。本日はDJを務めていたKenTがサックスを手にステージに現れ、“AURORA TOKIO”！ フロアは熱狂の渦に包まれ、さらに「マイクを持ちたがっている人が」（Aile The Shota）と誘われてYAMORIが登場し、ヒューマンビートボックスを重ねると、最高のセッションを展開。文字通り、ひとつのピークを迎えた曲に観客は恍惚の表情だった。

この季節にもリンクする“向日葵花火”では、ライティングも相まってフロアに無数の向日葵とも花火とも思える光景が広がる。平成のJ-POPを昇華した同曲は、この日も“踊れるポップス”としての魅力を発揮し、ラストはコーラスの大合唱。間髪入れずに始まった本編ラストナンバー“開花宣言”で歌うAile The Shotaのメッセージは、2日間を経て、さらなる説得力を持っていた。 ライブ終了。ただし誰も帰らない。この日もお決まりのATSコールが起こり、「オーガナイズイベントでアンコールやるなって」と照れくさそうにAile The Shotaが再びステージへ。 「こうやって音楽を好きでいてくれる人は、日本全体で考えたら本当に少ないので。改めてこういう場所を作ったときにたくさんの人が集まってくれて、ただ集まるだけじゃなくて、どのアーティストも言ってくれたけど、本当にお客さんが温かかった、楽しんでくれた。音楽が好きな場所、輪、縁をつくるイチ人間として、人生の中でやるべきことをできたんじゃないかなと。自分のアイデンティティが縁なので、これからもそれを広げていけたらなと思います」（Aile The Shota）

アンコールはこの日も“ONGAKU”。「音楽は好きか──」 というAile The Shotaのメッセージに、フロアにいる観客はみな、噛み締めるように心の中で、「好きだ」と答えたはず。 2日間かけて、音楽が鳴った。古着が並んだ。DJがフロアを温めた。出演者同士が交わった。アーティストと観客が同じ音を聴いた。そしてAile The Shota自身も、その場の一員として踊り、笑い、音楽を楽しんだ。誰かひとりが場を完成させるのではない。そこにいる全員が、少しずつその場所をつくっていく。それこそ＜Place of Mellow＞が大切にするスタンスだと感じた。 「音楽が好きだ」と答えた人たちが、それぞれの日常へと帰っていく。そしてきっと、次にどこかでAile The Shotaの音楽が鳴ったとき、その場所もまた新しい“Place”になるのだろう。

原宿・神宮前、もう花金なんて言わない金曜の夜。街が週末に向けてざわつき始めたころ、観光客と買い物客が行き交う明治通りが慌ただしい速度で流れている中で、あるスポットもいつもとはどこか異なる雰囲気を醸し出していた。ガラス越しに見えるのはアウトドアウェアの並ぶ空間と、ドリンク片手に会話する人々。店舗の前を通りかかる通行人は、不思議な顔をして足を止める。

「地球の未来を考えるきっかけを提案する」をテーマに、これからの次世代（ミレニアル以降世代）に対して、自然環境に触れる入り口として2019年にオープンしたTHE NORTH FACE ALTER。そこで初開催されたインストアライブが、その名も＜THINKING OUT LOUD #01＞だ。観客は招待されたブランド顧客と関係者のみ。このシークレットな夜の集いは、THE NORTH FACEというブランドの根幹にある主義や思考が、音楽を通して立ち上がる瞬間として目撃された。

会場入りは19時。入り口でイベント名の入ったクージーとREPUBREWのクラフトビールを受け取って扉を開けると、店舗内では来場者たちがライブのリハをBGMに談笑していた。 THE NORTH FACE ALTERにて、初開催されたインストアライブ＜THINKING OUT LOUD #01＞。本企画は同ブランドが長年大切にしてきた「Exploration（探求）」の思想を、音楽や空間体験を通して顧客に共有することを目的としたイベントであり、そのタイトルからもわかるように、シリーズ企画の初回として位置づけられている。

また〈THINKING OUT LOUD〉というタイトルから読み取れるのは、完成された答えを提示する場ではなく、ブランドがいま考えている思考を声に出し共有する場であるかということ。それはTHE NORTH FACEの「探求とは常に“途中”にある」という姿勢ともリンクしているように感じた。 そしてイベントの舞台となったTHE NORTH FACE ALTERは、いわゆる売り場という言葉では説明しきれない空間。特徴的な円形什器、アーバンな天井、視線が抜けるガラス張りの構造などは、ギャラリーとしてもライブハウスとしても成立する独特な空気感を醸し出している。 「ALTER」は英語で「変えること」を意味するように、ここは変化を前提とした存在とも言えるだろう。売るための場所でありながら、何かを体験するための場所でもある。今回のようなインストアライブは、想定された可能性のひとつが実現した良きケースと言えるのかもしれない。

この日のライブでまず登場したのは、SOUL・R&B・ROCKなどあらゆるジャンルを内包した楽曲を届ける、湘南出身のシンガーソングライター・さらさ。デビューから1年で〈FUJI ROCK FESTIVAL '22〉出演を果たし、その後も国内外の大型フェスに多数出演。加えて、美術作家・アパレルブランドのバイヤー・フォトグラファー・フラダンサーなどマルチに活動の場を広げている。

「どんな人たちがいるのかワクワクしながら来ました。一緒にゆったりとした時間を過ごせたらと思います」とさらさが話し始めて、ライブはスタート。1曲目の“Amber”でしっとりと観客を音の世界に誘うと、“朝”では「いい感じでいたい、いい感じで」とコール＆レスポンスをリクエスト。ややシャイな東京の民は始めこそ控えめだったが、ラストは穏やかな合唱が会場内に響いた。 緊張が解けた耳と心に、白黒つけられない部分に価値を見出す“グレーゾーン”や、「聞き分けのない私を許して」から始まるサビが印象的な“祝福”が染みる。そして「絡まったまま 踊り続けてる 夜が溶けるまで」と情感たっぷりに歌い上げる“Thinking of You”でフィナーレを迎えた。

続いて登場したのは、THE OTOGIBANASHI'S・CreativeDrugStore・Summitのメンバーでラッパーのin-d。DJのBanri Kobayashiと“output”で始めたライブは、続く“Afterglow”で早くもヒートアップ。「自分もいただきます」とビールを煽ったあとの“Familia”は、「今も過去も大好きな金曜日」というリリックをこの日に合わせて来たのだろう。in-dの地元である湘南・藤沢での日常を切り取った”weekday“は、個人的ながら藤沢住まいの筆者に最も刺さった（はず）。

「自分は今33（歳）ですけど、10年以上前にTHE NORTH FACEとお仕事をさせてもらって、そこから担当の方にはプライベートでもすごくお世話になっているので、こういう形でまた一緒にできるのはすごく光栄です。あとやっぱり僕は週末がすごく好きなので、みなさんに金曜日という貴重な時間をいただいてライブをできるのがうれしい、ありがとうございます」（in-d）

MCを挟み、自身のルーツを綴る“Roots&Leaves”でライブはリスタート。ライブ後半戦は、「いい夜になりそう」ではなく、「いい夜になっている」ことを感じた“atarayo”、東京の夜とリンクする“On My Way”、メロウで浮遊感のあるサウンドに揺れる“Cloud”を披露。そして夏が待ち遠しくなる“Ice Coffee”で、終始タイトなラップを披露したin-dのライブはひとまず幕を閉じた。

ただし、このメンツで、アノ曲をやらないわけはない。本当のラストは、in-d がさらさを客演に迎えて2025年に発表した“この街”。湘南出身のふたりが、今いる街での日々のリアルな行動や風景、気持ちを描き出す1曲は、観客それぞれの“この街”を思い起こさせたことだろう。

本企画では、店舗の特性を活かしてあえてステージを設けず、観客とアーティストの距離を極力縮めることで、音楽を特別なものにしすぎないという設計がなされていたように思う。そしてその結果、ALTERは単なる売り場ではなく、ブランド思想を体感できる場として機能した。 出演したin-dとさらさという2組のアーティストに関しても、派手な演出ではなく言葉の質感や内面性を重視するアーティストであり、そのセレクトも〈THINKING OUT LOUD〉のコンセプトと明確に呼応。そしてライブを観終わって、「このアーティストのライブをこんなに間近で観られるなんて贅沢だな」と改めて感じた。ファンからしたら羨ましいだろう。実に東京らしい光景だ。

また、in-dとさらさがTHE NORTH FACEのプロダクトに身を包んでいたが、あくまでも商品を主役にはせずにブランド思想が伝わる空間とライブを共有し、顧客と同じ時間を共に過ごすことに価値を置く手法は、THE NORTH FACEが目指すコミュニティ形成と強く結びついている。音楽はそのための刺激的かつ実験的な装置であり、同時に思想を翻訳する言語でもあった。 〈#01〉と付けられた本イベントは、明確に“続き”を前提としている。出演者・場所・形式は今後変わっていくのだろうが、それでも思考を声に出す場、顧客と共有するという軸はきっと変わらない。THE NORTH FACEがカルチャーと向き合う持続的なプラットフォームに、〈THINKING OUT LOUD〉はなり得るだろう。その第一歩として、今宵は非常に示唆に富んだ体験となった。

Text by ラスカル（NaNo.works） Photo by Ryoma Kawakami

音楽フェスと聞いてまず思い浮かぶのは、もちろん熱狂的なライブ体験。しかし＜FUJI ROCK FESTIVAL（以下、フジロック）＞の魅力は、それだけでは語り尽くせない。ライブの合間に森を歩き、川に入り、山の景色を眺めてチルする時間。ドラゴンドラ、森のピアノ、苗場温泉、THE PALACE OF WONDER……そこにあるのは音楽とともに、あらゆる感覚を解放する非日常の時間だ。今回は「チル」や「非日常」をキーワードに、テーマパークとしての＜フジロック＞をガイド！ ライブを観るだけでは終わらない、苗場で過ごす時間そのものの豊かさに目を向けてみよう。

1997年の富士天神山スキー場と1998年の豊洲ベイサイドスクエアを経て、1999年からは苗場スキー場を舞台に開催されてきた＜フジロック＞。日本最大級の野外フェスティバルとして、GREEN STAGE・WHITE STAGE・RED MARQUEE・FIELD OF HEAVENといった多様なステージでの国際色の豊かなライブはもちろん、フィールド全体が“遊び場”として解放されている。

ここで挙げた遊び場とは、単に音楽を聴くためだけの場所ではない。歩き、眺め、触れ、立ち止まり、感じるという一連の行為すべてが、＜フジロック＞ならではの体験価値として成立。アクティブでありながら「チル」できる余白が、随所に存在しているのが大きな魅力と言えるだろう。 その体験の豊かさというのは、SNSなどで目にするハイライト映像だけでは伝わりづらい。太陽の眩しさ、風の気持ち良さ、土や草の匂い、水の冷たさなどを五感で受け取りながら、苗場にいる時間を特別なものにしていく。それこそが＜フジロック＞でこそ味わえる「非日常」だ。 そして今年の＜フジロック＞もまた、音楽ファンだけではなく「とにかく非日常を味わいたい」という人々をひきつける多彩な体験型コンテンツが、フィールドのいたるところに点在している。何度も言うが＜フジロック＞は、ライブ以外の時間だって十分すぎるほどスペシャルなのだ。

＜フジロック＞を語る上で欠かせない自然との対話。大自然に囲まれたロケーションそのものがオンリーワンの特徴であり、その象徴とも言えるアトラクションが「ドラゴンドラ」だ。 RED MARQUEEの横から歩いて乗り場に直行できるドラゴンドラ（乗車料金・往復2,500円）は、フジロック全エリアが見渡せる日本最長のロープウェー。片道・約25分にわたって湖・森・渓流などの大パノラマを楽しめる空中散歩は、このフェスが持つスケールを感じられる。

そして会場内で最も高い位置にある「Sky Grass」は、民族楽器体験・キッズDJ体験・ジャムセッションなどを大人から子供まで楽しめるエリアで、ワークショップや軽食なども用意。 フェスの喧噪からしばし離れ、目の前にある雄大な風景のみを眺めることで、解放されていくテンション。＜フジロック＞ならではの自然との融合を、ぜひゆったりと体験してほしい。

＜フジロック＞は音楽だけではなく、アートやカルチャーの表現にも満ちている。会場内の各所にある個性豊かな作品は、単なる飾りではなく、訪れた者に問いかけてくるような存在だ。

中でも象徴的なのが「森のピアノ」。木漏れ日が差し込む空間にひっそりと置かれたピアノは、ギャラリーのように眺めるのではなく、実際に触れ、周囲の環境と共鳴させながら自分自身で音を鳴らすためのものだ。知らない誰かが残したフレーズと交差し、自分の音が風に溶けて消える。そんな即興性を楽しむスポットでは、臆することなく、そのときの気分であなたも弾いてみよう。 また、リサイクルアートやインスタレーションは、苗場の森をキャンバスにした展覧会のように随所に配置されている。それらは視覚的な驚きだけではなく、現代社会における“循環”や“共存”といったテーマを暗示。会場の至るところで、見る者の感受性をいつの間にか刺激している。

音楽だけを目的にやって来た人も、気が付けばアートピースの前で立ち止まり、写真を撮ったり、言葉を交わしたりしている。これは来場者が、＜フジロック＞の“音楽＋α”の価値に共感している証拠。 余白を活かした文化体験が、このフェスの世界観を生み出す一端を担っているのだ。

長丁場のフェスを楽しむうえでは、ライブとライブの間で身体の疲れをリセットするために、休憩ポイントを設けることが快適に過ごせるかどうかの決め手になる。＜フジロック＞では万全な状態で音楽を浴びるために、自分のペースで非日常の中での休息時間をデザインしてみよう。 まず知っておきたいのが、キャンプサイト利用者向けのシャワーと「苗場温泉」の存在だ。キャンプサイトには簡易シャワーが設置されており、汗や泥を流してさっぱりできるスペースとして多くの参加者が利用。また有料で利用できる苗場温泉は、身体の疲れが一気に抜けていく感覚を味わえる。こうした設備は、数日にわたって現地で過ごす人は積極的に利用したいサービスだ。 また会場内では、休憩スポットやラウンジのサービスパス（例：FUJI ROCK go round）なども用意されている。専用ラウンジは休憩スペースやトイレなどを完備し、場内奥まで移動する際のバス移動や優先乗車が可能なサービスなども付帯。特に日差しが強い日中や、夕方の涼しい時間帯をゆったりと過ごしたいときに、こうしたサービスを活用することで体力を温存できるだろう

そして、観客自身が“自然の休憩スポット”として使っているのが、川辺や森の木陰。ステージの合間に森を散策したり、せせらぎの音を聞きながら座ったりするだけで、都会では味わえない特別なチェアリング時間が生まれる。それらは＜フジロック＞の参加者が親しんできた過ごし方であり、何もしない時間を持つことを許容する文化が、このフェスの自由な雰囲気を生み出している。

＜フジロック＞の夜は、一度体験したら忘れられない幻想性を抱いている。日中のステージが熱を帯びて観客を巻き込む熱狂の舞台だとすれば、夜の空間はむしろ、知らず知らずのうちに迷い込んでしまった異世界のよう。その筆頭と言える場所が「THE PALACE OF WONDER」だ。

THE PALACE OF WONDERは入場ゲート手前に出現する、チケットがなくても無料で楽しめる大人の遊び場。光と音が交錯する巨大なインスタレーション空間で、レーザーやイルミネーションが暗闇に浮かび上がる光景が、苗場の夜にあなたを誘う。廃材を使った巨大なオブジェや遊具などのアート作品、パフォーマーたちによる息を呑むサーカスなども空間に花を添えている。 そして「THE PALACE OF WONDER」エリア内には、カジノバー「Vegas in Milk」が店を構え、さらに“世界一美しい移動式テント”と呼ばれる「CRYSTAL PALACE TENT」も鎮座する。テント内にはステージが階段状に並び、その中央には木製ダンスフロアが広がる。厳選されたバンドとDJによるパフォーマンスが夜通し繰り広げられるこの場所では、音と食と酒と眠気が混ざり合ったカオスな空間が爆誕。この場所こそ、フジロック民が最後に行き着く夜の居場所だ。 そうした夜の体験は、タイムテーブルを軸にしたフェスの昼の時間とは異なる、自由で曖昧な過ごし方に浸れる。それはある意味、非日常が日常になる時間。音楽を聴きに来たはずなのに、いつの間にか景色・時間・空気そのものを目的にいるような感覚がそこには存在しているだろう。

＜フジロック＞が唯一無二の存在であり続ける理由のひとつに、他の国内フェスと比べてもとびきり、ライブ以外の時間で観客それぞれが自由で心地よい過ごし方を享受している点にある。 ＜フジロック＞では、観客自身のペースでフェスそのものが再構築される。そこには「なにをしなくてはいけない」「どこに行かなくてはならない」という焦りはない。どのように過ごすのかはあなたの自由であり、それこそがこのフェスの本質的な魅力。ただフィールドにいるだけで、チルと非日常が身体の中に浸透していく。それこそ＜フジロック＞がテーマパークと呼べる所以だ。 音楽をメインの目的に来てもいい。音楽以外の時間を贅沢に味わうことを目的に来てもいい。どちらにせよ、今年の夏の苗場で浸る時間では、音楽・自然・遊び・カルチャーなどが有機的に混ざり合う。その1年に1度の感覚を、ぜひ自分自身の身体と感性で存分に味わってほしい。

Text by ラスカル （NaNo.works） Edit by Qetic編集部

“推し”がいるから音楽を聴く。そしてその推しを辿って知らなかった音楽に出会う──そんな聴き方が、最近の音楽体験のスタンダードかもしれない。ジャンルや国境を越えて音楽を知る感覚は、ストリーミングやSNSによって日常のものになったけれど、その延長線上にあるリアルな体験として改めて注目したいのが＜FUJI ROCK FESTIVAL（以下、フジロック）＞だ。今回は出演するアーティストを起点に、「〇〇が好きならこのアーティストもきっと刺さるかも」という超個人的な数珠繋ぎで、フジロックのラインナップ＆レコメンドを「推し活」の感覚で紹介していく。

昨今の音楽体験を語る上で、「推し活」という言葉は欠かせない（と今回は言い切ってしまおう）。かつてのようにジャンルやシーン単位で音楽を把握するのではなく、まず「この人が好き」という感情を起点に、推しのアーティストから連想ゲーム的に次の音楽へと辿り着いていく。 ストリーミングやSNSが当たり前に存在している世代は特に、その流れを自然に享受している。Spotifyのレコメンド、TikTokで流れてきた数十秒の音、友人のストーリーズに映り込むライブ映像など。そうやって受け取った情報は断片的でありながらも、感覚的には地続きだ。 そしてこれまで無意識に出会ってきた音楽の点と点を、リアルな体験としてつなげてくれる場所が、今年は7月24日（金）・25日（土）・26日（日）に開催される＜フジロック＞だ。 この巨大な音楽カタログのようなフェスは、3日間にわたって、ロック・ポップス・ヒップホップ・エレクトロニカ・ワールドミュージックなど幅広い音楽が多様なステージで鳴り続ける。 重要なのはそれらを学ぶのではなく、「推し活」の延長として体験できること。知識がなくても、予習をしなくても、好きな音に耳を傾ければいい。リスナーにとって＜フジロック＞というフェスは、推し起点の音楽を聴き回れる、贅沢極まりない巨大なフィールドとして存在している。

ここからは国内アーティストを起点に、ラインナップを数珠つなぎでいくつかレコメンド。 まずはやはり、今年のラインナップにおいてとりわけ話題を集めている初登場のFujii Kaze（25日・GREEN STAGE）。たとえば彼が大好きなら、インディ・ロック界で“最も魅力的で謎めいた存在”と称されるMITSKI（26日・WHITE STAGE）はいかがだろう。感情の機微を丁寧にすくい取る歌と、ライブでの圧倒的なパフォーマンス力は、Fujii Kazeのリスナーとも深く共鳴しそうだ。 一方で、現行バンドシーンが近い存在の人は、Kroi （25日・WHITE STAGE）や Bialystocks（25日・GREEN STAGE）を起点に。その先にはファンク・サイケデリックを横断する米ヒューストンのトリオで、土曜のヘッドライナー・KHRUANGBIN（25日・GREEN STAGE）が待つ。 日本のロックリスナーから支持される結成30周年の ASIAN KUNG-FU GENERATION（24日・WHITE STAGE）推しなら、独創的なポップセンスで聴く者を虜にするTHE LEMON TWIGS（26日・RED MARQUEE）をぜひ。27年ぶりに出演するHi-STANDARD（24日・GREEN STAGE）が好きなら、米ボルチモア出身のハードコア・バンド・TURNSTILE（24日・GREEN STAGE）も必聴か。どんなジャンルでも好きなアーティストとリンクする、同等かそれ以上に最高なアーティストが世界にはいる。

＜フジロック＞における海外アーティストは、初見だとしても、詳しくなくてもいい。重要なのはジャンルや国籍ではなく、どんな感覚を持った音楽なのかという点でつながりにいこう。 たとえば「静と動のコントラスト」や「美しい余白」といった空気に惹かれる人は、2010年の初出演から数えて4度目の＜フジロック＞で初のヘッドライナーを務めるThe xx（24日・GREEN STAGE）をぜひお見逃しなく。2025年にアルバム制作に向けて再集結した彼らの、ダンス・エレクトロニック志向に進化したサウンドは、夜のGREEN STAGEでこそ真価を発揮するはずだ。 「重低音とビート」「社会性を帯びたムード」に惹かれるのなら、MASSIVE ATTACK（26日・GREEN STAGE）のステージへ。ヘッドフォンで聴いていた音楽が開放的な空間で鳴ったときの、まったく異なる感動を浴びてほしい。ダンスミュージックの文脈なら、幾度となくフジロックの夜を熱狂の渦に巻き込んできたBASEMENT JAXX（25日・GREEN STAGE）も外せない。世界中のダンスフロアを揺らしてきた彼らが苗場に帰ってくる。クラブともライブハウスとも違う野外フェスならではの開放感と多幸感に包まれた、まさに巨大なダンスフロアと化す祝祭空間を全身で体感してほしい。 これらの体験は、アルゴリズムでは提示されない。 だが、あなたの信じる好きを頼りに苗場中を練り歩いていれば、自然と辿り着ける距離にある。それが＜フジロック＞の醍醐味だ。

音楽に詳しい人からしたら、ベタなアーティストのラインナップを例に挙げて紹介したが、近年の＜フジロック＞はとりわけ、そういう玄人だけが集まるフェスではないと感じる。ゆえに筆者も含めて、知識や経験にとらわれずに、自分らしく今年の＜フジロック＞を楽しんでみたい。 ＜フジロック＞の魅力は、ほかの国内フェスと比べても、予定外の出来事がより肯定されていることにある。タイムテーブル通りに動かなくてもよくて、むしろ少し迷子になるくらいがちょうどいい。食事中に聴こえてくる歌声、休憩中に遠くから響くベースライン、移動中に聞こえてくる観客の声。それらに誘われて、なんとなく立ち寄ったステージに素敵の出会いがあるだろう。 そうした偶然が「推し活」を次のフェーズへと進めてくれる。ビギナーほど＜フジロック＞では知識よりも感覚を優先。「知らないから行ってみる」選択に寛容な空気が、苗場にはある。 2026年の夏、＜フジロック＞での体験を通して、あなたのプレイリストにはきっと新しい名前が刻まれる。その始まりは、すでにあなたが愛している音楽のすぐそばにあるはずだ。

Text by ラスカル （NaNo.works） Edit by Qetic編集部

「時間もお金もない。でも……＜フジロック＞には行きたい！」というあなたへ。新潟・苗場スキー場を舞台に、今年は7月24日（金）・25日（土）・26日（日）に開催される＜FUJI ROCK FESTIVAL’26（以下、フジロック）＞。日本最大級のフェスと聞くとどうしても「お金がかかる！」「行くのが大変そう！」というイメージを持つかもしれないけれど、実は選び方次第でコスパ（費用対効果）＆タイパ（時間対効果）よく楽しめるフェスでもある。そこで今回は、＜フジロック＞にどうしても行きたい＆なんとなく行ってみたいと思っているあなたにチェックしてほしいHOW TOをお届け。

「フェスはお金・時間・体力が必要」という話は聞くし、まあそれも事実！ それと引き換えにしても十分すぎるお釣りがくるのが＜フジロック＞の魅力だが、冒頭でも言ったようにコスパとタイパをできるだけ重視したいのであれば、「フル参加」に縛られないことをオススメする。 ＜フジロック＞は3日間（前夜祭を入れたら4日間）を通しで参加できればMAX楽しめるけれど、それは唯一の正解ではない。チケットは3日通し券のほかに、1日券や金曜ナイト券、Under22＆Under17割引の1日券などもあり、実は参加スタイルの自由度は高いとも言える。 主なチケットの種類 ・3日通し券：最もフルに楽しみたい人向け ・1日券：好きな日だけ参加 ・金曜ナイト券：金曜夜18:00〜翌5:00まで参加 ・1日券 [Under 22]：22歳以下割引 ・1日券 [Under 17]：中高生世代向け割引 ※15歳以下は保護者の同伴に限り入場無料

むしろフル参加は毎年のように＜フジロック＞に標準を合わせる人たちで、実際は1〜2日だけ行く人も多い。上記の中から自分の楽しみ方やスケジュールに合わせてチケットを購入すれば、無理なくフジロックを楽しめるので、限られた時間の中で＜フジロック＞の旨みをピンポイントで味わおう（ただしチケットは続々と売り切れていくので、行く気持ちがあるなら急ぐが吉！）。

＜フジロック＞の開催地である苗場は、都内からクルマだと約2〜3時間だが、移動時間や宿泊費がどうしても負担になりがち。そこでポイントは「移動の工夫」と「宿泊の節約」だ。 移動の工夫 ・クルマで相乗り：交通費をシェアすることでコストを分担 →クルマで来場する場合は事前に駐車券購入が必要（入場券2枚以上とのセット販売のみ） ・夜行バス：早朝に苗場入りできるので、宿泊費0円プランが可能 ・公式ツアー：バス＋チケット＋宿泊のセットもあるので初心者は安心 →公式ツアーの商品は売り切れに近いものが多いのでお早めに！（特に宿泊関連） 宿泊の節約 ・苗場周辺の旅館や民宿を事前に予約 ・越後湯沢エリアで安宿を探す（シャトルバス利用が可能） ・キャンプサイト活用で宿泊費を削減 ※移動や宿泊の詳細は下記を参考に！ オフィシャルサイトツアーセンターオフィシャルサイト

移動・宿泊の準備は、フェス体験そのものの質に影響する。たとえば夜行バスは移動時間を睡眠時間に当てることができるし、クルマの相乗りは単に費用を割り勘できるだけではなく、行き帰りも含めてフェス体験と捉えると、思い出の密度と濃度が上がる。＜フジロック＞仲間との車内での音楽談義や、初対面同士の会話から始まるコミュニケーションもフェスの楽しみの内だ。 宿泊に関しては、快適さとコストのバランスをどう取るのかが重要。苗場プリンスはもちろん、会場近辺のロッジやホテルは人気のため競争が激しい。そのため、越後湯沢エリアの安宿に泊まってシャトルバスで通うというスタイルも、キャンプは不安＆したくない人は検討しよう。 一方で「キャンプできるぜ」の人はぜひ！ 現地のキャンプサイトを使えば、一気にコスパは上がる。公式サイトでは、キャンプサイト券（全期間共通で6000円）が用意されており、自前のテント・寝具を持ち込むことで宿泊費を圧倒的に節約できる。ただし、キャンプにまつわるルールやマナー、傾斜のある地形への対応、最低限の装備などは事前にしっかり把握しておきたい。

せっかく＜フジロック＞に来たのなら、タイムテーブルを見て「どれもこれも観たい！」と思うのはごく自然なことだが、それが疲労やストレスにつながってしまっては本末転倒。フジロックをタイパ的な視点で考えて楽しむコツは、“余白”をあらかじめ予定に組み込むことにある。

移動時間や休憩時間を計算せずに予定を詰め込むと、結果的にどのライブも集中して楽しめなくなってしまいがち。あえて余白の時間を作り、川辺で休んだり、森の中を散歩したりすることで体力も気持ちもリセットできるので、気負いすぎずに苗場の自然の気持ちよさも堪能しよう。 そして効率的に回るコツは、自分なりの「最高タイムテーブル」を見つけること！ 効率的に回るコツ ・タイムテーブルをチェックしてマストで観たいライブを決定 →その上で、観たいライブをどういう順番で回るかのルートを組む ・各ステージの場所と、ステージ間の移動距離を把握 →フジロック初心者は、散歩がてらすべてのステージを回ると◎ ・人気ステージ＆時間帯は、混雑回避を意識して移動 →出演直前は混雑が予想され、移動に時間がかかるので余裕を持って

また、まったく聴いたことのないアーティストのライブに、直感を信じてふらっと行ってみるのも案外良い。世界中＆日本中から、極上のライブを披露してくれるさまざまなアーティストたちが集結する＜フジロック＞という機会は、思いがけない出会い・発見・感動も醍醐味だ。

本気で向き合えばいくらでもお金と時間を使えるフェスだ。しかし同時に、制限があっても十分に楽しめるフェスでもある。限られた予算や日程などさまざまな事情や想いを抱えながらも、とにかく＜フジロック＞に行きたいという一心で皆が苗場に集う。そうやって生まれる一体感も魅力で、その中でどう遊ぶのかを決めるプロセスもフェスの楽しさだ。 「全部行けなくてもいい」「全部知らなくてもいい」──そう思えた瞬間から＜フジロック＞は一気に身近になる。2026年の夏、あなたなりの距離感で苗場の時間を楽しんでほしい。

Text by ラスカル （NaNo.works）

都市における機能服の役割はここ数年で大きく変化し、環境に適応する道具であることを前提に、「どのような思想をまとうのか」を問う時代へ。プレミアムスポーツブランド・DESCENTEが展開するハイスペック・テックウェア・カテゴリのDESCENTE ALLTERRAINと、アートディレクター・グラフィックデザイナーの上西祐理とのコラボレーションは、そのひとつの回答を提示する。 2026年6月11日（木）から21日（日）にかけて、代官山のDESCENTE BLANC 代官山で開催中の限定コレクション〈DESCENTE ALLTERRAIN GRAPHIC CAPSULE COLLECTION BY YURI UENISHI〉のインスタレーション展示は、まさにその試みを可視化する場に。本稿では、同会場で行われたメディア内覧会およびインスタレーション展示から浮かび上がった、新たな機能服の価値観を探った。

DESCENTE ALLTERRAINはスキーやスポーツの文脈を出自としながら、都市生活における機能服のあり方をアップデートしているブランドだ。防水・透湿といった素材性能はもちろんのこと、縫製仕様やパターン設計に至るまで、すべてが合理性に基づいて構築されている。 特徴的なのは、合理性を声高に主張しない点。テクノロジーは常に内側にあり、外見はあくまでもミニマル。それは機能が着る人の生活に溶け込むことを是とする思想でもあるだろう。 一方で上西祐理は、グラフィックデザインの分野において、完成形ではなく生成の過程を表現の主軸とする人物だ。印刷工程におけるズレや重なり、色の滲みなど、本来は修正・排除される要素を肯定し、プロセスそのものを視覚化するアプローチで、独自の立ち位置を築いてきた。

今回のコレクションのビジュアルモチーフとなっているのは、2024年にginza graphic galleryで開催された上西の個展〈Now Printing〉で発表された作品群。Now Printingとは一般的に印刷現場で使われる言葉であり、完成に至る途中段階を示すサインでもある。上西はその言葉通り、2006年以降に撮影してきた日々の断片を、相反する要素（写真とグラフィック、具象と抽象、現実と非現実、普遍と刹那、デジタルとアナログ）を往来しながら作品として再構築してきた。 時を同じくしてALLTERRAINもブランドとして、ものづくりの現場で「相反する要素をどのように共存させるのか」という命題と向き合っていた。機能服としての合理性や完成度を極限まで高める一方で、 都市生活における感情・個性・表現といった要素をいかにプロダクトに取り入れるのか。その命題に向かっている過程で、偶然にも上西の〈Now Printing〉と出会ったそうだ。

ALLTERRAINの表現の幅を拡張する存在として、これ以上ない存在だった上西。今回のカプセルコレクションは服にグラフィックを装飾として足したという次元のものではなく、ALLTERRAINが思い描くプロダクトを、上西のグラフィックで具現化した理想的な成功例と言えるだろう。

会場となったDESCENTE BLANC 代官山では、プロダクト展示とオブジェやウェアを組み合わせたインスタレーションがシームレスに構成。壁面には上西のグラフィック作品が飾られ、すぐそばに同じモチーフをまとったウェアが並ぶ。グラフィックとプロダクトが連続した風景として浮かび上がることで、空間全体がALLTERRAINのプロダクト哲学を体現しているように映る。 来場者はグラフィックを見る視線と、プロダクトを見る視線を何度も往来させる。それは上西とALLTERRAINが掲げる“相反する要素”を、展示やインスタレーションを通して検証する行為であり、来場者ひとりひとりに解釈を委ねるかのような、未完の余白を感じさせるものだった。 「ゆらぎや二面性に共感していただいて、今回の取り組みが実現しました。ALLTERRAINは都市で着られる服にアウトドア品質のクオリティがあるところが特徴なので、Now Printingで作ったものの中から都市性とアウトドア性を混ぜたものを多めにピックアップしました。あと展示空間に関しては、写真がグラフィックになり、グラフィックが服になり、服を撮った写真がポスターになるというような循環が面白いなと思い、そういった要素を表現しています」（上西） 上西とALLTERRAIN との融合で生まれた、GRAPHIC CAPSULE COLLECTION。アイテムそれぞれに着目してみても、異なるかたちでNow Printingを体現している。

ナイロンワッシャー素材のオープンカラーシャツは、軽やかな風合いとグラフィックのゆらぎを直感的に感じさせる一着だ。はっ水機能を備えていることで、都市生活からアクティブなシーンまでシームレスに対応。同素材のショーツと組み合わせることで、さらにグラフィックの立体感が浮かび上がり、そこからも「一着で完結しない」というNow Printing的な発想が見て取れた。 上西の作品を胸ポケットや背面などにビジュアルモチーフとして落とし込んだTシャツは、吸水速乾性・ストレッチ性・UV遮蔽といった機能に加えて、縫い目の裏側にはシームテープ加工も施されている。抗菌防臭加工を施した内側素材や調整可能なバックルなどを備えたジェットキャップや、はっ水加工を施した生地で取り外し可能なショルダーベルト付きのサコッシュなども、日常使いを前提としたリアルな機能を備えつつ、グラフィックが“刷られた痕跡”としてそこにあった。

上西としても機能素材へのプリントは初めての経験だったそうで、その再現度の高さに、さらなる表現の可能性を感じていた模様。展示会場の階段を上がったスペースには上西が去年、鍾乳洞に行って作った新作グラフィックの“CAVE”シリーズも展示され、今後の展開も期待させた。 機能性とアートは対立するものではなく、互いを補完し合う関係にある──本コレクションは、単なるビジュアルコラボレーションではなく、思想レベルでの交差を物語っていた。

Text by ラスカル（NaNo.works）

5月14日に幕を開けた『Suchmos The Blow Your Mind TOUR 2026』は、全国9都市18公演におよぶ対バン形式のライブツアー。遡るとSuchmosの対バンツアーは2020年に開催予定だったが、新型コロナウイルスのパンデミックの影響で中止を余儀なくされ、その当時の想いはSuchmos自身も、関係者も、ファンも同じテンションで共有していたことだろう。それもあって本ツアーの開催が発表されると、Xなどでは「あのときのリベンジ！」という声があふれた。 Suchmosがリスペクトするアーティストを各地の公演ごとにゲストとして迎える本ツアーは、単に自分たちの楽曲を披露する巡業ではなく、異なる背景と音楽性を持つ表現者たちと共鳴し合うことで、新たなステージを切り拓こうとする挑戦とも捉えられる。そして何と言っても、ゲストの顔ぶれが同じ時代を駆け抜けた戦友から憧れの先輩まで実に多彩かつ豪華で（神奈川・IO、愛知・GLIM SPANKY、大阪・くるり、福岡・長岡亮介、北海道・cero、宮城・ハナレグミ、広島・GRAPEVINE、新潟・The Birthday、東京・Fujii Kaze）、チケットの争奪戦は凄まじかったようだ。 今回のKT Zepp Yokohamaでの2DAYSは文字通りツアーの出発点で、ゲストは日本のHIOPHOPシーンで独自の立ち位置を築くラッパーのIO 。Suchmosと同じく都市の空気と向き合ってきた表現者であり、両者は若き頃から定期的に交流があったという。本稿では、SuchmosとIOの両者が“現在進行形”の音楽を携え、交差し、共鳴し、そして更新した夜をレポートする。 〈過去記事〉 LIVE REPORT：Suchmos The Blow Your Mind 2025 新たな未来へと歩み始めた復活の夜 振り返るフジロック2025｜Suchmos 変わるもの　変わらないもの　そのすべてがSuchmos LIVE REPORT：Suchmos Asia Tour Sunburst 2025 横浜アリーナ・フジロック・Zepp Hanedaを経て 辿り着いたSuchmosというバンドの現在地

開演時刻の19時をやや過ぎ、場内の照明がゆっくりと落ちていく。Suchmosの対バンツアー初日、その幕開けを託されたのは、ラッパーのIO。昨年リリースしたアルバム『JUST ALBUM』と同じく、始まりの“Just intro”のビートと共にステージ上に現れたIOは、過剰な煽りも、演出的な前振りもなく、ほとんどそのままの佇まいでステージを見渡す。まだはっきりと見えない、暗闇に浮かぶシルエットだけで、観客を納得させる──それがIOのズルいまでのカッコ良さだ。 “本牧カーチェイス”は、曲の輪郭がはっきりと浮かび上がる。横浜という街の具体的な地名、夜の匂い。IOが紡ぐ言葉は抽象的な都市論ではなく、生活の延長線上にあるストリートの感触そのもので、KT Zepp Yokohamaというライブハウスは一瞬にして“どこかの街の夜”へ。続いて「横浜行けますか！」の煽りから“Spotlight”へ。ここまで3曲はアルバムの曲順と同じで、レーザーのライトがタイトル通りのスポットライトになり、照らされた観客の手も自然と上がった。 オープニングから「むむ？」と思ったが、サックスをはじめとした演奏陣が次々と見せ場をつくるこの“Kidy”で、IOのバンドメンバーが“ヤバい”ことを確信した。MELRAW（Sax./Gt.）、熊代崇人（Ba.）、大樋祐大（Key）、荒太洸（Dr.）、KORK（DJ / MP）という、この対バンに臨むIOの本気度が伝わる布陣。「堀米みたいに付ける金」「ここが生まれ死ぬ街」とTOKYOとHIPHOPをREPする“1942”では、哀愁漂う極上の演奏にIOも満足気な様子で、余裕な素振りで客席をゆっくりと見回す。

続く“Racin’”が放たれるころには、オーディエンスの熱は高まり、自然と声が上がる。さらにその熱は、Kohjiyaの登場で急沸騰。「シャバイ事してる……」のリリックに、「暇ねぇよ！」と大声で答えるヘッズたちの純粋さが眩しい。そして“Mamacita”から“Trust Me”（feat. MALIYA & Shurkn Pap）と“Lowkey（feat. MALIYA）”では、メロウな曲調に浸る時間が訪れた。 IOのステージのハイライトは、次の“Say My Name”。松葉杖で現れたRyohuを見て、もちろんいい意味で“ズルい”と心の中でつぶやいた。ただし、さすがに立ちっぱなしはしんどいのか、ステージに用意された椅子に座ってタイトなラップを披露。そのパフォーマンスの貫禄に、松葉杖が“王笏”、椅子が“玉座”に見えた（のは自分だけか）。さらに、Ryohuが残って“All in One（feat. IO）”。KANDYTOWN、言わずと知れた関係値。盟友との時間にIOの表情が柔らかい。 「Suchmos、呼んでくれてありがとうございます」と穏やかな口調で告げたIOは、ラストナンバーの“左利きのBenz”へ。 この曲が持つ疾走感と内省性は、IOの二面性を表している。成功を手にしながらも、自分自身を疑い続ける視線。その葛藤を作品として差し出す覚悟が、聴く者の胸に深く刺さる。曲が終わった瞬間に残ったのは、言葉にしきれない余韻と静かな納得感だ。 この夜が「対バンツアー」であることを考えると、IOの役割は極めて重要だった。彼は会場を温めるためにステージに立っているのでもなければ、Suchmosの前座として存在しているわけでもない。むしろ、この夜全体のリアリティを先に提示するという役割を、完璧に果たしていた。IOのステージで鳴らされた言葉とビートが、あとに続くSuchmosの音楽をより現在進行形のものとして浮かび上がらせる。その土台をIOは確実に築き、この夜が“本物”であることを証明した。

IOのステージが終わり、転換の時間が訪れる。言葉とビートが刻んだ余韻がフロアに残る中、観客は静かに、しかし確かな期待を持って次の瞬間を待っている。20時10分、照明が落ち、SEが鳴り始めると空気が変わる。しかしそれは、IOの余韻を断ち切るような変化ではない。むしろ彼が提示した現実の上に、もう一層、異なる質感のレイヤーが重なっていくような感覚だった。

そしてステージにSuchmosのメンバーが登場。YONCEは深々とお辞儀をした。 「Suchmosです。どう楽しむか見させてもらいます。ご自由にどうぞ」 その言葉に続いて始まった1曲目は“MINT”。グルーヴはしなやかで、どこか抑制されている。それでいて、音のひとつひとつが確実に身体へ染み渡り、首を揺らす。過去にライブで何度も演奏されてきた楽曲でありながら、その響きはどこか新しい。それはアレンジの刷新だけによるものではない。バンド全体が今のテンポで呼吸していることが、ナチュラルに伝わってくる。「気の抜けたコーラでも飲んで」のときにコーラを掲げる、1階席・観客のシンクロ率は今日も100％。「破けたジーンズで良い」と歌うYONCEのジーンズが、しっかりと破けているのも100点だ。 続く“Alright”が持つポジティブなムードは健在だが、過剰な高揚感はなく、むしろ落ち着きがある。TAIKINGとRen Yamamotoがステージ最前線に移動して観客を煽るとともに、曲の後半で見せたアレンジも新鮮だった。音の余白がより際立つ“Whole of Flower”では、ドラムの一打、ベースラインのうねり、ギターのカッティングが主張しすぎることなく、しかし確実に存在感を放つ。フロアの観客は盛り上がるというよりも、浸るようにSuchmosの音を受け取っている。

そしてYONCEにアコースティックギターとスタンドマイクが用意され、その流れの中で披露された新曲（タイトル未発表）が深い印象を残した。昨年リリースのEP『Sunburst』収録の“Marry”と同じ世界線にあるような、フォーク＆ブルース感。“Marry”では「君らしい君でいてほしい」と歌っていたが、この新曲でも「何も言わず 何かしている 君を見ているだけでいい」と直球の愛を歌う。今後、Suchmosでこのテイストの曲が増えていくのかなと思いを巡らせた。 「今日は初日、横浜です。来てくれてありがとう。あと何より出演を快諾してくれたIOくんと、彼のバンドメンバーに大きな拍手をお願いします。ロックとヒップホップ。違うようで、まあハッキリ言って、俺は一緒だと思っています。だから今日、言ったらどちらのお客さんもいる、ぐちゃぐちゃに混ざっている状況が、僕にとってはすごく心地が良いです」（YONCE）

さらに「喋りすぎたぜ〜今から歌〜う」とYONCEが“Pacific”を歌い始めると、会場の雰囲気が変わる。この曲が持つ浮遊感はやはり格別で、KT Zepp Yokohamaというハコに夜の海風が吹き抜けるような気持ち良さを感じた。その余韻に浸ろうとした瞬間、OKのタイトなドラムが響き、こちらもタイトル未発表の新曲に突入。「片隅のメモリー」「気が向けばプレイバック」「気がつけばフラッシュバック」などの歌詞や曲調も含め、どこか昭和の歌謡曲のような響き。観客はその新鮮な変化を正面から受け止めていたし、この曲からはSuchmosの今のテンションを感じた。

「あと5曲」とYONCEが告げて始まる後半戦。ライブ中盤までにSuchmosが提示したのは抑制や洗練、そして静かな自信だった。だがライブはここから先、このバンドが長年かけて培ってきた「熱の扱い方」のようなものが姿を現す。“GAGA”はリズムセクションの音が前に出ることで、グルーヴの輪郭がより明確になり、フロアの観客の身体が自然と揺れ始める。この曲が持つミニマルな反復性とじわじわと高まっていく高揚感は、ライブという空間でこそ真価を発揮した。 続く“YMM”では、空気が一転。この曲が持つポップネスは健在だが、その鳴らされ方はどこか落ち着いていて、成熟したバンドが選び取った余裕が感じられるアプローチだ。Ren Yamamotoはステージ中央で堂々とリズムを刻み、TAIKINGのギターはいつも以上に吠えていた。さらに終盤のTAIHEIのキーボードの音色とKaiki Oharaのスクラッチは、いつ聴いても惚れ惚れする。

そして“STAY TUNE”へ。この楽曲が持つ象徴性を考えればライブの山場になりそうなものだが、ここで鳴らされたのはアンセムというよりは、時間を経たからこそ鳴らせる1曲として異なる表情を見せていた。感情を前面に押し出すのではなく、あくまでグルーヴに委ねる。マイクをくわえ、「グッナーイ」をふざけて歌って自分で笑ってしまうところもYONCEらしかった。 本編ラストに向けて、“A.G.I.T.”でフロアのテンションは一気に跳ね上がり、“VOLT-AGE”でその熱はピークに。それらの曲が鳴るときに会場はひとつになるが、それは予定調和の盛り上がりではない。これまで積み重ねられてきた流れの上に、必然として生まれたクライマックスだ。 メンバーがはけると、観客はもちろんアンコールを求める。文字通り「アンコール！」と声に出して呼ぶのは珍しかったが、手拍子に呼ばれてSuchmosが再びステージへ。「お得なビジネスのご案内」（YONCE）という言葉で、2027年3月から5月にかけて仙台・福岡・横浜・神戸で開催される全国アリーナワンマンツアー『Suchmos BAY SIDE TOUR 2027』が発表された。

そしてここまでの文脈を振り返れば、アンコールで披露される曲は決まっている。そう、feat.呂布の“GIRL”。彼らの言葉を借りるなら、“百億光年ぶり”にライブでやる曲だ。実際にこの日は急遽やることを決めたという経緯もあり、曲が始まるとメンバー同士で顔を合わせながら、丁寧に演奏をしている様子が伺える。そして「出会いは11年前だった。あのころの俺たちは明日のことなんて知らない。何も持たない男たちだった」というYONCEの口上に誘われて、呂布with松葉杖が再登場。呂布はピースなラップを届け、ラストはYONCEと向かい合って踊り、肩を組んだ。 和やかな空気のまま、あと5分で全国アリーナワンマンツアーの先行販売が始まるタイミングで、オーラスは“Life Easy”。観客は充足感に満ちた表情で、穏やかなフィナーレを迎えた。

この日のライブで感じたのは、本ツアーは「現在を更新する旅」であるということ。現にSuchmosの活動再開後、横浜アリーナ・フジロック・Zepp Hanedaといった要所のライブを追いかけて感じるのは、「ライブで鳴る音が、今が一番カッコいい」というシンプルな事実だ。 このあと対バンツアーは、7月2日にゲストでFujii Kazeが登場するZepp Hanedaまで続いていく。異なるフィールドと方法論で自らを磨いてきたアーティストたちが、同じ時代、同じ空間で鳴らす音楽。その貴重な交差点に立ち会える感動を、日本各地の会場でぜひ味わってほしい。 2026年、Suchmosが選んだ“Blow Your Mind”の旅は、まだ始まったばかりだ。

Text by Rascal （NaNo.works） Photo by Yukitaka Amemiya

横浜の風物詩〈GREENROOM FESTIVAL〉（以下、GREENROOM）を、「音楽フェス」と一言で括ってしまうのはもったいない！ たしかに同フェスには国内外の人気アーティストが集結し、複数のステージで極上のライブが繰り広げられる。しかし、この〈GREENROOM〉を体験した多くの来場者が口をそろえて語るのは、「音楽以外の時間も含めて楽しかった」という感想だ。 横浜らしい潮の香りに、光り輝く青空や港の風景。赤レンガ倉庫という歴史的価値のある場所を舞台に、ミュージック・アート・マーケット・フード・ファッションなどが同時多発的に浮かび上がる。そこでは何かを“観る”というより、空間の中で“過ごす”という感覚を味わえるだろう。 本記事はタイムテーブルをなぞるためのガイドではない。〈GREENROOM〉という横浜の2DAYSイベントをとことん楽しむための、“体験の予習”としてぜひチェックしてほしい。

〈GREENROOM〉を最大限に楽しむコツは、無理にすべてを回ろうとしないこと！ むしろ、「何もしない時間」をあらかじめ想定しておくと、ビギナーでも無理なく楽しめるはず。 午前〜昼｜フェスの“呼吸”に身体を合わせる時間

開場直後は、音楽よりもまず会場全体をチェック。ステージ位置、休憩しやすい場所、日陰、トイレやフードの導線などを把握できると、そのあとの行動が楽になる。この時間帯は、ART＆MARKETエリアを中心に巡るのがおすすめ。まだ人が少ないため作品やプロダクトをじっくりと見ることができるので、フェスの騒がしさに入る前の静かな助走のような時間だ。

夕方｜移り変わる風景の中でじっくり浸る時間

太陽が傾き、空の色がゆっくり変わっていく……この時間帯は〈GREENROOM〉という空間が完成形に近づく。流れる音楽が身体に馴染み、景色と溶け合う時間は、ステージ前で集中してもいいし、少し離れて海を眺めながら音を浴びるのもいい。できればお目当て以外の音楽にも耳を傾けてみよう。偶然耳にした曲が、その日のハイライトになることも珍しくない。 夜｜ピークタイムを選択してとことん楽しむ時間

夜になると会場の熱量は急上昇！ メインステージには続々と人が集まり、いかにもフェスらしい光景が広がる。この時間帯はあえてすべてを追わず、自分が最も観たいアクトを絞るのもひとつの選択だ。それ以外の時間は、DJエリアやフード、少し落ち着いたスペースで余韻を楽しむ。この緩急の付け方が、フェスを2日間にわたって最後まで楽しむための鍵になるはず。

〈GREENROOM〉の原点にあるのが「ART」。 サーフ＆ビーチカルチャーを軸に、海と人、自然と都市の関係性を見つめ直すという思想が、ARTエリアには凝縮されている。 写真・ペインティング・グラフィックなど表現手法はさまざまだが、どの作品にも共通しているのは、自然を“消費対象”としてではなく“共存する存在”として捉える視点。ARTエリアで作品と向き合うことで、聴く音楽の印象が変わる。そんな感覚の往復は、同フェスならではの体験と言えるだろう。実際に多くの来場者が、アート作品の前で想像以上に長い時間を過ごしている。それはアート作品がフェスの装飾ではなく、思考を促す存在として機能している証拠だ。

そして〈GREENROOM〉の大きな特徴が、無料で場内に入って楽しめるMARKETエリア。ここで楽しさを覚えて、同フェスのファンになったという人も多いのではないだろうか。 MARKETエリアに並ぶのは、単なるフェスグッズではない。〈GREENROOM〉のスタンスを支持するブランドやクリエイターが、それぞれの思想を持ち寄り、そこに共感して来場者はアイテムを買うのが醍醐味だ。フードもまたこのフェスの大事な要素。ジャンルや国籍にとらわれない多様なラインナップは、食事の時間を“休憩”ではなく“体験”に変えてくれる。海を目の前に、好きな音楽が聴こえる中で食べる一皿。それだけで、いつもの食事とはまったく違う記憶に！

音楽だけではないと冒頭で述べたが、もちろんそれでもライブは〈GREENROOM〉の大きな魅力で、ラインナップはジャンルレスでありながら、明確なムードを持つ。同フェスが一貫しているのは、サーフカルチャーと親和性のある音楽をアップデートし続けている点。流行を追うのではなく、カルチャーとしての持続性を重視する姿勢がラインナップにも現れている。

今年のラインナップを紹介すると、5月23日（土）は、サーフカルチャーとの親和性を体現する平井 大のGOOD WAVEでのライブで幕開け。BLUE SKYではニュージーランド発のバンド・LEISURE（レジャー）や、英国ジャズエレクトロニックのEmma-Jean Thackray（エマ＝ジーン・サックレイ）のサウンドスケープが音楽的な奥行きを広げ、RED BRICKではMatteo Mancuso（マッテオ・マンクーゾ）がクラシックギターの超絶技巧で夕方から夜の時間を演出するだろう。さらに、PORT LOUNGEのDJ（CAPTAIN VINYL、Alex from Tokyo、Ajuchan）でも身体を揺らしたい。 そして邦楽では、〈GREENROOM〉というフェスで鉄板のDragon AshやKREVA などに加えて、go!go!vanillas、GADORO、PESといった多彩なアクトが時間ごとに異なるグルーヴを提示し、おとぼけビ〜バ〜や長岡 亮介といった個性もラインナップに散りばめられている。

そして土曜日のトリは、現代のR&Bシーンを象徴するアーティストのひとりで、グラミー賞受賞歴を誇るマルチ・プラチナ・シンガーソングライターのELLA MAI（エラ・メイ）。フェスの終盤、ライトの明るさに移り変わった横浜の夜に登場する彼女は、甘美でありながら力強いグルーヴと歌唱で、〈GREENROOM〉の観客を包み込むパフォーマンスを届けてくれるだろう。 続く5月24日（日）は、確かなキャリアを持つAI、ORANGE RANGE、東京スカパラダイスオーケストラでスタートダッシュを切り、UKジャズを牽引するJoe Armon-Jones（ジョー・アーモン・ジョーンズ）や、iri、Kroi、SPECIAL OTHERS、YONA YONA WEEKENDERS、KIRINJIといった現在の邦楽シーンを象徴するアーティストたちでフェスらしい音楽体験を存分に味わおう。

さらに、新しい音楽の解釈を提示する GEZAN や故 Nujabes の遺した音楽を再構築する Tribe Sampler Collective – Nujabes Tribute Set –が登場するRED BRICK、SOIL&“PIMP”SESSIONS の SHACHOを筆頭にDJ KAWASAKIやDJ SHOTAが回すPORT LOUNGEにもぜひ。 そしてEzra Collective（エズラ・コレクティブ）に変わって急遽出演を決めたJANELLE MONÁE（ジャネール・モネイ）と、〈GREENROOM〉のオーガナイザー・釜萢直起が「“音楽の神”そのもの」と称える JON BATISTE（ジョン・バティステ）が続くGOOD WAVEのクライマックスは、同フェスの21年目という新たなスタートを祝うのにふさわしいステージとなるはず。

横浜・赤レンガ倉庫という立地は、〈GREENROOM〉を語るうえで欠かせない要素だ。都市のど真ん中にありながら、視界は開け、風が通る。高層ビルと海、歴史的建造物と最新の音楽。相反する要素が共存しているこの場所は、都市型フェスの思想そのものを体現している。 来場者の雰囲気も独特だ。年齢層は幅広く、フェス慣れした人から初参加らしきカップルやファミリーまで、誰も浮くことがなく、それぞれのペースで過ごしている。この独特な“居心地の良さ”は、〈GREENROOM〉というフェスが20年かけて磨き上げてきた産物だろう。

今年も、「なにを観たか」より「どう過ごしたか」が記憶に残るフェスに。音楽に心を預ける時間、アートに想いをめぐらす時間、何もせずに海を眺める時間──そのすべてが平等に存在する2日間は、音楽フェスという枠を超えた都市型カルチャー体験となるだろう。今回紹介したポイントを参考に、横浜・赤レンガ倉庫で、自分なりの〈GREENROOM〉を見つけてみて！

Text by Rascal （NaNo.works）

音楽フェスが全国各地にあふれ、規模や話題性だけでは差別化が難しくなった現在においても、独自の存在感を放ち続けているのが横浜・赤レンガ倉庫で開催される〈GREENROOM FESTIVAL〉以下、GREENROOM）。“Save The Beach, Save The Ocean”をテーマに掲げ、音楽とアートを軸にしたカルチャーフェスを20年以上にわたって続け、「都市型フェスの理想形」とも言える立ち位置を築いてきた。その背景には明確なコンセプトと、時代に合わせて進化を続けてきた柔軟なスタンスがある。本企画では同フェスのオーガナイザーである釜萢直起氏へのインタビューから、〈GREENROOM〉が支持されている理由と、都市型フェスが持つ思想や在り方をひも解いていく。

──釜萢さんは地元が町田で、原体験としては中高でサーフィンやスケボーに夢中になり、大学時代にはサーフィン目的でシドニーに留学。フェスに関しては、〈MOONSHINE FESTIVAL〉（アメリカ・ラグナビーチ）に影響を受けて〈GREENROOM〉を始めた、と過去のインタビュー記事で仰っていました。 〈MOONSHINE FESTIVAL〉に行ったのは2004年。『The Surf Gallery』のWill Pennartz（ウィル・ペナーツ）や、『The Moonshine Conspiracy』というクリエイティブ集団のChris Malloy（クリス・マロイ）などがオーガナイザーで、アーティストだけではなくフィルマー、ペインター、ギャラリーのオーナー、ミュージシャンのマネージャーなど多様な人とカルチャーが混ざり合う現場に影響を受けました。〈MOONSHINE FESTIVAL〉を見て帰国したのが2004年の9月。そこからすぐに準備を始めて、2005年の2月に第1回目の〈GREENROOM〉を開催しました。 ──サラッと語っていますが、帰国から開催までの期間がかなり短いですよね。 そのときは火がついていたので。〈MOONSHINE FESTIVAL〉のオーガナイザーに「このフェスを日本でもやれないか」という話はしていて、初めは〈MOONSHINE FESTIVAL JAPAN〉のような形をイメージしていました。ただし資金難でフェス自体がなくなってしまって、途中からは「自分たちでやろう」という方向にシフトして、オリジナルの名前で開催することになりました。なので〈GREENROOM〉は〈MOONSHINE FESTIVAL〉の意思を引き継ぐフェスです。 ──〈GREENROOM〉開催に至るまで、特にどのような点で苦労しましたか？ フェスを開催する前、GREENROOMという会社はブランドのブランディングや編集プロダクションがメインの事業で、自分としても以前は『warp MAGAZINE』という雑誌で働いていて音楽やライブは近いものでしたが、音楽イベントを開催したことは1度もありませんでした。 〈GREENROOM〉の制作を受けてもらうためにいろいろな会社にお願いしましたが、こちらはフェス界隈ではまったく無名でしたし、素人が来たみたいな感じでどこもダメでしたね。なので自分たちでなんとか作っていって、第1回目の〈GREENROOM〉を開催しました。

──第1回目の〈GREENROOM〉で特に印象的なエピソードを教えてください。 いま振り返ってもなぜと思いますが開催は2月。雪が降る中で100名ぐらいが並んでくれたのは印象的でしたし、すごく感動しました。初回はTommy Guerrero（トミー・ゲレロ）やRay Barbee（レイ・バービー）など海外のアーティストと、日本のバンドが半々くらい。当時は海外アーティストを招聘する難しさも素人すぎてわかっていなかったけれど、出版やブランドの事業でサーフィンやスケートボード界隈の繋がりはあったので、とにかくパッションでオファーしました。 ──今回は〈GREENROOM〉の現在のお話をメインにお聞きしたいので少し駆け足になりますが、そこから5年・10年・15年とフェスを続けていく中で感じた変化は？ まず開催場所が、大さん橋から赤レンガに移ったのが大きな変化ではありましたね（2010年〜）。あとはブッキングを含めお客さまに喜んでもらうクオリティを上げることに邁進してきた20年ではありますが、フェスはプロモーターがブッキングを担当しているのが多い中、自分たちはインディペンデントなやり方だったので、最初はなかなか苦戦しました。 それでも10年目ぐらいから流れが変わって、海外の旬なアーティストを呼べるようになったり、ペインターやアーティストたちが作品を出してくれるようになったりして。あと赤レンガに移ったことでマーケットも拡大していきました。〈GREENROOM〉は無料エリアにもライブステージがあって、DJがいて、いろいろなブランドの出店がある。フェス自体が“ひとつの街”のようになってコミュニティが強くなり、そのお祭りとして毎年遊びに来てくれるようになりました。 〈GREENROOM〉は“Save The Beach, Save The Ocean”をテーマとして掲げていますが、やっぱり海はオープンなものなので、フェスとしてオープンサイドにいることを大事にしてきましたし、そのテーマが「無料エリアの充実」という方向に繋がっていったと思います。

──〈GREENROOM〉を続けて、横浜という街の見え方は変わりましたか？ そうですね。〈GREENROOM〉を開催するエリアって赤レンガ倉庫のほかにも、少し足を伸ばせば野毛や中華街、みなとみらいなど魅力的なスポットがたくさんあります。海沿いなので景色も朝昼夜といろいろな顔を見せてくれるので、横浜はずっと変わらず好きですね。あと赤レンガ倉庫という歴史的価値がある場所でフェスを表現できていることに意味があると思うので、場所の持つパワーはすごく重要ですし、〈GREENROOM〉を通じて横浜の魅力も伝えていきたいです。 ──年々、会場に遊びに来る人の層も多様化している印象を受けます。 初めは男性ばかりのイベントで、コンテンツもマニアックなものが多かった。ただ海のカルチャーをより多くの人に知ってほしい気持ちがベースにあるので、それを広げるためにどうやったら知らない人たちに届けられるのかを考えていった結果、いまの形になっていきました。 マーケットもサーフブランドだけではなく、いろいろなジャンルのセレクトショップが入ってきてくれたことで広がっていきましたし、アーティストがアーティストを呼んでくれたり、コラボしてくれたり、自発的にどんどん発生してきたことも大きい。そういうのはこちらとしてもうれしいですし、〈GREENROOM〉は関わる人たちみんなで作ってきた感はありますね。 ──〈GREENROOM〉は数ある都市型フェスの中でも、圧倒的に行きやすいし、参加しやすい。横浜散策と合わせてフェスに遊びに行くこともできますし、なんならフェスの途中でちょっと街に繰り出してもいい。参加するハードルの低さが魅力でもあると思います。 例えばサーファーは海も街も近い感覚でONとOFFを楽しんでいて、マリブとハリウッドや、留学していたシドニーもボンダイやマンリービーチからタウンも近くて、そのまま夜はみんな繰り出すのが普通だと思っているので。エシカルなイベントにしていく方向性ではもともとないですし、自然を大事にするというメインコンセプトは重要ですが、カルチャーとしてはそこだけではない。自然と遊び、その両方の面白さをフェスの中に入れて作ってきたという感じですね。 逆にその方が伝わりやすいと思いますし、アカデミックに海のことを言い続けてもなかなか伝わらない。去年の20周年のときに、Jacob Collier（ジェイコブ・コリアー）が素晴らしいライブで自然の良さを伝えてくれたりもするし、いろいろなクリエイターやアーティストが海にインスパイアされた作品を残してくれるので、それをちゃんとエンタテインメントとして伝えていきたいと思います。 ──昨年の開催が終わったあとに、釜萢さんはインスタグラムで「Jacob Collierの自由な素晴らしいライブ、本当に感動した、あらためて俺自身、みんなに届けたいことがクリアに再確認できたと思う」と綴っていたのですが、いま仰っていたような部分ですか？ そうですね。Jacob Collierのライブはみんなで合唱するのも含めて一体感が素晴らしかったですし、なんで自分はフェスを作っているのかという点も含めて、Jacobにわからされたというか。生の体験の重要さを再確認できたことで、改めてフェスを作り続けたいと思いました。 ──釜萢さんは20年以上、フェスを毎年開催するライフスタイルを送っていますが、その年のフェスが終わったあとは少しだけでもクールダウンする期間を設けていますか？ やっぱり少し間を空けないと頭がこんがらがってしまうので、断つというとあれですけど、離れる時間も必要ですね。でもフェスベースでやっぱり日々が動いていきますし、その年の開催が終わると、すぐに次の年のブッキングが海外勢は始まっていくので。あといまはアジアのフェスと連携して、アーティストもアジアツアーのような感じで動いていくことが増えましたね。

──21年目という新たな始まりとして、今年の開催に向けて思うことは？ うちはもともと会社ができたのが先で、そのあとに社名を付けたフェスを立ち上げたので、そういう意味ではみんなにとっても僕にとっても特別なものというか、まさに社運を賭けているような感覚ではありますね。フェスがなくなるときは、会社ごとなくなるときなので。

──今年のラインナップの中で、特に注目してほしいアーティストは？ 今年はJON BATISTE（ジョン・バティステ）をベースに進んできました。コロナのときにNetflixで彼のドキュメンタリーを見てからずっと呼びたいと思っていて。去年のJacob Collierは“音楽の神の子”だとすれば、BATISTEは“音楽の神”そのもの。僕の中ではすべてがナンバーワンですね。 その前に出演するJANELLE MONÁE（ジャネール・モネイ）は、2月にキャンセルを発表したEzra Collective（エズラ・コレクティブ）に変わって急遽出演を決めてくれて。助けてもらったことも含めて思い入れは強いです。あとはロンドンを拠点に活動するEmma-Jean Thackray（エマ＝ジーン・サックレイ）もカッコイイので楽しみにしていてください。 邦楽ではGEZANがRED BRICKステージに出るのが〈GREENROOM〉らしいですし、GADOROのような新しいアーティストも楽しみ。それとTribe Sampler Collective – Nujabes Tribute Set –は鎌倉にスタジオがあって自分も鎌倉に住んでいますし、海岸で聴く彼らのサウンドは合うでしょうね。KREVA、Dragon Ash、スカパラといった定番のメンツも出てくれますし。

──20年以上にわたって続けてきた結果、〈GREENROOM〉は街の風物詩になっていますし、会場から漏れる音を聴く人々も、ある意味で風景として定着しているというか。 めちゃくちゃいますね。でも来年、チケットを買ってくれるかもしれないですし、昔からそういうこともポジティブに捉えてきたので。チケットを買って入ってくれれば最高のライブを観られますが、まずは無料エリアのマーケットなどを目当てにでも遊びに来てほしいです。 ──ちなみに近年の日本のフェスシーンに対して、思うことはありますか？ いまって日本にも500個ぐらいのフェスはあると言われている時代なので、逆に独自路線を生み出すのが難しくなっているとは思います。その点、〈GREENROOM〉は有料・無料エリアがあるカルチャーフェスという形でずっと20年やってきました。あとフェスはこれからも増え続けていくと思いますが、洋楽と邦楽の両方を楽しめるフェスという意味では日本はそれほどまだ増えていないので、そのスタンスはこれからも変えずにやっていきたいという感じですね。 ──釜萢さんは今後、〈GREENROOM〉をどのようにしていきたいですか？ 過去のインタビューでは、「エリアをもっと広げていきたい」というようなことを仰っていました。 やっぱり〈GREENROOM〉は大さん橋で始まったフェスなので、次の周年とかには赤レンガと大さん橋をくっつけたいなと。大さん橋と赤レンガの間には象の鼻パークや広場などもあるので、そういった場所も使いながらいろいろなコンテンツをやっていきたいなとは考えています。あとは横浜みたいな街がほかの地方にあれば、そういうところでも開催してみたいですね。 ──釜萢さんにとってフェスは、もはや切っても切り離せないものだと思います。 いまは主催のフェスと受託のフェスがあるので、そういう意味では1年中、フェスを作っています。自分は場づくりが好きですし、空間も好きなので、みんなが楽しめる場所を作りたい。それが数日で終わる儚さも含めて、自分はそういうのが性に合っているのだなと思います。 ──フェスのオーガナイザーの方にインタビューさせていただくときは、ベタなのですが毎回、最後にこの質問を聞いているのでお願いします。あなたにとってフェスとは？ ちょうど昨日、クリエイティブマンの清水（直樹）さん（〈SUMMER SONIC〉のオーガナイザー）とJ-WAVEの『YOU ONLY LIVE SONIC』で対談したのですが、話していて自分もそうだと思ったのは、やっぱりどこか“ネジが外れている”。フェスはハイリスクなエンタテインメントであり、前を見ることや上を見ることを続けないといけなくて、守りに入ってしまうと停滞していずれはなくなる。 その意味で〈GREENROOM〉は20年間ずっと、ブッキングもコンテンツもアクセルを踏み続けてきましたし、それがオーガナイザーとしての境地なのかなと。それはフジロックの生みの親である日高（正博）さんも、先ほど名前を挙げた清水さんもそう。コーチュラだってずっと踏み続けているし、一方でアーティストはコーチュラのステージで最高のものを揃えてくる。 そういう意味で踏み続けることが重要。先のことはわからないですが、呼べていないアーティストはたくさんいるので、〈GREENROOM〉はまだまだ先があるのかなと思います。

Interview & text by Rascal （NaNo.works） Photo by Shunichi Oda