5年に1度の＜ドクメンタ＞、6月から9月にかけては＜ベルリン・ビエンナーレ＞、そのすぐあとを追うように、9月14日から18日の5日間に渡り＜ベルリン・アート・ウィーク＞が開催された。アートの年となった今年だが、ドクメンタにおいては、アジア初となるインドネシアのアート・コレクティブ「ルアンルパ」が抜擢され、ビエンナーレはアルジェリア系フランス人アーティストのカデル・アッティアがキュレーションを務めた。多様性の時代、人種問題をテーマとした展示は少なくないが、賛否両論が巻き起こるのもお決まりのパターンだ。

どちらの展覧会も見れていないため言及は避けるが、それよりもハグや握手を交わす多くの人々の中、自主的にマスクをする人が入り混じるそんな不思議な光景さえも日常となった今、アートに触れたいと思う人がこれほど多くいること、議論できるほどコンテンツが豊富にあることを幸せだと思う。

事実、ベルリンの街中のミュージアムやギャラリーでエキシビジョンや関連イベントが行われ、エンターテイメントと笑顔で溢れた。そんな＜ベルリン・アート・ウィーク＞の現地レポートをお届けする。

これまでも幾度となく紹介してきた防空壕跡地をリノベーションしたギャラリー「The Feuerle Collection / フォイエルレ・コレクション」では、初となる企画展＜SILK ROOM＞が開催された。記念すべき第一回目にフォイエルレがキュレートするのは、イギリス人陶芸家であり、作家としても知られるエドマンド・ドゥ・ヴァールだ。400平方メートルという広大な展示スペースには、エドマンド作品と貴重な未公開作品とが並ぶ。

エドマンド・ドゥ・ヴァールの代表的な作品である白い陶器とオブジェ。フォイエルレ独自のライティングによって繊細さと美しさが際立つ。後ろに見えるのは、6世紀に作られたモン・ブロンズの器たち。

それぞれの作品には計算しつくされた一定の距離が保たれており、何もない空間を作ることによって目の前の作品と遠くに配置された作品との対比をじっくりと鑑賞することができる。この独自の展示方法こそフォイエルレの特徴であり、魅力である。自由な角度や距離から作品を観ることによって、自分だけの世界に浸れるのもまた良い。

＜SILK ROOM＞は、来年の4月9日まで一般公開されている。ベルリンを訪れた際には是非とも訪れて欲しいギャラリーの1つ。

＜SILK ROOM＞ information

「Gropius Bau/ グロピウス・バウ」で開催されたのは世界各地から集結した26名のアーティストによるグループ展＜YOYI！Care, Repair, Heal＞。「YOYI」とは、オーストラリア北部のティウィ文化の中心である儀式用の歌、踊り、団結の名前であり、同展のタイトルである「YOYI! Care, Repair, Heal（ケア、リペア、ヒール）」という呼び掛けは、祝賀と追悼のために集うことへの招待を表しているという。

サーメ人の伝統的な手芸工芸や民族衣装を取り入れた作品は、自分のファッションにも取り入れたくなるカラフルなカラーやグラフィックパターンが愛らしかった。

同展は、健康における政治学、先住民に対する知識システムの回復、脱植民地主義、人間以外の動植物における権利などを問題視し、ケア、修復、癒しをテーマに各アーティストがそれぞれの観点から作品を発表しており、ビデオ、インスタレーション、ペインティング、パフォーマンスといった様々な表現方法で観ることができた。しかし、無料で一般に公開されるオープニングデーは、人が多過ぎて作品に集中できないのが難点だ。やはりガイドのいるプレスプレビューに来るべきだったと後悔した。

オープニングイベントで披露されたAaron Reeder率いるパフォーマンス集団によるショー。残念ながらパフォーマンスが始まっていたことに気付かず、館内に響き渡る歌声に釣られて観に行った時にはすでに終わる直前だった。

「Gropius Bau」は、1881年に装飾芸術の美術館として建てられた建築でルネッサンス様式を用いている。1966年には歴史的建造物に認定されており、宮殿のように美しく、リュクスな館内や装飾は見るだけでも価値がある。

＜YOYI！Care, Repair, Heal＞は来年1月15日まで開催中。

＜YOYI！Care, Repair, Heal＞ information

アートウィーク初日に訪れたのは「Direktorenhaus」で開催されていたロンドンのARTUNERがキュレートする企画展。サンパウロ拠点のアーティストAna Elisa Egreja（アナ・エリサ・エグレージャ）は、メキシコ人建築家ルイス・バラガンのインテリアを考案した作品で、ビビッドなピンクの中に動物と家具が描かれた幻想的な世界が印象的だった。

ピンクの世界から一転、ドイツ人アーティストPia Krajewski（ピア・クラジェフスキー）の作品は、神々しいイエローの世界を見せてくれた。装飾品、果物、髪の毛などを彼女のフィルターから捉え、抽象的に描かれた作品はパラレルワールドに実在しそうだった。

「Direktorenhaus」はハンドクラフトのギャラリーとして知られており、アーティストやクリエイターがスタジオを構えていることもあり、一般開放されるのは展覧会が開催されている時のみ。現在開催されているオーナメント展にも足を運びたいと思う。

同ギャラリーのロケーションも素晴らしく、すぐ隣には植物とアンティーク家具に囲まれたセンスの良いカフェがある。

最近では、環境活動家がゴッホやモネの絵画にトマトスープやマッシュポテトを投げつけたニュースが話題となったが、その抗議活動は彼らに何かをもたらしたのだろうか？　電気、ガス、水道を節約し、プラスチックボトルの飲料は買わない、着なくなった洋服は廃棄せずにリサイクル、これらが当たり前の生活でも気候変動は深刻化するばかりだ。

そういった中で、アートや芸術を楽しむことは本当に贅沢なのだろうか。環境問題や社会情勢にフォーカスしたアーティストや展示も多い昨今、興味あることから知らなかったことを知り、そこから関心を持つことこそ大切なのではないだろうか。何より、この世に娯楽がなければ世界が滅びる前に自分が滅びてしまう。水のないところでは生きられない地球上の生き物同様に、エンターテイメントがない世界には生きられないのだ。

━━南アフリカで生まれ育ち、現在はベルリンを拠点に活動するFloyd Lavineのレーベル〈Afrikan Tales〉からデビュー曲“Take Me Back to 2019”をリリースすることになった経緯を教えて下さい。フロイドは多種多様な人種が特徴のベルリンでも希少なアーティストですよね。

渋谷の道玄坂にあるバー「しぶや花魁」を根城に音楽活動しているSakiko Osawaさんという先輩DJから、2019年当時VISIONで開催されていたアフロハウスのパーティーに呼んでもらったことがきっかけです。その時のゲストがフロイドと同じくアフロハウスのDJ Hyenahでした。

当時は、アフロハウスではなく、テックハウスのイベントによく出演していたんですが、サキコさんから「Katimiはアフリカンルーツを持っているし、アフロハウスが合う」と、勧めてくれたんですよね。そのパーティーをきっかけに、フロイドと仲良くなって連絡を取り合うようになりました。自分のスタイルにもアフロハウスを入れるようになったのはその頃からですね。そこから、コロナが落ち着いてきた2021年9月に単独でベルリンへ行き「Refuge Worldwide」でフロイドと共演した時に、楽曲を提供して欲しいという話をもらったんですよね。

━━先輩DJであるサキコさんあっての今があるということですね？Katimiさんの才能を見抜く先見の明があったんですね。

そうですね。全てはそこから繋がったのでお礼を言いたいんですが、実はまだ言えてないんですよ。コロナ禍で人に会う機会も減ってしまっていたし。でも、当時はまだ今ほどアフロハウスが浸透していなかったので、2019年にフロイドやHyenahを呼んでいることは貴重ですし、先見の明があったと思います。

━━デビュー曲“Take Me Back to 2019”はどのように誕生したんですか？

フロイドと初めて会った時から楽曲は作ってないのか、作った方がいいと言われていたんですよね。実は、密かに作っていたんですが、リリースができるまでの完成度があるのか自信がなくて（笑）。 でも、ベルリンから戻ってから思い切って楽曲を送ってみたら、フロイドが気に入ってくれて自分のレーベルからリリースしたいって言ってくれました。

━━それは嬉しいですね！　ベルリンで何か自信がついた出来事とか、きっかけがあったんですか？

ベルリンにはずっと行きたかったんですよね。ちょうどBerghain（ベルグハイン）が営業を再開するタイミングだったので遊びに行って、衝撃を受けました。テクノのカッコよさやオーディエンスの音に対して求めるパッションが日本と全然違いますよね。もっと早く知りたかったし、もっとズブズブいっていいんだ！　って思いました。

━━確かに日本のクラブとは違うし、かなりのカルチャーショックを受ける場所ではあると思いますが、具体的にはどんなことを感じたんですか？

日本にいると遊び方とかもリミットを感じてしまうことがあります。私は、音があったら思いっきり遊びたいタイプですが、それについてこれる友達がいないんですよね（笑）。だから、自分もちょっと抑えてしまうんです。それに、日本だと30歳になったらクラブ遊びは引退するとか、遊びに行かなくなる人も多いです。でも、ベルリンはそんなこと誰も気にせずにとことん遊んでますよね。ベルグハインで知り合った40代の女性が10代からクラブで遊んでるけど、まだまだ足りない！　と、言っていて、そういったことも衝撃的でした。

━━ベルグハインに限らず、ベルリンのクラブは誰も年齢も性別も人種も気にしないですね。Katimiさんがベルリンに来た時はちょうどクラブ営業が再開したばかりだったから、待ってました！と言わんばかりに人が押し寄せてたし、踊らせて！！という熱量がすごかった時なので、余計にそう感じたと思います。私もコロナの鬱憤を晴らすために毎週末パーティーに行ってました（笑）。

自分の気持ちもフリーダムになれたし、トップレベルのアーティストが多く住む街だし、ベルリンに住みたくなりました。もう、ベルグハインだけでどこまでも語れちゃいます！

━━ベルリンと東京では没入感が違う気がします。ベルリンを知ってからの東京を見返るとやっぱり大人しいと感じますね。東京でも場所やイベント、その時の盛り上がりによってアフターパーティーまで開催されたりすることがあるとは聞きました。ベルリンといえば、2020年に〈Keinemusik〉からもミックスをリリースしていますよね？

WOMBで開催されている「Bamp」というアフロハウスのパーティーがあって、その時のゲストが&MEとRampaで、私はサブフロアーで回す予定でした。でも、2020年の3月というまさにパンデミックの時期で来日が出来なくなってしまいました。事前に自分のストーリーでパーティーの宣伝をした時にRampa本人からメッセージをもらったんです。最初は、日本に行ったら美味しいラーメンが食べたい！　とか、そんな会話だったんですけど（笑）。私がハーフブラックだからなのかすごく気にかけてくれて、来日出来なくなったあともやり取りを続けていたんです。そこから、〈Keinemusik〉のミックスに参加しない？と誘われて、私自身もすごく驚きました。

Keinemusik Radio Show by Katimi Ai 23.10.2020

━━すごい抜擢！　彼らはベルリンでもカルト的な人気を誇るので、レーベルナイトがすでにフェス規模になっているし、チケットがソールドアウトや高額になっています。

サキコさんのこともそうですが、人との出会いに恵まれていると思っています。東京にいながら海外のアーティストやレーベルの方から突然ポンっと連絡がきたりするんですよ。ベルリンにいた時も「今ベルリンにいるよ！」と、インスタグラムに投稿しただけで、DJ Stingrayが連絡をくれたこともあります。好きなアーティストだからすごく嬉しかったですね！

━━そうやって人を惹き付ける魅力がKatimiさんにはあるんだと思いますし、ベルリンのシーンがフィットするんだと思います。音楽活動をする傍ら、BLM運動にも積極的に参加していますが、他国に比べて保守的な印象を受ける日本でフロントに立ち、声を上げることにかなりの勇気がいりませんでしたか？

勇気を出して行動に移したというよりは、自分にとっては当たり前の行動だと思いました。日本で生まれて日本の文化の中でずっと育ってきたのに、ハーフブラッ

クという見た目だけで幼少期から当たり前のように差別を受けてきました。そのことにずっと違和感を感じていたんですよね。8歳ぐらいの時に両親が離婚して、ごく一般的な家庭だったのでインターナショナルスクールとかには通えず、公立の学校に通っていたこともありますが、周りにハーフブラックやブラックの同級生はいませんでした。だから、「黒いよねー」とか「黒人！！」とか、叫ばれたりするのが日常で、自分だけ違う、自分のことを恥ずかしいとさえ思うようになってしまっていました。学生時代は人前に出ることにも消極的だったし、自分に自信がありませんでした。でも、ずっと差別されることへの違和感を感じていたので、BLM運動の時は「やっと言える！！」という気持ちの方が大きかったですね。

━━幼少期から私たちには想像も出来ないような辛い思いをされてきたんですね。BLMをきっかけに公共の場で声をあげる行動に出たわけですが、それによって何か変わったことはありますか？

まず、BLMの前に見た目は外国人なのに英語が話せないことはどうなんだろう？　と思って、英語の専門学校に通い始めました。そこでようやく日本で暮らすハーフの人たちと出会って、自分を受け入れてもらえたんですよね。その後、BLM運動が起きて世界中に同じ苦労や辛い思いをしている人たちが沢山いることを知りました。少数ですが、ハーフブラックの友人たちとも話し合いをして、差別用語を言われることが当たり前になってはいけないと強く思いました。友人の中には、石を投げられた人もいましたから。肌が黒いというだけで自由を奪われるのはおかしな話ですよね。少人数の友人から輪が広がっていって、最終的にBLM運動のデモに参加することになりました。

デモに参加したり、公共のメディアで発言することによって、周りの友人からは「“ブラック”って言うことが失礼なの？」と聞かれたり、気を使ってくれる人が増えたのは事実ですね。

━━日本はアジアの極東にあって日本語しか話さないし、他国の文化を取り入れているようで内向きな部分がものすごいありますよね。特にオープンマインドではない人種だなと思います。でも、私自身もベルリンに移住するまではやっぱり分からなかったですよね。人種差別とはなんなのかって。

そうなんですよ！　みんな知らずに無意識で差別をしてしまっているんだと思います。そこに悪気はないんですよね。知らないだけで。だからこそ知って欲しいと思って行動しています。

━━でも、表に出るのが苦手だったところから、今ではDJとして活躍するようになったわけですよね。そういった辛い経験は音楽活動に影響を与えていますか？

幼少期から音楽がすごく好きで、歌手になりたいと言う夢がありました。でも、歌手は無理だなと気付いて、DJは下を向いて、プレイに没頭できるから自分にもあってると思ったんです。DJならメッセージ性の強い曲を流せるし、曲が勝手に主張してくれるところも気に入っています。 DJを始めた当初は、純粋に音楽が好きだからDJをやっていましたが、アフロハウスの存在を知ってからやっぱり意識するようになりましたよね。BLMについて語っている曲も増えたし、自分でも意識してかけるようになりました。

━━BLMについて歌っている曲って具体的にどんな曲ですか？

よくかけるのはこの2曲ですね。

“THE PSA” - Karen Nyame KG

“Afrolatina” – Daved Montoya

━━ボーカルがしっかり入った曲ですが、オーディエンスから曲についての反応があったりしますか？

説得したい！　という思いはありますね。これを聴いて！　って思いながらいつもかけています。DJってすごく個性が大事だと思っているのと、昔から人と被りたくないというのは根本的にありました。友人からも選曲について、今の曲はKatimiにしか流せない曲だよね、カッコ良かった！って言われるようになったのは嬉しいです。

でも、同時にいろいろと頭にきていたことがあった時期でもありました。ブラックアーティストかっこいい！　と公言しながらミックスをよくかけているDJでもBLMに関しては何も行動しなかったり……保守的な音楽業界に嫌気が差したこともありました。BLMに対して上辺だけの人が多いかなということも実感しました。

━━BLMだけに限らず、LGBTQ+とか、今であればウクライナ情勢だったり、今この瞬間に起きている世界の出来事に対して自分で調べて知ろうとするのが当然だと思っていますが、こんなことを言ったら反感を買うんじゃないか、干されてしまうんじゃないか、そういったことを気にする人がすごく多い気がします。当事者が言っても変わらない、周りが気付いて変わらないといけない問題でもあると思います。日本の音楽業界でも声を挙げている人は多い印象を受けましたし、クラブシーンでも20代、30代の若い世代の方がソーシャルメディアで発信して、行動に移していると思いましたが、その辺はどうですか？

世代関係なく、敏感な人は敏感だし、行動している人はしていますよね。自分が出演した小さい規模のフェスでもDVから守るためのセーフハウスがあったり、セクハラ問題に対して精力的に動いている人たちがいます。それは、きちんと発言する人がいるからこそ実現されているし、日本も変わってきているとは思います。

━━それは心強いし、海外にいるとなかなか知り得ない貴重な情報ですね。今後についてお聞きしたいんですが、現在は東京を活動拠点としていますが、今後、海外での活動が増えていきそうですか？将来的に活動拠点を海外へ移したいなど希望はありますか？

海外には行きたいですよね。ギグやツアーでいけるのが一番理想的ですし、今回のリリースがきっかけでバリ島からオファーをもらいました。でも、今は楽曲制作に力を入れたり、東京でもっと頑張って実績を作りたいです。ベルリンは人生を楽しむためにまた行きたいですね（笑）。

━━次にベルリンに来る時は是非一緒にハングアウトしましょう！！本日はありがとうございました！！

Katimi Ai（カティーミ・アイ） 東京出身のDJ/プロデューサー。日本人とナイジェリア人の血を引くカティミは、学業に励む一方、バーを経営する父とラジオ番組を担当する母の影響から、常に音楽と向き合ってきた。学業を終えた後、彼女はプロとして音楽への情熱を追求することを決意。 2015年、そのユニークなルックスとカリスマ的な魅力で、東京で瞬く間に話題となる。彼女のアクティベーション/レジデンシーは、WOMB、Ageha、Circus、Vision、Vent Tokyoなど。 2017年、新しい領域に踏み出すためにニューヨークに渡り、マンハッタンとブルックリンの様々な会場でアクティベーションを始めるためにプレイし、2018年8月にブルックリンを拠点とする会場Kinfolk 90とのアクティベーションのために再度渡米。 2019年1月、ブルックリンを拠点とするラジオ局HALFMOON BKから、日本から初めてとなるレジデントDJとして起用される。 「YY project K」に参加し、琴奏者のAsukaとビートメイカーとしてコラボレーションを行う。 2022年5月、ファーストシングルをリリース。

Twitter｜Instagram

美しい夕暮れに包まれる野外ステージ、Evan Baggsによるスウィンギンなハウスと優しい笑顔に大歓声と拍手が湧き起こる。最終日のハイライト、長い間触れることさえ許されなかった音楽とパーティーと人とが再びひとつとなった最高の瞬間だった。

ポルトガル・リスボンにて初の開催となった＜Sónar Lisboa 2022＞は、大成功のもと幕を閉じた。そして、興奮も余韻も冷めやらぬ状態で早くも来年の開催が発表された。そんな＜Sónar Lisboa 2022＞の現地レポートをQetic独占にてお届けする。

ポルトガルと言えば＜Boom Festival＞＜Secret Project Festival＞＜NEOPOP Festival＞などをはじめとする多数のビッグフェスが開催され、特に、トランス、テクノシーンが根付いている国だ。そのため、＜Sónar＞の開催が今年初というのは意外だったが、コロナが収束した直後の開催地としてリスボンは最適だったのではないだろうか。フェス規模の大型イベントを待ち望んでいたのは、私たちオーディエンスだけではない。何より、オーガナイザーやアーティスト、フェスに関わるすべてのスタッフの熱意が充分過ぎるほど伝わってきた。

＜Sónar＞は、スペイン・バルセロナを発祥の地とし、同名を冠したフェスを20カ国以上34都市にて開催してきた。2011年には東京のSTUDIO agehaにて＜Sónar Sound Tokyo＞として開催されている。リスボンでは、市内のランドマークを会場に4月8日から10日の3日間に渡り開催され、観光名所や歴史的建築をフェスのために贅沢に利用していることに驚いた。

私個人のベストアクトとベストべニューを言うならば、2日目の夜、Coliseu dos Recreiosにてパフォーマンスを行ったFloating PointsとBICEPに一票を投じる。Coliseu dos Recreiosは、1890年に建てられた歴史的な円形劇場で「リスボン・コロシアム」とも呼ばれており、コンサートホールとして利用されている。中央に設置されたステージからは会場内を360℃見渡すことができ、上品な赤いベルベットの観客席、上階にはゴールドの装飾が施されたバルコニー席、アンティークライトが映えるブルーの天井。どれをとっても圧巻の美しさだった。

Floating Pointsは、3月に〈Ninja Tune〉から“Vocoder”に続いて“Grammar”をリリースしたばかりで、＜Sónar＞のステージでも披露してくれた。決して一つのジャンルにカテゴライズできない独自のサウンドが魅力のFloating Pointsだが、これまで見てきたどのDJプレイよりもフロアーにフォーカスしたアグレッシブなセットは感極まるほど完璧だった。ブレイクビーツを保ちながらUKガラージ、ハウス、テクノを自在に操り、トリッキーなシンセ音がコロシアム中に鳴り響き、オープニングからラストまで1トラックも聴き逃さずに無心で踊り続けた。

休む間もなく、LEDライトがソリッドに客席を突き刺す中で始まったのがBICEPのライブだ。UKガラージ、90年代を彷彿させるオールドスクール、エモーショナルなボーカルトラック、トランシーなシンセが入り混じり、どこかレトロでありながら煌びやかな世界を構築。マット・マクブライアーとアンディ・ファーガソンの2人は、向き合った体勢でリズムを取ることも、腕を上げることも顔を見合わせることもなく、ただひたすらクールに音を放つ姿も印象的だった。フェイバリットトラック“ATLAS”をライブで聴けたのは嬉しかった。

滞在していたホテルに程近く、最も足を運んだ会場が、25ヘクタールもある広大なエドゥアルド VII デ・イングラテーハ公園を突き抜けた先にあるPavilhão Carlos Lopesだ。1922年に建てられたバロック様式の美しい建築の中には巨大なメインステージ、物販ブースなどがあり、他の会場にはない唯一の野外ステージとフードエリアも同じ敷地内に設置されていた。

初日のお目当てはArca。大歓声と神々しいライトとともに登場したが、アキバのメイド衣装に黒髪ロングヘアーで一瞬誰か分からなかった。ノンバイナリーでトランスジェンダーであることを公表している妖艶な美青年は、より“女性”になることを決意したようだ。サウンドもより奇妙でアブストラクトに変化していた。個人的にはインダストリアルで不気味なArcaワールドを期待していたが、メイドの衣装のまま激しいビートにラップを乗せたレゲトンサウンドに圧倒された。

2日目は、惜しくもThundercatのライブを逃してしまったが、Nicola Cruzのライブを初めて体感することができた。彼のルーツである土着的なラテンサウンドをベースに、軽快なビート、うねりの利いたグルーヴが心地良く、フロアーの熱気とともに高揚感が増していった。

Pavilhão Carlos Lopesからは少し離れた場所にあるCentro de Congressos de Lisboaでは、テクノのドリームチームが連日出演していた。ミニマル界の帝王Richie Hawtinがタッグを組んだHéctor Oaksとの共演が気になっていた。Héctorはベルリンを拠点とし、TresorやトビリシのBassianiのレジデントを務めるテクノDJだ。どんなセットになるのか楽しみにしていたが、向き合った姿勢でヴァイナルでのB to Bは、一気に90年代へと飛ばされた。

Plastikman名義でのソリッドなミニマルをPRADAに起用し続け、最近では、Chilly Gonzalesとの異色のコラボレーションでも話題となっていたが、原点回帰だったのだろうか？　＜Sónar＞の設立当初から30年近くに渡り、レギュラー出演してきた王者の貫禄を見せつけた夜となった。

海に近いこともあり、風が強く、天気もそこまで良好ではなかったが、カラッと晴れた最終日の夕暮れは本当に美しく、同時にフェスが終わりに近づいていることを物語っていた。来年もまた同じ場所で歓喜に満ちたオーディエンスの一部になれることを心から願っている。

1月19日、オミクロンの存在をいち早く消し去ったイギリスは、マスク着用義務などのレギュレーションも撤廃した。それに続くように、EUでは初となるデンマークがコロナ規制の全てを撤廃すると発表した。ドイツも続いて欲しいと願ったが、それを打ち砕くかのように他国より厳しい規制が敷かれたままだ。”2Gプラス”と呼ばれるワクチンパスポートもしくは回復証明書の提示に、さらに24時間以内に受けた抗原検査による陰性証明書を併せて提示しなくてはレストランやバーを利用することが出来ない。当然ながらローカルクラブは再び営業停止を命じられている。近隣のコロナテストセンターは連日行列を成しているが、反して週末にも関わらず飲食店にはお客さんが数名しかいないといった悲惨な営業状況を目の当たりにする。

国によって対応が大きく異なるのはワクチンにおいても同様のことが言える。ドイツでは、ワクチンの効果を信じ、率先して接種している人も多いが、接種しなければ仕事を失ってしまうから、自由を奪われてしまうから、という理由で仕方なく接種する人が多いのも事実だ。他ならぬ私もその1人である。重度のアレルギー体質だったため、小学校高学年から一切のワクチン接種を行っておらず、インフルエンザのワクチンもやったことがなければ、一度しか掛かったことがない。それなのに、コロナに対してだけワクチンを接種しないと日常を送れないなんておかしな話ではないだろうか。

ベルリンでは、ワクチン接種者であってもオミクロンに感染した人が多数いることや副反応の辛さからブースターを打ちたくない、軽症で済むならいっそ感染して、リカバリー証明書をもらいたいという人が一気に増えた。それを問題視したのかまでは不明だが、感染から回復した人に発行されていたリカバリー証明書の有効期間がこれまで半年だったのに、いきなり3ヶ月に短縮された。

こういった状況下においても、どんなに自由を奪われようが、事実上のロックダウンになろうが、「絶対に打ちたくない！！」という人たちも一定数いる。そして、毎週コロナ対策に対する反対デモが開催されている事実も知って欲しい。そんな様々な疑念や懸念が浮かび上がるドイツ政府の対応だが、コロナ関連のニュースで一番の衝撃を受けたことは、DJやミュージシャン、クラブ関係者がワクチンセンターで働いているということだ。

世界規模でクラブの営業がストップし、パーティーもフェスも中止となったパンデミックの最中に仕事を失ったアーティストの数は計り知れない。バースタッフ、セキュリティー、PA、オーガナイザーなども同様である。毎週末ぎっしり詰まっていたギグの予定が全てキャンセルとなり、その状況が数ヶ月続けば、ギグが主な収入だったアーティストたちが困窮しないわけがない。そんな彼らを救うためにワクチンセンターで雇用したという話だが、イベントホールとして利用されてきた「Arena Berlin」がワクチンセンターに、フェティッシュクラブの「KitKat club」がコロナテストセンターへと様変わりしたことから、どこかきな臭さを感じてしまう。

念のため、名誉のために実名は挙げないが、フェスのヘッドライナーに抜擢されるような人気DJや日本でも人気のディスコDJから、有数クラブのマネージャーやバウンサーに至るまで、約5000人が起用されたと聞く。日本語でもいくつかの記事を目にしたが、ワクチンセンターについては、ナショナルジオグラフィックの記事を参考にして欲しい。

パーティーのないベルリンなんて、もはやベルリンではない、ただの汚いだけの街に成り下がってしまう。当たり前のことだが、アーティストはワクチンセンターで働くためにこの街にいるわけではない。コロナ禍における末期症状のような現状には心底落胆してしまうが、こんな状況下でも営業可能なバーでは、著名DJを招いたパーティーを開催している。あくまでもバー営業の延長にDJがミュージックセレクターとして入っているといった形だが、音とパーティーに飢えているベルリナーにとっては救いの場となっているのだ。

私自身も何度も足を運んでいる「repeat bar」では、不定期ではあるが、ベルリン拠点のハウスDJ、Jus-Edが土曜日にオールドスクールなパーティーを開催しており、SNSで直前の告知ながら毎回大盛況となっている。最近では、Jus-Edとは別の土曜日にpanorama barのレジデントとしても活躍しているSoundstreamがDJ仲間とともに出演するようになり、同じく直前の告知にも関わらず毎回大盛況のようだ。

入店するには2Gプラスをクリアしなければならないが、どんなに厳しい規制を敷かれても良い音で踊れるならどこへでも行く、これがベルリナーの姿である。

他にも、最近最も人気スポットとなっているのが、コロナ禍にオープンさせて大成功を果たしている「Kwia」だ。その強気の姿勢にも感銘を受けたが、オーナーカップルの2人はベルリンにおけるLGBTQカルチャーに精通している人物で、オープン当初から話題となっていた。それほど広くない店内は靴を脱いで入るユニークなスタイルで、基本的に座って音楽を聴きながらチルアウトするための空間といったコンセプトだが、あまりに人気で人が押し寄せてしまうため、自動的にスタンディングになってしまう場合もある。

「Kwia」に関しては、別途取材をしたいと考えているが、バードリンクのクオリティーが低いベルリンにおいて、クラフトビール、ナチュールワイン、本格的なカクテルをきちんと扱っている希少なバーであり、そういった拘りにも一目置いている。

暗い、寒い、長いの三拍子揃ったベルリンの冬を生き抜くには、娯楽がなければメンタルがやられてしまう。厳しい規制の中でもアンダーグラウンドカルチャーの大切さを理解し、提供し続けてくれるバーやアーティストへのリスペクトとともに春の訪れを心から待ち望んでいる。

『HIROs LIED』は11月19日、20日の２日間に渡り、シュテーグリッツ地区にある劇場「TanzTangente」にて開催された。ワクチン接種者が増えたにも関わらず、新型コロナウイルスの感染者数が増加の一途を辿るベルリンは、2Gというワクチンパスポートとリカバリー証明を持つ人だけが入店可能。2Gに満たない場合は、交通機関を利用する際も24時間以内に検査した陰性証明が必要になるといった厳しい規制を敷いた。（現在はさらに厳しい規制が課されている）そんな混沌とする情勢の中での開催となったが、チケットはほとんどが完売となる大盛況に終えた。

演出家・振付家の前納依里子さんは、14歳から声楽やバレエ、ジャズダンスを始め、その後コンテンポラリーダンサーとしてのキャリアをスタートさせ、これまでに、東京ディズニーランドや新国立劇場のオペラやダンスプロジェクトなどで活躍してきた。ベルリンへは2016年に拠点を移し、振付家、演出家、ダンサー、ダンス教育者としての新たなキャリアをスタートさせ、現地のアーティストとともに自身のプロジェクトを始動させた。

私が個人的に興味深いと感じたのは、日本を含む東アジア独特のテーマを掲げ、それをドイツで表現するという点だ。東アジア地域特有の文化遺産である海女漁の歴史と現在をテーマとした『AMA-Perlentaucherin』では、2020年に本公演が開催出来なかったことから、360°の映像で見せるといったこれまでにない斬新な発表を行い、演出家が自らカメラを回し、編集まで手掛けている。ドイツでは馴染みのない”海女”という存在にフォーカスした点やドイツを代表するクラウトロックバンド、タンジェリン・ドリーム（Tangerine Dream）のトースティン・クェシュニングが音楽を担当しているなど、独特の感性とジャンルも国境も垣根を超えた発想にとても関心を持った。

『HIROs LIED』は、私にとってベルリン生活の中で初めて観たセリフのある本格的な舞台である。当然ながらコンテンポラリーダンスにおいても、演劇においても素人だ。しかし、主演の舞踏ダンサーとして第一線で活躍する吉岡由美子さんとAsuka Julia Riedlさんによる日本語とドイツ語が入り混じるセリフ、全身全霊で表現するコンテンポラリーなダンスは、直球ストレートに心の奥まで届いた衝撃的な作品だった。認知症を患った日本人女性とその娘の物語という、一見タブーにされがちなテーマにあえて挑んだ理由は何だったのか？

前納依里子（以下、前納）　「10年前ぐらいに東京で認知症デイケアセンターに研修に行く機会があって、その時から”認知症”をテーマとした作品でやりたいと思っていました。そのデイケアは、末期的な症状の方ばかりなのですが、数十秒に一度同じ質問をエンドレスに繰り返す人、突如立ち上がってはヘルパーさんに怒鳴りちらす男性、お人形を本当の赤ちゃんだと思って優しく話しかけ続ける人、毎朝壁に排泄物をなすりつける人など、まさにカオスそのものだったんです。ベルリンに移住してから、今度はベルリンのデイケアに2カ月間リサーチに行きました。 そこは、東京のデイケアで見た光景とは真逆の平和で牧歌的な施設で、行く度に心が癒されるような柔らかい空気に満ちていたんですよね。認知症というのは一面的には語れないものだと感じ、まず、ドイツ人の高齢者5名とデイケアを舞台とした30分の作品を制作しました。今作の『HIROs LIED』は認知症をテーマとした2作目となります。主人公のヒロさんは、ベルリンのデイケアで出会った日本人女性ですが、彼女と出会って、初めて移民として異国で老いを迎えるということをリアルに想像したんですよね。記憶を喪失してもなお残る日本の民謡や日本的な所作を垣間見て、自分の老後を見るようでもあり、そこから今作の設定を思いつきました。」

事実、重いテーマであることに変わりはないが、かといって、絶望感に浸ることなく観劇できたのは、ユーモラスな演技、リアルと幻想が入り混じる美しい映像、そして、感情を揺さぶられるサウンド効果や音楽による演出の素晴らしさからだろう。今作で音楽を手掛けたドラマー・プロデューサーの青島主税さんにも制作について尋ねた。

青島主税　「認知症を通じて”人間はどこから来てどこへ行くのか”という本作のテーマを強く意識しました。普遍的で深いテーマなので、音楽もシーンや楽曲によっては普遍的な曲が必要だと思いました。認知症が進行すると小さい頃の思い出が強くなっていくと聞いてました。本作の母、HIROも、もともとは日本に住んでいたことから、一時帰国中に様々な音源を録音して、それをコラージュして曲のいたるところに散りばめたり、実際のシーンで鳴らしたりしてます。例えば、日本独特のお風呂が沸いた自動音声だったり、街の雑踏の音、鈴虫の音など、日本を彷彿とさせる音がふんだんに使われてます。 他に、心象についても認知症の母と娘という立場や観点からどう制作するかは試行錯誤しました。例えば、娘が母の認知症を初めて認識した瞬間のシーンがあるのですが、その感情の変化をどう音で表現するか悩みましたね。技術的な点においては、認知症のループ感や齟齬感を表現するために、あえてクオンタイズは使わずに音をずらしたりしています。認知症の症状とうまくリンクさせることが出来たのではないかと思います。」

実は『HIROs LIED』には、”分断”という裏テーマが隠されていることを公演後に知った。依里子さんは、以前から国、人、身分、文化などにおける”分断”においてもずっと危惧していたという。そこへ、コロナパンデミックという”分断”を象徴するような出来事が起きたのだ。

前納　「コロナ以前からアメリカのトランプ現象やブレグジットなど”分断”は顕在化してはいましたが、世界的パンデミックによって、その流れが一層強く広がったことに対して非常に胸を痛めています。国単位だけではなく、人間単位でもそれは明らかです。 とはいえ、”分断”は最近になって突如として現れた問題ではありません。私は自分自身が日本社会に適合できなかった人間であるためか、昔から社会の周縁的存在により共感を抱いていました。東京で活動していた当時は、下流社会などという言葉が出現し、自分が「彼ら、持てる者」の定義する下流に属する人間だという自覚もはっきりありました。それに対して、もちろん怒りもありましたが、同時に滑稽で茶番的だとも感じていました。”分断”を作っているもの、それを助長するものは何なのか、その両者は実は紙一重であることを、切実に感じながら東京での表現生活を送っていました。 分断を分断として言葉で語るだけでなく、分かり合えないと思われるコミュニティに入りこみ、彼らの目を見て、話す言葉を聞くこと、それを表現に昇華することが、今回の認知症テーマで取った方法論なのです。認知症患者は、私たちとは全く異なる時間、空間、感性で生きています。排泄物を弄ぶこと、それにも彼らなりのロジックがあるのです。私は本作を、認知症患者になるべく寄り添ったもの、彼らの見ている世界を通して私たちの世界を再発見するようなものにしたいと強く思っていました。それは社会の様々な分断を和らげる態度の一つであろうと感じています。」

素人の私であっても『HIROs LIED』を観るべきと直感で思ったのは、こういった真相や背景があったからかもしれない。遠く離れた異国の劇場で観る日本の風景は、お金と時間さえあれば自由に行き来できていた時代を思い出させ、家族を想い、両親や自分の老いについて考えさせられ、改めてベルリンという街にいる意味を考えさせられた。同じようにベルリンに長年住みながら、コロナ禍でも止まることなく、勢力的に活動を続ける依里子さんのバイタリティーは一体どこから来るのだろうか？

前納　「パンデミックで状況が一変して以来やむなき自問自答の日々です。2020年は一切ライブ活動ができなくなり、予定していた新作もデジタル公開にせざるを得ませんでした。それでも得るものや学んだことも多くありましたが、私はやはりライブでしか得られない体験を作り出す専門家であることも同時に強く意識しました。同業者のほぼ全員が、やはりライブは他の何ものにも代え難いと語っていたのも印象的でした。 最近思うのは、ダンスも舞台も時代と共に進化する必要があるということです。それは迎合やトレンドに乗るではなく、時代の変化のフロントラインに個人として立ち、新たなツールも採用しながら試行錯誤をすることが、変化の激しい2020年代をサバイブする唯一の道だと感じています。そうでなければ、ダンスも舞台もどんどん陳腐化し、テクノロジーや大予算を投じたネットフリックスやゲームなどのデジタルカルチャーに負けるのは必至だと思うからです。デジタルカルチャーには提供できないダンスや舞台の価値は何なのか、私自身今後も試行錯誤を重ねて唯一無二のライブ時空間を作り出していくのが大きな課題です。」

依里子さんは、社会問題や一個人における問題を取り上げ、コンテンポラリーという表現方法で、観る人たちへメッセージを送り続けている。現在の形になるまで相当の苦労があったと聞くが、異国で活動する一人の日本人としてメリット、デメリットについて聞かせてもらった。

前納　「移住後の最初の3年間は、言語だけでなく、妊娠・出産も伴い精神的に相当しんどい期間でした。ただ、アーティストとしては、日本では資金面や環境面から諦めざるを得なかったことにどんどんチャレンジできています。正直なところ、ドイツに来ていなかったら一生諦めるしかなかった表現が次々と実現できていることに私自身驚いています。なぜ日本では実現できなかったのかを考えるのはとても重要で、私の場合は一重に資金と環境です。日本ではまだ箔のない若手振付家に予算がつくことは非常に稀です。しかし、ベルリンではドイツでのキャリアゼロの外国人の私が助成金を獲得できるのです。日本ではそんなことが起こりえないでしょうし、それが多様性を担保する社会の在り方なのだと学びました。こちらの助成金選定プロセスでは、人種や経歴や容姿よりも、アイデアとコンセプト、実現できる可能性を最重要視しているのがよくわかります。 しかし、予算がつく以上コンプライアンスが強く求められるため、ダンサーや関係者への報酬、労働時間管理、契約書や権利規定などの仕事はとてつもなく増えます。これも日本とドイツの大きな違いですね。 資金がなくても表現活動はできますが、より踏み込んだスケールの表現をしたいと思うと、資金は欠かせませんし、ダンサーや役者の労働環境の向上にもつながります。日本でも、より多くのアイデアを持った若手に資金が回るような助成システムになることを心から願っています。」

ベルリンには、本当に多くの日本人が幅広い意味での”芸術”に携わり、活躍している。日本にいたら出会うことがなかったかもしれない誰かと出会う度に、新しい世界を知り、パッションから元気をもらい、それらが全て自分の生きる糧となっている。

DJ/プロデューサーのLawrenceことPeter Kerstenからインフォメーションが届いたのをきっかけに取材の準備を始めた。10月7日から17日の10日間に渡り、コンベンションセンター「ICC Berlin」にて開催された＜THE SUN MACHINE IS COMING DOWN＞は、ベルリン在住のクリエイターたちが次々と写真や動画をソーシャルメディアにポストするほど話題となった。

誰もが写真を撮ってポストしたくなるようなアイコニックな建物は、1979年に建築家ラルフ・シューラーによって設計された。28,000平方メートルを誇る敷地内には、大小を含めた80ホールがあり、マップを見ながら移動しないと迷子になるほど。レトロフューチャーなSFデザインも相まって方向感覚が狂ってしまうほどだ。維持費の問題から取り壊しの可能性が浮上していたとのことだが、2019年9月には歴史的建造物として登録されたのち、＜Berliner Festspiele（以下、ベルリン芸術祭）＞主催のプロジェクト開催によって、ようやく息を吹き返した。

ベルリン芸術祭では、音楽、演劇、パフォーマンス、ダンス、文学、ビジュアルアートなどの分野における独立したフェスティバルや展覧会、イベントを多数開催しており、＜Berlin Jazz Festival＞もその一環である。70年間続いていることに驚いたが、今回の＜THE SUN MACHINE IS COMING DOWN＞はその集大成とも言える数え切れないほど多くのプログラムが盛り込まれていた。残念ながら全てを網羅することは出来なかったが、その中でも特に印象に残ったものを紹介したい。

大ホールでは、アートコレクターでソーシャライトとしても有名なユリア・シュトーシェックの美術館「Julia Stoschek Collection」によるフィルム上映が行われた。サイバーパンクなデザインと終わりが見えないほど高い天井に圧倒されながら、レトロなライトが印象的な座席に着くとすぐに、世界的ビデオアーティストのエド・アトキンスの映像作品が流れ出した。生身の人間に近いアバターやリアルな架空世界をCGで生成し、スタイリッシュで洗練された映像を作ることで高い評価を得ているアトキンスだが、作品のコンセプトを知らないまま観てしまったため、シュールでシニカルといった印象しかなかった。私のようなデジタルアートに疎い人間にとっては事前に予習する必要がある。

デザイン的にも1番好みだったバーで休憩をしている際に、どこかから声と音楽が聴こえると思っていたら、同じフロアに展示されていたロボットパフォーマンスだった。腹話術人形を彷彿させる人間とネコの頭だけが天井から吊され、奇妙な会話をし出すというユニークな仕掛けは、『Suspended Delirium』と題されたモニラ・アル・カディリとラエド・ヤシンとのコラボレーション作品。

別のホールでは、LawrenceがグリーンのLEDと多数の観葉植物に囲まれたステージで、アンビエントミュージックのライブパフォーマンスを披露。大ホール同様に高い天井から吊るされたスピーカーから出る音が素晴らしく、ビートこそ少ないが心地良い音波が身体に響いてくる。当然ながらこの日は踊れる音を目的に来たわけではない。しかし、他のライブパフォーマンスを観ることはできなかったため、Lawrenceのステージが唯一となったが、美しいサウンドに最も酔いしれ、安堵することができた

見逃してしまったプログラムもあったが、正直なところもう少し大胆なアプローチを期待していた。よりコンテンポラリーにフォーカスしていたのかもしれないが、謎めいたものが多いように感じてしまった。しかし、このレポートで1番伝えたいことは、ベルリンにはまだまだ知らない文化が潜んでいるということだ。壁があった時代にICCのような”奇妙でスケールのおかしい宇宙船のような物体”を創ってしまうこの街は、やはりクレイジーだと思う。そして、建築、歴史、用途などすべてにおいておもしろい。